前几天吧，我招待了一个客户，30多岁，看起来木木的，还有点乡土气。

  交谈得知，他是附件某一个学校的，他想组织38节那天带女老师们看场电影。

  聊完了价格，他开始选那天看什么。我给他推荐了三部电影《狼图腾》《天将雄狮》和明日上映的《木星上行》。他说回去再想想。然后我送他出去的时候，他看到了《将错就错》的展架，他站在展架前徘徊了一下，然后说：就看这个吧。

  今天，《将错就错》上映后，我就进去看了。

  走出影厅后，我给那个人打了个电话，跟他说要不你们换部电影吧，不想破坏你们过节的心情。

  挂完电话，我觉得心情很舒畅，我觉得我做了一件好事。

  然后回到电脑前，打开豆瓣看评价，又看到几个眼熟的账号，这几个称自己为专业影评人的人，混迹于各大烂片中给出三星以上的评价及洋洋洒洒的上千字。

  难道他们真觉得这些电影好看吗？不，他们也只是为了生存。

  那么，对于他们来说，我这种砸场的人，还算是好人吗？

  对于电影制片方，对于指望这部电影挣钱的人，我还算好人吗？

  烂片我们可以直接给一个字，就是烂。但是一个人的好坏，要怎么去定义呢？由别人评价吗？

  再回到电影本身，看《将错就错》过程中，让我心情变得极为糟糕。不是因为电影烂，做影院这么多年，我看过的烂片总够绕地球三圈，而是我也有一个梦想。

  就是拍一部电影。拍一部站着挣钱的电影。

  当你怀揣这一个梦想，小心翼翼的去做发行、做影院、做院线，跟剧组，所做的一切，都是为了把这个市场摸得清清楚楚，以及充实自己。

 而你正在小心翼翼行走时，却不停的冒出大量的人，有些兴许还是我的师哥们，他们拍出了一部又一部烂的让人无法接受的电影，一部又一部嘲弄别人智商的电影时。

  而这些电影，有些还为他们挣到了钱，然后他们继续。

  我觉得很愤怒，很失落。

  当然，这种情绪因素还有另外一个原因。

  就是本来看这部电影的目的，就是想写一篇快乐的吐槽文，但是，这部电影烂的太正常了，烂的太无奇了，烂的太平淡了，让我根本不知道从哪开始吐槽。

  就只能这样了。

（当我打完这点字的时候，对讲机在呼，说有一场的观众全走完了，放映可以关了。）

  我突然发现我对这部电影评价太主观了。

《将错就错》这部电影挺好的，省电。

  

小时候和父母看过，现在大三了，和男朋友又看了一遍，真的是国产的良心剧。不知道为什么会有评论说三观不正，大概是他们根本没有看懂这个片子真正想要传达的观点。看一个问题，得看着它核心与本质的东西。这部片子有几个核心的观点：
一是善良，从喜来乐医生这一角色的设定开始，就注定了他是救死扶伤、无比善良的一个人。哪怕他胆小怕事、哪怕他面对赛西施不敢担当，但是这都是他人性中的一部分，都挡不住他善良的这一光芒。救田魁、救格格、救保守派大臣、到最后救他的仇人，这是多么伟大的心灵。全剧烘托的这种美好的、崇高的、令人敬佩的善良，还体现在方方面面。
二是仁义，喜来乐是胡氏的父亲的学徒，胡氏父亲对他有栽培、培养的恩德，所以喜来乐对胡氏是死心塌地，即便胡氏不能生养，他也不抛弃，这不是怕老婆，这是他不忘师傅恩德，有仁义之心。卢忠到了最后还忠心耿耿为王天和求医，因为王天和对他有“知遇之恩”，还有鲁正明与王爷、喜来乐与鲁正明，这些个人物之间的情义，无不让人感动。而剧中的一大矛盾——田魁的黑化，也是他忘恩负义，背弃了“仁义”所致。
三是揭示了官场中的黑暗，可以看到，剧中的一些官僚，仗着权势，胡作非为；为了钱财，黑白不分，令人痛心。其实这也是一种对现实的折射，本剧上映于03年，正是国内贪污腐败盛行的年代，可以看出编剧的用心良苦啊。

至于评论里说的一些小三上位，我觉得那大概是一些无脑的爱情片看多了吧。且不说喜来乐对他夫人有多忠诚，赛西施也完全是胡氏允许的；先来看看剧中人物所处年代，还没到民国呢，还是清朝呢，古时候三妻四妾根本一点毛病也没有，又不是现在这个年代。难道看个宫斗片，皇上那么多妃子，你也得说三观不正？而且胡氏不能生养啊，在那个年代人的观念里这可是大事啊，怎么就不允许纳个妾？

看问题还是得抓主要矛盾，这部剧，从剧情、三观、演技等多方面都可以说是非常棒的，至于剧中的一些小细节，就不要太纠结了吧。

以上，仅为个人观点，请勿转载。

淡淡的可爱的悲剧，看了以后说不出话来。

娓娓动听的墓地广告，望子成龙苦撑的妈妈惬意躺在蓝天碧海绿草丛，期望死后开心抖脚。破旧的木箱时光机，换不回时间，玫瑰变成残枝，小pizza变成残饼，昔日王子尘满面，鬓如霜，泪千行，一去不回。

父亲活在过去，母亲活在未来，而活在现在的，惟独只有麦兜自己。人海茫茫，揣着梦想茫然前行，偶有所悟，日渐长大。

看麦兜系列后我才感到香港是个温暖又平凡的地方，不是警察匪帮，灯红酒绿，西装革履，燕鲍翅和名牌店。那些杂乱招牌，陈旧大楼，在孩子心中如同童话布景，而所有无忧无虑的小猪，变成步履匆匆紧张有序的香港人，同你我擦身而过。

           应该客观些评价这部片子，片中，每一个演员的演出都是那么出色。
           任达华的火爆性格及冷酷至极的狠形象；王敏德标准的港式警匪风格；杜汶泽的年轻清秀模样，更有曾志伟体架小，却处处散露大哥气质的演绎。这些个资历不是在告诉大家，本片的加盟演员，换作现在绝对是天王巨星云集，天价参演了。
          可惜的是，剧情本身不是那么跌宕起伏，全程下来，剧情松散，虽有干净利落的抢劫桥段，全片高潮段落应是，曾志伟饰演的大哥角色被杀，余下的仨人组合此后困难重重，影片发展到这里，才发现导演没剩下多少时间让他们仨人继续精彩剧情，而是借来飞虎队匆匆干掉了他们。
           当任达华饰演戴着黑色墨镜的杀手，与泰国老僧侣擦身而过的那一镜头。偶灰常欣赏这一镜头所带来的冲击对比，一个青壮，一个老朽；一个杀气腾腾，一个善肠款款。警匪片最需要的就是这种强烈人物形象对比气氛。
五人组合，在那一次抢劫银行的行动前。四人已然劫听到组合里的杜汶泽与警方联系的声音，知晓他是卧底的事情。趁着那次行动时，成功前一刻将杜汶泽杀S在现场，四人从容而去，任达华离开前，撒下一叠钞票。那画面，也是给劲了杀手的冷酷不群的帅气感。
           影片很大一处败笔在于，王敏德中意上他不知是国际警察身份的一保险员小姐，导演没怎么让这两人之间有故事些，以拱起全片的剧情。最后，只是任达华一枪结果了那警察身份的小姐。可惜了….
          王敏德饰演的角色，具有相关专业知识，负责每一次的行动策划。导演在安排这一角色的画面及片段上，颇费心思。应该说王敏德饰演角色的动作场面上，是很好的。
           至于曾志伟胸口中枪，在荒野上同其余仨人生S话别的那一画面。泛红的夕阳景色，因为失血而面色苍白，咳嗽不已的曾志伟，尤其显得孤寡可怜。
          ‘连自己人都杀，鬼跟你作拍档’。也许，嘿社会里的古惑仔，普通合作关系的杀手，只要背信弃义，就一定没有好下场。这才是导演所要告诉观众的吧….
           一鸡死，一鸡鸣。这个世界，根本没人可以横行霸道！那么到底什么才是导演所要阐述的主题想法呢！

          王敏德与任达华不满曾志伟独断专行，情绪上说，有意见还想要做掉曾志伟，余下三人另起炉灶的想法，也不是那么的错误。无奈的是，其一，曾志伟大局上是集体着想的，虽然有一点点的私心，如果因为这样就杀了他，王与任是不对的；再者，这个社会，从来都是老姜当头。这个社会的秩序，价值观，伦理观都是以老来者为中心制定的。想坐头把交椅，仅仅身强力壮是不够的。至少河蟹的社会猪义钟国，是以老朽治国为方针的。对吗？
            横行霸盗，心术不正，嗜小利者，定S无全尸....

