在电影频道上看的,本来想查一下,结果发现22年才能看。感觉很贴近生活吧,反对霸王条款的。
感觉老吕这个角色演的挺好的,也看出有的资本力量吧,还有新媒体的发展让老百姓的生活有了变化,民众网络的监管也是生活的一部分。电影还是很正能量的,但是让我也想到了影片中提到的,有的认为了沾流量,让网络信息变得复杂。想想近期网络各种新闻,感觉挺可怕的,只能说网络是一把双刃剑,要合理引导吧~
在电影频道上看的,本来想查一下,结果发现22年才能看。感觉很贴近生活吧,反对霸王条款的。
感觉老吕这个角色演的挺好的,也看出有的资本力量吧,还有新媒体的发展让老百姓的生活有了变化,民众网络的监管也是生活的一部分。电影还是很正能量的,但是让我也想到了影片中提到的,有的认为了沾流量,让网络信息变得复杂。想想近期网络各种新闻,感觉挺可怕的,只能说网络是一把双刃剑,要合理引导吧~
随着前年年末两个战队商标的注册,预示了战队史上一次全新的创新。那就是在战队正剧中安排两支战队进行VS剧情。快盗战队鲁邦连者vs警察战队巡逻连者从一开始就充满了两支战队对抗的元素。从角色设定来看,是快盗对阵警察,从战斗的目的来看,是对恶组织复仇与守卫和平的世界,从立场来看,是过去与未来,从武器上来看,是飞机对汽车,从剧情安排上来看,是连续剧对单元剧,甚至从名字,从使用小玩具的位置上来看,快盗和
随着前年年末两个战队商标的注册,预示了战队史上一次全新的创新。那就是在战队正剧中安排两支战队进行VS剧情。快盗战队鲁邦连者vs警察战队巡逻连者从一开始就充满了两支战队对抗的元素。从角色设定来看,是快盗对阵警察,从战斗的目的来看,是对恶组织复仇与守卫和平的世界,从立场来看,是过去与未来,从武器上来看,是飞机对汽车,从剧情安排上来看,是连续剧对单元剧,甚至从名字,从使用小玩具的位置上来看,快盗和警察都有着不同之处。但是即使是这样迥然不同的两支战队,也能够在强敌面前联手,也能够相互理解。纵然立场不同,角色不同,但都是正义的伙伴。这样的话又需要在乎谁的戏份多谁的玩具更帅吗?今年的战队也是在假面骑士大和与假面骑士拉奇以来,唯一一部能够平衡好各个角色的作品,无论是快盗队的回忆杀还是警察队的嘴炮杀都给我们留下了很大的印象,也使得这七位战士都给我们留下了很深刻的印象。用前辈战队道具制成的鲁邦收藏品也是本作的一大亮点(东大妈:没想到吧,致敬也有这种操作的)。找鲁邦收藏品的原型也成了我每周的乐趣之一。当然,并不是说快盗战队VS警察战队就没有缺点,很显然的就是,24分钟每集的长度无法支撑起两支战队的戏份,在表现时略微显得不够深入或是不够全面,但也足够了。从观众的角度来看,快盗战队VS警察战队无疑是一部优秀的作品。作为平成年间最后一部战队(也许)它无疑给自高速战队以来的平成战队划上了一个标准的句号。那么,在接下来的日子中,我想我们也会继续期待着超级战队给我们带来的感动。
这部剧算是我这段时间唯一一部完整的快看完的剧了吧,目前看到14集,其实真的很希望,国内能多出一些关于校园霸凌的剧。
因为,这真的也是生活一部分,它真真实实存在于我们大部分人的校园生活里,你可能是霸凌的一员,可能是围观者,也有可能是帮凶,是那个落荒而逃的人。
我也一直在想,可能那些霸凌别人的人,就算有幸看到了这种剧,她们也不会不知道电视剧里的主人公其实和自己很相似,她们
这部剧算是我这段时间唯一一部完整的快看完的剧了吧,目前看到14集,其实真的很希望,国内能多出一些关于校园霸凌的剧。
因为,这真的也是生活一部分,它真真实实存在于我们大部分人的校园生活里,你可能是霸凌的一员,可能是围观者,也有可能是帮凶,是那个落荒而逃的人。
我也一直在想,可能那些霸凌别人的人,就算有幸看到了这种剧,她们也不会不知道电视剧里的主人公其实和自己很相似,她们还可能在弹幕里发着那些诸如 “柴紫晶是原生家庭影响的”,“张蓓蕾是父亲逼得”,她们在为这些人找着一个又一个借口来搪塞她们做错的事,那些走过这些路的人从未得到他们的道歉,她们也不会真心悔改,就像肖骁问蓓蕾,你会对你做过的事去忏悔吗?她说她不会!她只是后悔为什么她变成了现在的样子,她只是因为自己而后悔而已。
clit2014, jan 2, 晚交了20天,我再也不想上gender studies了我要吐了,写这篇paper不知道经历了多少mental breakdown
Women’s Experience Matters: Redefining Feminist Cinema through Claire’s Ca clit2014, jan 2, 晚交了20天,我再也不想上gender studies了我要吐了,写这篇paper不知道经历了多少mental breakdown Women’s Experience Matters: Redefining Feminist Cinema through Claire’s Camera As Laura Mulvey points out in “Visual Pleasure and Narrative Cinema”, traditional narrative cinema largely relies upon the practice of a gendered “gaze”, specifically, male’s unconscious objectification of female as erotic spectacle from which visual pleasure is derived. Her account draws attention to the prevailing feminist-unfriendly phenomena in contemporary cinema, one that resides in the language of patriarchy, privileging man’s experience while making woman the passive object deprived of autonomy. Many feminist filmmakers and theorists including Mulvey herself urge a radical strategy that dismantles patriarchal practice and frees woman from the state of being suppressed by the male-centered cinematic language.To conceptualize a mode of cinema that speakswoman’s language, or authentic feminist cinema, this essay interrogates the validity of Mulvey’s destruction approach in pursuing a feminist aesthetic. By making reference to Hong Sang-soo’s film, Claire’s Camera, I argue that feminist cinema needs to be redefined by neither the immediate rejection of gender hierarchy nor the postmodern notion of fluidity, but by perspectives that transcend the gendered metanarrative of subject vs. object, and that primarily represent and serve woman’s experience on both sides of the Camera. Earlier waves of feminism strived to call attention to, if not, eliminate the unbalanced power relation between men and women in the society, namely the dichotomy between domination and submission, superiority and inferiority, and self and other (Lauretis 115). Feminists such as Mary Wollstonecraft and Simone de Beauvoir radically interrogated women’s rights in the political arena as well as women’s relative position to men in the society at large. However, the approaches of the earlier waves cannot prove themselves sufficient in pursuit of a female autonomy, owing to the fact that they are constantly caught in the power-oriented metalanguage which inherently privileges one over another. While it is argued that the objectification of the “second sex” is oppressive in nature, for example, the assertion already marks the subject-object dynamics between men and women by default. It fails to propose non-power based gender narratives, while obliquely acknowledging that the language spoken in this context is inevitably characterized by phallocentric symbols, ones that prioritize self over other, subject over object, male over female. In thisregard, rather than rendering a perspective that exposes and dismantles patriarchy, the outcome of earlier feminist approaches inclines towards “replicating male ideology” (Mackinnon 59), reifying the omnipresence of the patriarchal language and reproducing the effects of patriarchy. A similar notion applies to defining feminist cinema. In terms of visual representation, feminist idealists encourage women to present their bodily spectacles, inviting interpretations free of erotic objectification. Despite the favorable receptions from the sex-positive side of the discourse, it is indiscernible as to whether these attempts truly free women from the dome of sex-negativism or reinforce the effect of the patriarchal language even more. This polarized debate, I believe, is due to the fact that the discourse is held captive by the language of patriarchy too powerful for one to extricate from, and that any rebellious gesture would appear to be an insufficient, passive rejection of the predominant