如果你在失意的最好别看，当我们最穷的时候，也只有做梦才能想的到吧，这个电影是关于三观的，嘻哈不像命运屈服的一个人！如果你在失意的最好别看，当我们最穷的时候，也只有做梦才能想的到吧，这个电影是关于三观的，嘻哈不像命运屈服的一个人！如果你在失意的最好别看，当我们最穷的时候，也只有做梦才能想的到吧，这个电影是关于三观的，嘻哈不像命运屈服的一个人！如果你在失意的最好别看，当我们最穷的时候，也只有做梦才能想的到吧，这个电影是关于三观的，嘻哈不像命运屈服的一个人！如果你在失意的最好别看，当我们最穷的时候，也只有做梦才能想的到吧，这个电影是关于三观的，嘻哈不像命运屈服的一个人！如果你在失意的最好别看，当我们最穷的时候，也只有做梦才能想的到吧，这个电影是关于三观的，嘻哈不像命运屈服的一个人！如果你在失意的最好别看，当我们最穷的时候，也只有做梦才能想的到吧，这个电影是关于三观的，嘻哈不像命运屈服的一个人！如果你在失意的最好别看，当我们最穷的时候，也只有做梦才能想的到吧，这个电影是关于三观的，嘻哈不像命运屈服的一个人！如果你在失意的最好别看，当我们最穷的时候，也只有做梦才能想的到吧，这个电影是关于三观的，嘻哈不像命运屈服的一个人！如果你在失意的最好别看，当我们最穷的时候，也只有做梦才能想的到吧，这个电影是关于三观的，嘻哈不像命运屈服的一个人！

遥记10年暑假，花了三天时间看完钢炼FA时的心情。发自内心的震撼，泪流不止，时至今日，依然没有哪部动画在我心中能超过钢炼FA的份量。小钢豆像我的一个朋友，我看着他打怪升级，看着他历经千锤百炼，终于淬炼出一颗钢铁般坚强的心。他是我学生时代最大的鼓舞，即便是现在工作了，还会时不时拿出几集来看看，似乎看一看小钢豆，就有了继续努力下去的勇气和决心。作为一个不太反感真人漫改的非典型动画党。起先我是非常期待这次的真人化的，因为华纳兄弟的招牌，一群我觉得适合的演员，我想再怎样，也不会差到哪去吧……结果，不得不说差强人意。理性的说，这部电影对于完全三次元，不关注二次元的人来说，（大概？也许？可能？）会觉得还不错吧。前后故事线比较完整，该出场的重要角色也算人设明确。特效，可以说，我觉得已经够好了。人物造型，在预告片出来时我就觉得简直没得挑。马斯坦大佐和霍克艾少尉的那套军装，我真的觉得又帅又有质感。还有小钢豆的那套红衣服，和那头带辫子的金发。温蒂那耳朵上一排的耳钉，也是很良心了。更别说意大利的取景，还有一些重要场景的制景，都是没的说。这里给设计师和道具师点1万个赞。再说一下演员。平时也看日剧，出场的演员全都是熟面孔，即使叫不出名字，我也眼熟的那种。刚爆演员名单的时候，我真的觉得这个演员表已经赢了。因为就在我有限的观影经历里，真的觉得再也找不到更适合这些角色的演员了。藤冈靛和莲佛美沙子这对真的太有CP感了；夏菜的罗斯也意外的英气；松雪泰子的拉斯特真的是一个眼神都是风情万种……盔甲弟弟也是非常灵动（X）。然而比较让我失望的是小翅膀。这个当年因为《安堂机器人》的小药丸，而狂刷了我一波好感的姑娘，在这部里，掉光了我的好感……总觉得她演的温蒂非常的用力，然后就撇了……和32也非常的……em……没有CP感。最后呢，回到三次元，算是32粉的我，觉得32没有毁我心中的爱德华，感谢他。外形上，我觉得目前再找不到一个身高和颜值都如此贴合钢豆的人。特别是那揪个小辫的大金毛，换个人，就要成车祸现场啊，但套他头上真的没啥违和感。演技的话，我觉得没撇。爱德华的挣扎，即使丢掉这个破烂不堪的改编剧情，我还是能感受到。虽然他是因为《暗杀教室》拿的最佳新人奖，但我觉得爱德华才是各方面更贴合他，也更能展现他实力的角色。（上一个让我觉得特别有渲染力的角色还是《蚱蜢》里的蝉大人。嗯，这可能是个人喜好）只是觉得有点可惜，他很用心的演了，但这片子恐怕没法像丹尼尔的哈利一样，住进每个影迷的心里。最后重中之重，说到本片最大硬伤：编剧&导演……将动画将近500分钟（20集*25分钟）的剧情硬挤进120分钟的电影里，没有高超的导演和剪辑功力，真的会像按了快进键的流水账，却又没把该讲的东西讲清楚一样。感觉每个角色出现就是为了完成他的特定任务，在必要的时候贴合几句和原作相同的台词和场景。这样的角色真的像是失了灵魂，像牵线木偶一样，配合表演。更别提那些为了能在2小时里讲完故事，而大改的剧情和设定吧……真的无力吐槽。钢炼之所以打动我，除了爱德华兄弟两的百折不挠之外，还有它里面的每一个人物。每一个反派都不单薄，每一个出场的人物都认真刻画和铺垫。当我们对这些人物充分熟悉了之后，我们才能更好的入戏，我们才能真切的体会到他那时的内心活动。当然，这部电影里根本没有这些东西。为了让他们认为的主要人物尽可能多的在第一部登场，砍掉了另一些“配角”，甚至是一些桥段，故事。所造成的结果就是：嗯，我觉得他好像很悲伤，我觉得他好像很愤怒，但我不太能懂为什么……最后让爱德华来一段话：“我一定会找到不用贤者之石拿回你身体的办法”，配着悠远的音乐，丛林里穿行的火车，少年的冒险还要继续……好像打动了观众，实则只打动了自己。嗯，可能打动了导演。至于战斗场面，战斗场面……我还是再去看一遍动画吧。总的来说。钢炼FA，靠着它拔地而起的宏大的世界观，毫不注水环环相扣的剧情，饱满的人物塑造，精美的画面和配乐，成为我心中神作。当初听说华纳要拍它的时候，我还是欣喜的，我心中的这部神作，会像哈利波特一样，不仅存在在二次元，还将活起来。来到三次元，让更多不看动漫的人了解它的魅力。但遗憾的是，实践告诉我，日本真的还不具备还原它的能力。神作时至今日，依然很难被复制。观影建议：如果你是32粉且完全没看过原作，你应该能看的挺开心。除此之外，就别浪费这2小时了，2小时干啥不好，何必给自己心里添堵，不是吗。

