01
开始之前，我觉得一切都那么琐碎，但是很平常，平常得没有缝隙可以让自己离开。那就像潜入黑暗之中的地层。潮湿的空气，滴答的水声不断。班驳的墙壁，铁门哐当琐住。一些自然而然的植物，被移植在花盆里。少数的，开小花，但不结果。
　　
我的触觉突然很淡。而一场有关青春年少的故事，发生在十七岁少女与十八岁少男身上。他们纵然是爱，也没有场面话，或者说过场来的悄无声息。点点滴滴，都是生活的磨砺。
　　
片头之后，她便进入画面，转身，走进昏暗狭小的走廊，从自己的卧室穿过客厅，去到饭厅。她的步子缓慢，光影交替的段落里，她仔细观察着家里的一切，地板、墙壁、房门、布帘……。她淡然而青春的眼神，没有疑惑。仿佛一切都是被她决定好了的。从开始到结束。
　　
02
康宜是一个生长在基隆盲人院的十七岁女生，小时候，父亲即因车祸双眼失明，母亲也意外身亡。后来父亲再娶，并开了一间按摩院，于是康宜和父亲、阿姨、阿公、弟弟、以及三个活泼爱谈唱的盲人按摩院员工，组合成一间“纯”按摩院。
　　
生活平静而细微。在走廊上与弟弟阿基玩耍的康宜，遇见了一位问路的陌生人。简短的交谈，没有寒暄，只是过往一瞬。你甚至只能看见陌生人的背影，你猜想他的年龄，以及容貌。还有他身背的编织大口袋，仿佛就是一个大大的问号。其实，他就是男主人公。但是她与他的相遇，出奇的平淡。你看不出来彼此之间将有何发展。你可以认为，这只是导演表现康宜生活的一场画面而已。简短的一个侧面罢了。
　　
康宜也只是通过弟弟才得知阿平这个名字的。阿平初来基隆港，心中是带着希冀的。作为一个外省老兵的儿子，母亲早亡，在军校打架被退学的他，因父亲决定独自回大陆定居，遂送交给昔日军中好友，现在的黑道大哥代为照顾。他时常站在黑大的岸边岩石上，面对大海冲击而来的波涛，挥动手中的细长木棒击打被抛出的石子。头发以及双混淆着海水与汗水。你知道他的苦闷，却无法判断他到底是借以消除对母亲的思念，还是期盼与父亲的团聚。而日子中充满零碎的事情，大部分只与自己的大哥有关，无关自我。
　　
03
盲人院日复一日般吵吵闹闹，并不觉得其中会有多少值得悲伤的事情在孕量。生活在相同的楼宇中，因各种小事牵扯而见面。康宜终于在自己的主动邀约下，有了与阿平单独相处的机会。他们一起逛夜市，在天桥上等待日出，坐驳船。青涩而微甜的爱情，被海风吹了出来。萦绕彼此心间。
　　
然而他们之间的感情，就像屋顶上被日晒的白色床单，遭遇到大风，便会猛烈的摇荡。自认是康宜男友的国中同学阿麟，死缠着康宜不放。现实无比残酷。阿平因年轻气盛而得罪警官，又因与康宜恋爱而得罪属于另一帮派的阿麟。阿平在一场兄弟间的争执混乱中被刺死，康宜也差点被阿麟的友人强暴。爱情来不及度过属于彼此的第一个立秋。哑然而止的命理中，只能留给康宜被剪断的回忆。匆匆如此。
　　
父亲中风送医，最后竟仍回天乏术。接踵而来的死亡，终让康宜流下了泪水。
　　
04
观看中，无法摆脱的灰色气息，一直从影片的开始直至结尾。你忽而记起影片名字的时候，便是结尾。因为那样的结尾，从实质上，升华了导演的主旨。当康宜从客厅寻着屋外的热闹穿过走廊走向自己房间的窗台（和片首的镜头刚好相反），配着动人的主题音乐，你会看见康宜的脸上竟然带着如此美丽的微笑。你会猛然发觉到，这部影片的名字，那么恰如其分。一刹那，在那个昏暗走廊中，你一定会看到“黑暗之光”。
　　