ideology. To illustrate this point, Lauretis notes that Mulvey’s and other avant-garde filmmakers’ conceptualization of women’s cinema often associates with the prefix of “de-” with regards to “the destruction… of the very thing to be represented, …the deaestheticization of the female body, the desexualization of violence, the deoedipalization of narrative, and so forth” (175). The “de-” act does not necessarily configure a new set of attributes for feminist representation, but merely displays a negative reaction to a preexisting entity. It is important to be skeptical of its effectiveness in defining feminist cinema, as it implies certain extent of negotiation instead of spot-on confrontation with the previous value. A destructive feminist cinema can never provide a distinctive set of aesthetic attributes without having to seek to problematize and obscure the reality of a patriarchal cinema. In that regard, it is passive, dependent and depressed. More importantly, the question – how the destruction of visual and narrative pleasure immediately benefits women within the narrative and directly addresses female spectators – remains unanswered. TakingClaire’s Cameraas an example, the film destructs the notion of a gendered visual pleasure by presenting the camera as a reinvented gazing apparatus, one that differs from the gendered gaze, and instead brings novel perception into being. Normally, when characters are being photographed, mainstream filmmakers tend to introduce a viewpoint in alignment with the photographer’s position, enabling spectator’s identification; that is, the shot usually shifts to a first-person perspective so that spectators identify with the photographer gazing at the object who is in front of the camera. Claire’s Camera, however, abandons this first-person perspective while generating new meanings of the gaze. Claire ambiguously explains to So and Yanghye the abstract idea that taking photographs of people changes the photographer’s perception of the photographed object, and that the object is not the same person before their photograph was taken. The spectacle, although objectifiable in nature, is not so passive as being the object constructed upon, but rather constructs new signification upon the subject. The notion of the gaze is therefore re-presented with alternative insights. That being said, as I argued earlier, the destructive approach is not so sufficient an attempt at defining feminist cinema, because the way it functions nevertheless indulges feminist ideology in the role of passivity, deprived of autonomy and always a discourse dependent on and relative to the prepotency of patriarchy. In the conversation scene between So and Manhee, So, who is almost the age of Manhee’s father, criticizes her for wearing revealing shorts and heavy makeup. In a typically phallocentric manner, he insists that she has insulted her beautiful face and soul by self-sexualizing and turning into men’s erotic object. Despite the fact that the preceding scenes have no intention to eroticize the female body or sexualize her acts such that the visual pleasure is deliberately unfulfilled and almost completely excluded from the diegesis, So inevitably finds Manhee’s physical features provocative and without a second thought, naturally assumes that her bodily spectacle primarily serves man’s interest. This scene demonstrates that regardless of feminists’ radical destruction of visual pleasure, practitioners of patriarchal beliefs will not be affected at all; if any, the femininity enunciation only intensifies the social effects of patriarchy. The conversation between the two characters embodies the self-reflexive style of Hong Sang-soo’s filmmaking, in a sense that it fosters debates within the theoretical framework upon which it is constructed, and constantly counters itself in search of a deeper meaning, contemplating questions such as do we believe in what we practice, whether it is patriarchy or its opposite? And is anti-patriarchy feminism determined enough to prove itself a destructive force against patriarchy rather than a sub-deviant of a predominant ideology? The scene proves the drawback of a destructive strategy, that the way it operates nonetheless subscribes to a patriarchal manner, and that in order to escape the secondary position with respect to the phallocentric subject, more needs to be done other than problematizing the subject. To supplement the insufficiency of destruction, postmodern feminists such as Judith Butler proposes theoretical alternative to approach the discourse. Butler argues that gender is performative and fluid instead of a set of essential attributes. The notion of performativity indeed precludes the social effects of essentialism by introducing the idea of an identity continuum into gender politics, in ways that empower the socially perceived non-normative. On top of that, Butler believes that the categorization of sex “maintain[s] reproductive sexuality as a compulsory order”, and that the category of woman is an exclusive and oppressive “material violence” (17). Acknowledging the harms that essentialist perception of gender and sexuality entails, Butler bluntly negates the very categorization of woman. This radical negation, however, evades the reality that our whole understanding of the human race is based on gender categories, despite the corresponding inequalities generated from the instinctual categorization. In fact, it is when women as a collective community have