我真的很久没有遇到一部剧的女主可以令人讨厌到这种地步了……

真的，你说一个女主，怎么能如此三观不正。

你说你被迫顶替别人身份就算了，混吃混喝，还乱穿别人衣服，完了还吐槽顾客配不上这个衣服……

我就想问，别人的衣服别人不配，难道你配？你也没有比别人好看多少啊，何况你买不起你就有理了吗？仇富心理这么极致的吗？

最搞笑的是，觉得别人不适当，就擅自把别人衣服拆了，我真的气笑了……

演员的演技，也就演出了一个蠢字，半点天真可爱都没有，真的，这能当女主，要么导演眼瞎了，要么带资了。

看得出张新成真的是很用心很有潜力的一个演员，他把程亦治刻画得令人喜欢又佩服，是一个即使小时候有着悲惨的童年，知道人情冷暖，长大了还保留着正面思想、不卑不亢、聪明能干、积极向上的新好青年！完全不会看到他上一部作品角色的影子，感觉他又突破了自己，创造出另一个角色和另一个面向，期待他后期的表现?

（文/黄小易）

我看剧从不快进，也不用倍速播放。《蓬莱间》35集，不算片头片尾，每集40分钟左右，花了3天多，连着看完。这不是因为我多么有始有终，看个头，就必须追到尾，而是它能不断地提供一些暖意与愉悦，看这剧的时光，快得没有时间感，“就好像你和我跳过的那支舞啊”。

设定蛮飞，飞到了银河之外。有个遥远的星球，叫蓬莱，蓬莱之舟滞留地球，蓬莱人与人类发生了交集。时间，跨越数千年，自然地，可囊括民国风、古风、当代等不同画风。

人物分三类，天兵、灵物和普通人。天兵的籍贯属蓬莱，灵物是由有执念的人类碰到蓬莱神物所变，天兵捉灵物，回收蓬莱之力，可以说，灵物是天兵的“通缉犯”。男主白起，高冷，霸道总裁范儿，他外冷内热，是灵物医生，为灵物解除执念困扰。谈恋爱时，他看破红尘的样子，让他一度像个有代际之隔的“爹系男友”。女主林夏，都市姑娘，少女感足，可可爱爱。她的职业是龙套演员，剧中的一些段子，比如都影视寒冬了，还挑什么活儿啊，拍贾导的戏可直奔戛纳，很有趣，让人忍俊不禁。女主与男主，一热一冷，他们的关系变化、化学反应，自然是焦点，而灵物医生与所有人都可能打交道，串起了各种角色的关联。

一开始是单元故事形式，几集一个案件，灵物医生像侦探，破解灵物的执念，让灵物放下执念，重新生活。有悬疑，有情感线，有各种接地气或脑洞大开的段子，这么拍几十集，拍到剧终，没什么不可以，但《蓬莱间》从第17集起，便集中在主线上，详细铺开世界观，逐步解决所有疑点，细致讲起女主男主兜兜转转的爱情，以及其他角色的情感、下落。

设定与形式构成的框架，灵活自由，且没因此显得混乱、顾此失彼。想象力丰富，不设边界，却也收放自如。无拘无束的糅合、创作，容易生成新鲜感，但往往有个代价，需要花大量篇幅来搞定陌生造就的代入感问题，《蓬莱间》没有陷入这个麻烦，它仿若浑然天成，娓娓道来即可，代入感与新鲜感并存。一部分应归功于原著的基底，更主要的，还是在影视化的过程中，剧集主创对整体世界观、角色性格和叙事节奏的把握。

无论什么形式，什么故事，都要有牢靠的情感打底。形式是影视剧的外表，徒有新鲜的形式是不行的，没有情感的剧，就是没有灵魂的行尸走肉。这剧呢，在意形式，更在意情感。

单元故事「黄金屋」这一趴，紫弦与项伯言不是同一阶级，旧时讲究门当户对，他们之间的爱，按当时的社会观念来看，起初就不合理。更大的障碍，是他们的性格，互相对彼此的误会。他喜欢她，她也喜欢他，他们有不止一次的相遇机会，却没把爱说出口。世事多变，身份转换，爱被藏在心里，压抑为次要事物，赚钱升为第一追求，成为执念，以为有了钱才会拥有爱。这故事告诉我们，爱Ta，就说出来吧。当下消费主义席卷一切，谈恋爱结婚，现实一点，考虑物质因素，当然可以理解，但钱未必是第一要素，也不该是最紧要的决定因素。爱，才是爱情的首要条件，把爱说出来，才是通往爱情的头号大事。

