在这个世界上就两个人，男人和女人。然而人的世界如此丰富多彩，如此多元，又如此简单。世界那么大你应该看看，相依相伴的童话故事在你的世界外然而又在你的世界之内！遵从你的内心过神仙而又俗的生活不是很好吗？有些人走着走着就散了，有些人走着走着就在一起了，愿牵你的手永远不松开，在这孤独的世界上浪迹天涯。

看的时候忘记关了弹幕，结果满屏都飘满了“尴尬”

尴尬吗？

当女主在健身房被撞坏了脑袋，醒过来突然觉得自己变美了，导演没有加特效的时候，真的挺尴尬的。

最后她在演讲的时候看到Z自己的照片，才意识到自己外表根本没有改变的时候，蛮尴尬的。

2019年了，大家对无脑的狗血的剧情（如老板弟弟那段鸡肋）已经很免疫了，这部电影也算的上是对过度强调外表的社会，一个不太成功的反抗吧，好歹它也是一个反抗。

大家对那些看起来很美，在ins随便po一个照片就有几十万的点赞的女生都有一丝丝羡慕在其中吧，她们只需要美好的存在在这个世界上，不需要费力就可以活的很滋润，当模特可以挣很多钱，也不会孤单，去买个东西都会有人搭讪。只要成为她们了，我就没有任何烦恼了，对吗？

除去天生丽质，无论怎么作都美如仙子的人，一个普通女生要达到出了机场就有开游艇的男生来搭讪的境界需要付出多少的时间？金钱？和审美？这背后又有多大的机会成本？我确定的一点是像女主那样去一次健身房瞎练，受伤躺几天之后冲进雨中祈祷变美的，，，几乎不可能变成大美女 。

问题来了？我需要变美吗?

一方面是整个社会都在强调“颜值”，各种滤镜千层厚的软件给人一直美女变多了的错觉，商家不断的叫嚣着女人要对自己好不然，，，，另一方面，我们似乎没有强大的内在做支撑，看不进去书，过度玩手机，久而久之内在不够就把自己的价值寄希望于别人认可自己的外在。

我个人认为我们需要变美，

but HOW CAN I FEEL PRETTY?

绝不会是涂一层粉画一个斩男妆那种层次的变美，那只是又跌入一个消费幻觉而已，

接受自己的不完美，只是一个普通人的事实，努力积极的去生活，无论什么体型，什么肤色，你知道你会永远有一个最爱你的人-------那就是你自己。

一部12集的网剧能够拍成这样不错了，质感很好，格调高雅，品味不错。配角有好几个是老戏骨、实力派。梁冠华的台词听着太舒服了，曾黎的形象和台词也都不错。男主虽然外表不帅，但台词不错，演技也到位。女主演的拘谨些，但看得出很努力、很认真，形象也好看，就是台词听着有些不舒服。片尾曲很好听。

杨亚洲之前有一部电影叫做《美丽的大脚》，该片取景于黄土高原，着眼于距离我们很遥远的偏远地区的教育事业，这是一个小众的领域，之前的张艺谋在《一个都不能少》中就为大家展现过了，后来的杨亚洲只不过将这种现状展现的更加矛盾了。

后来杨亚洲的一位投资人在看完了《美丽的大脚》之后，觉得非常不错，他找到杨亚洲，让他再拍一部，即使是为了投资人自己也要拍一部。

投资人很坚决，即使是票房为零也要拍，刚好，杨亚洲在《美丽的大脚》中，感觉意犹未尽，于是，本片应用而生。

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问题：剧本方面：剧情简陋，节奏拖沓，美剧一集就可以讲完的事情活生生拖了50多集。情节简陋，漏洞百出。试举一例：前一秒还在手术中，后一秒进去了那人就从麻醉中苏醒了，还可以说话了？？？对白生硬，不解编剧为什么能写出翻译腔的对话。试举一例：护士说：高桥先生，我对您的夫人的事深表遗憾。Are you fucking kidding me？？？谁口语中会这么说啊？？？导演方面：刚入门吧？？？试举一例：表现时间紧迫竟然是通过几个角色频繁看手表来体现。WTF？这样的结果是除了秀了几款与故事年代不符的手表外，完全没能体现出时间紧急。更不要说布景，还有为什么日本人全都讲中文之类的这些问题了。

一言以蔽之：烂。

我觉得这剧还是可以的，这算是771的爱情剧，没想到拍惯商战的他，居然会想拍一部爱情剧。

四对爱情，有不同的寓意。第一对，大明星童霭瑶和普通男粉丝余镇东，男主余镇东是童霭瑶的超级粉丝影迷，相当崇拜女主。没想到有人跳楼仅把他砸晕了，他手中刚拿了女主的印花，结果成了新闻，女主过来看他，让他两有了一种这辈子都不会有的缘分。。其实说实话大明星能和粉丝相爱在一起真的很难，尤其是女主的堂姐，特别烦人，专门阻止女主和男主相见，极度自私，还控制女主，让女主都没有自由。

第二对，主播冯姚丹和讲体育新闻潘俊谦 ，他两算是很好的朋友。潘俊谦感情总是很失落，时机老是对不上，好不容易以为能和初恋女友结婚，然而初恋女友结果是个杀人犯，挺意外和胃疼的。然而冯姚丹本来想和自己老公生孩子，但是老公总是奇怪，结果才知道自己老公是同性恋，喜欢潘俊谦，让她觉得她连个男人都比不上。可是原来冯姚丹一早朋友介绍她和潘俊谦的，然而她老公不想她夺走喜欢的人，所以就结婚，但是也算是祸害了别人。