正如同所有可以被演说出的动人台词一样，在《黑暗之光》里，生活化的便是自然且容易接近的最好表达方式。语言用于交流。基隆这地球上一小角落里，多数人用的是台语。但是康宜与阿平却用国语，仿佛他们的爱情与环境不合时宜。康宜本是基隆人，却讲国语，且时常换戴着假发，这些展示出她内心想法——改变命运。阿平本是外省人，只会讲国语。他的身份是另类的，他的人格是无奈的。真实的他并不适合这个地区的潮湿温度，也许军校更加适合。但是他还是来到了这里，当起小混混，想出人头，也是为了——改变命运。
　　
所以，当他们相遇，延伸的故事长度就会被压制。就像俩株纠缠的藤草，要想独立突破森林的参枝密叶，一睹顶端最明媚的阳光，就要历经许多磨难。也许到死也不能实现。
　　
但是这两颗完整而青春的心，被导演精心安排进这样一个病弱体残的群体中，就突兀得鲜活而明亮起来。他们就是光，就是这漆黑黯淡的世界中一点微弱的光芒。
　　
他们的爱情，是小小的在黑暗中盛开的花。
　　
05
还有一些细节是值得回味的。
　　
康宜那可爱的弟弟，总是缠着他的姐姐。康宜和阿平恋爱过程中，有一次受到父亲斥责，站在旁边的阿基有说：“姐姐在fall in love，阿爸你不要再骂她了。”你看，阿基的心智多么善良，他仿佛知道这里面所存在的不容易。另一次，阿基让姐姐陪着去换存了很多的保特瓶，换来的钱便买了冰糕，他愿意与姐姐分享。可见，阿基非常依恋他的姐姐的，他是毫无保留那份对姐姐的关爱。
　　
康宜与阿平玩耍的那夜，两人上了一艘驳船，船开行的途中她站在船头，背对着水面，整个人直挺挺地从船上倒进了水中。康宜知道她的恋爱来到了，康宜的心就那么的欢欣雀跃起来，但是她不能急于表现出来。就是这般可承受之重的感情，她的行为便是倒跳进水中。
　　
另外就是父亲，他在女儿康宜的搀扶下，去到寄托着他一切有关于光明的回忆的台北地下通道。他摆脱了康宜的手臂，敲敲打打手中的盲棒。摸到墙壁的冰冷，触到流水的冰凉，可是他的心却是欢喜的。他的记忆一定在那一刻回到了过去。那些深处的记忆带领着他去了光明的昨天。
　　
当阿平死去，接下一个画面，康宜在楼梯口看着那些人处理阿平的东西，她顿了几秒，便转身离去。好似平淡的行为，却掩盖不了心中的痛。这痛，疼得以至于掉不出眼泪了。
　　
06
还有许多可以细微体会的情节，然而这些情节被感触感知，进而被感动。
　　
但是对于女主人公，我并不认为康宜以后的生活中会时刻记住这些事情。我相信随着基隆港时时鸣放的烟火，那些快乐与悲伤，终会耗尽她年华青春中最初的憧憬。就像冬季不小心丢到户外的纸张，一夜之后，被水汽浸润，白天如果艳阳也褶皱不堪。
　　
然而前夜那平展的面容，是不可遗忘的美好。但美好虽然不可遗忘，却会遗失。保存不了的东西，终会淡化在生活奔波的步履下。一切曾经走过的路，即使再次踏上，也时过境迁。就像一杯水冲泡的绿茶，茶叶展开之时也只能渡过时间的韧度之后才会被细微品尝。因为我们终会长大，然后老去，最后死亡。可是只要心中的光不灭，希望就会存在。
　　
影片结尾，康宜看着窗外烟火，听到门铃声，转身跑去。进门的却是父亲与阿平。大家如平常般闲谈，仿佛之前的一切都是假想，这才是真实。也许生活本身就是如此，只要偶尔去在记忆中幻想即将到来的美好，那么希望就存在，我们依然拥有在黑暗中行走的勇气。
　　
我们是黑暗中盛开的花，我们同样拥有光。