「不相离」中，穆媄容貌被毁，被丈夫抛弃，于是，她以为所有人都会嫌弃她的颜。她与阿秀相依为命，却在他跟前藏匿真容。阿秀其实能看到她的样子，但穆媄如此在意，他害怕破坏他们的亲情，便不挑明，一直假装不知道。道理提炼出来挺简单，颜值并不是唯一的评判标准，而这个故事，拍得百转千回，让人唏嘘感慨。

几个故事看下来，包括主线，我们会发现，每个故事，再离奇，再曲折，再匪夷所思，最终的核，还是爱恨情仇。《蓬莱间》的主轴没偏，原著作者路寒操刀剧本改编，保证了情感为轴的表达。事实上，所有好一点的虚构作品，不管是回到历史，还是飞向太空，都竭力摆脱表达时空的束缚，努力超越此地此时的局限，但所有时空，所有人物，其实都是我们的所处之地，我们自身的镜像。就像这剧中的灵物，天兵，也是人类的异化或极端版本。

整剧的所有设定中，最妙的，便是与情感紧密相关的“执念”。过度的贪念、偏执、欲望，让一些人变成了灵物。高度理性的天兵，一旦有了情感，就可能转化为人。呆木的杨戬，在了解、接纳情感的那刻，就变成了“人”。白起虽是灵物医生，但医者有时难以自医，在治愈其他灵物的过程中，在他与林夏的交往中，他也在更深地了解自己。

深刻的情感，构成了深刻的连接，阴差阳错的误会或无法弥补的过错，衍生了执念。了解他人的执念，正视自己的执念，也是深入一个人（两个人）的情感深处。这剧呈现了情感的不同面向，不同价值观的碰撞。情感、主题不乏深度，但手法轻松欢快，落点温暖。

情感催生关系，关系催生CP。不同的关系，催生不同的CP。白起作为老板，阿离作为跟班，他们是工作拍档。白起与林夏，杨戬与笑笑，则是负责撒糖、增加甜度的主要CP。

一对CP，要讨人喜欢，首先得有讨人喜欢的演员。《蓬莱间》的选角不错，比如演白起的白宇，演林夏的郑湫泓，都非常恰当，还与角色匹配度高。这是外在。再进一步，角色与角色所承载的故事，得讨人喜欢。不能硬搭，乱撒糖也不行，这剧挺会，一路小撒，高甜时刻如接吻，就比较节制，到第16集才第一次出现。白起若一路高冷到底，也会乏味，酷感递减，直至无趣，但另一人格“黑起”的出现，深化了他的血肉。林夏也不是单调的可爱，由始至终，她在成长。归根到底，是人物、故事与情感赋予了CP的内在魅力，让CP可以奏效，有吸引力。

国产剧还有不小空间可以进步，有许多创意有待挖掘，像《蓬莱间》这样敢于尝试的剧，正是当下影视业所需要的。戏外，2020年这个冬春之交，也需要这种散发着暖意的疗愈剧。

起初追雯女祥仔的时候就看过这部剧一两集，总是埋怨为什么不是雯女来演，如今这部剧却成了我对阿苏的入坑剧，真是命中注定啊??整部剧完完全全是不折不扣的中偶清新温情剧，CEO和司机的故事莫名很带感啊。再有阿苏和祥仔的演绎，也算是加分了吧。看完反黑先锋里两个人逗比的样子，突然再看Anson和阿升隐忍稳重再纠结真的觉得憋屈。

从开始的陌生甚至抵触，两人走过了磨合期，渐渐地敞开心扉，阿升为Anson引航前行，为她指引前路。Anson也开始默默地毫无意识地陪伴着这个男人。其实他们最初真的就只是好朋友一般的关系，可感情不就是这样吗？不知哪个瞬间，不知哪个时刻，或许是Anson放风筝时无忧无虑的笑吧，或许是两人一起创作蝴蝶公主时，或许是他刻意逃避下却还是忍不住担心她安危时，或许是她不自觉靠在他身旁睡着时。就如同歌词里唱的“he kept every promise I ever made”两人似有似无的暧昧已悄然绽放。