第三对，女律师张希妍和台湾仔林力行，她两都挺开放的，都喜欢玩一夜情。但是后来才知道原来两人早就之前有过一夜情，也很惊讶。林力行直接变光头，感觉有点搞笑。

第四对， 大长腿周思橙和矮小钟炳良，周思澄和钟炳良因为进医院而互相认识，而喜欢看韩剧。钟炳良其实还不错，对工作认真负责，只要看到吸烟的就要管。周思澄觉得钟炳良人很好，男的本来自卑自己保护不了女的而想放弃，但是后来还是勇敢说出来了，其实长得高和长得矮一起没有什么好比较的，最重要的是大家喜欢对方，没有必要因为这些而分开。

还有刘丹和韩马利，一个叫春娇，一个叫志明，让我想到杨千嬅和余文乐的那部电影，挺有趣的。

当中其他的角色也表现的不错，但是扣一颗星是来自于女主的堂姐，实在看得人火大，心机太重，三翻四次想害我陈豪男主，我真的心疼男主的。

当中大家的演技也不错，把每个角色诠释的很好，最后没想到还真有UfO出现，让我很意外，还有张国强的和尚也很有寓意，要男主看开女主要演脱戏的事。要男主明白自己到底是喜欢女主，还是只是粉丝对偶像倾慕之情，因为这两种情并不一样。

主题曲是一种rap的说唱方式，难得陈豪唱歌。这部剧很好看，也让我明白爱情都是要互相努力的。

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豆瓣上对《明月几时有》褒贬不一，贬大多是觉得没有明显主线格局不够大，褒则是许鞍华在所谓“主旋律片”中依旧没有放弃克制和细腻。我个人是非常喜欢这部电影，介乎于《黄金时代》和《桃姐》的质感，乱世中的普通人，你你我我都是影片中的他和她。

想想其实也只有许鞍华能拍得出这样的片子了，没有过于激烈的枪战动作场面，没有故意煽情的生离死别，有的是叶德娴絮絮叨叨的叮嘱。虽然周迅是第一女主，但这部片最出彩的是叶德娴，形象立体浓烈，演技教科书神级。

周迅送郭涛饰演的茅盾去码头离开香港后，回到家，饰演周迅妈妈的叶德娴假装埋怨：“沈先生他们就走了，招呼都不打一声。”周迅连忙解释：“他们交了一个月的租，只住了五天。而且沈太太说米和罐头都给我们...”然后叶德娴一个眼神过去，母女相视而笑，这种默契，男导演们拍不出来。

后来知道女儿地下工作后，叶德娴说的那一番话是第一个泪点：“杀日本人的都是英雄好汉，但你看你这么瘦，怎么杀啊，你不要连累队友啊。” 再到后来，周迅要离家到乡下进行工作，叶德娴先是生气：“抗日工作多你一个不多，少你一个不少，你为什么要去啊！”然后追下楼，把雨伞和唯一值钱的金戒指塞给周迅，第二个泪点。

地下工作进展得很顺利，叶德娴也开始帮忙送情报，许鞍华不是大陆导演，这部剧也不是大陆神剧，人是会死的。在一次和王菀之送情报的过程中，被发现了缝在衣角的地图，王菀之已经吓到从早到晚一个大惊失色（谷阿莫上身），叶德娴沉静地嘱咐：“你千万不要说认识我！”关到宪兵队里被日本军打时，王菀之问：“痛不痛啊。”叶德娴还能开玩笑说：“不痛，没有第一胎时候痛。你如果出去，记得和阿芳（周迅）说，我不会说的。”最后，王菀之被放了出去，偷情报的春夏和叶德娴被处决前，叶德娴对春夏说：“对不起啊，连累你了。”

其实叶德娴被抓后，周迅和彭于晏曾经打算营救，在听完彭于晏的计划知道胜算非常小且会导致全军覆没后周迅放弃救母：“其实我妈妈很自私的，又爱面子，但心地真的很好。她在知道我加入地下党时，好久都没睡好觉，我应该多安慰她的。”随后假装没事走了几步蹲下大哭，可惜只拍了背影，如果是正面周迅应该也能完成得好，虽然按照许鞍华的克制，说完这段话也够了。

如果真的要挑不好，那肯定是霍建华那条莫名其妙的线以及非常灾难的演技，无论是和周迅的前（？）情侣设定，还是安排在日本高管旁边的情报人员角色设定，都非常生硬。本来以为彭于晏会是槽点，对他个人没偏见，除了鼻子太短，就是一个台湾腔浓重的地下党有点出戏，霍建华的衬托下，彭于晏的表演也近乎合格了。

除此之外，片中有各种惊喜，每一个龙套都是熟面孔，都是久别重逢：周迅表姨鲍起静，恨嫁的表姐唐宁（太久没见过她了，上一次还是两年前hktv的剧，香港最少女感的演员，没有异议吧？），惊鸿一瞥的春夏，一闪而过的苑琼丹、张兆辉、冯淬帆、李灿森、卢巧音，还有作为故事阐述者戏中男性演技巅峰的梁家辉，都很港味。 对了，这部片另外一个诚意在于，国语版的配音都由演员本身完成（是的，典型香港普通话）。

最后的镜头，是故事阐述者梁家辉挥别众人回到谋生的出租车上，这个收尾满分。

电影《在街上》怎么这么有意思！看着看着我摆上了酒、果盘还有香肠和玛德琳…剧情轻巧又有迷人的尴尬，太真实的日常感了！

想到下午我见证了朦胧的修罗场：咖啡馆有特调开心果Dirty，在我吞完第二大口时，店里前后来了一男一女的常客，追着话题聊天，完全不带喘气，从疫情说到店里的装修，从互相八卦感情所琐事到聊各自工作的槽点…差不多俩小时的时候，进来了另一个咖啡店的老板，三人开始聊的时候节奏明显不一样了——话题不再是叠罗汉了，而是有奇妙的空档，三人的皮球互相抛，带着定向的期待和回应。对，我当时就觉得不太对劲，但我的意识显然大部分还在我正在码字的话题上，但我这个完全不说话的人仿佛成为了摄像机：我在一个能看到他们几个人侧脸但又恰到好处隐藏了我的视角。以至于他们笑得特别开心之后，女生都会瞟我一眼。