come to the realization that the female gender is socially suppressed, that they start to strive for equality through the apparatus of feminism. Butler’s rejection of the gender categorization withdraws the sense of collectivism in the feminist community, which is “an important source of unity” for the marginalized (Digeser 668). Moreover, it deprives the feminist cinema of the necessity of delineating an authentic female representation, because within the notion of performativity there is no such thing as a fixed set of female representations but only distinctive individuals that conform to gender fluidity. Since identifying with a certain form of representation means to live up to a socially perceived norm from which one deviates, a performative cinema does not encourage spectator’s identification. The failed identification will not only drastically shift the spectator’s self-understanding but also cause more identity crises. Therefore, performativity is too ideal a theoretical concept to have actual real-life applications. Whether it is her body or her social function, woman has become the commodity of patriarchy. As Lauretis puts it, “she is the economic machine that reproduces the human species, and she is the Mother, an equivalent more universal than money, the most abstract measure ever invented by patriarchal ideology” (158). Woman’s experience has been portrayed in the cinematic realm nothing more than being the (m)other and the provocative body. Historical debates have proved that articulating the problematic tendencies within gender differences only results in skepticism rather than new solutions. Thus, in order to negotiate a feminist cinema, filmmakers need to abandon the patriarchal meta-language completely, and reconstruct new texts that represent and treasure woman’s experience more than just being the other, that “[address] its spectator as a woman, regardless of the gender of the viewers” (Lauretis 161). Similarly, what needs to be done in feminist cinema is more than just interrogating the gender difference between woman and man, but interpreting such difference in unconventional ways that liberate women from being compared to men and invite them to possibilities of having narratives dedicated to themselves. One of the ways, Lauretis suggests, is to regard woman as the site of differences (168). This signifies that the cinema needs to stop generalizing woman’s role based on her universal functions; rather, it needs to articulate her unique features, what makes her herself but not other women, from the way she looks to the trivial details of her daily life. In Claire’s Camera, the function of the camera conveniently transcends the diegetic space. In the narrative, it demarcatesthe “site of differences”, that is, how someone changes right after their photograph is taken, as well as how Manhee is presented differently each of the three times being photographed. The camera also magnifies her experience as a woman for spectator’s identification, mundane as it could be. In the last scene, the camera smoothly tracks Manhee organizing her belongings, packing box after box, casually talking to a colleague passing by, and so forth. Long takes like this fulfill what Lauretis would call “the ‘pre-aesthetic’ [that] isaestheticrather than aestheticized” in feminist cinema (159). Without commodifying or fetishizing woman and her acts, the film authentically represents a woman’s vision, her perception, her routines, and all the insignificant daily events which female spectators can immediately relate to. When a film no longer solely portrays woman as the “economic machine” that labors, entices men, and commits to social roles, it has confidently overwritten the patriarchal narrative with a female language. It fully addresses its spectator as a woman, appreciating and celebrating the female sex, not for what she does as a woman but for what she experiences. In conclusion, the essay first challenges the destructive approach in feminist cinema regarding its sufficiency in pursuit of woman’s autonomy and its indestructible destiny to fall back into patriarchy. The essay then argues that the rejection of gender categorization in performativity theory frustrates the mission of defining a female representation. Hong Sang-soo’s self-reflexive film, Claire’s Camera, offers an apparatus to delve into the drawbacks of destructive feminist cinema and simultaneously renders a new feminist code, abandoning the patriarchal metanarrative and constructing a new narrative that truly prioritizes woman’s experience. Works Cited Butler, Judith. “Contingent Foundations: Feminist and the Questions of ‘Postmodernism.’”Feminists Theorize the Political, edited by Judith Butler and Joan W. Scott, Routledge, 1992, pp. 3–21. Digeser, Peter. “Performativity Trouble: Postmodern Feminism and Essential Subjects.” Political Research Quarterly, vol. 47, no. 3, 1994, pp. 655-673. Lauretis, Teresa de. “Aesthetic and Feminist Theory: Rethinking Women's Cinema.”New German Critique, no. 34, 1985, pp. 154–175. Lauretis, Teresa de. “Eccentric Subjects: Feminist Theory and Historical Consciousness.”Feminist Studies, vol. 16, no. 1, 1990, pp. 115–150. Mackinnon, Catherine A. “Desire and Power.”Feminism Unmodified: Discourses on Life and Law, Harvard University Press, 1987, pp. 46–62. Mulvey, Laura. “Visual Pleasure and Narrative Cinema.”The Norton Anthology and Theory and Criticism, edited by Vincent B Leitch, W. W. Norton, 2001, pp. 2181–2192.