偶然看到一篇文章推荐这部电影，观后不禁联想到生活中各个行业都有许多这样的人。

影片中老师利用权力便利，明示暗示学生家长们各种帮忙，为自己行方便。并按根据家长是否对自己有价值、是否迎合自己，来区别对待孩子。

孩子们都很清楚的明白这一切，他们看不起家长这样做。直到有个女孩子不堪忍受老师的心理暴力企图自杀，学校才重视此事。

开家长座谈会的时候，趋利避害的人性就暴露了出来。有家长一语指出学校也是生意场。

不愿帮老师忙、孩子被老师辱骂的家长，选择声讨老师。而一些受益学生的家长漠视这个女孩的遭遇，维护老师、粉饰太平。另外一群家长则是静观其变，不敢公开站队，有些在家长会结束后再偷偷回来签字。

这个世界，心地纯良或有大恶的人都是少数，大多数人都是趋利避害的墙头草，有时无形中还会助纣为虐。在孩子的成长过程中，家长迎合这样的权力，教会孩子的只是溜须拍马和趋炎附势。

在2014年焕发新生之后，来自日本的原子怪兽在长达10年的冬眠期后再度进入了活跃期：特摄大导樋口真嗣和EVA痞子庵野秀明的《真·哥斯拉》，是追本溯源和走向明天的重要作品；虚渊玄担纲编剧的动画三部曲，尽管很难称得上令人满意，但也是一次将哥斯拉的概念推向2万年后的大胆尝试。

而重新回到主流视野的哥斯拉，在70后逐渐接管好莱坞的大趋势下，也和《环太平洋》《怪奇物语》《大侦探皮卡丘》一样，慢慢长成了“珍珠翡翠白玉汤”：这批成长在8090年代的电影人们，利用更加成熟的CG技术和电影制作流程，将他们青少年时期的群体性初体验，复原成了留在印象中的生动模样。