我成为了一个化石，我在一个临街状态，显然我被其中一个笑点逗乐了，但我竭力保持不被打扰就不会破坏某种微妙平衡的位置。但我很渴，所以我起身，到吧台去接水，他们正好结束了一个好玩的争辩。

现在想来，《在街上》里的荒川，你真的能感觉到他为什么在某些场景就算不说话，你仍能感觉到它一直在场景里渗透，产生与陌生人尴尬而巧合的化学反应。小酒馆、旧衣服店、小书店…每个人都在为自己得不到的东西而执着抓取，甚至无意识推搡其他人，这也是生活里荒诞的缘分。生活其实比某些荒诞，戏剧多了。“怎么还能发生这样的事呢！？想不到，但就是生活本身了。”

舍不得看完，有欧亨利和毛姆的感觉，但全程没有厚重的说教味。甚至看到最后，觉得Iha才是那个关键视点，而荒川只不过是蒙在骨子里的循环猎手了。

生活才不轻松呢，只是把生活的刀刃藏在盲区里了，你愿意脱身而出的时候才会被一闪而过的光晕闪到双眼。但我们不也是在“竭力面对自己真实欲望”和“压抑脱轨想法”之间摆渡前行吗。

长岛影射中国千千万万个家庭，缺乏活性。在影片的色调和色彩方面别出心裁，如影楼草莓。

丈夫和儿子在车内的对话，感觉表达出当代大多数父子关系，弱联系强对抗。

镜头最后三座孤岛，相互守望不打扰，心生绝望。中国式亲情关系纽带至此。

从我不成熟的摄影来看，导演从构图及场景元素的布置都很精彩（除了几个元素我看不懂以外）比如儿子和母亲未完成的拼图到儿子醒来和床头的图，就像母亲对儿子说:你是我这辈子最大的认真

从故事进行和价值内核角度来说，这不是一个十分克苏鲁故事，却绝对包含了不少克苏鲁元素，不过在细数之前，先说一个和剧情无关，却依然十分体现该电影很克苏鲁的地方：

这部电影改编自2014年5月出版的一本小说，小说也叫BIRD BOX，原作首要分类是Horror，不是thriller，YA，general，SF或Fantasy（虽然也可以算Fantasy/SF中的Post-Apocalyptic，但是从下面要说的作者本身的写作方向来考虑，它毫无疑问是一本horror）。作者Josh Malerman 之后创作过了五部长篇小说，也都是绝绝对对的Horror，所以这个作者可以盖章是个恐怖小说作家了，绝对不是科奇幻小说作家或悬疑作家。

那么，三段论推理来了，Josh Malerman 是现代美国恐怖小说作家；现代美国恐怖小说作家写克苏鲁故事；Josh Malerman写的是一个克苏鲁故事。

当然，上面这句其实是一个玩笑，不过，了解美国当代恐怖小说的读者都知道，美国的恐怖小说界就算没在克总发糖的绝对统治之下，也在很大程度上被它改变了，从当之无愧的金字塔顶端斯蒂芬·金（Stephen King），到以文学性著称的 乔伊斯·卡罗尔·欧茨 （Joyce Carol Oates），再到最强邪典作家托马斯·里戈蒂（Thomas Ligotti），克总世界观已经永远地改变了北美恐怖文学界。所以这部电影从改编自小说伊始，就已经多多少少沾染了克苏鲁的色彩。

下面开始进入正题：

从我自己的观感总结的我认为很有克苏鲁特色的地方，有些可能牵强，也可能有所遗漏，希望大家能一起讨论。

1. 怪物本体

在这个电影里，怪物从头到尾都没有直接露面，这一事实本身就很克苏鲁。因为其他类型的恐怖电影中，怪物终归是要露面的（无论是恶魔、鬼、外星人、怪物、僵尸，亦或是精神病人），不露脸本身就很说明问题了。可以有多种理解方式：克总世界观下，人类的恐惧是“未知”，那不表现怪物本体，就把未知这个最大的恐惧表现出来了；怪物常常是“无可名状”的，无法表现；邪神是其他维度的存在，没有“灵视”的情况下，可能就是看不见。

2.怪物形象

上面说了一下如果怪物本体是洛式邪神，那么为何电影中没有直接展示，那么本条说的就是在间接展示中，这个怪物是一个怎样的形象。

其中最明确的间接描写毫无疑问是闯进避难所的Gary，他画出了他所看见的怪物的形象，特征包括触手怪、菊花状的（头？）、章鱼头（这都已经不是暗示了好吗）、星空状的物体（生命？）、这些基本就是洛氏恐怖形象，没啥存疑的地方。

除此之外，电影中暗示了怪物体积庞大，例如可以从车上走过，走过房子时会留下巨大的影子等。

能体现出上述体积庞大这一点的还有走过时会把树压倒，而为什么压倒的是树，也不是汽车或者别的什么，除了场景本身是树林里之外，我还脑洞了另一个解释，就是致敬《敦威治恐怖事件》。在这部小说中，邪神之子最终离开房子之后，有这样一段描写：“它闻起来有雷电的气味，路边的灌木丛和小树都齐刷刷地倒向一边，就好像一座房子沿着那里被拖拉而过。”

最后，看见“它”的人也能给我们提供一些线索：一方面，那些人的眼睛会变化，为我们去猜测他们可能会看到的场面提供了暗示，这一部分我在后面的“灵视”这一条里详细说。另一方面，看见“它”就会疯，别的不说，这一条真的非常非常克苏鲁，了解克苏鲁神话的人都知道，这一部分在后面的“疯狂”一条里详细说明。