       正如电影的名字《神奇》，这确实是一部神奇的电影。
       人工智能是个很好的题材，并且将其与篮球结合起来，确实切合年轻人的口味。碍于拍摄及后期水平限制，这些可能存在的看点都被弱化为毫无看点。篮球实战画面切的极为混乱；而虚拟世界本可以成为视觉亮点，但技术摆在那里，最终的效果不尽如人意。倒是冰山，Frank和依琳争吵的片段，镜头切的简直是要把观众转晕的节奏。
        一部电影的目的就是为了讲故事，这部电影的故事想来似乎总能在记忆里找出类似的影子，诸如《鹰眼》、《黑客帝国》等。回到故事，讲得就是黄晓明饰演的冰山如何创造了神奇游戏这个bug后不幸昏迷，最后在各方努力下醒来然后消除bug。就这个故事而言，为了表达什么。比如黄晓明的努力执着或者是强大的责任心？再比如是对虚拟世界人工智能的思考？再加之其他两兄弟如同过家家一样的创业未果？还是恶俗的三角恋回归到原配与原配的正轨？试图多重表现意愿是好的，能力不足结果捣成了这么一锅浆糊。观众走出影院难免要摸摸后脑勺，琢磨着我刚看了啥？安东尼，霍德华，皮蓬，易建联，王治郅的面孔么？估计篮球爱好者记住的也就只能是这些了。至于非篮球爱好者，怕是能理出个头绪就有点难。而对于Venus的进化表现生硬，病毒危害也只能从侧面新闻报道体现，再到总体逻辑概念缺乏良好的体系来自圆其说，以及Venus最后居然是自我总结而这是“因为爱情”，整部片子的张力和表现力顿时被削弱的惨不忍睹。
       电影宣传方面做的实在到位，并且拿了“《碟中谍4》特效团队”作为噱头，比起同期老爷子的《神都龙王》，我们能看到国产片长足的进步，其真实度和视觉效果完爆本片。

影片整体于前四部确实有少许改观，可是 1.这塔拉真是牛掰，只是一个学生啊，身中7??还不死，医院里就她一个病人？医生护士呢？超级加倍VIP啊。病房被关灯，非得出去瞅瞅，还没拿个???，一直在大声挣扎叫着，生怕杀手听不到喽。被刺杀的受害者，就一个警察留守？警察永远...  (展开)

        这样的一部电影出现在硝烟弥漫的暑期档，基本上可以断定其炮灰的命运的，当然这个判断与影片本身的质量关系不大，关键还是卖相不好，一部温吞的纯爱片，缺乏明星光环和可炒作话题，最致命的还是这个不知所以的片名。《80’后》原名是《地久天长》，改名后是要突出其人物的代际属性和青春编年体形式的叙事脉络，但是这样的改变反而将影片在时代大格局和个人小命运之间的互动乏力暴露无疑。
        《80’后》这部电影在做一件在这样一个充满逆反情绪的社会里最不招人待见的事，那就是企图代表别人，而且还是一代人。尽管有香港回归、申奥成功、非典、奥运会等大事件作为时代坐标，但看完发现这个此恨绵绵无绝期的爱情故事是可以放在任何年代背景下的，而这些事件也并非是80后的独特记忆，而是属于全体中国人的民族记忆，创作者在这里有点意淫过度了。另外被意淫的还有作为80后代表人物的男女主人公的成长背景，两人都是人中龙凤，在他们身上我们看不到普通80后所面临的升学和就业等现实生存压力，只看到他们在校园里优雅地跳着西方宫廷小步舞曲式的集体舞，毕业式上”长亭外，古道边”歌声中的陶醉，还有就是在保鲜膜下被地久和被天长的真空爱情……尽管有着破碎家庭带给他们的心灵创伤，有着非典时期的生死考验，有着铁窗内外的咫尺天涯，但这些生硬地刻在人物身上的疮疤能引起什么代际共鸣吗？我想出身名门之后的导演李芳芳的成长背景中一定没有真正经历过普通80后所普遍面临的那些生活压力，只好在这里为赋新词强说愁了。
        《80’后》中男女主角爱情守望的时间跨度是17年，其实只要是经历了沧海桑田的爱情都具有感动观众的潜在力量，毕竟这意味着一份坚守和忠贞，这在当今社会都是很稀缺的情感方式。这里的爱情状态基本上是采取韩剧式的处理方式，而加大的信息量和相对精良的制作水准让这部纯爱电影有了通俗文艺片的质感，以爱情为主线又不拘泥于爱情本身，是《80’后》显得脱俗的地方。但是在这份质感之下又欠缺了点说服力，可以说沈星辰和明远之间始于青梅竹马的爱情一直缺乏明确的推动力，李芳芳只是一味沉浸在自己的编剧技法中，用情节和转折连贯了一段极品爱情，殊不知这段爱情一旦放入滚滚红尘之中立刻显得漏洞百出了，最终的结果是有感动而缺乏回味，高潮段落发力不足，反而是类似在沈星辰陷入绝望之中时出租车司机的守候这样的情节带给我的感动更现实一些。
        《80’后》一度在宣传中放大了对张国荣的致敬和怀念元素，在最终的成片来看，这只是蜻蜓点水地出现了两处而已，但惊喜的是片尾处陈楚生翻唱的张国荣《有谁共鸣》，谷村新司的曲子和陈楚生的超水平演绎让这部电影得以善终。

这篇影评可能有剧透 gakki中国大荧幕首秀，3月4日点映场第一时间在广州买票看了，gakki颜值本身就美好，加上演技在线，全程都没有办法离开屏幕一眼，哈哈！抛去粉丝的身份，本身电影是日式热血风格，虽然可能很多人觉得桥段老土，但就是能越看越感动，看到两夫妻带着儿子照片上赛场，把儿子的照片...  (展开)

   杜琪峰拍摄这部片子的时候，恐怕没有想到本片的上映期正好遇上“香港人大战内地人”这个尴尬时刻。不管编导用了多么繁复的“多线环形结构”来讲故事，都无碍其无比写实的风格暗合了当下热闹的话题。

    片段一：
    港人抱怨大陆孕妇赴港生子以及长期鄙夷的大陆媳妇，而任贤齐突然多出来的一个妹妹正是他爸爸找的年轻大陆妹生下的女儿，比他小了二十岁都不止。
    片段二：
    港人抱怨内地富豪把香港房价炒高，而片中受到欧债危机影响，市场陷入不景气，任贤齐的女朋友在交了定金之后反悔，不想买楼，却又不甘心承受毁约金。最后“内地人”出面接盘，愿意加价买她定下的单位。
    片段三：
    港人中产阶级压力巨大，任贤齐是高级督察，公务员，月入六万港币，即使在香港也算得上是中高收入人群，面对供楼这种事情依旧有很大压力。这也是在被询问到是否愿意抚养自己同父异母的小妹妹的时候，他对女朋友强调需要多想一想，不是没有人情味，实在是压力大。
    片段四：
    香港经济不景气，连黑社会都感受到了，退位老大以前摆个寿宴是六十桌加上舞龙舞狮，现在摆个六桌还是吃斋。老大进了警察局，连保释金都要到处去凑，这里借个一万，那里凑个两万。连小弟都看不下去，辞职不干。黑帮以往的光鲜亮丽化为如今的挣扎生存。


    曾经那个光听名字就让内地人激动不已的香港哪里去了？

    黄日华本来是个混黑社会的，现在踏踏实实做废纸板生意，买入一块，卖出两块，实打实的生意，实打实的现金。一腰包的小额钞票包含的是实实在在做工挣钱的踏实劲。但是更多的人是去炒基金，炒股票，放贷款。说来是几十帕的利润，一场欧债危机就让炒基金的小市民把退休仰仗的钱亏了30%，炒股票的命丧街头，放贷款的被属下员工盯上把钱抢走把人杀死。其实还是太浮躁，挣老实钱被人鄙夷，若是有一两个挣快钱的路子便能轻易引来众多模仿者。