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   剧透
   故事老套，情节规规矩矩。

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最后，整部电影我分开两天看完，第一天看到一半的时候我觉得这是一个挺丰满的故事，因为导演埋下了很多的伏笔，虽然看起来很老套，但依然值3星半的电影。但现在看完了。。唉。敲到这里我仿佛明白了导演您逆转的用意了！

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中午抽空去看了，这两年动画电影势头都还不错，暑期档有《大圣归来》珠玉在前，年底有《小门神》尾随在后，还有一部若隐若现让人望穿秋水的《大鱼.海棠》，都意欲从传统文化中打磨出新时代的元素。而《龙在哪里》穿梭其间，从“十二生肖”着手，确是独一无二。

而事实是，传统文化改编电影，是最难协调好的。许多创作者担心影迷诟病，反复思量，结果往往拍得差强人意，结果就引来更多人吐槽。这是一个恶性循环。传统文化是经典的一部分，了解这份“经典”而恰恰又身处其中的我们，最不希望的就是颠覆经典，哪怕创作者持有一个良好的心态。所谓众口难调无非如此，制作这样的电影就要迎着被抨击的暴风雪前进，担着两边不讨喜的责任，因而说敢做，还要推陈出新，就是一份勇气。

从剧情设定来说，《龙在哪里》充满新意。有种说法是传说都不是空穴来风，而是历史上曾经有这样的故事，几经跌宕，演变了如今的传说。这样看来，蚩尤很可能是个蛮力勇士，而黄帝是位智勇双全的原始人，都是没超能力的。也许曾经真有十二生肖评选大赛呢？而评选者就是被遗忘的前人自己。当年那些生肖，我们只是见不到罢了。小女孩+新朋友的冒险，起于“龙”失踪而“黑化凤凰”顶替造成的家庭风波，显然也说得过去。怎么搭配是个问题，你可以直接安排老虎同行，但温和的性格已然分给了诸如绵羊、小猪，百兽之王老虎再不凶狠点，是说不过去的。较弱的朋友搭配主角，随着冒险升级补充强力对手，最后十二生肖合体出击，这是个循序渐进的过程。

反派是蟑螂，倒有些意外。毕竟只是昆虫，而非兽类。听到网友说，鸡还是禽类呢！也就释怀了。从客观来讲，蟑螂虽然弱小，实力却不容小觑。什么能从核爆炸中幸存下来？有证据说是蟑螂。当然大家都没见过，但从“打不死的小强”这句生活积累起来的俚语，还是可见一斑。地下洞穴里，蟑螂们一只一台电脑，在社交网络神不知鬼不觉地危害人类社会，忍俊不禁却又后怕无穷。这点设定真是像极了去年那部《一万年以后》，网络，倒成了一种原罪。

最开始看到凤凰大战神龙，很惊艳，很触动，心情就像看到属于自己的东西通过视效彻底展现出来，颇有激动。尤其是水流，潺潺流动，很真实。这部分很赞。只是到了中间，节奏变慢了，也许主要还是定位给孩子们吧~毕竟不都是影迷能适应快节奏的。画面也偏暗，但看几个生肖卖萌倒是有趣。最后一部分无疑最精彩，重选生肖其实是照应了传说，据说老鼠欺骗了猫、坐在牛头上，取巧赢得比赛。地位上来说，老鼠和蟑螂有得一拼，都是生活在黑暗中的窃食者，因此歪果仁常常很难理解。为何老鼠也能当生肖？

但另一方面，中外的确达成一种意识——老鼠的确是很聪明的生物。我们的传统文化还是受儒家文化颇深，“仁”是根本，与之相关的智慧无疑也是。这样看来，十二生肖的排位的确是暗含哲理的。其间，老马跑得上气不接下气，就是追不上斑马，结果羊和猪在一旁激它，立刻如风奔腾。顺便带着羊儿、小猪拿了个名次。这种沾亲关系也是常有。