3.信徒

在电影里，这一元素表达的比较间接，只表现了疯子，未直接表现信徒，但是我们可以将之理解为信徒。

电影里，看见了“怪物”的人会发疯，会自杀，但是有些本来就疯的人依然很疯，不会自杀，有些本来没疯的人，发疯了，但也不会自杀，他们反而会说“它会净化这个世界”，“我已看见了真理”，人们在谈论谁的时候会这么说？他们在谈论神和信仰的时候会这么说。所以这些“疯子”可以被理解成“信徒”，而这一概念也是洛氏风格中不可缺少的重要组成部分。

虽然“邪神”并不把人类当做一回事，但这并不妨碍人类去狂热地崇拜它们。在克苏鲁神话小说中，邪神崇拜的教团可谓五花八门，有加罗林群岛信奉“深潜者”的卡纳卡人，接纳达贡秘教的印斯茅斯居民，有被旧日支配者透过睡眠传送的信息逼疯、并且在服侍最高存在的行为中找到喜悦的疯狂信徒，还有信仰阿撒托斯的女巫团体，以及信仰莎布·尼古拉斯的德鲁伊僧侣。这些邪神崇拜者常常有突出的暴力倾向，令神智健全的人感到十分疯狂：“ 当时，仅有两名囚犯的清醒程度达到了可以判死刑的标准，剩余的囚犯们则被遣送到不同的疯人院。”

所以，我们可以把电影中的“疯子”理解为“邪神”，也就是电影中的“怪物”的信徒，这也就解释了他们为何要强迫其他人去看“它们”。他们看见了“真理”，看见了“美”，全心投入地崇拜起来。

4.灵视

这个概念本身不是洛氏小说中既有的，而是受小说启发而提出的，在洛夫克拉福特的小说《自外而来》中，克劳福德·帝林哈斯特制造了一台机器可以看到其他维度的邪神，他说“它的确是看不到的——但你现在却能看见它了，现在你还能看见其他许多原本都看不到的东西。”而在电影中，人们似乎无需通过机器，我自己的理解是，在目光扫到“怪物”的时候，就被对方的“力量”影响到了，从而导致“SAN值”下降，灵视开启，于是看见的人就能看见“怪物”，没看见的，就看不见。

《自外而来》有这样一段看见之后的描述：“此刻我正置身于一个声音和动作组成的漩涡中，眼前全是混乱的图像……淹没在一片虚无缥缈的光芒之海里，而那片光芒之海则沿着我之前看到的那个烟云圆柱投下了一道炫目的光束。随后，场景千变万化，在各种景色、声音和无法定义的感官印象混杂而成的混乱之中，我感觉自己快被瓦解，或者说快以某种方式失去自己的实体了……我似乎看到了一片奇怪的夜空，那上面点缀着闪闪发亮、不断旋转的各种球体，而但这幅景象逐渐淡化的时候，我又看到了一个由若干耀眼的恒星组成的星群或星河。”这些描写也与“开拓智域”、“启蒙”、看见“真理”异曲同工，即——“开辟出一番关于现实世界的恐怖景象……到那时，我们要么是被逼得发了疯，要么是逃跑，逃离光明，逃亡一个新的黑暗时代去寻求和平于安全。”（摘自《克苏鲁的呼唤》）而观众从他看见了“它们”的人的眼睛中，似乎也可以感受到那种“千变万化”、“混杂”和“不断旋转”。

这里想稍作强调，要以克苏鲁的世界观去理解，而不能以现实逻辑，在这个世界观下，人类被启蒙之后必会发疯——或者自杀、或者本向无知（可以理解为本电影里的黑暗/盲目吧，大概……）这个地方还想再补充说明一下上面“信徒”这一部分，就是为何发疯就会崇拜。大家注意到了吧，不是所有发疯的人都信了邪教，而是大部分人自杀了，一部分人信了。《克苏鲁的呼唤》的那句摘录其实就是很好的解答，不能接受这样残酷现实的人就自杀了，接受了至高存在的，只能崇拜至高存在了（因为人类在其面前渺小得比蚂蚁还不如），再者就是不去知道真相，逃走。

5.疯狂，“SAN值”

在克苏鲁神话中，看到不可名状的物体或听到怪异的声音都会使SAN值下降，而SAN值归零时，人就会发狂，失去理智，原有世界观崩塌，再也救不回来，极大几率可能出现自杀的情况（例如《神殿》），只要直面邪神，人都会SAN值归零（这就是设定，别和我说看见大章鱼能有多吓人），于是乎，这个描述和电影里的人发狂自杀像不像！使人疯狂，激发崇拜的奉献精神，这就是典型的克式发疯，也正是这部电影里发生的事情。