还记得2015年第一次看到迟瑞,他正在罚知夏跪在雨里,没有看到前因后果,我觉得他很不近人情。后来一集集追下来,就迷上了迟瑞这个男人,迷上了朱一龙这个演员。直到几天前看见又被重播的《情定三生》,感觉又看出了跟以前不一样的感悟。其实迟瑞的爱情在爱情里面是最简单的。我爱你,我想得到你,可你不爱我,我心里难受,你是我妻子却给别人生孩子,然后最后,却简单的用爱包容了所有的矛盾直至让那个女孩幸福……
还记得2015年第一次看到迟瑞,他正在罚知夏跪在雨里,没有看到前因后果,我觉得他很不近人情。后来一集集追下来,就迷上了迟瑞这个男人,迷上了朱一龙这个演员。直到几天前看见又被重播的《情定三生》,感觉又看出了跟以前不一样的感悟。其实迟瑞的爱情在爱情里面是最简单的。我爱你,我想得到你,可你不爱我,我心里难受,你是我妻子却给别人生孩子,然后最后,却简单的用爱包容了所有的矛盾直至让那个女孩幸福……就这么简单。迟瑞也曾迷茫过,任性过,以前的我不懂,现在的我明白,“任性终不失性”这句话其实很有道理。从头到尾算下来,其实哪怕最生气的时候迟瑞他都没有伤害过他心里的知夏。他不忍也不舍。他只是稚气的想要自己喜欢的女孩喜欢自己。我永远记得他和蔷薇成亲的那个晚上陪着知夏生孩子,从开始的只保大人到后来的催促坚持再到用向天来鼓励她活下去,那是一个男人对心爱的女人对自己内心最直接的妥协。从悠悠出生开始,迟瑞渐渐成熟长大,会以知夏的快乐为快乐,跟她和离,送她去找向天,接受来自知夏顾虑向天的嫌弃,蹲在墙角哭泣的迟瑞永远是我心里最痛的一幕。这个男人在一点点成长,他有民族大义,他要振兴国家,他能够和情敌向天一起保护知夏……在他的爱情里,无论是一见钟情还是彼此折磨;无论是默默守护还是义无反顾,迟瑞的爱是炽热的是直接的。是他赤子之心的简单和心动。在他的大义里,无论是扛起迟家的产业还是想通过迟家的产业振兴民族以抵御外寇,是他赤子之心的热血和爱国。最后一幕,抱着悠悠的迟瑞穿着督军的衣服,怀里抱着的是他对那心爱女孩的责任,眼里噙着的是他对民族的承担。迟瑞是个男子汉,是个真丈夫。最后不得不说一下朱一龙的演技。从简单的心动到置气的别扭,从富家少爷到军队参谋,朱老师把迟瑞的每一个阶段演绎的恰到好处。对心爱的人深情的眼眸,爱而不得的痛苦,心痛的互相折磨,释然的包容一切……每一个眼神,每一个表情,有许多瞬间我觉得朱一龙就是迟瑞。我心疼迟瑞,但我也佩服他的胸怀,我心疼朱一龙,但我也尊敬他的勇敢,如果真的能够情定三生,希望知夏可以履行自己的承诺,在来生,给迟瑞一个家,一个怀抱。
很喜欢这部剧,从高中开始大家组队一起学习,一起玩耍,一起考同一所大学。幸运的是大家都考上同一所大学,在大学再一次一起学习,创业,和喜欢的人做喜欢的事情。这种感觉真的很好很好!电视剧的一些情节让我想起2022年普通专升本出招生院校和专业的时候,他知道他所在的学校没有我要报考的专业时说了一句,我们没办法成为同学了。当时的我并没有完全理解这句话,因为我觉得没有再一次成为同学也没关系呀,只要保持联系
很喜欢这部剧,从高中开始大家组队一起学习,一起玩耍,一起考同一所大学。幸运的是大家都考上同一所大学,在大学再一次一起学习,创业,和喜欢的人做喜欢的事情。这种感觉真的很好很好!电视剧的一些情节让我想起2022年普通专升本出招生院校和专业的时候,他知道他所在的学校没有我要报考的专业时说了一句,我们没办法成为同学了。当时的我并没有完全理解这句话,因为我觉得没有再一次成为同学也没关系呀,只要保持联系就好。现在想想还是我自己太天真啦!男主一开始的冷漠、无情到后面的细心、负责任真的有被感动到,也更懂得人对待喜欢和不喜欢的人差别真的很大。一个人如果爱你,再怎么直男直女,他都会绞尽脑汁让你感受到他的爱。谢昂和江忆绵的爱情路有点坎坷,分分合合好多好多次,好在最后重新开始了。我挺理解谢昂的心情的,他很爱很爱江忆绵,但江忆绵一开始并没有爱他,甚至认为谢昂会一直对她很好,尽管她特别任性。可是,爱没有得到回应,时间久了,爱的那方会很累的,最后肯定是会选择松手的。看到江忆绵对谢昂说的那段话,真的好心疼谢昂,也心疼曾经的自己,再一次体会了心痛。虽然2023年开始我在努力做回当初的自己,但我还是很想他。希望有朝一日,听到或看到他的名字,我内心毫无波澜,期待自己的回归。祝好??