这样的关系总会有一人最先挑明，只不过我怎么也没想到这个人居然又是Anson（突然想到我九妹和醒哥，唉，祥仔啊，你就不能主动一点点嘛）可依旧情有可原，阿升清醒地知道他们俩之间的差距，所以他明白无论如何都不会走出这一步。就算到了最后的最后，她说，如果我不再是耀罡的CEO，你不再是我的司机，那么我们上下属的关系就会结束。她第一个邀请他去参见颁奖典礼。天哪，逸升哥啊，这不是赤裸裸的暗示是神马？！当然，他仍然是逃避啊逃避，居然跑到了英国去。啊，心疼我家CEO啊……

三年后，或许是命运的安排。当她似乎失去一切时却又重新再拥有。这三年她重新拥有了亲情，却似乎未能拥有曾经逃走的东西。还好，在最初他们遇见的海边，她曾经最爱的cafe店里，新老板的出现将一切不圆满结束。

“怎么会这么巧？”

“好的开始。”

“开始？”

“出发。”

正如阿苏自己讲的，最后我们都没有怀疑地相信，他们在人生的交叉点再次重逢，从此风雨同路?

【详细】

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如果《最後的吸血鬼》小夜身邊不只是個美國“將軍的女兒”，而是位吸血鬼戰鬥現場清道“夫”式的角色

https://www.douban.com/people/1180239/reviews 之前一年九月的評述鏈接

以及相關“電影人”評述豆列（應該需要登錄豆瓣）

https://www.douban.com/people/1180239/doulists/all

還有香港電影魔鬼辭典

https://www.douban.com/doulist/152095448/ （電腦頁面 可點擊“香港電影魔鬼辭典”各條目開頭的“李翼的廣播”鏈接 進入比較“人性化”的排版：（

2009年的Blood: The Last Vampire，中文名不少，有港譯的《血戰新世紀》，有臺譯的《血戰：最後的吸血鬼》，還有被翻成《小夜刀》，根據2000年押井守參與製作的同名動畫改編，原作只有48分鐘。從某種角度來說，這跟1999年的《人狼》，在氛圍，甚至主題上都有貫通之處，特別是跟戰後日本特殊的軍事政治地位有關……

但成也背景，敗也背景，《血戰》的動畫實在太短了，而且混血吸血鬼獵人女孩這個概念，就算在世紀之交還有一點新鮮感的話，保質期也所剩無幾，更是和那些所謂“複雜”的國際環境，實在很難相容。

而2009年的這部真人電影版，也可以說是大混其血，美日韓（中）港大串聯，雖然在時長上比起動畫版來翻了將近一倍，但原作的人設與時代背景的不相容問題，只會顯得更加突出，而沒能有效的解決。

從上述介紹中，可能有人會得出一個錯誤的解讀，那就是押井守的動畫版本，問題出在時長，太短了，所以才會交待不清。可Production I.G製作的《血戰》動畫系列是有續作的，2005年的Blood+，50集，每集24分鐘，2011年的BLOOD-C，每集還是24分鐘，12集，還有2012年的劇場版 BLOOD-C The Last Dark，片長106分鐘……

如果單從整體片長來說，已經是非常長了，雖然Blood+，及-C裏的主角人設，和所謂世界觀一直在自我“修正”，但少女小夜砍吸血鬼的本初設定是萬變不離其宗的。

Blood+相對來說契合押井守的版本，小夜除了在日本美軍基地外，還滿世界跑，越南，俄羅斯，法國……她最大的敵人是自己的雙胞胎妹妹，兩人不再是通常的血濃於水，而是血能對彼此造成最大的傷害，而這個妹妹的人設是個歌唱家，她試圖統治世界的手段，也跟自己的歌聲有關，雖然感覺比007中最浮誇的反派計畫，還要不靠譜。雖然長達50集，但真正說到“點子”上的內容，並不多。