     如今的香港，没有人愿意做实业，年轻人想的是如何倒卖iphone到内地去赚快钱，轻轻松松就把钱挣了。谁还愿意去像黄日华一样收废纸板，即使大家都知道收废纸板一样赚，年轻人还是不愿意做，他们多半会说“好累，还不如睡觉”。梁文道的文章里面写到，面对大陆过去的优秀“陆生”，香港大学生不是说“我跟你拼了”，而是说“好累，我不跟你争了”。这是发达社会的顽疾，香港的年轻人看到自己父辈辛辛苦苦工作一辈子，也不过就是换了一套小房子。读书又怎么样？去了港大，港科大读好专业出来一个月四，五万，还不是供不起动辄八百一千的房。那还不如好好打电动，在家待着，反正出去搵工也挣不了多少钱，何必把自己搞得那么累。

     片中一个老人抱着个煤气罐想自杀想报复社会，被任贤齐堵在电梯里，他开始历数自己的人生，来到香港几十年，从做纺织，到成衣，到电子，到玩具，最后到做保安。忙碌了一辈子仍然一无所有住在廉住房，也就是港人说的“屋村”。这里面反应的有两个现象，一是香港巨大的贫富差距，李嘉诚这样的白手起家的神话越来越不可能重现；教育的功能也逐渐不明显，希望通过好好读书来改变命运的难度越来越大。二是香港的产业升级和产业转移，能够带来大量就业机会和中等收入的制造业已经转移到大陆和部分东南亚国家，只剩下金融，零售，房地产等收入差距巨大的行业。辛辛苦苦工作创造的财富到哪里去了？地产商和香港政府。中环皇后大道H&M店租金一个月600多万，它需要卖多少件售价几百蚊的衣服才能有利润。皇后大道上更多的是奢侈品店，做的就是内地官太太富太太，官二代富二代的生意。抵制内地人，生意怎么做？ 零售业再垮掉，香港的年轻人还能做什么？还愿意做什么？

    香港最大的问题是巨大的贫富差距，以及社会阶级的固化（不许联想），你有几间房，几个铺面就能衣食无忧，而工薪阶级的后代想要通过读书来改变命运的难度越来越大，意愿越来越低。最后就是富商恒富，中产挣扎，底层难过。



    底层失业的年轻人就如同租地耕作的佃农，就算赶走了所有的大陆蝗虫也不能改变他们世世代代受到地主剥削的命运。因为年轻，他们可以有激情有梦想去行动起来，去change something，但是只怕他们是找错了方向，更可怕的是可能他们根本找不到解决这些问题的方向。

    最后的两个镜头明显是阉割版本，我猜杜琪峰最后一个镜头就是刘青云和何韵诗这两个暴富的人在街头插肩而过。即使是这样的结局，也只是等同于一声叹息，勤奋工作不能改变的命运被砸在脸上的飞来横财蛮横地改变了，自此刘青云抽上了高级雪茄，何韵诗炒掉自己的老板，各自拥抱自己的新生活。这才是最真实的港人写照：老老实实工作是没有希望的，只有幻想一夜暴富才有可能离开“屋村”的梦魇。
    
    

【本文首发于公众号油炸绿番茄（ID：tomato2050）】
快进着把【那年花开月正圆】看了个七七八八，感觉不写一篇对不起自己浪费的时间。商战戏的外壳，言情剧的内核。周莹不是来做生意的，而是奉旨谈情说爱，这部剧真的应该改名叫【男人都爱我，女人都害我】。

说实话，吴聘死后我就已经比周莹还心如死灰了。没想到，女主的言情之路才刚刚开始，之后就朝着琼瑶阿姨的路子一去不回头了。后面剧情人设的各种崩，可以说是山崩地裂的崩了。我算到了沈星移的复活，却怎么也算不到他变成了变法的康先生。

剧情发展到这个程度，都已经不是超出了言情剧的范畴，而是妥妥的奇幻剧了。编剧脑洞之大，不服真的不行，下一步怀先化名梁先生，我看妥妥还能再拍几十集。
 
从人性角度谈，吴聘走后，周莹能不能爱上其他人？能。杰克死后露丝还生儿育女了，这份泰坦尼克的生死之恋依旧感天动地。好好活下去，就是对亡者最好的回报。以吴聘的人品和对周莹的爱，他大概也希望有个人能替自己来爱妻子。

但是周莹用了几十年跟另一个男人缠缠绵绵这样的改编合理不合理？不合理。特别是最后求着沈星移收了她的戏，吴聘看后恐怕都要从棺材里气得跳出来吧。
 
真实的周莹是红顶盐商周梅村的女儿，和吴聘自幼便有婚约，其实算是门当户对。17岁嫁入吴家，亡夫走后，一直不肯改嫁，独立撑起整个大家族，四十岁时孤单一人离开了。

编剧为了增强可看性，把一个名门千金的出身生生改成一个野丫头也就算了，影视剧为了追求可看性需要艺术加工完全能理解。但是能当女首富，周莹靠的是不凡的见解和胆识，而不是虚构的沈星移和赵白石。如今这些神队友的出现，轻轻松松就消解了一个没有丈夫的女人在真实生活中所面对的艰辛和苦难，这是对历史人物最大的不尊重，你还不如坦言我只是拍了一个同人剧。
 
可是偏偏这部剧最大的卖点是还原陕西女首富一生，这就尴尬了。
 
我想起陈凯歌之前拍过一部不伦不类的电视剧叫【吕布与貂蝉】，脑洞大到不敢想，吕布是被豹子带大的原始人，貂蝉跑得比风还快，妥妥开中国一代神剧先河，除了名字以外跟两个历史人物就再也毫无关系了。后来被下线重改，最后只好改成【蝶舞天涯】，把主人公换成完全虚构的天涯和蝶舞，剧情愣不受半点影响。为啥？因为你本来就是瞎编的啊！

回头再看【那年花开】，亏了没叫大义秦商，真的hold不住。当然，人家导演压根就没想往正经商战剧历史剧上走，人家就想拍个言情剧赚点眼泪圈点钱。把剧里周莹真正和经商有关的戏提炼一下，十集不能更多，但是谈个恋爱能谈出七十多集。
 
最近几年特别流行大女主题材的影视剧，光是今年已经播了和即将要播的，就有几十部，还都是所谓大制作，看着电视机上这些成灾的“乱世女子成长记”，比手撕鬼子还令人尴尬。

连长期只钟情荧幕的电影咖周迅和章子怡都跑来凑热闹了，如果章子怡真的接下帝王业，那还真是她的荧屏处女作。但是不好意思，我一点也不期待。明明是玉娇龙和宫二的材料，非要往玛丽苏堆里凑什么热闹。

这些剧，光看名字就可以脑补剧情了，基本全循着【男人都爱我，女人都害我】的套路，五千年的中国历史就靠玛丽苏来推动。一个原本单纯可爱的傻白甜，身边一群帅气多金的蓝颜知己死心塌地不明所以反正就是深深爱着自己，在他们的帮助下，谈谈情说说爱，打赢了身边的碧池们，顺便就成了女强人。竟然还有人说，这叫女性意识的崛起？
 
大女主题材的泛滥，看上去，好像女人受到了绝对的重视，实际上仍旧是男权思想下的产物，我真的没有看到半点女性独立之光。
 
这是时代的进步吗？不好意思我看到的是倒退。

早年中国的大女主戏虽然不多，但是每一个都是真的大女主。比如刘晓庆版的武则天，爱情只占很少的一部分，更多的篇幅展现的是她的心机和狠辣，她的治国策略，她的运筹帷幄，她和群臣之间的斗智斗勇。

那些儿女情长根本就不是武则天有功夫考虑的，她在意的，是怎么在这个你死我活的政治斗争里，像个男人一样的生存和战斗。她狠，她毒，她不放过任何一个人，哪怕是自己的亲生骨肉。

可是到了武媚娘传奇，那几乎就是天雷滚滚，玛丽苏到一塌糊涂了。

打扮得美艳动人的范冰冰周旋于一众男人之间，永远楚楚可怜，永远都是别人要害我。这样的女人能成为一代女皇你是在逗我吗？一部历史剧完全不合历史也就算了，连最起码的逻辑都没有了。

同样是商战题材里的女强人，看看【大宅门】是怎么刻画二奶奶白文氏的。
 
【大宅门】不算大女主剧，但斯琴高娃扮演的二奶奶也是当仁不让的第一女主角。白文氏出场的时候20出头，也算青春好年华，按现在大女主戏的尿性，非给她塞上一堆情人知己不可。不过不好意思，二奶奶的戏跟浪漫二字没半毛钱关系。她有野心，有见识，能忍，会攻心。
 