其中，猴儿和神龙都会方言，龙只说了一句，广东话。同场的观众都没忍住笑声。人更喜欢幻想化的声音，有人则偏好接地气，并非所有人都认可，正如前面说的，这类电影自古两难，但下了功夫，出了新，就是勇敢的第一步，值得肯定。

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看了十多年的龙珠，也是从最初喜欢那个脑子里永远缺根筋的家伙，到后来为那个自尊心比天高的王子着魔，虽然从沙鲁游戏开始剧情就难逃打怪升级的套路，甚至剧场版也一年不如一年，打着怀旧的旗号赚老粉的钱，但也忍着剧本的拙劣、乱改的设定、人物的走形看了这么些年，念在一些有爱的小细节上也就不加追究了。本以为那份初时的心境也就随着岁月的流逝渐渐平和下来，如这么些年的王子，被磨平的棱角，不再有波澜起伏。但看完这一部，那些廉价的笑料，和那个我爱的身影重叠交织在一起，却在一瞬间勃然大怒，必须一吐为快。
　　
我很喜欢无数个平行宇宙的设定，这一设定除了有一些飘渺科学理论的支撑，其实也从某个角度再现了那句“一千个人心中有一千个哈姆雷特”，平行宇宙允许不同作者写出各式各样精彩绝伦的故事，而主体框架服从于同一半命题作文。但是官方这次交出的剧本真可谓平行宇宙中的拙劣复制品：主线单一、毫无悬念、3D敷衍……只是这些毛病的话，也罢，给个三星的安慰分。
　　
还就是因为贝吉塔啊。这么多年都让人不省心、放不下的那个矮个儿小王子。
　　
我可以接受他高呼“竟然敢打我的布尔玛！” 但绝不能接受他的低三下四、那段为卖萌而生的滑稽Bingo舞，更不能接受剧情到了最后，他和其他人一样处在救世主背景的看台上，惊叹——真是强大的对决啊——
　　
也许其他龙珠粉、其他观众可以接受，但这不是我认识的那个王子。也许鸟山明已经老糊涂不怎么在意他当年巅峰时随手画的小反派、后来为了给主角做陪衬的、越来越不济越来越悲剧的赛亚人王子。
　　
但我怎么会忘记！那个在那美克星上智取龙珠的小坏蛋，身材精悍战斗力傲视群雄；那个在弗利萨眼前流下不甘心眼泪，托付悟空报仇雪恨的样子；那个在重力室一遍遍挑战自我极限的家伙；那个宁肯把灵魂出卖也要追逐卡卡罗特的身影；那个惊天动地的自爆让天地陷入无可名状的悲恸；那个爱着妻儿、更重视对手和自尊的战斗天才。
　　
曾经和友人开玩笑说，贝吉塔的外形并不是他最具有魅力的地方，这个角色奇特的性格才是。有一种奇妙的、持续性的耐力，在默默地、不屈不饶地抗拒剧本、甚至抗拒作者给自己安插的命运。很多人认为这是个臭屁得不得了的角色，嘴硬、爱逞强，有时候甚至是“猪一样的队友”，说得都不错。然而戏剧性和现实永远是两码事。贝吉塔经常为了作品戏剧性做出牺牲，可是和很多作品中的悲剧角色不同，他一直在抗争这一命运，也许最后放弃了，但从未走入那些给主角做陪衬的大背景里。他永远是棱角最分明的那一个，即使撞得头破血流，也要大声向我们这些在漫画书前、显示屏前看好戏的观众发出自己的声音。我想七龙珠对我的意义在于，他既教我在必要时乐观，热爱生命，也教我在某些时候，不停歇地抗争着、辱骂着、其实又热爱着自己灰蒙蒙看不见结果的命运。热爱你的命运，以所有能想象得到的方式去热烈地拥抱它、反击它，而不是放弃之、冷淡之、嘲弄之、解构之——贝吉塔每一次生命终结的时候，都仿佛绽放着绚烂的烟火。
　　
只是太过在意，人生才越走越狭隘的吧。写到这里，想为他这么唏嘘叹惋一句，反过来想想，说的也是自己。
　　
老鸟和编剧本可以写一个更精彩的故事，让所有角色发挥他们的主动性，变成更有血有肉的存在，而不只是被动地露个脸，乃至让某个角色演绎有违性格的笑点哗众取宠。相比这些，还是好好钻研故事塑造角色更能留住老粉的心啊。