6.逃跑

这个也是洛氏恐怖基本套路，面对不可战胜的对手，唯一的出路就是逃跑，逃跑过程中可能会产生动作场景，最典型的案例是《印斯茅斯的阴影》。

以上就是我觉得这个电影中体现的克苏鲁元素啦，欢迎补充及讨论！

没想到多年以后偶然看到了这个电影的评论，我也是被这个平安的业务员罗海元忽悠的投资人之一，五万。钱不算太多，但二百多人确实一千多万。看完首映然后一起吃了个晚宴，然后让罗海平大家说说这部电影怎么样，大家可以拉多少客户捧场。可以说这些人真是简单又善良，有的人说至少过亿，有的人说可以过十亿。我真他妈要吐了，幸亏没吃多少。轮到我发言我说如果被保险行业的人全部包场的话，乐观估计可以有五百万票房。我说完以后很多跟我关系比较熟的老总开始使眼色，让我多说一些。对不起我真的是看不下去，想撤资已经晚了。后来还真的拿到了龙标，在众筹群里又是一顿造势，大家开始接龙说我这边安排了多少包场。从头到尾我一句话没说，更不敢安利给我的客户，连朋友圈都不敢发。后来上映了两天还是三天，惨败，就被撤了。罗海元悄无声息的把群解散了，然后从平安离职，带着美女助理和几个不认识的人去欧洲旅游去了。然后我发现不知道什么时候他把我删了，大家都是圈里有点脸面的人，没有人主动找他要钱，但你的电影票房惨败然后拿着大家的钱去旅行是多么无耻的玩法！这事一晃四五年过去了，今天偶然看到王宁的烂片片段来豆瓣查一下导演是谁，然后就顺藤摸瓜又看到了这个让所有人蒙羞的电影。说实话保险行业本来起步就晚，靠着关系做业务的人逐渐转变为靠专业，如果真的有一部片子可以有好的剧本导演制片，或许还真的可以改变一下这个行业在所有人心中的扭曲形象。另外也希望相关部门，严肃处理这些接着拍电影到处骗钱的人。最后说一句，凡是可以出镜的人，是因为他们出资比五万要多。

《毒液》属于那类看完之后需要静置一段时间再来评价的超英电影，类似李安版的《绿巨人》和09版《金刚狼》。值得注意的是，它同时也是一部标准的“大法电影”，带有典型的“索系游戏”风格，参考《像素大战》（2015）和《勇敢者游戏：决战丛林》（2017）。两相作用之下，本片相比漫威宇宙出品的影片而言，要平添一份满怀戏谑的沉重。而且，只要是索系游戏的忠实玩家，都会在观赏电影时莫名滋生出强烈的既视感：莫非我是在看哪部还没玩过的PS4第一方大作通关CG集锦？

没办法，《毒液》在剧情逻辑、视听运镜、色彩设计乃至台词处理上实在太像SIE出品的第一方PS4大作了。往近了说，汤老师和女朋友在餐厅卡座对话的桥段，从靠眼神“说话”的模式到肢体语言，除了没有斯坦李老师串场外（不过斯坦李老师还是在《毒液》中亮相了哦，不是在这一幕而已），与9月刚发售的PS4大作《漫威蜘蛛侠》中的餐厅过场CG如出一辙。汤老师骑摩托载女友回家一番缠绵后，突然讲出的那句土味情话you are my home，也是在无限cue《神秘海域4》。从开场附身断骨女急救员，到放映大约一刻钟后切换至夜市摊上生吃鳝鱼，氛围营造上同样很容易令人联想起卡普空的《生化危机》系列——其实，瞧瞧片子开头仰望星空浮现的那两行白色字幕“In Association with MARVEL”而不是“漫威电影”，就知道蜘蛛侠的版权仍旧牢牢握在大法手中。

片子的另一个“In Association with”是腾讯。一般来讲，当超英片有着中国合作方且突然开始安插各种中国元素比如讲中文时（例如X甜宇宙不便指名道姓的那几部），几乎可以预见到影片素质的直线下降。毕竟过去那些明显不走心的中文台词、伟光正人设和种种脸谱化人物实在太伤人心。如此这般，当汤老师走进亚超与收银员大婶拌嘴，大婶突然飚出一串台湾腔中文时，我的心咯噔一下就悬了起来，想着这片子怕不是要完。有趣的是，紧随其后的那场突如其来又极为必要的、针对华人大婶发起的持枪抢劫，不止没打乱全片节奏，反而使观众瞬间产生了融入感。评价不止没有降低，还顺利打破前二十分钟的沉闷，让观感连上了两个台阶。

为什么？因为这一幕中三个角色的设定和演出都很出彩。

纵观全片，类似这样设计出彩的情节还有不少。相比之下，目睹抢劫这一幕是涉及正片情节最少、且（理论上）大部分超英首部曲都会套用的。因此，我选择在此详述抢劫一幕的拍摄，一方面可以让未看过影片的影迷了解全片大致风格，同时也可以尽量避免剧透，不影响大家的观影体验。

首先是汤老师，他进亚超后连续被华人大婶念了好几遍“你看起来糟透了”，心中十分不爽认为这位熟人是在无理取闹。匆匆结束对话后，汤老师走向货架的同时，开门的铃声响起，走进来一个看上去挺路人的客人。注意，到此处为止，场景中的三个人都是互相知道对方存在的：路人眼看着汤老师走向后方货架，且汤老师因为和华人大婶吵架，脸一直是看向亚超大门这边的。

华人大婶朝着汤老师挥挥手，路人已走到收银台前，用喉癌般的声音说“买瓶威士忌，别忘了找钱”——这时画面并没有给路人特写，镜头还专门切到汤老师这边，明确表示他正在看收银台这边的动静，可能已经察觉到有问题。

镜头平转，路人掏出了枪，开始抢劫（此人是惯犯，将定期抢劫描述为“收保护费”），但并没有特写抢劫细节，反而将画面转向躲在货架后的汤老师这边：他在看，在犹豫，在逃避，眉头紧皱，却无意上前。抢劫很快结束，没有吼叫，没有抵抗，劫匪仿佛没事一般离开，汤老师紧随到收银台前，递上自己要买的三明治和饮料。华人大婶也没有表现得很激动，因为她对这种日常之恶已经习以为常。