历史上,总检察长 John Mitchell 的妻子 Martha Mitchell 是水门事件的第一个举报人,但她却声名狼藉,受到公众羞辱,几乎被人们遗忘。
我一边看水门事件背后不为人知的故事,一边整理了这些实用口语分享给你——
历史上,总检察长 John Mitchell 的妻子 Martha Mitchell 是水门事件的第一个举报人,但她却声名狼藉,受到公众羞辱,几乎被人们遗忘。
我一边看水门事件背后不为人知的故事,一边整理了这些实用口语分享给你——
煤气灯效应概念最早起源于1938年的舞台剧《煤气灯下》,最经典的一幕是丈夫故意把家里的煤气灯设置得忽明忽暗,当妻子提出灯光有问题的时候,丈夫对她说:“你又在胡说些什么,煤气灯没有问题,是你生病了,是你有问题。"妻子接受了多次指责和暗示之后终于认同了丈夫的说法“并失去了自己认识外界事物的能力,她的所有事情都要依靠丈夫,而丈夫最终把她送入了精神病院,获得了她的巨额财产。
煤气灯效应和PUA相似又不完全相同:前者是通过不断否定对方,让对方失去自我;而后者则是一开始吸引对方,再逐渐打击对方,操控对方做各种事情。
(首发于《中国电影报》)
自“决议”公布、电影十四五规划出台,“中华优秀传统文化”一时成为电影圈内坊间热词,兴起一片深入学习领会的热潮,热得叫人不禁深究:何为中华优秀传统文化?哪些元素、符号、精神、价值,是来自于传统又能圆融自洽地生长于当代?如何识别哪些属于糟粕,应当摒弃,哪些属于精华,应当继承?电影如何对精华部分进行创造性
(首发于《中国电影报》)
自“决议”公布、电影十四五规划出台,“中华优秀传统文化”一时成为电影圈内坊间热词,兴起一片深入学习领会的热潮,热得叫人不禁深究:何为中华优秀传统文化?哪些元素、符号、精神、价值,是来自于传统又能圆融自洽地生长于当代?如何识别哪些属于糟粕,应当摒弃,哪些属于精华,应当继承?电影如何对精华部分进行创造性转化、创新性发展?文章题目起得很大,所涉问题又太深,所幸有文本分析、类型分析、文化分析工具在手,且拿《古董局中局》开刀,投石问路,抛砖引玉,还请众方家指教。
电影与古董确有相似之处:文化行当儿,鱼龙混杂,好(真)坏(假)难辨,投资风险极高,有打眼的,有砸浆的,也有鉴宝的,二者都极度重视圈层人脉。顶级佳作的待遇也都像皇冠上的明珠,归宿都是永久收藏与广泛展示——电影放映与文物展览都叫exhibition。用电影作为媒介来讲古董界的故事,确实是绝配。而这个搭配,也确已自成一派,好莱坞寻宝探险片的百宝园中,不乏《印第安纳琼斯》《国家宝藏》《古墓丽影》等系列IP珠玉在前,咱们国产电影也有质量上成的《寻龙诀》在当年激烈的市场竞争中大杀四方。
不过,要正视一个我们特有的问题:自《神秘的大佛》《夜盗珍妃墓》以降,伴随着《十二生肖》《富春山居图》《天脉传奇》《盗墓笔记》《九层妖塔》等一众夺宝探险(盗墓)片的关于传统文化过度娱乐化的指摘。说得再直白一些:盗墓(盗宝)还能不能拍?能拍的话,怎么拍?不能拍的话,这个类型要在题材上怎么突破?