二爷老实窝囊，二奶奶在白家风雨飘摇之际挑起了这个大家族的重担。老太爷人正直，但是不懂变故，不听二奶奶的劝，最后小不忍果然乱了大谋，和詹王府结了怨，整个白家都受了牵连。二奶奶能忍，她去詹王府化解恩怨，一次不行两次，从老太太那里突破，不卑不亢。

白家当时面临破产危机，二奶奶看得清形势，把宝押到常公公身上，倾其所有投其所好，后者果然帮她盘回百草厅，斗赢了董大兴，白家一下就翻了盘。

即便是对待白家不断捅娄子的猪队友白三爷，二奶奶也能恩威并施，以大局为重。二奶奶的丧礼上，三爷哭得最凶，连连后悔自己当初太混蛋。
 
最重要的是，白文氏在剧中的形象立体真实，有血有肉。

她有泼辣强势的一面，能和三爷扭打在一起，也能为了要回白家牌匾，挺着大肚子去董大兴的门口撒泼打滚，她豁出一切保护这个家，就像母鸡护着小鸡。

她有仁爱宽厚的一面，白景琦捉弄一个候补道，二奶奶很生气，教育他做人要厚道。三爷被追债，二奶奶替他还。即便是对待下人，二奶奶也永远客客气气不摆架子。

她也有非常残忍无情的一面，特别是在对待杨九红上，不允许对方进家门，夺走她的女儿，教孙女仇恨看不起自己的母亲，甚至临死都不许杨九红披麻戴孝，要将她赶上绝路。

很多人因为同情杨九红而痛恨白文氏，当年我也是曾经的一个。但是这样的人物设定，非常符合当时的时代背景和白文氏作为名门望族当家人的身份。尽管白文氏已经是当时的女中豪杰，突破了旧社会女子的局限，但她的思想里仍有传统封建观念的烙印，绝不可能接受一个窑姐成为自己的儿媳。
 
她有能力有魄力，但是也有七情六欲，爱恨情仇，剥开女强人的外衣，她的身上流动着人性的善与恶，她是那个时代的一面镜子。
 
历史上的真实周莹，跟白文氏很像，内忧外患之下，一个人挑起一大家子，以一己之力将吴家产业发扬光大，除了照常营业的江苏、江西、安徽等省的淮盐外，又先后在湖北、上海、四川、甘肃、陕西设总号分店。各大商埠、码头都有吴家生意，民间甚至流传着一句顺口溜：“吴家的伙计走州过县，不吃别家的饭，不住别家的店。”
 
剧中，管家王世均深深爱着周莹，默默陪伴在她身边，成为其商业上的左膀右臂。

历史上并没有王世均这个人，但周莹身边确实不乏能人，最有名的是扬州总管罗天增与杨茂亭、王子绪、王幼农四人，几个人和周莹之间是一份纯粹的主仆之谊，并没有掺杂爱情的成分。吴家人跟几个管家的关系非常好，他们的子孙长期都在吴家，双方成了兄弟朋友。

周莹能够留住这些人，靠的是心胸气度和人格魅力，非要和爱情扯上边，是这部剧最烂俗的地方。
 
周莹的商业思维非常超前，有胆有识，为了让大家抱团，她主动提出让伙计都来参股，比如伙计一年20两银子，从柜上支10两用于生活，剩下的10两就可以参股分红，开中国股份合作制的先河。
 
但是在家国观念上，周莹又可以说是非常保守的，她并不像剧中那样支持变法，甚至还不顾养子反对，向清政府捐出白银十万两，被慈禧收为义女，获封一品诰命夫人。

真实的周莹在吴聘走后二十多年的余生里到底有没有蓝颜知己，说不好，但是有一点可以确定，那就是她能成为首富，靠的绝不是爱情。大女主不是不能没有爱情，但爱情绝不是她们人生的全部。
 
真正优秀的大女主剧，从不靠狗血的三角恋吸睛，也不屑展现一地的儿女情长，而是靠女人自身的成长去推动整个剧情的发展，比如【傲骨贤妻】。

Alicia深爱着Will，可是他们之间展现更多的还是事业上的交锋。每一场case的处理，你都能看出Alicia出众的能力和她一点点的进步，砍掉爱情线，依然满满全是看点，而不是像【我的前半生】中的罗子君，前半生靠男人，后半生靠闺蜜的男人。
 
一部优秀的大女主剧并不会把女性标签化、完美化，套上光芒万丈的主角光环，也不惮暴露女性的脆弱与狼狈，并且从不掩饰她们对欲望的追求。

她们这一秒可能登上了云端，下一秒又被拉下了神坛，但是最重要的是，她们从未放弃过人生。她们的野心如杂草一般生机勃勃，她们追求卓越，并永远愿意为之努力，她们每个人都要独立面对各自人生路上的艰难。

成年人的世界从来就没有“容易”二字，可是在如今国内的大女主戏里，女主角活得都太容易。
 
如果说作为一部单纯的言情剧，靠大家YY老公选吴聘还是沈星移，【那年花开】绝对在及格线以上。但是千万别把它当作一部大女主或者正经八百的商战剧来看，这部剧的格局实在撑不起它的野心。

黄昏里一盏明灯:他们在岛屿写作
文 / 蒋斐然

“是谁传下这诗人的行业，黄昏里挂起一盏灯”。

在这文学阅读日益衰退的年代，《他们在岛屿写作》挂起了黄昏里的明灯。

我们不禁感叹，台湾啊台湾，台湾啊台湾。看似被政治力搅和得乌烟瘴气的台湾，看似民风日下乐娱表浅的台湾，却从不叫人真正失望，因为在这个岛屿的某个角落，某个时刻，总是不期涌现这样那样充满力量的的影音创作与文学记忆，无法被乱流冲走，无法被历史埋汰，让人重新坚信美好的存在。这个市井与纷争的小岛，像极了春秋战国时期的中国，乱力之下有自由，自由之下放百花。

他们在岛屿写作。他们是谁？“他们”指向的是一个漂浮游移却隐然成形的时代群体，既有历史时间的距离，又有美学感性上的回眸。“岛屿”作为一种历史地理的指称，潜藏了在地思考的逃逸路径，跳脱省级，无关统独，抛却了僵硬的国族符号，抛却泛政治化的情感动员。而“在岛屿写作”则形构出一种当下此刻的书写进行式，贯穿过去与未来，以写作的创造性能量，标记岛屿之浮光掠影，“岛屿写作”，让岛屿不先于写作而存在，让“写作”无法离开岛屿而成立。

六位文学大家，来自四面八方，出生地殊异，成长地殊异，但都在岛屿写作，都在书写岛屿，都在以文学书写作为逃逸陈规范式的路径。值得思考的是，其中的几位作家都是从大陆过去台湾的。余光中曾这样描述他所经历的地方：大陆是母亲，台湾是妻子。何以母地的生子都绽放在他乡的爱情里，而后又缱绻于怀乡的诗情里。不论时事，搁浅政治，但省两地的人文落差，便叫人戚戚。

《他们在岛屿写作：文学大师系列电影》创造了文学纪录片的一个奇迹，成为去年台湾一个重要的文化事件，让人唏嘘之余感到欣慰——还好，文学还在；还好，读者还在。这套影片的奇迹在于，它以非凡的诚意打动了六位文豪的联袂出镜，以纪录片的预算制作出了电影规格的影像，以文学电影的姿态站上了公映院线，以低调的妆容赢得了高调的票房和口碑。虽非商业片，却敢于挑战观众的口味，不得不敬佩，作为发行方和制作方的目宿媒体确实具有过人的胆识和先天下之忧而忧的人文情怀。但谁也没有想到，在这样速食消费的年代，悠长缓慢的诗歌又唤起了人们心底对文学的柔软记忆，真诚朴质的影像挖掘了字里行间的乐趣，拉近了观众与诗人的距离，抵抗了阅读衰退的忧虑，这表明不管时代怎么变，人性最初的那份纯洁与美好是不会消褪的。

你看到诗人的生活，看到他们作为一个人是如何存在，然后你突然就读懂了他们的诗。比如，我看《化城再来人》时非常惊讶，或许之前听说过在武昌街摆书摊的周梦蝶，但并不知悉他原来人如其诗，早已老僧入定，生活作诗仿如修行。再如余光中先生的诗应该为大陆观众所耳熟能详，但在纪录片《逍遥游》中，我才完全地尝到了乡愁的滋味，也才明白之前脑海里的余光中并不是真正的他，他的诗我也并非真的懂。这不就是纪录片的意义所在吗，带领观众进入和理解一个未知的世界。