就哥斯拉本尊而言，29部东宝出品，三部动画，1部罗兰·艾默里奇黑历史，再到今天的怪兽宇宙，并没有让它显得过时和老态。无论是特设还是CG还是做成特设效果的CG，哥斯拉依然能够carry全场——只要动作戏够精彩，铺垫动作戏的“垃圾时间”不那么垃圾，已经足矣。至于故事是不是必须因核而起，人物情节是不是一定严丝合缝，对于观众来说只是加分项，根本无关紧要。

一个典型例子，就是加里斯·爱德华斯在2014年重启的全新美版《哥斯拉》。尽管有着强烈的艺术风格和可靠的人类故事，但对于一部怪兽电影来说，大量黑到糊成一团的打斗戏实属隔靴搔痒。1.6亿美元的预算，放在超级英雄电影里已经超过入门级，但搁在《哥斯拉》身上却似乎并不划算。

于是，由资深编剧迈克尔·道赫蒂操刀的续集《哥斯拉2：怪兽之王》，在2亿预算支持下做出了一个重要的决定：牺牲部分故事的严肃性和逻辑性，以换取大幅提升的娱乐性。有着过于娱乐的黑暗宇宙和过于严肃的DCEU的前车之鉴，传奇影业和华纳方面显然在操作上要更加谨慎。为了能够成功开启名为怪兽宇宙的印钞机，可以预见的是，这一系列在未来将会提供更少的哲学思辨和更多的CG破坏。

在大银幕上活了65年的哥斯拉，身经百战见得多了，或有脑或无脑的围观群众，哪一种没见过。

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视频：https://www.bilibili.com/video/BV1FG41137Fm