这电影给我一种夺宝奇兵的即视感，这类电影总是会用这种滤镜。。 电影开始，除了巨石强森，所有人的演技都不在线，包括路人的演技也非常的夸张和虚假。看了一会儿，感觉这是英式话剧风，慢慢接受这个画风看下去。意外的还不错，比较喜欢这种成龙的地面打架风格与加勒比海盗的海...  (展开)

1. 农场股东会股东们对丁务源造成亏损心知肚明却张口无言，皆因从他那里得过诸多好处；各家得好处能简短扼要地几个镜头交代，股东会可以是个对比之下精彩的小小高潮，还让整体逻辑更完满，可是删了，不该。取代的应是麻将桌上三太太等的一些言语，可是把焦点从都得了好处转移成了许老爷一家，个人感觉是减分项。
2.同样减分的删改处理是丁务源辞掉人才而把人情关系户插进农场，导致农场懒怠成风。
3.其实三太太演得很好，我只是不明白给小少爷做生日那段非得拍小少爷来磕头是干嘛。要说明给的红包也来自丁务源？
4.对明霞与尤大兴婚姻前情的处理是最不该删改的地方。用尤大兴在英国没带新婚妻子的改编，以及明霞窗前百无聊赖的一个镜头想要凸显明霞的欲求不满与风情外溢吧？可是原作中关于尤大兴不懂婚姻随波逐流地随意选择结婚，以及明霞失恋后要借男人、婚姻撑脸面的心思，以及后续因果，才更抓住了人心深层的东西，即使到今天都不过时啊！居然放弃了，而选择现在的呈现方式，导致这对夫妻尤其是妻子的情感表现始终十分古怪，更别提明霞自以为是自作聪明的作为是导致尤大兴被赶走的节眼。殷桃的表演有硬伤我就不提了。
5. 李会计去赶秦妙斋那段戏，不是太明白重要性何在。
6.丁务源狼狈归来说明落水那段传奇戏，给秦妙斋作泼给尤大兴的污水之一，感觉说服力不太强
7.对秦妙斋和佟小姐这条线的改编，倒是增加了可看性。影院里多数的笑声出自此节。
8.吴教授失踪案的处理和呼应恰到好处，是片中难得的简洁精彩。
9.穿针引线的三太太，及其表演，赞赞赞。

作为周星驰的影迷，一直想着借某他某个新作上映写一篇文章，全方位的解读周星驰电影的风格和精华，也寄寓我对周星驰电影的喜爱。因此大年初一特地去影院观看了《美人鱼》。

虽然无法让所有人满足，但对我而言，《美人鱼》真是一部好电影。我已经很久没有在电影院如此开怀了。于是想凭着这愉悦的心情，把这篇文章给写出来。

这篇文章主要想讲一件事：人人都可能喜欢看周星驰电影，但理解周星驰电影并不那么容易。我希望写文章帮助人更深层次的欣赏周星驰电影。

然而我写文章的能力很差，从来都跟不上思路，所以只好把想法拆成一个个问答式的小节来表达。

先从《美人鱼》本身说起吧。

1. 问：《美人鱼》好看吗？

答：《美人鱼》对我而言非常好看，令人意外的是喜剧元素居然特别多，包袱的设计质量较高。单论喜剧部分的好看程度，我认为很自然地超过了《泰囧》，《捉妖记》等片，这是其一。其二 ，《美人鱼》的主题和故事我也特别喜欢 ，有强烈的共鸣。