《他们在岛屿写作》成功了，在台湾，第一次有这样的纪录片能够在院线联映五周之久，怀揣着所谓的传说中的“纪录”与“文学”两大票房毒药，却眼睁睁地火爆了市场，成为一种奇特的现象。不论是文艺界还是非文艺界，都不断有仁人志士站出来鼎力相荐。张艾嘉为首映站台，马英九看后将预告片投上FACEBOOK大力夸赞，又有多少民众一看完片子，就涌起一股满满的冲动，奔向书店购买诗集。也就是说，人们又开始读诗了。这难道不是最大的奇迹吗？

若说以上是电影之于文学的奇迹，是电影为文学的普世化和复兴作出了贡献，那么反过来，其实文学也同样滋养了电影。《化城再来人》和《如雾起时》的导演陈传兴说，文学总能给电影注入大量新鲜的内容。文学电影的类型在亚洲尚未流行，在世界范围内，其实BBC早已拍摄过很多系列的作家纪录片，美国的大学也设有文学电影的课程。但在整个大中华地区，《他们在岛屿写作》是第一个做这件事的人，若这一波电影的佳绩能兴起整个文学电影类型在亚洲的发展和崛起，那就丰富了我们的电影市场和电影创作，不论对影人还是对观众，都是打开了一个多元化的出口。从纪录片的意义上说，也是对纪录电影创作现状提供了一种激活的可能性。当然这需要所有人的协助和推广，而我们，正是在做这样一件事。

在宝岛，有人在努力的保留纯文学的火种。而中国大陆，也曾像这个岛屿一样，经受过动乱对文学的摧残，如今却少有人以主动的姿态践行对文学的热爱。但我相信，这里同样潜藏着一大批坚定的文学青年，而台湾文学正是他们成长路上的重要养分，只是在这样的时代背景和社会风气下，他们选择了隐藏这份欲说还休的炽热。此番在HAFF能够一瞥这些文学大师在银幕上巨大的身影，必定会振奋这群长久遭边缘化的文青的心。而那些许久未拾书卷的人，或也会在看完这一系列的电影之后，重新回归读者的身份。另一方面，也是给大陆电影单一乏味的商业趋同提供一种反思，为食之无味的观影市场注入一剂新鲜的青草味。这里的观众已坐在黑暗的影厅里等候许久，等待着在大荧幕上看到不一样的电影，等待着在从电影里找回久违的感动，等待着恢复封存多年的文艺味蕾。

《两地》分属的风景

《他们在岛屿写作》展现出的是影像威力下的时代感性。

六部电影有叙事结构上的繁复，有影音调度上的别出心裁，更有美学与伦理上的巧妙幽微。有别于传统“作家身影”的拍法，六部纪录片的每一部片都有两个创作心灵的呼应与頡抗，一个是使用文字的作者，一个是使用影像的导演，彼此之间的微妙张力，让影像不再是文字的二次表述，让文字跳脱怀旧氛围，重新展现当代感性。

《两地》，台北和北京，台湾和大陆。此片在构思上颇有深意的地方在于，导演杨力州在片中彻头彻尾地将“两”的概念诠释到底。他将林海音的女儿去北京探寻母亲旧地的过程拍下来，与早前林先生自己去北京寻访的影像并置，两次的镜位和路线都很相似，甚至女儿和母亲都问了一些一样的话，由此两两相望的感觉就浮现了，暗示着代代相传，也暗示着两地纽带不断。配乐师柯智豪为了呼应“两”的概念，将俄系与欧陆两大乐种的旋律和节奏调配在一起，但其实所有场景的主旋律又都暗藏着《送别》的音符，因为它是此片音乐的主轴。剪辑上也频繁地展现出两两对立的撞击。比如说，叙事说到了林海音先生因为刊登了风迟的文章而被免职时，画面首先是当年“文学须服务于政治”的宣导片最后会场鼓掌的一幕，紧接上的就是严肃沉重的字幕，告知观众，在这个掌声底下，林海音被免职，在这个掌声底下，风迟被判三年六个月的徒刑。像这样的例子比比皆是。另值一提的是，《两地》中有大量的动画。动画部分并不疏离出戏，它是精致温馨的，因为原画取自于林海音最喜欢的关维兴水彩大师的插画《城南旧事》，而京剧的实现方式又让人感受到这个在老北京发生的故事。我看完动画的感觉是，跟林先生的世界又近了一步。《两地》也采用了不少稍显矫情的特效渲染手法，比如翻页的老报纸配上动态的新闻报道，这些是刻意、煽情而炽热的，而纪录是淡然、诚实而冷静的。导演也意识到了这一点，所以有意时不时地曝露一些“穿帮”镜头，或是让摄像机入镜，或是保留一些晃动不已的画面，为的是将观众从故事中推出去，回归纪录的客观姿态。

《化城再来人》的一天

《化城再来人》时长163分钟，六部中最长的一部，以我浅见，也是最有深度的一部，也可以说是最靠近电影的。它的叙事定点有如《尤利西斯》，一整部纪录片讲述的是周梦蝶的一天的回忆，但叙事线条并不单一，其中叠合了回忆的多重时间点，显示出周公本身性格的复杂性。第一次看这部纪录片的时候，令人印象最深的是周公的声音，他一直在不紧不慢却又用力地嚼着他的诗和尺牍，仿佛诵读也是一种修行。

周公的诗中呈现的是一种不纯粹的语言，旧诗，禅诗或偈语，全部糅杂在一起，而《化城再来人》将这些不纯粹凝结在一起的纽带就是周公的声音，包括它的质感，快慢，节奏等等。而声音就是时间的另一个指标。我们听着周公的念白，就真真切切地体会了他那句“只有时间嚼着时间的反刍的微响”。导演陈传兴说，“周公平常说话经常陷入一种独白的境况，即便与人对话，对面的人于他而言也只是回声墙。而念诗的时候却大不一样，念诗的时候是他与他的诗对话，你观察他特写的脸，感觉声音在他好似山脉的一起一伏的肌肤上流动。”这本身就是一种梵文的心境，这种诵读是一种非人间的与神对话。除了周公的声音之外，潜伏在影片始终的另一个重要的声音就是水流的声音，当然是隐喻时间的纵向宽度，对于周公这样一日如一生的文人来讲，这水流声又添无限禅意。

完整看过此片的人绝不会忘记开头和结尾呼应的江面，那过去的江面要去向哪里，谁都无解，就像时间要流向怎样的未来，我们都无从知道。为了反应周公这样的犹疑而不确定的生活在在台北城里的“悉达多”，导演甚至将周梦蝶的淡水河比作印度的恒河，拍摄了两地的画面混剪在一起，有意让人分不清到底是淡水还是恒河。

全片的叙事非常从容，毫无夸张矫饰之处，但阅毕周公的印象已如烙印般深铭心中，那样的气质不只是“入定”或是“出世”可以简单形容，他可以随时对外界打开，也可以随时关闭。陈传兴将周公比作漏斗，外界的事物可以经过他的身体，然后完完全全地流过去，不留下一点残余。而《化城再来人》最出色的地方在于，他没有只顾着刻画周公这种外界既定的佛者文人形象，它呈现出了一个真实的人内心的矛盾，对男女情感的期待和纠葛，对宗教的坚定与不坚定，对人生取向的来回摆荡。比如周公谈三毛那段，我看到是觉得惊异又觉得真实。再如谈到周公去电影社看电影时，投影在斑驳墙上的影片是卡尔?德莱叶的《吸血鬼》（1932），那一幕讲述的正是一个男人救赎了女人，这样细腻的安排归功于导演对周公复杂性格准确而敏锐的捕捉。这其实是非常难的事情，因为周公不是剧本里被塑造出来的人物，而是创作团队在有限的时间里新认识的活生生的人。

此片的剪辑非常尊重时间上的连贯性，未有打动干戈，自然而有力，体现了纪录片剪辑最好的状态。尤其开头周公起床、吃面、上厕所、洗澡那一长段，几乎没有话语也没有配乐，非常漫长，但周公的生活状态和精神世界已赫然显现，因为时间在他身上本身就走得比较慢。同样周公所有讲话的速度和长时间的停顿也被充分地尊重，包括他偶尔瞬间入定而长久静白的沉默，动人深刻。