7月25日我发了个视频猜测漫威会怎么拍《新X战警》，我说我认为MCU一直都有万磁王、X教授、金刚狼……只不过人们不知道他们的存在而已。

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严格意义上来讲，《星空》是直戳我点的一部电影，从预告片开始，就觉得说，一定是要看的。对于几米的作品而言，《星空》并不是最让我觉得最有力量或者说在突然间有感触的绘本，记得我第一次看几米的书是在高中，我的同桌送给我一本《月亮忘记了》，那本书现在仍然放在抽屉里面像新的一样，但也是我小心翼翼翻了很多遍的书。我现在其实也几乎忘记那本绘本在讲些什么，但我可以清晰的回忆起当时看几米作品的感觉，打个不恰当的比方，有点像看情色小人书，虽然是卡通，但深刻又强烈。很多年以后，我看台湾电影，也爱看台湾电影，写过很多台湾电影的影评，大三那会儿窝在家看杨德昌，看蔡明亮，看侯孝贤，也看郑文堂，阅读了很多关于台湾电影发展和现状的书籍，却没有办法用理论去直接往台湾电影上套，我一直觉得，看电影的人，你跟他说再多理论都没用，感受最重要。所以，我觉得很多人也应该不喜欢《星空》，因为触及不到他们的神经，于是证明了为什么那么多人喜欢《海角七号》，而我，完全没feel。如果说《海角七号》是现代台湾电影的一个转折，那么，我想这之后或者那期间的电影就不用谈电影语言了，我讨厌理论，对于一个学电影的人，情结、感知和想象力大于一切理论知识。但基础当然需要具备，要不然再拍出一部《夏天的尾巴》，也真够折腾观众的，当然，郑文堂老师的《深海》仍然算是佳作。所以，在魏德圣先生的《海角七号》各种卖座叫好以后，我开始怀疑我看的台湾电影是不是好的电影，或者说，我看的《海角七号》是不是魏导的那部。当然，之后的好电影当然是有的，我想《父后七日》、《停车》、《带我去远方》是一定能挤进台湾好电影前十的，至于说《九降风》，其实我真没什么印象了，除了海报上的天空和少年，似乎电影语言太容易混淆在一大批台湾电影中，抽离不出，对于没有像《艋舺》这么高辨识度的电影真的很容易淹没在台湾电影浪潮里，傻傻分不清楚。这部《星空》却是一个实实在在的突破。我到电影院的时候，电影已经开始20分钟了，我很庆幸我能在20分钟以后看懂片子，并且没有被搞晕菜，导演没有玩浮夸，没有玩悬念，平铺直叙，自然而言。原本我以为内部观摩活动不会有那么多人，殊不知确实就有那么多人，大放映厅座无虚席，我就只好坐在旁边走道上，这也算是我人生中第一次坐在虽然铺着地毯但也极不舒服的台阶上看完整场电影。其实《星空》不难理解，讲述的就是两个青春期的少男少女因为家庭、学校、懵懂的感情而拉扯出来的成长的故事，老百姓的，平民化的，就像你弟弟或侄子的故事。可能是因为那句“我们一起去看星星好不好”，就把我整个吸引住了，这更像是一个被工作、社会压迫太久的上班族内心迫切的念想一样，朴实的一句话却能量十足。“私奔”的情感总是吸引我的，没有挥一挥手带走云彩的惆怅，多的却是更加直接的内心需求。于是他们就去了，在脱轨的火车上穿越星空，然后开启了认识自己、了解别人内心挣扎欲求的秘密旅行。我觉得人总是希望更强烈的活着的，这在小美身上表现得极为明显，由于家庭的即将破碎，爷爷的离去，而真正有一个更贴近自己了解自己和懂自己的人对于小美来讲变得很珍贵，小杰便是这个人。当然，在小杰身上也存在着这样那样的问题，电影里，小美问小杰，你觉得两个人之间的爱会消失么？小杰答：会。坚决得像个经历丰腴的成年人一样，而那种表现也恰恰只是年少的假成熟，对于一个13岁少年来讲，或许他并不明白，爱并不是最重要的，探索爱和需求的过程才最重要。其实这套用在二三十岁的人身上也依然成立，所以原则上，《星空》更多的，是给那些因为压力和周遭纷繁琐事无法自处的人看的，让他们更有勇气说出那句“我们一起去看星星”，当然，可以不用是原句，也可以换成“我们私奔吧，现在！”“我们搞一下吧，晚上！”“我们不要再挣扎了，爱谁谁去。”之类的。重要的是放开各种束缚，按照自己的内心去生活和感受。我一直不太明白为什么在火车起飞以及翱翔在星空中的那些时间小杰是睡着的状态，如果把这个伏笔理解为小美的内心世界或者每个人内心的差异化而变得有距离感是不是正确的。一开始的旅程是全新的旅程，是了解对方、了解自己的旅程，而在这个过程中，才是消除这种内心差异、情感距离的一个靠近的过程。在这个旅程中，每个人看风景的眼光都不同，但最重要的，是当迷雾退散以后，是否可以一同仰望星空，去寻找更坚定的价值观和生活状态。其实这部电影也是极具符号化的，拼图、折纸，这些小孩子玩意儿其实本质上也映射了现代人内心的渴望，渴望拉近与别人距离，渴望被援溺振渴，渴望更纯真的情感，而本质上，每个人都是缺了角的拼图，只看你走过那段看星空的旅程，有没有找到更妥帖的那一块人格，拼凑上去，完善自己，也更懂得与人相处。虽然说教，但不是没有道理。镜头没什么好说的，四平八稳，没有耍花腔没有各种晃动到让人发指的所谓的“情感表达手法”，要看晕眩的台湾电影可以选择《阳阳》，要看浮躁的台湾电影可以选择《爱的发声练习》，《星空》有的，就是那些带着小幻想、小冲突和小羞涩却让你更加勇敢的自我更新，轻松又有想象空间。一部电影，怎么可以没有缺点，对于只独立执导过两部电影的林书宇先生而言，更是如此，以下观点纯属个人感受，敝帚自珍，若有相左意见，望请点拨指导斧正。整部片子顺下来，发现情感的高潮和爆发点似乎少了一些，一直稳扎稳打，却忘记电影本身的起伏，如果有更加强烈的情绪渲染，可能会更有记忆点，让看客更加深刻和感动。桂纶镁的出现我对此持保留态度，不予置评就是最好的表态。其他演员都非常好。最后，如果结尾法国小巷子的那间拼图店，只有那副《星空》的地图是缺了一块，或许会更完美，更有想象空间。在放手前，想要抓多紧，就抓多紧。让我们每一个成年人，都读懂小孩的语言，让每一个小孩，都用自己的方式让成年人知道，他们活得多不强烈。我的微博，有兴趣一致的朋友可以多交流哦：http://weibo.com/hirowork2010