对于其他人而言 ，评价《美人鱼》是否好看 ，也要看笑料是否喜欢，主题是否有共鸣 。

一部分本来笑点超高 ，或不喜欢滑稽喜剧风格的朋友 ，百分之百不会喜欢《美人鱼》 。而有一部分人感觉不到或并不喜欢《美人鱼》的主题 ，评价也会普通 。这两种情况都合情何理 。见仁见智难道还能有错 ？

电影是否成功，还是取决于它的目标受众是否满意。

2. 问：为何说《美人鱼》喜剧元素多反而令人意外？

周星驰电影历来以无厘头的搞笑风格著名 ，按理说喜剧元素多应该是预期之中，甚至是主要的卖点 。持这种观点的朋友，其实并没有搞清楚一个事 ，世上存在两种"周星驰电影"。

第一类周星驰电影，一言以蔽之：是香港各路喜剧导演王晶，李力持等等，试图充分挖掘喜剧演员周星驰强大的"滑稽表演"能力，拍出观众爱看的滑稽喜剧从而挣大钱 。

代表作是《赌圣》 ，《整蛊专家》 ，《行运一条龙》 ，《逃学威龙》等等 。在这类电影中 ，周星驰的身份是一名优秀的滑稽演员 。

严格来说这本来不该是"周星驰电影" 。就好比《万万没想到》不是白客电影 ，而是叫兽的电影 。然而周星驰的表演太有特色 ，作为核心撑起了整个电影的风格 ，对观众而言存在感远远超过了导演 ，所以群众用演员来为电影冠名 。类似高度的喜剧演员还有金凯瑞 ，憨豆等等 ，他们的锋芒太甚 ，都盖过了导演和编剧。

第一类周星驰电影主要目的还是挣钱 ，而第二类周星驰电影立意上截然不同 。第二类 ，是周星作为一名电影工作者 ，真正把电影当成表达的工具 ，通过优质喜剧故事阐述强烈的人文情怀的电影 。下文所说的周星驰电影，都指第二类周星驰电影 。

在这类电影中，周星驰有时身份是演员 ，有时是导演 。关键在于他是否主导了电影的主题，叙事和风格 。这类电影才能真正定义周星驰电影 ，因为周星驰的才华远不止于一个"优秀的喜剧演员" 而已，电影不仅是他的表演舞台，还是他的表达工具 。

周星驰即是一名极优秀的演员 ，又是独有特色的导演 ，这一点上 ，华宇影坛还有一个人和周星驰一样 ，那就是姜文 ，这两人的电影特色在伯仲之间 。徐峥作为后起之秀 ，比他们差距还很大 。

对于真正的周星驰电影而言 ，喜剧从来不是目的 ，只是一种必要的调味料 。类似于湖南人喜欢吃辣 ，而放多少辣椒 ，还是要看食材需要 。因此周星驰电影会因主题的实际情况 ，情增减喜剧元素 。有时笑料会特别少 ，例如《西游·降魔篇》，反以惊悚为主。

因此，《美人鱼》喜剧元素多 ，说明它的主题特别需要喜剧元素 ，这一点反而是我观影之前没有想到的。

3. 问：为何说《美人鱼》的主题需要大量的喜剧元素？

非常简单 ，因为《美人鱼》 的主题是悲剧 。

鲁迅先生一针见血地指出了悲剧的灵魂 ：就是把美好的事物毁灭给人看 。而悲剧的目的 ，其实是通过毁灭让观众更强烈的认识到事物的美好 ，从而领悟悔恨学会珍惜。

人类这种生物 ，对习以为常的存在是不会懂得珍惜的 ，这在日常生活上是必要的本能 ，排除冗余信息聚焦于重点 。然而涉及长远利益的选择时 ，这种短视屡屡导致致命的错误 。文艺上的悲剧对扩展人们的视野，学会珍惜生命美好之处大有裨益 。