《逍遥游》是一出自由的纪录剧

《逍遥游》的特色在于有一个完整的剧本，陈怀恩导演是电影出身，拍摄的时候就有分镜了，因而系统性非常强，当然也有精心雕琢之感。片子定位在余光中四十岁左右“你不知道你是谁，你幻灭”的人生阶段的议题上，进而引出诗人一生不停地自我争论，与自我对话的主题。

由于是年轻余光中，所以有大量搬演的部分，用以再现余先生当年读书写诗的场景，是六部纪录片中编剧搬演最多的一部。除了搬演部分的编剧，他们也有让年轻的台大诗社成员热烈讨论余光中的诗这般的情景预设。所以这部纪录片其实采用的是比较剧情片的构思和制作方法，包括预设主题，到实现方式，都有许多企划的痕迹在里头，也就是说，是纪录内容在跟着主创走，而不是主创跟着纪录内容走。但这样的高控制力的企划对于观众来说还是有效的，观者能很好的进入故事，进入到导演预期的情绪里。旁白声音挑选和剪辑节奏都精心设计。比如《沙浮投海》这首诗是由万芳来朗读的，沙浮尸一个女诗人，这是一个女诗人投海自杀的故事，所以由一个悲伤的女低音来朗读就仿佛第一人称演绎了这首诗的故事。全片影像风格唯美写意，旁白的交错与视觉搭配，就已经奏出一曲漂亮的诗歌。

《如雾起时》是一曲哀歌

《如雾起时》拍郑愁予，同样出自陈传兴导演之手，但与《化城再来人》是完全不同的调性。我觉得《如雾起时》是一曲哀歌，它的气质是比较沉重的，是围绕着诗与历史展开的。比如他采用了大量客观性陈述的旁白，选取了一个低沉的女音代表一个第三人的角度，一个在故事之外的全知全能的角度，讲述一些关于诗人的事实。

全片的架构清晰可见，前半部分比较男人戏，有很多史料影像，回顾诗坛文坛的几次论争，而后郑愁予结婚成家，影像转到了非常有生活气息的家的空间里，转到了美国的宁静薄雾里，转到了郑先生夫人和其他几位女性知识分子的视角里。这种性别视角的转移与时间线性的发展相吻合，不知不觉中也就完成了影片气氛的转变。另外一个转变是相对于主人公的镜头机位的转变。开片访问郑愁予的一幕是在小河边的一个推轨镜头，镜头一直处在诗人的背后方，随着叙事的展开，机位慢慢地转到传主的正面，观众对郑愁予的认识也慢慢加深。

陈传兴对很多意象和动作都有非常主观而深层的解读，但全片的影像还是采取了一种比较遥远的观望姿态，并未作过多注脚。在《如雾起时》里，他更多的是在呈现一种诗的历史，所以前半段使用了大量史料报章，蓝星旧刊等过去的实物来目击历史。后半段是郑愁予在美国的工作和生活，于是出现了毕业证书，学位证书，荣誉证书等见证物。这些统统被端端正正地放大在镜头前，诉说诗与历史的关系，因为历史说到底是以一桩桩的事件来标记的。

影片前前后后充满了呼应和对照，比如美国1970年爆发的反越战学潮的新闻影片和保钓行动的影像都对照了台湾50年代八二三炮战前后肃杀和动荡以及六七十年代中国的文化大革命的激进。陈导有意识地在用各种方法加重片子的严肃气氛，呼应那个时代的沉重。比如全片处处有字幕（侧标），有的是史实，有的是观点，有的在黑幕时出现，有的甚至就打在人物脸上。而这些侧标字数多，速度快，观众根本来不及读完，而导演就是有意为之，有意让你负荷过重，从而体会那种硬质的沉重。但有时，你不得不承认，陈导因为将其丰厚的艺术电影的涵养都呈现在画面里，其中的深意和过多的隐喻并非一般观众能够消化领悟。

《寻找背海的人》是现实主义的浪漫纪录

林靖杰导演的《寻找背海的人》是极具现代性和艺术性的一部纪录片。王文兴本身是现代主义风格的作家，因此影片呼应这种形式上的对接是非常恰当的。

《寻找背海的人》有非常细密的线索和严密的架构，也有很多创举和巧思，属于比较非传统的纪录片。因为王文兴是小说家，为了将小说的故事诉诸视觉，林导干脆将《家变》改编成了一个十足现代性的舞台剧呈现在片中。另一个构思是“牢房”，王文兴将其每日写作的那间房比作牢房，林靖杰就拍摄了他在牢房里的真实写作过程。这对于作家本身来说是不易的，要做到放松地在摄影机的监视下工作。对于导演来说也是不易的，因为其间需要大量的磨合和沟通。最后呈现出来的那种真实的状态是令人动容的，当你看到作家握着笔竿不断地敲打着桌面和稿纸的时候，你也能感受到他正在敲打自己的灵魂。再如此片的动画，明显区别于其他几部片中的动画，实验性很强，像《草原底盛夏》有着超现实的调性，《背海的人》和《星雨楼随想》则有着十分先锋的气质，单独拿出来看，都已经是很棒的作品，所以整个片子的完成度也就显得非常高。配乐非常吻合王文兴的文学气质，有苦涩沉闷的味道在里头，尤其是动画的配合，充盈着机械主义的幽默和残酷在里头。

这六部电影虽然出自不同的导演之手，风格各异，但在整体上竟然也呈现出了巧妙的统一性。影像画质都很相近于5D Mark II的风格，都采用了读诗和念白的手法，也都围绕着作家本身展开叙事，配乐几乎一致地采用了无调性的现代弦乐，非常贴合诗文的气质。这一套非常高质素的文学纪录电影，值得每一位电影观众和文学读者细细咀嚼和珍藏。

《朝向一首诗的完成》是个未完成的朝向

《朝向一首诗的完成》取名于杨牧《一首诗的完成》，但杨牧认为，从泛义来讲，写诗并没有完成，何不加上“朝向”二字，于是有了“朝向一首诗的完成”。此片是温知仪导演的，是六部片中唯一一部由女性执导的片子，十足的女性色彩，手法比较阴柔。这当然也是女性导演的一个特色和优点。

影像部分印象比较深的是介绍反越战的《十二星象练习曲》这首诗时搭配了现代舞和越战资料重叠的画面，非常柔美和实验，我觉得这是男性导演绝对不会采用的手法。影片有加入搬演的部分，由一个小孩子来演绎杨牧小时候在花莲的时光，也有像《两地》一样，采用动画来诠释杨牧的诗歌，也做了很多跟杨牧先生有关的人的访谈，这些都是纪录片常用的实现方式。诵诗部分请来了很多其他诗人和学生分别念诗，寓意杨老师的诗影响了世世代代的人，但影片是以杨牧先生自己朗诵自己的诗作为影片的开篇和结尾，听来叫人非常感动。这部片子跟其他五部片子一样，很好的一点在于，他们把重心放在诗人本身上，而并非单单在他的诗作上，于是整个片子就很贴近诗人本身的气质。

A Beacon in the Dusk: The Inspired Island

Jiang Feiran

“Who left the profession of writing poetry, hanging up a beacon in the dusk”.

This generation witnesses a gradual decline in reading literature, The Inspired Island hangs up a beacon in the dusk.

We cannot help sighing with emotion: Taiwan, oh Taiwan; Taiwan, oh Taiwan. Taiwan, which seems to have been polluted with a foul atmosphere by political power and filled with a decaying folk custom and a superficial entertainment circle, never truly disappoints people, for at a certain moment from a certain corner of this island, there would always unexpectedly spring up some powerful video or audio creations and literary memories never washed away by turbulence or weeded out by history, bring back people’s belief in the existence of beauty. This island, with its marketplace culture and disputes, resembles the old China during the Spring and Autumn Period, showing in the turbulence freedom, under which bloomed all flowers.

They are writing in the Island. Who are they? “They” refers to drifting but invisibly formed generation group, which boasts not only a historical distance, but also an aesthetic and emotional back-glance. “Island”, a historical and geographical nominatum, conceals an escaping path of thoughts regardless of provincial class, unification or independence and discards the rigid national symbol and politicalized emotion movements. And “writing in the Island” forms a current proceeding of writing what connects the past and the future, skimming over the surface of the Island with the creative energy of writing. “Island & writing” makes “Island” exist not prior to “writing” and “writing” unable to exist without “Island”.