三条故事线，三个女性，分别代表了女性在职场上三个不同的阶段或位置：梅根是爬到了顶层的女性精英，掌握能和老板议价的话语权（就是这样年薪千万的女性，看似光鲜，被川普公开施以经期羞辱也只能忍气吞声）；格雷琴是中间夹层，随时可以被替换炒掉，最终只好放手一搏；凯拉则是新人，天真无知，满是憧憬，却不知自己就是最容易得手的猎物，也没人告诉她这些人人心照不宣的秘密，面对极端耻辱的要求也不敢或不知道该如何反抗，甚至觉得是自己的错。

这三条线在电梯里是唯一一次交集，都是被代表着电视台顶层领导的罗杰（或以为是被他）召唤过去，因为罗杰一直采取的让女主播们互相争斗的策略，她们就像三个猎物在打量彼此，气氛非常微妙，却又无法沟通信息，甚至互相猜疑。

直到这一刻，她们的身上各自标签都消失了，只剩下同一个身份：在男性为主导的权力场夹缝中逼仄生存的女性。

闲来无事，看了二手玫瑰的大讲究。拍的很实在，很接地气，也很温情。推荐大家闲下来，静心看一遍。

剧情很简单，笑点也还行，东北特色的语言效果天生喜感。梁龙真的不错，演嫂子的真的不错，感觉是真情流露；两个二愣子小弟也是本色出演，傻里傻气的，一部被低估的小成本电影。

就想多问一句，东北饺子真的这么好吃啊？

该剧画面大气绚丽，剧情紧张扣人心弦，而且该剧的服装、造型都制作精良，整体水平很高。与大部分宫斗戏不同的是《唐宫燕》没有过多描写妃嫔争宠相互算计的情节，而是着力染墨于后宫女子在夺权之中的煞费心机和如何自保。女性对皇权的控制和欲望在本剧充分的体现出来：如武则天的心狠手辣，霸气十足；韦后的贪婪跋扈，放纵膨胀；太平公主苦心积虑，不动声色；上官婉儿才智兼达，心思敏捷。可以说该剧所展现的女权主义十足。

电影一开头就充满了诗意，落霞与孤鹜齐飞的即视感，围绕着氤氲的灯光和烟圈。

黑乎乎的怕不怕

有点，现在不怕了

祝新导演说可以像解一个谜一样看这个电影，这真的是需要的吗？这个电影是一首诗，把它当成一个谜语，简直是一种文体的降格。

杭州人民对很多场景都很熟悉，看的时候想起了淡蓝琥珀，想起了过春天。想再去花鸟市场买条鱼，想再去湖心亭划一次船。

花圈店的老板娘被捅了，在店里干了二十多年，这种事情也干得出来，一开始只听取了后半句理解成了别的意思，这就是语境。

国人很多长辈对晚辈的教育与沟通，都是在饭桌上进行的，让我想起了李安的家系列，我小时候吃饭不端着饭碗也要被妈妈说的，有时碰上妈妈心情不好还会用筷子打手掌教训我，说是给我做规矩。

某年某月的某一天

就像一张破碎的脸

难以开口道再见

就让一切走远

太阳很大把眼睛晒迷了，有些东西一会儿消失一会儿又出现，我顶着太阳看着，万一有什么错过了也不觉得奇怪。

一边不知所云，一边不可名状吧

这个片子是在导演20岁时候拍的。映后谈有人说，导演像是在盲人摸象，用影像去触碰陌生的黑暗的物体 然后用电影呈现出来的时候，可能是另一个模样。还有这部电影关于“波”的解读，男主叫小波，划船时水波纹的重叠与交织，电视画面的电波。可能每个人的名字，小物件都是每位观众去解读它的入口。