至於BLOOD-C，它這劇集似乎更應該連起來變成一部電影，人設變成了跟身為神官的父親，一起住在神社裏的少女，也是幾乎每集就打敗一個突然冒出來的怪物，但到了最後兩集，突然揭示出整個事件背後，另有“計畫”，這個所謂的反轉雖然談不上驚豔，但至少要比前面十集那種機械的打怪，還不升級，要有趣許多。

日本動畫，包括真人劇集，在內容，甚至結構上，都是劇集（遠）勝過劇場版的，所以既然《血戰》動畫劇集的品質已是如此，那劇場版似乎就更不用多提了。雖然從漫畫到動畫，再到所謂的劇場版，或者真人影視劇，是個不斷升級，也極為保險的“產業”做法，但日本動畫的內容“含金量”，劇集勝過劇場版，也就是說它通常都無法在一個標準的電影時長裏，講出一個完整，甚至（更）有趣的故事，這本身是一個再怎麼思索，都不為過的問題，更不用說內地的影視動漫產業，在這方面也在盲目又“遲到”的跟隨中……

再說回2009年的真人電影版本，也就是全智賢主演的這部，其實在趣味，或者說製作的理念上，非常接近江老闆1992年跟電影工作室合作的《妖獸都市》，之前對此片曾有專門的評述https://movie.douban.com/review/13154844/如何讓《妖獸都市》至少先在故事理念上成為真正的A級製作。

真人電影版跟之前各版動畫相比，在小夜的“家世”方面，沒有提及她的雙胞胎妹妹，而她的父親也沒有正面出現，“代之”以倉田保昭飾演的僕人，或者說是義父般的角色，而最大的反派成了小雪扮演的母親，而最大的驚喜可能在於小雪跟全智賢，五官及氣質上還真有“貫通”之處。

另一方面，真人版中多了個美國女孩，是小夜的同學，她老爸還是美軍基地的將軍，但這個將軍感覺有點光杆，反派沒多費工夫，就將他給結果了，當然雙方的武力值也不在同一檔次上。

老實說，在這種東西方合作的電影裏，因為膚色與語言的“人為”大糅合，彼此間的區分，或者戲劇衝突，反而是減弱了，有點一上來就強拉人入夥的感覺。本來小夜的造型，一直保持著穿水手式的校服，那“主場”應該就是學校，照這個戲劇邏輯，很容易順理成章的變成1998年羅伯特·羅德裏格茲 Robert Rodriguez導演的《老師不是人 The Faculty》的感覺，但《小夜刀》顯然沒有這麼弄，而是向1999年的《將軍的女兒》……

不好意思，這片當然不會變成像後者那樣的揭露軍方黑幕的電影。而將軍女兒的設置，其實更讓我個人想起《終結者3》，克萊爾·丹妮絲 Claire Danes所演的角色，父親恰恰是天網系統的負責人。

但《終結者》後來的續作，都無法跟前兩部相提並論，甚至連卡梅隆之後親自參與製作，都無法再現當年風采。究其原因，還在於前兩部雖然看上去只是機器人從未來穿越到當下，或刺殺或保護未來的救世主，不管他是母親肚子裏成形或八字還沒一撇的胎兒，或者已經長成了一個兒童，在這個時代的追殺與反抗，從來就不局限於這樣的表面狀態，而是能讓人聯想起未來的一場終極大戰，也就是說，不管是人設，或者是穿越後的改變，卡梅隆都做到了以小見大，以簡襯繁，甚至是四兩撥千斤的效果。

而續作，包括卡梅隆自己參與的，都是在可能是不得己的狀態下，把未來“實體”化，或者是加入更多的角色，抑或是時間線，從而把這種以小見大，以簡襯繁的絕佳“初始”狀態，給破壞掉了。

那拿《終結者》的“狀態”，來衡量《小夜刀》，理想的狀態就是表面看起來只是寥寥幾個人參與的追殺，但不管是人設，來歷，“前傳”或“後事”，都可以不用實際呈現，就能讓觀眾產生無窮的想像……正如同《終結者》前兩部中那就算後來投資再翻倍，也幾乎沒有正面呈現的未來人與機器之間的大戰。