Six literary giants, coming from various backgrounds with different birthplaces and places where they grew up, are all writing in the Island, writing the Island, and escaping from the stereotyped forms by writing. What is worth thinking about is that some of them all came to Taiwan from China’s mainland. Yu Kwang-chung, one of the six, once described the places where he experienced his life: China’s mainland is the mother, while Taiwan is the wife. How come that children born in the mother’s land are blooming in the love of a place away from home, and then deeply attached to the nostalgic poetry? Regardless of the current events and the politics, only the cultural divergence between the two places could already make people sorrowful.

The Inspired Island: Series of Eminent Writers from Taiwan is a miracle of literary documentaries, making itself an important cultural event last year in Taiwan and bringing delight to sighing people—it is well enough that literature and readers are still here. This miraculous documentary aroused the feelings of six literary giants with extraordinary sincerity, made the image with the form of films by using the budget of a documentary, released to the public with a literary attitude and won a high box-office and a great reputation with a plain appearance. Though not a commercial film, it delivered the courage to challenge audience’s taste, which irresistibly generates our admiration for Fisfisa Media, the issuer and the producer, for its super courage and selfless humanistic feelings. However, it is out of all people’s expectation that it this age of fast food consumption, long and slow poetry has re-aroused people’s tender memories for literature, and sincere and simple images have excavated the interest among the words and between the lines, shortened the distance between the audience and poets, and resisted the worry of reading decline. This indicates that in whatever way the times changes, the original purity and beauty of human nature would remain unfading.

You would suddenly understand their poems by observing poets’ life and their ways of existence as a human. For instance, I felt rather surprised when watching The Coming of Tulku. Perhaps I had already heard about Chou Meng-tieh who had a bookstall at Wuchang Street, but I did not know that he was just like his poems, regarding life and versifying as cultivating himself, very calm and without worldly passions. Also, the poems of Yu Kwang-chung must be very familiar to readers in China’s mainland, while it was in The Untrammeled Traveler that I came to fully sense the nostalgic feeling and came to realize that the Yu Kwang-chung existing in my mind before was not the real him and that I never truly understood his poems. And this is where the significance of documentaries—leading people into and then to understand an unknown world— can be found.

The Inspired Island was a great success. In Taiwan, it was the first time for this kind of documentaries to be shown in cinemas for five continuing weeks. With so-called two poisons for box-office, “documentary” and “literature”, it became surprisingly hot in the market, marking a miraculous phenomenon. People with lofty ideals showed their great recommendation in succession, no matter from the literary and art circles or not. Sylvia Chang, an actress, showed her support by attending the first run; Ma Ying-jeou, the Taiwan Leader, posted the prevue onto the FACEBOOK after watching it and revealed great appreciation; many other people, after watching it, all flooded to bookstores for collections of poems with enormous passion. In other words, people begin to read poems again. Isn’t that the biggest miracle?

If the aforementioned is the miracle brought to literature by films or the contributions made to literature’s popularization and rejuvenation by films, the following could be regarded as the nourishment that literature has in turn provided for films. Chen Chuanxing, the director of The Coming of Tulku and Port of Mists, said that literature could always inject abundant fresh content into films. Viewing worldwide, we may see that BBC has produced many series of documentaries for writers, and there are also courses on literature films in American universities, but literature films are still not popular in Asia. In the whole Great China, The Inspired Island was the initiator of that. If this achievement can generate the development and expenditure of literature films in Asia, it would enrich our film market and film creation, opening a diversified exit for both filmmakers and the audience. Viewing from the significance of documentaries, it would also be stimulus for the current creation of documentary films. That surely needs all people’s support and promotion, and this is what we are exactly doing.

In Taiwan, some people are striving to keep the kindling of pure literature, while in China’s mainland, where literature once experienced similar damages due to turbulences, there are few people initiatively practicing love for literature. But I believe that there also incubate a multitude of literary youths, and Taiwan literature is the very nutrition during their growth. It is just that under this background and social morality, they choose to conceal the fervor of keeping what they are eager to express. This time, a glance of the greatness of these literary giants on the screen during the HAFF would surely inspire those literary youths who have long been undergoing marginalization. Also, those who have not read for long would probably win back their identity of being a reader after seeing this series of films. On the other hand, it also provides an introspection for the dull, stuffy and commercialized films from China’s mainland, bringing the tasteless film-seeing market fresh energy. The audience here have long been waiting in the dark video halls for showing up of “different” films on the screens, for the long-awaited touching affection from films, and for the recovery of artistic taste that has been sealed up for years.

The Separated Sceneries of Home in Two Cities

What The Inspired Island reveals is the emotion of times under the power of images.

The six films boast complexity in narrative structures, uniqueness in video or audio adjustments and wit and profoundness in aesthetics and ethnics. Unlike traditional filmmaking of “writer’s silhouette”, each of the six films has two creation souls echoing and clashing with each other. One is the author who uses words, and the other is the director who uses images, both of whom show subtle tension between each other, making images not just the second expression of words and words jump out of the nostalgic atmosphere and display the modern emotions.

Home in Two Cities refers to Taipei and Beijing, and Taiwan and China’s mainland. This film delivers profound meaning in its meditation that Yang Li-chou, its director, made a complete interpretation of the concept of “two” throughout the film. He photographed the process of Lin Haiyin’s daughter’s visiting her mother’s former site in Beijing and then co-arranged the image of the earlier visit of Ms. Lin herself. The two shoots were quite similar in both camera locations and routes, even the daughter and the mother both asked some same questions, as a result of which the feeling of the two shoots’ echoing emerged, suggesting the transmission from generation to generation and the strong connection between the two places. In order to echo with the concept of “two”, Ke Zhihao, the background music controller, mixed the melodies and rhythms of Russian and continental music, while the themes of all scenes conceal the note of Seeing Off, which is the principal axis of the music of this film. Also, collisions are frequently seen in the editing of the film. For example, when it came to the narration that Lin Haiyin was deposed for publishing Fengchi’s article, the frame was at first the applauding scene in the meeting place of the guiding video of “literature should serve the politics” in those days. What followed was solemn and serious subtitles informing people that it was behind these applauds that Lin Haiyin got deposed, and it was behind these applauds that Fengchi was sentenced to three and a half years. Examples like this can be found everywhere. Another point worth mentioning is that Home in Two Cities possesses many animations, which are exquisite and comfortable and not isolated from the film, for the original painting was taken from My Memories of Old Beijing, Lin Haiyin’s favorite illustration by watercolor master Guan Weixing, while at the same time, the realizing approach of Peking Opera can make people truly feel this story that happened in old Beijing. I felt I was closer to Ms. Lin’s world after watching the animations. Besides, Home in Two Cities has adopted quite a few such slightly affected depicting approaches with special effects as matching dynamic news report to the page turning of old newspapers. This is deliberate, sensational and fiery, while documentaries are indifferent, honest and calm. Having realized this, the director deliberately revealed some “goof” scenes now and then, either showing the camera in the scene or keeping some shaking scenes, the purpose of which is to push the audience out of the story and back to the objective attitude of the documentary.





The Man behind the Book is a romantic record of realism

The Man behind the Book directed by Lin Jingjie is a documentary with both modernity and artistry. Because Wang Wenxing is a writer of modernism, so the film is very appropriate to echo this form.

The film has the detailed clues and rigorous framework, and of course, there are a lot of initiative and ingenuity, making the film a non-traditional documentary. In order to transform the novel into a visual story, the director simply adapted 《Festen》into a modern drama presented in the film because Wang Wenxing is a novelist. Another idea is a "cell", Wang Wenxing compared the room where he writes everyday to the cell, and Lin Jingjie shot the writing process of him in the cell. To be honest, being relaxed in front of the camera is quite hard for the writer. And it’s same for the director, since it needs a lot of communication. The scene of writing presented finally is touching, when we see the writer holding the pen beat the desktop and the manuscript, we can feel that he is beating his own soul. As to the animation in this film, it is significantly different from several other film animation, It is experimental. 《The summer at the foot of the grassland》is realistic,《Find the man back to the sea》 and 《Capriccio at Star Rain House》 just like a pioneer. Take them apart, they are all great work, so the whole film is of high quility. The soundtrack suits the literature temperament of Wang Wenxing, it has the sense of dreariment, with the animation, it impresses us with the humor and cruel of mechanical materialism.

Although this six films are directed by the six different directors, vary from style, they have something common on the whole. First, Image quality is similar to the style of 5D Mark II. Then, they all read poets or narration, they all tell a story about writers. Besides, they all use modern string music as the soundtrack, fitting the temperament of poem. These high quality literature documentary films deserve every movie audiences and literature readers experience.

Towards the Completion of a Poem is not a completed toward.