Does filming oneself and one’s own partner acting as non-professional actors equal documentary filming? Does exhibiting the process of fiction-making, or the making-of of fiction, equal non-fiction cinema? What if the non-professional acting finally gets an influence of your daily non-acting? Is reality also the result of our exercises in fictionalising reality? If two non-professional actors say that they stop acting when the camera continues to record, did they “really” stop acting? Is any exhibited making-of of a film, even the making-of of the making-of of the film, potentially fictional? Would the fictionality of the making-of be more real than the reality of the fiction which the making-of refers to? What if a dying man or a two year-old child participate in an explicitly staged fiction? Can they be prepared enough, manipulated enough, in order to not bring some non-fictional reality into fiction? If the explicitly staged fiction displays the drama of a non-professional actress being manipulated by the rules of acting, does this mean that the non-professional actress is less manipulated, in reality, because she accepts being manipulated in order to express through her acting how bad it would be to be a manipulated non-professional actress? Does a meta-cinematic reflection rise when we realise that the ethical questions discussed in the drama coincide with the classical ethical questions of documentary filmmaking, like the question of filming and, in a way, seeking for suffering? If the pact between the non-professional actors would be to perform their own real life, would the non-scripted moments of improvisation go beyond the limit of their acting domain and show an effective non-fiction? Which should be the position of the spectator when, the explicit ambiguity between fiction and non-fiction notwithstanding, the highly credible dialogues make us suspend our disbeliefs? Should we resist the suspension of disbelief only because the realistic dialogue of a couple stops at once with the couple revealing their acting? When the non-professional actors, a couple themselves, start then to behave as if in their acting performances, should their previous dialogues be taken as even more credible or even more staged?

All these questions arose in me during the viewing of Xiaozhen Wang’s two-hours long Love Poem. Even if the film is not devoid of genuinely dramatic moments, which we experience when we surrender to the cinematic suspension of disbelief, its main filmic experience coincides with our own intellectual inquiry on fiction and non-fiction. The climax of the interlocking layers of fiction and non-fiction comes in the last scene of the film, where the filmmaker takes the initiative to stop the camera, but this scene will confirm the impossibility of attempting to disentangle fiction and non-fiction. Then music will appear. Yes, Love Poem is mainly intellectual cinema, and I cannot but immediately add: so what? For in speaking of “intellectual cinema”, I already feel the pressure, today, of having to defend its legitimate existence against the anti-intellectualism that seems to loom among film scholars and cinephiles… Cinema has told, tells, and will always tell the story of the reflection on its own dispositive and fundamental issues.

Text: Giuseppe Di Salvatore

First published: April 26, 2020

Love Poem | Film | Xiaozhen Wang | CHN-Hong Kong-SAR 2020 | 114’ | Visions du Réel 2020, Burning Lights

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由搜狐视频出品，大猫影视承制，范氿维、刘大海执导，范氿维、半岛璞编剧，周陆啦、薛卉葳、孙嘉琪、黄俊之、宋一雄、宁元元领衔主演的都市情感自制剧《我爱你》于今日迎来会员收官，在不断深入社会与人心的剧情中，三对年轻人的感情归属也最终揭晓。该剧除了情感话题，还包含了原生家庭，婚姻状况，职场状况等社会议题，引发同龄观众的共鸣反思，成为2021开年“小精质”精品之作，口碑和收视都有不俗表现。

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最近几年的乡村剧基本都在刻画村民的劣根性为了挑起观众的怨气的共鸣 为了有话题(重男轻女 懒惰 贪婪 野蛮 恶俗的婚闹 大男子主义 恶臭的传统习俗 对有本事的人像个吸血鬼 恶意的八卦 对别人的倒霉和苦难评头论足沾沾自喜 小地方权力的只手遮天 等等等等）或者就是描写村民善良的很无脑 很悬浮让人看了也不会赞美村民的善良 只会觉得圣母和傻好像穷人就不配拥有美德 不会讲道理一样让人很讨厌有风是少有的让我觉得对乡村保持客观视角和善意的剧没有夸大村民的穷困，也没有刻意用村民的苦难来赚眼泪，一切描写都真实又克制剧里所有的村民就算家里不富裕，但是大家都没有懒惰，都在劳动工作年轻人、老人 但凡出镜，基本手里都在干着活有些还身兼数职 一边种着家里的地和果园，一边找机会在村里打工，或者在景点摆摊卖小手工(彩云阿奶一边在咖啡馆打工，一边家里还晒着豆子；凤姨在网店里面打工，家里还有果园）没有老人倚老卖老没有男人偷懒压榨女人没有过得差的嫉妒过得好的没有年轻人偷鸡摸狗不走正道(剧里谢强这样的已经受法律制裁了)大家虽然穷，但是都可以依靠劳动维持自己的生活有苦难，但是更有自尊村民之间基本都是善意和谐淳朴的，也会有小的摩擦和争执，但是没人抱着恶意有人说这是乌托邦我想说这其实挺真实的不是说必须要发掘黑暗面才是真实说到底 都是城市人和文化人的傲慢 喜欢俯瞰着农村人 看着他们的苦难、狼狈、丑恶和挣扎