亲眼见证不法行为，却因为自己力量不足，无法挺身而出，良心受到谴责——正是各路超英首部曲惯用的套路。《毒液》的不同之处在于，它的整个过程是压抑而平静的，不像大本版蝙蝠侠失去双亲、珍珠项链慢镜断掉那般漫画风，也不像新版蜘蛛侠里那样有着进店后大吼大叫甚至开枪杀人的暴躁匪徒。没有人死去，甚至没人受伤，但汤老师面对抢劫时的纠结，抢劫发生后，在他身上发生的一系列变化，却被演绎得相当完美：回家后，他被邻居制造的噪音吵得几乎要崩溃，却只能忍耐。隔天晚上，他如往常般去了同一间亚超，但脸上表情已失去了之前的平静，只剩下不安稳。这种不安稳在他见到女友的新男友后，转眼便达到了临界点。女友将汤老师关在门外后，汤老师也已完成了成为一名亦正亦邪英雄的心理建设。

汤老师在影片中饰演的角色名叫埃迪，身份是记者，这是符合漫威漫画版《毒液》的主角设定的。作为漫威宇宙中的重要反派人物，蜘蛛侠形式上的对立面，毒液的诞生几乎可以说是顺理成章的结果。1982年，一个名叫Randy Schueller的漫威爱好者设计出了一套怪异的黑色蜘蛛侠服装，并将图纸发到了漫威总部，时任总编的Jim Shooter觉得这个点子不错，便付给Schueller一张220美元的支票，买下了版权。这个故事还有另一个更具传奇性的版本：某年盛夏时节，Shooter将一杯没喝完的牛奶忘在了鲜有人走动的角落里，一直等到牛奶坏掉，发出怪味后才被清洁工找出来。清洁工抱怨Shooter忘性大，Shooter拿起杯子一端详，发现喝剩的牛奶变成了一团黑色粘稠玩意儿，仿佛具有生命一般。因为手头负责的蜘蛛侠系列当时正大红大紫，Shooter心中瞬间便有了“毒液”这个名字，打算将它作为蜘蛛侠的对立面，投入到故事线中，事儿便这么成了。总之，1986年9月，毒液在《神奇蜘蛛侠》第18期初次登场。

真相如何且不论，至少“毒液”在设定上是完善且有趣的：外星共生体，如同一团霉变发黑的牛奶，需要宿主才能生存。一旦毒液寄生到宿主身上，就能够大幅增强宿主各项能力。值得注意的是，尽管寄生后会导致宿主相貌丑恶恐怖，毒液本身却是中立的，行动是正是邪全看宿主的内心。某种角度来讲，毒液其实是一套生化战衣。至于它为什么会变得像是蜘蛛侠，漫画里是这样解释的：蜘蛛侠偶然得到一件新战衣，这套战衣看似寻常，实际上却是外星寄生体通过拟态来仿造的。穿上新战衣的蜘蛛侠能力得到极大提升，战胜强敌变得很轻松，因此开始极端依赖这套战衣。渐渐地，蜘蛛侠发现这套战衣里藏有某种异类生物，仿佛灵魂黑暗面的存在，甚至改变了他自己的心智，便想要抛弃它，但因为战衣实在太强力，几次三番也下不了决心。最后，蜘蛛侠来到圣母玛利亚教堂的钟楼上——因为异类生物对声音极度敏感，他打算利用钟声来清除掉它。蜘蛛侠成功了，被剥离出来的毒液濒临死亡，但它很快找到了新的宿主：爱德华·布洛克，也即《毒液》电影的主角埃迪。他当时正在教堂祷告，毒液滴到了他的身上，带着残余的蜘蛛侠形貌和能力，与埃迪融为了一体。

漫画情节在经过幅度不算大的改编后，化为了07年版的《蜘蛛侠3》。作为上代蜘蛛侠系列的终结作，由托比·马奎尔饰演的蜘蛛侠连续杀人，内心逐渐被力量所支配，灵魂阴暗面与神秘共生体合为一体，化为了黑暗蜘蛛侠（毒液蜘蛛侠）。凡人世界中，蜘蛛侠彼得和小爱德华·布洛克同为《号角日报》的记者。埃迪与警长女儿格温约会，记者工作进行得相当顺利，正当春风得意之时，却被彼得搅了局，心生怨恨。彼得前往教堂钟楼，借助钟声摆脱了毒液的支配，碰巧在教堂祷告、希望天父能显灵杀死彼得·帕克的埃迪，被钟楼上方滴落的毒液侵蚀，成为了新任毒液。最终，经过教堂钟楼内的一番激斗，彼得联合绿魔和玛丽·珍，战败了埃迪，并且通过钢管振动的办法，一度分离出了埃迪身上的毒液。然而，已被力量操纵的埃迪选择再次拥抱毒液，最终与毒液同归于尽，在烈焰中被燃烧殆尽。

与《蜘蛛侠3》版本不同，新版《毒液》电影对于外星共生体的来源交待得十分具体：这是由生命基金会老板卡尔顿·德雷克牵头“开发”的某种外星生物。汤老师版埃迪的设定，与漫画版和前代电影版大不相同。如果说《蜘蛛侠3》版埃迪是罪有应得的堕落反派，那么这次的汤老师版埃迪就是典型的正派角色。而且，汤老师版毒液的诞生和超凡蜘蛛侠之间也没什么瓜葛：准确点说，这次的电影甚至可以说是汤老师版的超凡蜘蛛侠，不同之处在于，加菲尔德在奥斯库公司被蜘蛛咬过后变成的是蜘蛛侠中的超人，汤老师在调查生命基金会时遭遇“丧尸”后意外被寄生变成的是蜘蛛侠中的蝙蝠侠——前者是伟光正英雄，后者是黑暗英雄。前者如儿童动画般单纯，后者属于真实世界。

不过大法电影中的真实世界始终不似诺兰电影那般造作。大法电影的诚如《像素大战》，简直可以说是在现实主义中加入了荒诞元素：有黑暗有不义，也有凡人遭遇异象后呈现出的诸多无厘头、不合情理、令人忍俊不禁之处。汤老师成为毒液后，做了许多奇奇怪怪的事情，因为当众乱吃生猛海鲜，前女友的医生男友还好心帮他做核磁共振检查，弄得他几乎要当场变形。邻居再次乱放音乐，汤老师（还记得么，毒液最怕噪音）马上去玩了一次川剧变脸，吓得对方瞬间安静如鸡。