《古董局中局》从选材上给了一个灵光乍现:谁说非要盗呢,鉴不行吗?盗的着眼点偏重武戏,鉴的着眼点偏重文戏。文戏里最吸引的人是哪种?无疑是悬疑。决定一部作品的深度和格局的,就是疑点的设置。
小说《古董局中局》中的五脉,就像秤杆上那定盘的星,古玩行业里的真真假假,全靠着明眼梅花扛鼎掌眼。而电影行业里的定盘之星,现阶段里最客观的,恐怕也就是票房了。毕竟,电影是一门大众艺术,与小众收藏不同,市场总收入是老百姓们用钱包投票选出来的结果。平心而论,电影《古董局中局》目前的票房,与这个IP的巨大影响、卡司的强大阵容相比,确实差了那么点意思。但凭心而论,这片子的成色、诚意,又相当的分量十足。问题在哪呢?就在疑点的设置。
这个剧的各种隐喻太绝了
所以
快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集
这个剧的各种隐喻太绝了
所以
快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集快出续集
未上映之前,个人对本片持谨慎不看好态度。
虽然很欣赏菅田将晖的才华,但是与生俱来的丰富肢体语言和表现力会让他与德永这个忧郁略带丧气的木讷角色格格不入。一个“此生不红天理难容”气质的演员,想要演好一个“无论如何都想红却红不起来”的角色,可以说是相当大的挑战了。
而对于桐谷健太来说,波冈一喜的痞气同样未必容易超越。至于很多人连角色名字都记不住的山下真人,在剧集中对于情节的
未上映之前,个人对本片持谨慎不看好态度。
虽然很欣赏菅田将晖的才华,但是与生俱来的丰富肢体语言和表现力会让他与德永这个忧郁略带丧气的木讷角色格格不入。一个“此生不红天理难容”气质的演员,想要演好一个“无论如何都想红却红不起来”的角色,可以说是相当大的挑战了。
而对于桐谷健太来说,波冈一喜的痞气同样未必容易超越。至于很多人连角色名字都记不住的山下真人,在剧集中对于情节的推动起到至关重要的作用,更加容易成为被忽略的对象。
终于在前两天看到了这部电影作品,感觉曾经的预测还是过于保守和客气了。
(一)
翻拍作品在决定翻拍的那一刻,就注定无法避免被拿来和剧版做比较的命运。
并非德永一定要是忧郁的,并非神谷一定是没正经的,并非大量的长镜头都要用来表达对生活的无可奈何。
只是,要推翻先入为主的刻板印象难上加难,新作必须要拿出极致的东西,才有资格说自己努力过,才有资格跟他版拼一拼。
今次评论的意义在于对剧版和电影版的差异做出观后的简要总结。
有关剧情的介绍不再赘述。
个人观点,仅供参考。
(二)
漫才表演的搭档二人有着不同分工,一人负责不正经地装傻,一人负责正经地吐槽,类似于相声中的逗哏和捧哏,需要二人在性格上存在相当的差异,在配合上又能达到相当的默契。
林遣都和好井的组合,二人之间就存在着这种关系。
受气的小林装起傻来,会让观众感觉到明明是真傻,却还要在努力表现出自己是聪明人,接着返璞归真来求傻的气质,而好井则看上去是个正常到近乎无趣的社会人。
反观菅田将晖和川谷修士的二人组,前者难以掩盖的英气很容易将后者衬托出在装傻的聪明人面前铆足了劲班门弄斧的土老帽既视感。
林遣都版德永,透着一股想要在东京这种国际都会安身立命,吃了上顿没下顿的丧感,而菅田将晖版德永则像是富二代不想回家继承家业而跑出来,觉得漫才很有趣顺便玩玩的样子,年轻就是不怕失败。
而神谷这个角色呢,造型相仿到如此程度,就不用再谈创新之类的野望,干脆老老实实来谈论桐谷健太的原作还原度问题吧。
个人结论是,外形设定的相似无法弥补气质上的缺陷。
波冈一喜版神谷,一眼望去就是一辈子无法在正经场合说两句靠谱讲话的神经大条人,而桐谷健太版,顶多是借助裤衩、背心、拖鞋,挑眉毛、竖眼睛地往气质上硬靠,极容易突然端正表情来两句颠覆人生的哲理。
毕竟痞气和乡土还是有区别的。
(三)
许多剧版中的细节,短短数秒却刺痛人心,靠的其实是看似冗长无意义的铺垫,那些动辄十数分钟的长镜头与伴随BGM无声流淌的肢体语言,在情绪表达方面起到至关重要的作用。
可是影片受限于篇幅,大时长的铺垫实在过于奢侈,仅仅放出结果的话,突兀感暂且不说,甚至会显得在刻意模仿剧版,得到画虎不成反类犬的评价。
所以,大林和也、储方健治、日向征太郎、玄叔、步美、渡边、佐藤、鹿谷等为描绘生活百态增加色彩的角色戏份几乎被删除殆尽,也是影片方不得不做的选择。至于这些名字在讲谁,换个说法好了,阿呆二人组的另一人、经纪人、经纪公司老板、同住公寓老者、理发师、咖啡店老板、欺负人的打工超市店员、会来事儿的搞笑后辈。
差点忘记还有一人,小野寺,就是让德永帮他当托的歌手。剧版中的扮演者是渡边大知,是日本摇滚乐队“黑猫切尔西”的主唱,翻唱齐藤和义的一首《空に星が綺麗》,唱碎多少人的心,在各种漂的内心深处,催泪作用应该不输汪半壁的《北京北京》吧。
就像刚才说的,大量经典场景,只能选择舍弃。
倘若硬要留下呢,就会收获天雷滚滚。
比如在井之头公园调戏太鼓小哥,本来是对于神谷性格的很好诠释,在砍掉前段铺垫和后段延伸之后,最多只能贴上“向剧版致敬”的标签。
(四)
有关真树的情节,倒是留了相当篇幅。
先说真树这个角色。
门胁麦版真树是那种一眼看去就知道朴实外表下藏着无奈人生故事的气质,七分正三分邪,一定不会生活一帆风顺的角色。而木村文乃的气质,则是一眼就能望到头的乖乖女,无论如何都不会掉进夜总会这种旋涡,想要演出内心沟壑万千的社会女郎,脸蛋儿的安全感是没有办法改变的,阅尽人间沧桑后的返璞归真,和始终处在单纯轨道的乖巧妹妹也是两回事。
从真树这段情节浅析两版中演员的表现差异。
听到神谷和真树分手的消息,林遣都版德永除了吃惊之外,眼神中明显存在担心和遗憾的神色。
被神谷要求保持勃起状态的时候,林遣都一脸哭丧的表示,这是什么鬼。