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——————分割线——————剧里还有一个点很打动我就是村里农民工要工资那里有一个小哥一直在煽风点火制造矛盾冲突(跟披皮??粪一样样的)但是大家都有自己的判断力虽然没有文化 但是大家也没被他带节奏

还是明事理的

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好的电影要具有故事性，而经典的电影要具有文学性，诚如47年前斯皮尔伯格执导的《大白鲨》。此后的鲨鱼题材影片何止数十部，但故事性与文学性兼具者，还当属这部《大白鲨之夺命鲨口》。

海明威名作《老人与海》中说：一个人可以被毁灭，但不能被打败！这部小说的主人公圣地亚哥也恰恰如影片中的主人公一样，在茫茫深海上面临着鲨鱼的生命威胁，海明威运用了“冰山原则”与象征手法来呈现了这个故事。在我看来，《大白鲨之夺命鲨口》同样具有这样的文学性，它讲述了主人公面临深海，面对鲨鱼，如何通过强大的毅力与团结精神，迎战危机的故事。他们可以被毁灭，但不会被打败！

首先从“冰山原则”的角度来说，海明威对这个理论的定义是：冰山运动之所以雄伟壮观，是因为他只有八分之一在水面上。而这部电影之所以好看，恰恰也是将这个理论运用到了极致。如果我们将露出水面的鲨鱼鳍想象成冰山一角，而水面下的庞然大物所带来的危险又岂非冰山可比？

一部动物惊悚灾难类型电影，氛围的营造与节奏的把控尤为关键，这其中的重点就是怎样去表现鲨鱼。对于鲨鱼的呈现，导演选择了颇为“复古”的手法，这既是对斯导的致敬，也是对那个时代的致敬。通篇来看，鲨鱼出现的篇幅并不多，但每次出现的节点都恰到好处，很好地服务于了剧情与各色人物的成长曲线，并不是为了吓人而吓人。

举个例子，五人团首个领盒饭的是厨师本尼，而他死亡的间接原因恰恰是被同伴猜忌发生争执后坠海。而男二的死亡，直接原因则是自己对水的恐惧，与其说他是无法战胜鲨鱼，更像是无法面对自己。

作为斯导的粉丝，马丁·威尔森深谙偶像的手法精髓。在影片的大部分时间，他都在使用侧面烘托的手法，从只露鲨鱼鳍带来的心理压迫感，到通过血染海水来营造视觉冲击，甚至鲨鱼的全貌也大多通过远景别来实现，将鲨鱼的神秘性、恐惧感、危险性拉满，毕竟人类对未知的事物才是最畏惧的。

前期的编排都是为最后鲨鱼的直容进行铺垫，这其中最精彩的无疑是男主与妻子勇斗鲨鱼的一段。先来说鲨鱼的表现，众所周知无论是斯导还是诺兰，这些大师都偏执地喜欢用实体来完成拍摄，导演马丁·威尔森也不例外，这场戏有大量近景甚至特写的鲨鱼镜头，他制造了两条靠液压运转的机械鲨鱼。这样做的优势在于，模型具有CG特效鲨鱼没有的粗粝质感，或者说是那种近乎真实的呼吸感。而且，这场戏有激烈的碰撞镜头，那种冲击力量所带动的真实感，以及与演员的互动性是特效很难完成的。

从结果来看，这样的呈现令人震撼，你甚至像是可以感受到鲨鱼的呼吸，太真实了。

当然，无论是自然的威胁还是生物的危险，影片最终服务与表达的依然是人，是人背后的人性。就像《老人与海》所运用的象征手法，故事中每个人也都具有象征性，其中男主象征着圣地亚哥式的斗争精神；女主象征着女性的力量，象征着母性的力量，她不是为自己而是为了腹中的孩子战斗；女二象征着老一辈人的精神传承，他的使命是将爷爷的骨灰留在其曾战斗过的地方；而男二则代表的是要直面与挑战内心的恐惧……

最后有必要来说下影片输出的价值观，当大部分同类型影片都在讲述主人公如何“巧奔妙逃”时，《大白鲨之夺命鲨口》则在表现如何去战胜鲨鱼，正如圣地亚哥挑战鲨鱼一样，明知不可为而为之才是英雄，才是解释不可以被打败的英雄主义与精神力量。那他们会最终战胜鲨鱼吗？答案将在8月26日上映后揭晓，推荐大家去看。