生命基金会派来抓汤老师的一群反派破门而入，毒液又和他联袂上演了一场共生肉搏秀。摆脱对手，成功逃亡的过程中，汤老师和体内寄生的毒液反复进行对话（毒液又是一个喉癌患者）——当毒液凭空变出一只手来保护汤老师，汤老师对它说“谢谢”时，它还会即时回一句“不用谢”。

为避免剧透，上述细节描述均未涉及重要剧情。之所以提到这些，是想要提醒大家，新版《毒液》电影的设定与之前作品已经大不相同，与其说是战衣，或者如《蜘蛛侠3》中类似异形或虫族那种不讲道理的残酷野兽，倒不如说是如日漫《寄生兽》中“小右”那样的友好共生外星生物更合适些。要知道，这次连Venom这个名字，都是共生体自己介绍给汤老师听的——它可以直接变出一个脑袋，面对着汤老师说“我是毒液”。个人认为，更改后的设定比之前要出彩得多：不似最新的汤姆·赫兰德版蜘蛛侠那样自发话痨，也不似《死侍》那样需要不停自我吐槽，汤老师版毒液自带二人转效果，紧张之余想要突然幽默一把简直随心所欲——这项设定对于调节剧情张力可谓相当取巧且有效。

临近尾声的对决同样很有意思，大BOSS是谁这里当然不会透露，不过最终决战……实话实说，还是能够看到不少寄生兽的影子。

毒液完全去蜘蛛侠化，这次竟然会出现这样的设定——在观影之前，我是完全没想到过的。就成果而言，新版《毒液》完全做到了，而且完成得相当出色。如果要论功行赏，那么导演鲁本·弗雷斯彻和汤老师应该各取一半。记得2010年底时，我十分中意一部名叫《僵尸之地》的片子。那是因为认同杰西·艾森伯格在《社交网络》中的演技，四处寻找他主演的影片时，偶然找到的09年上映作品，导演正是鲁本·弗雷斯彻。《僵尸之地》是一部在情节上相当顺势而为的丧尸片，所谓的“见招拆招”型影片。很高兴看到《毒液》也保持住了《僵尸之地》的优点：片中每个角色的行为，包括毒液本液，相对剧情推进而言都是自然且贴切的。汤老师饰演的是一个普通人，他既不拥有明显的恶，也不张扬虚伪的善，他的一切行为都是顺势而为，随心而动。

可以说，会去看这部电影，有一半也是奔着汤老师去的。跟《敦刻尔克》与《蝙蝠侠》中不露脸不说话也要飙演技的汤老师不同，这部的汤老师话有点多，面部表情有点多，可爱的时候也比前述电影更多（反正比《传奇》里的双胞胎更可爱，毕竟太飚演技有时也令人讨厌），他确实撑起了这部单挑大梁的超英片。女友安妮的扮演者是《海边的曼彻斯特》里的米歇尔·威廉姆斯，本来也有所期待，可惜她演得跟在《马戏之王》里饰演狼叔妻子时一样中规中矩。其余几个角色——除了华人大婶外——几乎可以忽略不提。

总之，《毒液》是一部相当符合“索尼大法好”调性的影片，同时也是一部非常正统的超级英雄首部曲。在如我这类认同这一型影片的影迷看来，它的表现远胜过最近十分令人失望的《蚁人2：黄蜂女现身》乃至铺陈过多的《复联3：无限战争》，比奥创纪元更是不知高到哪儿去了。但是，对于已经习惯漫威宇宙步调的观众而言，《毒液》的展开方式或许不那么讨喜。相比漫威电影宇宙的新世代风貌，它更像是2000年~2010年这段时间拍摄的漫威电影剧情，配上几汤匙《银河护卫队1》式的玩世不恭，再搭配少许《自杀小队》中小丑女的角色塑造，调谐而成的片子。陈奕迅的那首《打回原形》中有句词，叫做“若你喜欢怪人，其实我很美”，放在《毒液》上亦相当适合——喜欢的人完全弄不清楚不喜欢的人不喜欢的理由，反之亦然。我倒觉得唯有这样的片子才值得花时间一看，比如去年由大表姐主演的《母亲》，以及近来大热的《遗传厄运》。

电影之外，其实我对“毒液”这个名字，格外有一种亲切感。我是平时会练拳击来减压的人，住在瑞士的这段时间里，每天三百个组合拳下来，用的拳套和沙包都是“毒液”牌的，它的品牌标志是大张着嘴的眼镜蛇正面剪影，以及模仿血迹涂抹书写的VENUM字样——尽管与漫威毒液之间有一个字母O的差别，但它其实代表了承载此名的外星共生体在我心目中的形象：毒液本身，是一条毒蛇正打算展开攻击时的模样。它只求打败对手，并不区分或对立正邪。