那《小夜刀》呢？小夜跟那些學校，或者社會上的怪物打鬥，就真的只是打鬥，也不涉及真正的判斷誰是怪物的標準，更沒有像《疾速追殺John Wick》系列那樣，雖然故事很精簡，但至少展現了那個所謂的殺手組織，在“行業”規則，以及內部和類似丐幫的組織，上下命令傳達方面的細節，從而讓觀眾產生期待和聯想，於是才可能有後續關於洲際酒店 The Continental的劇集開發的必要。

而不是像《小夜刀》那般中段才冒出來一個老媽，最後母女大戰，給人一種有點沒頭沒尾的李安版《綠巨人》的感覺，畢竟把家庭倫理放到這種超現實暗黑故事中，也是得從頭開始鋪墊的。

另外，因為家庭倫理的觀念，日本也是傳承自中國，所以在很多故事上也很喜歡“公私不分”。比如《死亡筆記》中夜神月的父親總一郎，恰恰就是kira事件搜查總部的指揮官，當然在從國際到家庭的戲劇衝突上，看起來好像是增強了，但在格局上其實是大大的縮小了。

而且《死亡筆記》不管是動畫還是劇集，大多還是發生在日本人中間，而《小夜刀》看起來就國際化很多，但在這樣的前提下，依然玩“將軍的女兒”這一招，似乎就有點辜負這樣的製作班底了。

再加上，那些年國際影壇上類似的題材不少，比如1998年首部《刀鋒戰士 Blade》的推出，2002年“啟動”的《生化危機 Resident Evil》系列，2003年開始的《黑夜傳說 Underworld》系列……雖然“非人”人設與組織背景上有所區別，但終究是大同小異，而且在動作設計上都是“相容”了東方武術，甚至都有點向《駭客帝國》致敬的意思，那《小夜刀》與上述系列相比，在個人特色，背景設計，甚至是動作（槍戰）場面上，其實都有點“力不從心”。

當然會有人說，這樣的比較是沒有太多實際意義的，畢竟成本有差異，甚至是有“主場客場”之分。那對此我個人認為，有時候所謂的“劣勢”，恰恰意味著是劍走偏鋒的機會。舉一個例子，還是日本的，像奧特曼和哥斯拉這樣的特攝老題材，日本不厭其煩拍了那麼多年，感覺是根深蒂固的“相撲”情結在作祟，而且一直就是那種很過時的特效，好不容易到庵野秀明這邊，才大規模的用上電腦特效，但動漫感還是很強烈。

而在故事本身，我個人覺得這些特攝系列，甚至包括庵野的最新版本，其實都不如今年三木聰的《大怪獸的善後處理》，這可能也相當於《愛死機Love, Death & Robots》中第二季第八集The Drowned Giant講海邊的一個巨人屍體，是故意避開正面描寫人與巨人或怪獸間的打鬥，因為實在打了那麼多年，重複到完全沒有新意了，而是把焦點，或者說是時間線，放在怪獸或巨人已經死了，然後人類社會如何善後這堆如同“建築垃圾”般存在的問題，同樣涉及到對日本政壇的諷刺，我個人認為比庵野秀明的《新哥斯拉》更有趣一些。

如此這般的不按牌理出牌，也類似於早年那種黑幫題材裏的“清潔專家”，比如《低俗小說》中哈威·凱特爾 Harvey Keitel所演的角色，甚至包括美劇Ray Donovan清道夫中的主角人設。

而倘若從這樣的思路去設想《小夜刀》，小夜身邊就不應該只是彼此間沒有多少化學反應的美國“將軍的女兒”，沒准應該是一個吸血鬼戰鬥現場的清道夫，不管這人是個大叔，或者是個美國女孩……都沒問題。而這個角色跟小夜之間總是會有火花的，因為小夜只求開戰後砍個痛快，而不管把街道“污染”成什麼樣，會不會有目擊證人這些事情。而這些“善後”的雜務，便由這位“清道”搭檔負責，而且不像通常那樣，這個角色是後來介入，而是從一開始還沒動手，就來到了小夜的身邊，監督她的戰鬥，使之不至於失控到不可收拾，而小夜對這個角色一開始當然是覺得煩不勝煩，還會認為TA只會紙上談兵，但接下來兩者之間的關係，在一次次的戰鬥前後，可能迎來一個很大又有趣的轉變。