而菅田将晖版德永,除了言语中仅有“卧槽啥情况”单纯吃惊的情绪表达之外,过于丰富的肢体语言此处显得过于随意,和神谷讲话的时候,始终没停止抓耳挠腮,手上的动作太多余。
至于保持勃起状态,菅田将晖的表现就像是“这个好有趣”的跃跃欲试状态。
插入一句,虽然没有去刻意计时,但是能够明显感觉出,电影版每句台词之间的间隙更加急促,留给“空气凝结”的时间太少,没有机会将气氛深沉下来。
在剧版中,神谷离开真树家后,精神状态极度不稳定,忽喜忽悲明显在表达失去真树的情绪波动,比如给陌生人(高田一心老师)付饭钱,是一处有趣的片段,而电影版选择直接砍掉,从而导致神谷的情绪无法延伸和落地,使剧情丧失了完整性。
(五)
德永染发在剧版中是因为Sparks败给鹿谷之后德永产生的一连串思考,最后突如其来的一个举动,并且先于真树和神谷分手之前。
而电影版中是从真树家回来之后才进行的,尽管真树和神谷的分手于德永来说毫无干系,影片中情节放置的顺序不同也是会影响前后情节的关联性。
德永染发作为一个暗示性象征,可以说相当重要。
剧版中,Sparks在德永染成银发之后逐渐迎来了事业“巅峰”,举办专场演出,可以说就在这个时候在意识形态上与神谷拉开了距离,后者只能沦落到在公司年会这种档次的表演场合混口饭吃。
而电影版中的情节意义相当不明显,仅靠菅田将晖的独白一笔带过持续灰暗的漫才生涯。
(六)
篇幅的优势在剧版明显呈现,至少足够演员奉献一整段漫才,对丰富人物气质有着无法取代的作用。
通过镜头转移,对一大段漫才,能够从演出者本身、观众以及评委的视角做出不同的解读,最终形成结论返回到人物自身上去,而电影版受限于篇幅,仅仅是把事件的发生做了简要陈述,是十分明显的短板。
Sparks迎来小红小紫的事业巅峰,从这里到神谷模仿德永染银发的剧情之间,剧版充分展示了娱乐圈的生存残酷与无奈,看上去德永和山下在步调一致地向前,实际上性格差异也使得二人的裂痕逐渐增大。
与此同时,想要在娱乐圈名利双收,从来都不是看上去这般轻而易举,不仅需要持续不断地创新,还要想方设法会来事儿,社交技巧、处事礼仪一样不能少,而山下的作用就完全突显出来。
可惜电影版同样直接删除了这些内容。
(七)
神谷披着一头银发与德永见面,并带他来到新的住处。
这里的表现手法,剧版与电影版存在很大的不同。
前者多依赖德永的自述,在表达德永内心情感的同时衬托出与当下场景的格格不入,并且试图与真树的情节呼应起来,制造出与现实的抽离感。
而后者更多地直接表现德永与神谷的针锋相对。菅田将晖的攻击表现力吸引力大部分的注意,因此没有丝毫展示其他细节的空间。
之后Sparks人气骤然下跌,德永和山下经历了从天堂到地狱的体验。
剧版除了使用大量篇幅和场景渲染德永与山下的离别,还选择从一众配角那里持续不断挖掘情绪,这些在电影版中几乎没有见到。
更加关键的是,剧版定下的基调在于表现现实的无奈,而并非是说一切都是山下一个人的错。而在电影版中,至少德永这个眼神,让他看上去更像受害者,这就是一种指向性。
叹息和遗憾的情绪不可避免,但是怨恨则完全没必要出现,这种调调是看起来不太爽的,毕竟谁都不存在为他人牺牲自己人生的义务。
Sparks告别演出,从之前德永和山下一前一后行走在路上对台词信手拈来的铺垫,到德永一个人时默默流露悲伤情绪的难捱,再到最后的现场演出,无论是表演还是剧情呈现,两版的差距都是全方位的。
(八)
最后,菅田将晖版德永说,只要活着就没有悲剧的结局。这句话的对象是丰胸之后的神谷,听起来鸡汤味道十足。个人观点总结来看,其实并非要否定任何一位演员的演技和任何一方的用心,很多东西就像谈恋爱,不是好的就一定适合。
何况,输给最佳也没什么丢人的。
所以拍烂一部电影也没什么,反正只要活着就没有悲剧的结局。
一直重复死掉的那天,但是不压抑反倒有点搞笑,女主颜值高,总体还行,结局不错,至少有明天。第一部还不错,第二部更多篇幅在女主和妈妈上面,一个维度有爱自己的男人,一个维度有本已经离世的妈妈,这部片子可能已经不是往普通恐怖片发展了,以更高的的一个情感层发展。最后的ending也预示第三部的到来,但是如果没有新的梗,我应该不会再看了。
一直重复死掉的那天,但是不压抑反倒有点搞笑,女主颜值高,总体还行,结局不错,至少有明天。第一部还不错,第二部更多篇幅在女主和妈妈上面,一个维度有爱自己的男人,一个维度有本已经离世的妈妈,这部片子可能已经不是往普通恐怖片发展了,以更高的的一个情感层发展。最后的ending也预示第三部的到来,但是如果没有新的梗,我应该不会再看了。
我知道,丛敢从来不缺差评,就像里面饰演的唐煎不差钱一样,但不可否认的,这些都不会影响这部电影是一部超越人类高稚量男性加女性演绎的好片儿。里面的音效拟借用了这个杀手不太冷的不善言辞,(男猪脚唐全程配音);里面的拍摄手法借鉴了碧海蓝天的迷途即别离,两个男主人公唐溅和烟枪都是热爱彼此的,然而却在一开始用着一种奇怪的方式来表示,吃鸡比赛?里面的选角让我不禁想起了WHY W
我知道,丛敢从来不缺差评,就像里面饰演的唐煎不差钱一样,但不可否认的,这些都不会影响这部电影是一部超越人类高稚量男性加女性演绎的好片儿。里面的音效拟借用了这个杀手不太冷的不善言辞,(男猪脚唐全程配音);里面的拍摄手法借鉴了碧海蓝天的迷途即别离,两个男主人公唐溅和烟枪都是热爱彼此的,然而却在一开始用着一种奇怪的方式来表示,吃鸡比赛?里面的选角让我不禁想起了WHY WOMEN KILL 的斯库特,就像男主唐煎一样他对表演的炽爱,但换来的确实一句:"斯库特, I have seen your acting, I wouldnt be so rule out(being a whore) a more viable career." 到此,影评结束.