最后，十分期待汤老师版的毒液能够继续拍摄续集。下一部，或许该让黑化后的蜘蛛侠登场了。

中规中矩的精彩，就是我知道它会很精彩，它也确如我的预期。真的很精彩，有提名的潜质。结构很棒！插叙的使用特别棒！在不断升空的过程中插入前期剧情。我最最感动的一点，就是电影没有被拍成“科学家的爱情故事”：从头到尾，男女主都是在互相扶持，互相学习，共同成长彼此爱重——他们是事业上的帮手与伙伴，他们拥有各自的职责。他们不会在生死一刻搞什么卿卿我我，而且干脆利落地解决问题。同时，电影没有弱化女主。固然，女主先夫过世的原因是为救她，但在和男主的探险中，她不但并非是传统作品中那种会拖后腿，等待拯救的小女子，而是始终掌握着主导权，是在关键时刻作出决定拯救男主的人：她一巴掌打醒了男主，她决定下降高度，她爬到热气球顶部去打开阀门，她并不弱于男主，他们是平等的，是战友。而男主也没有完全被塑造成一个科学巨人行动白痴——在最后最危急女主决定牺牲自己为热气球减重的时刻，是男主给出来不会让任何人死去的保证，也是他给出了切实可行的方案。他是逐渐从一个纯理论派成长起来的人。再说演技，就是稳。不用夸了，就是你看到演员就觉得放心的稳。这里表扬一段，詹姆斯去看望老年痴呆的父亲，两个人对话的那一段。埃迪的处理很克制，他几乎没有任何大的情绪起伏，但是那种眼睛里泪光闪闪语气行动却依旧正常的样子真的太动人了。它不会让你觉得“卧槽卧槽”，逼着你在这种感动的场合掉眼泪，而是像一把很钝的刀一样，慢慢扎到你心里。在说服饰妆造等方面。有提名的潜质。服装我真的爱了！他们升空后艾米莉亚姐姐的蓝色裙子，还有艾米莉亚冲到皇家学会的深蓝色套装，我的天！简直不要太美！在造型方面，真的，表扬。两个人头发上的冰霜，手上的冻伤，流的到处都是的鼻血……男女主在很长时间的造型都是特别狼狈特别脏的，而且脏得真实（对比国产剧战争片大家居然都干干净净的我就？？？）片尾曲也很好听~

看的时候很愉悦，是很轻松愉快的侦探电影，悬疑的部分也没有太拉跨，没有什么让人一眼注意到的bug，复古风情也蛮好的，特比是11在这部戏里古灵精怪的样子还是挺好看的。

影评有人提到影片的zzzq的问题，我这点也注意到了，有色人群、女性人群的设置。但是，这部戏，本就是女福尔摩斯，描述女性的力量，特别关注zzzq的部分也没什么问题，而且人物描述、设定以及演绎也并不违和，并不像一些影片表面zzzq实际为了ex人而故意搞得很不好来让人反感zzzq。

影片把影片背景设定在女性工作的火柴厂，侦探故事结合女性运动，展示了女性主动学习知识、主动帮助女性，女性不仅有智慧，也能主动出来承担责任。女性一个人的力量可能是微小的，可能会退缩会犹豫，但汇聚起来，星星之火可以燎原。

影片虽然太过童话式的美满，但作为一个商业片，能正确演绎展示女性力量而不是用ex人的方式故意反装忠，且作为侦探故事，复古，愉悦，这就已经不错。

我看到有这样的言论： 对于经典作品来说，一代人会有一代人的版本。

这话不是没有道理，或许这也可以解释为什么《天龙八部》会被一拍再拍，但事实是，经典作品被拍得多了，比较也就多了，想拍得出彩，难度也就更大了。

如果能秉持“精益求精”的态度，经典是值得一拍再拍的，英国人就喜欢翻来覆去地拍简奥斯汀嘛，那些故事大家都熟悉，但只要导演演员靠谱，制作考究，观众也不会排斥。

但吊诡的是，近年来国内对金庸剧的翻拍，很难说得上有什么进取之心，“精益求精”是谈不上，较好的形容大概就是“黄鼠狼生耗子”，一窝不如一窝。

于是，每一次出现新版本的金庸剧，观众们就难免拿出老版本来做对比，兴起一阵怀旧热潮。

真的只是观众们厚古薄今吗？ 我的看法是，“古”未必就完美，但“今”属实不行。

最新这版《天龙八部》我看了好几集了，很直白的观感就是尴尬。选角不合适造型太别扭是为“尴”，对原著缺乏理解叙事上画蛇添足是为“尬”。

先说选角。

让来自宝岛的杨祐宁演乔峰，是很失败的选择。这个演员是有硬汉脸却没有硬汉气质的典例，他乍一看是蛮高大威猛的，五官也有些粗豪之感，但他骨子里的气质是偏暖男那一挂的，且颇为洋派，这种气质在都市剧里演个大女主的小狼狗是合适的，但演豪气干云、粗中有细、气度非凡的丐帮帮主乔峰，偏差就很大了。

【详细】

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【惊天魔盗团】最不显摆但最见心思的，是它海报的设计——银灰的底色，象征黑与白界限的模糊；众主演四散而立、一律迈步向前，分不清谁才是一号卡司和终极boss，暗示了复杂混沌的角色关系；无论俊朗如艾森伯格或兰兰弟弟，还是美艳如梅兰妮劳伦、气定神闲如弗里曼和凯恩，所有人的神情尽皆冰冷，却又流窜一股难于掩藏的狐疑，似乎面临巨大的惊异而极力克制内心的波澜；玻璃一般的字母遮挡了身体，视觉上呈现出镜像的迷幻质感——仔细端详，仿佛【惊天魔盗团】是由大神导演诺兰炮制的——这个猜测并没有被【惊天魔盗团】辜负：弗里曼和凯恩两位老爷爷带来了蝙蝠侠可能随时入镜客串的即视感；美人水箱逃生也是派珀佩拉博在【致命魔术】里玩过的；凯恩带着小青年们坐飞机的桥段与【盗梦空间】如出一辙；漫天飘舞的美刀中，仿佛又见小丑焚烧纸币时奸佞而邪魅的笑靥……致敬也好，偷师也罢，和诺兰比玩深度，当然是螳臂当车自不量力——【惊天魔盗团】没这么蠢，它无意于营造叫人又爱又恨的烧脑迷宫，而是悉心点缀了一路繁花锦绣，虽然不及诺兰作品维度丰富的审美张力，但“好看”的质量却是绝无打折的。