It is named from the work《The finish of poem》by Yang Mu. In his opinion, in terms of pan-righteous, writing the poem has no end, in other words, never completed, so why not add" towards "to the title, so we see this name. This film is directed by the WEN Zhiyi, the only woman in the six directors of these films, the film is relatively feminine. This, of course, is the feature and advantage of the female director.

What impressed me most is the introduction to the poem 《twelve astrological Etude》 about anti-Vietnam War. The introduction mixs the modern dance with the picture of Vietnam War ,it’s full of soft and experimental, I think this is the approach what male directors will never adopted. The film has the scene of performance, a child interpretated the childhood of Yang Mu in Hualien. The film also use the animation to explain the poem by Yang mu like the film Home in Two Cities, and lots of interview of the people related to the Yang mu as well, these are the common approaches of documentaries. A plenty of poets and students read the poems in the film, meaning that Yang's poems affect generations of people, but the director let Yang Mu read his own poems as the opening and the end of the movie, making us moved. The film focus on the poets rather than the poems they write, just like the other five movies, and that’s good. Thus the whole film is close to the poet's own temperament.

本来看预告觉得不怎么样，抱着随便看看的心情去看的。没想到正片却让人出乎意料的惊喜。首先剧情不拖沓、情节紧凑，每集才19分钟根本不够看啊！其次，虽然没有豪华大牌阵容，演员们演技在线，一人分饰多角也游刃有余，毫无违和感。虽然剧组投资小，条件比较艰苦，但能看出整个剧组的用心和热情。那么好的剧，一定会继续追的。

很多人喜欢明星在“王宝强离婚”这件事情上站队，如果不去力挺，那评论简直是要被攻陷。婚姻这件事，只有当事人最明白是怎么一回事，在任何事情都没有弄清楚之前就让明星来站队，其实是不对的。站对站错暂不论，让局外人去评说局内人的事，本身就是一个值得可笑的话题。同样讲婚姻，《囧日》没有血泪，没有狗血，只有敢想敢做，但却因为一出又一出的意外，让三个跑到东京猎艳买春已婚男人找回了自我。

婚姻就是一座围城。所谓“围城”，如书中人物所说，是脱胎于两句欧洲成语。英国人说：“结婚仿佛金漆的鸟笼，笼子外面的鸟想住进去，笼内的鸟想飞出来，所以结而离、离而结，没有了局。”法国人的说法是：结婚犹如“被围困的城堡，城外的人想冲进去，城里的人想逃出来。”

虽然《囧日》深刻的探讨了这样一个问题，但还是用一种幽默风趣的方式来处理，给人不经意间萌萌的感动。三个好基友，不满足生活现状，面对娇妻的咄咄逼人，策划了一场出走行动。而他们选择的目的地，竟然是亚洲最大的红灯区，在歌舞伎町买春猎艳时，遭遇不测，并且在最尴尬的时候，遇到了老婆。这绝对是一场奇幻旅程，扒光了男人所有的虚伪，也激发了女人那最敏感的神经。在爱情里，出轨的方式可以有很多种，但最难得的是，在即将出轨的时候，发现了最初的感动。可能大多数人不明白，婚姻不是维持，而是经营，经营的好坏，全凭自个。

《囧日》是在日本拍摄，取景全在日本，再加上导演何泰然本身对于日本的喜爱，才成就了这样一部说走就走的旅行。影片不仅展现了日本发达的动漫产业，同样也淋漓尽致的表现出角色扮演的特色餐饮服务，当然还有亚洲最大红灯区的展示，也让人大开眼界。同样，影片还很露骨的去成人用品店逛了一逛，虽然满屏马赛克，但也抵挡不住男人对日本爱情动作片的钟爱。既有东京塔的壮观场景，又有日本特有的民宿风土人情，既有日本女人特有味道的展示，又有黑帮势力的紧张节奏。影片让人不出国门就可以领略日本风光，也将日本最有特色的服务展示给网友，不得不说，影片的良苦用心真是献给宅男的一份礼物。

故事非常有意思，场景非常有个性，《囧日》注重细腻的描述，同样也在乎颜值的价值。高颜值主演让影片非常的养眼，三款不同的型男，外型完全不同，让喜欢不同菜的女人都能从中找到自己的最爱。而女演员方面，更是诱惑十足，既有校花又有网红，还有广告达人以及前AKB48 Group SKE48成员矢神久美，满足了男人对女人的所有幻想。

讲真，抛开政治因素，小日本的战争动员力可见一斑。
《少女与战车》是由水岛努执导，吉田玲子担当编剧，Actas Inc制作的原创电视动画。2012年10月9日在TOKYO MX首播，每周二播出。
故事发生在一个把“战车道”与茶道相提并论的架空世界中，讲述大洗学园的女高中生们为了取得战车道全国大赛的胜利，保住学校而彼此协作，共同战斗的故事。
作者可能没什么野心，但是改编成电视剧和电影其心不小啊。这就是日本军国主义在人民心中的根深蒂固的位置。

一个偶像剧，一边哭一边看一边在思考我该同情谁。 作为一直被讨论和研究，却又令人恐惧抵触的话题“类人型人工智能”不断被搬上荧幕。从早期的终结者系列机械公敌到如今的机械姬，从普通的机械智能到如今AI融入生活。这一课题不断从台前幕后推测和揣摩人类如何能与人造人共同生...  (展开)

网络剧《女人帮?妞儿》拍到了第二季，主演阵容到第二季变成了甘薇、熊乃瑾、李小璐，剧中的妞儿们再度遇到各种生活、工作、爱情上的种种难题，相互合作、相互信任，是她们共度难关的先决条件。作为网络剧而言，这套剧集之所以能够热播并受到欢迎，精良的制作是首要原因。

《女人帮?妞儿》第一季的点击率就超过10亿次，第二季上线不久也很快超过了1亿次，从影响覆盖面而言，《女人帮?妞儿》已经可以不输于当下热播的电视剧。网络剧的盛行时间并不长，但因为创作空间自由，所以在内容上以大胆和直白著称。《女人帮?妞儿》第一季不仅有大胆前卫的故事，同时还有陈建斌、方力申、贾乃亮等众多明星客串，在阵容上已经从网络剧中脱颖而出。

《女人帮?妞儿》第二季阵容上也不错，同时把第一季的四个女主角设置，变成了三个女主角对三个男主角的全新设定。甘薇和熊乃瑾是从第一季延续下来的人物，李小璐饰演的摄影师伊一是新角色，她在剧中清爽的短发令人眼前一亮，形象变化很大。第二季还是走喜剧路线，但喜剧中又带些悲情、悬疑和讽刺，这部剧虽然是一集二十二分钟，但因为有24集的篇幅，所以可以容纳了更多的故事。

剧集以甘薇、熊乃瑾招租开始，带出了马文龙、李小璐等同租之人，他们每个人都面临生活和工作的种种问题。剧集中展现了现今职场、娱乐圈等诸多现实问题，同时也不忘拿选秀歌手的“悲惨身世”等社会热点调侃。这部剧集的喜剧元素不是一味的单纯搞笑，而是言之有物的。

两三年前网络剧还只是新兴事物，发展到今时今日，网络剧甚至有和传统电视剧集分庭抗礼的趋势。因为网络剧不单是创作上相对自由，同时还具有一个点播的性质，观众想看就看，想停就停，自己做主欣赏时间。并且网络剧内容精炼，很少有传统电视剧70~80集那样的大篇幅，也符合今天消费者的快餐速食习惯。

《女人帮?妞儿》的出品方乐视网一直强调“五屏合一”，即PC、Phone、Pad、超级电视以及电影院银幕。出品方制作《女人帮?妞儿》这样的网络剧，已经实现了在PC、Phone、Pad、超级电视上的播出，之后还会有电影版的制作计划。在多媒体时代，一部影像作品全方位登陆播放终端，这样的设计今后也会成为一种趋势。

从长远角度来看，未来的电视屏幕和电脑屏幕合二为一只是时间问题，人们在家庭中欣赏观看影视剧已经不满足于电脑小屏幕的尺寸，也不会满足于电视台的刻板时间表，两者结合是大势所趋。那么未来的网络剧和电视剧也不会有明显的区分了，《女人帮?妞儿》就让李小璐、应采儿、熊乃瑾影视明星来出演，同时也提高了剧集的曝光率。凭借严谨态度制作的网络剧，今后将会吸引更多的用户观看，同时逐步占领各个播放终端，届时网络剧和电视剧也只有合二为一这条路了。