说实话,这种风格的电影真不是我的菜,尤其是满足万千少女对韩国大叔意淫幻想的主题真的几乎没有理由让我去看这样的片子。可是,冲着东东去看的电影却发现,他只是来打酱油的!还有实在是不明白,为什么电影里的韩国大叔的人设总是树立的那么完美,完美到让人反胃!!其实非常讨厌这种使劲拉高外人来贬低国人影响的片子!
说实话,这种风格的电影真不是我的菜,尤其是满足万千少女对韩国大叔意淫幻想的主题真的几乎没有理由让我去看这样的片子。可是,冲着东东去看的电影却发现,他只是来打酱油的!还有实在是不明白,为什么电影里的韩国大叔的人设总是树立的那么完美,完美到让人反胃!!其实非常讨厌这种使劲拉高外人来贬低国人影响的片子!
真实,勇敢!p5,虽然我吃肉,但是看到直接的还是很难过。记得以前犯罪心理学老师说如果连这点怜悯心理都没有,心理一定有问题。看来我还好!p12缉毒警察真的很厉害!P13梁红说我们在地上的时候问题多了,我就放心了,这样在天上就一切顺利。有时遇到困难或许是老天在考验你。p16,财富带来的究竟是富裕还是贫穷?独腿足球队的乐观让人既难过又高兴。
P18,其实原始部落里的那种并不会改变环境,
真实,勇敢!p5,虽然我吃肉,但是看到直接的还是很难过。记得以前犯罪心理学老师说如果连这点怜悯心理都没有,心理一定有问题。看来我还好!p12缉毒警察真的很厉害!P13梁红说我们在地上的时候问题多了,我就放心了,这样在天上就一切顺利。有时遇到困难或许是老天在考验你。p16,财富带来的究竟是富裕还是贫穷?独腿足球队的乐观让人既难过又高兴。
P18,其实原始部落里的那种并不会改变环境,改变环境的是大规模的屠杀和砍伐。
P19,每段痛苦背后有着坚强的心,让人难受。她们是勇者,不是受害者。打破完美受害者假象任重道远!
P20,每个女人,首先是人!我们生而没有什么不同!我们要努力去奋斗!P21,妈妈其实需要的是爱,不是血缘。真想为她们做点什么!
P22,帮助女性,不只是资助,还有提供工作机会,加强教育,同时,有好方法让人们明白女性的重要性,执着!
P23,真正的拆弹部队!!
P24,欢迎回家,看的快哭了!
看了老兵,有很多感慨,不知道该说什么,也不知道要说什么,随便写感慨一下吧。真的感谢这部电影的导演,制片人等,一寸山河一寸金,十万青年十万兵。很庆幸我是90后,一是
老兵们浴血奋战,保家卫国,才有了现在的美好生活。二是这段历史不算太遥远,我还能和老兵们生活在同一个时空下而感到幸运,能相对的更了解这段历史。也很遗憾没能早出生几十年,保家卫国。老兵们的牺牲才换来了今天的新中国。一将功成
看了老兵,有很多感慨,不知道该说什么,也不知道要说什么,随便写感慨一下吧。真的感谢这部电影的导演,制片人等,一寸山河一寸金,十万青年十万兵。很庆幸我是90后,一是
老兵们浴血奋战,保家卫国,才有了现在的美好生活。二是这段历史不算太遥远,我还能和老兵们生活在同一个时空下而感到幸运,能相对的更了解这段历史。也很遗憾没能早出生几十年,保家卫国。老兵们的牺牲才换来了今天的新中国。一将功成万骨枯,元帅将军们万古流芳,然而有些活下来的老兵被遗忘,听说过他们也不奢求什么,因为相对他们牺牲的战友来说他们很幸运。无论共产党还是国民党老兵,他们都是伟大的,都应该得到认可,得到尊重,都应该去铭记,享受什么都不为过,因为这片江山是他们打下的!看了老兵才真真正正明白近代历史去屈辱的历史,要铭记历史,缅怀先烈,珍惜当下。为祖国的繁荣富强添砖加瓦,然而想起现在的社会,不知道他们看到是怎样的想法,现在流行毒害小学生的“王者农药”,感到可耻。看了老兵后注册的豆瓣,我也不知道我写了些什么,好几年没有动过笔了。文笔不怎么样,写的不知道好赖。但全是有感而发,心中所想。