凡是悲剧，一定要着力刻画事物的美好 。然而毁灭事物容易 ，要把美好表达出来却并不简单 。因为人们总是对越接近的事物越理解 ，越遥远的事物越漠不关心 。

为了让事物的美好触及人的心灵 ，悲剧慢慢分化出了两种表达路径 。一种是去刻画人们本就熟悉的美好事物 ，例如爱情亲情 。另一种则是通过喜剧手法给观众送去愉悦 ，或者制造强烈的意外感 ，让人强烈地关注一个陌生事物 ，潜移默化地把自己的愉悦体验和事物结合在一起。

周星驰电影不是喜剧，恰恰相反，他最喜欢探讨悲剧主题。不过在塑造一个行将毁灭的美好事物时，周星驰总是用自己擅长的两种方式：一种是喜剧 ，一种是幻想。

《美人鱼》有特别多的喜剧元素 ，也就说明它的主题比以往的更悲伤 。

4. 为何说《美人鱼》是悲剧主题？

如果以为《美人鱼》的主体是美人鱼 ，就错了 。美人鱼的故事主体是自然生态 ，尤其是海豚 。周星驰创作这部电影 ，显然受到了《海豚湾》的冲击影响，电影中也多次播放了那段大屠杀视频 。很可能《海豚湾》就是周星驰创作《美人鱼》的直接动机。

《美人鱼》故事发生地，是一个打算填海做房地产开发的海豚聚集区 。然而我们在电影里只看到了因为声呐驱逐而遍体鳞伤的美人鱼 ，我们看到了海豚吗 ？ 我们看不到任何一只海豚 ，因为电影里的美人鱼就是海豚的映射 ，是这部幻想题材电影对自然生态的隐喻。

放到现实中，真正受伤害的是所有的鱼类和海豚 ，并非子虚乌有的美人鱼 。然而人类这个种群愚昧自私 ，历来对自己不了解的事物缺乏同情心 。美人鱼因为有人类本身的情感和智慧 ，又远离人类文明聚居于海洋之中 ，所以特别适合作为隐喻 ，用来映射人类本该对自然生物付出的将心比心。

《美人鱼》背后的悲剧世界观——人类为了一己私利对自然生态的残酷破坏 ，对野生生物穷凶极恶的伤害——才是周星驰创作这部电影的主题 。

当然有些人以为搞一个环保主题是迎合"崇高选材" ，其实不然 。人类毕竟不是都残忍的 。一部分人的感受能力更强 ，他们对其它生物都能感同身受 。而大多数普通人 ，只会对与自己生活高度接近的人类 —— 相似阶级地位的 ，相似文化的 ，相似信仰的 ，甚至小到一个家庭 —— 才有丰富的同情感受。

人类对自然生态的残酷暴行 ，让同情心较强的人来看 ，只会感到无比可耻 ，又为暴行的受害者感到撕心裂肺的痛苦 。描述这种情感有个很好的词 —— "佛性" 。因为佛祖就是一位为众生的不平等而陷入极度痛苦的伟人 ，他创建的哲学专门讨论众生皆苦 ，终身平等的问题。

从周星驰的许多作品中可以看出，他与其他许多文艺工作者一样，心存悲悯。而那些动辄质疑文艺作品迎合”崇高题材”，其实只为博取名声的人，往往心中只剩下功利这一种逻辑。

如何让冷漠的人类 ，能将心比心地体会与自己不同的阶级或生物境遇呢？ 如何让人类超出自己的阶级，种族甚至物种，理解自己因冷漠而生的暴行，对其他生命造成了多么残酷的伤害呢？这是许多”有佛性”的文艺作品共同的目标 。

举一些优秀的例子 ：《与狼共舞》 ，《阿凡达》 ，《第九区》 ，讲的都是人与人之间的压迫问题 。而讲人与物的作品，与《美人鱼》有些类似，比如日本漫画《寄生兽》 ，又比如富坚义博的《猎人·蚂蚁篇》 。

这些作品共同点在于，反思人类对异己施加的暴行 。不过传达的目标不尽相同。有的选择抗争 ，有的加以控诉 ，有的抒发悲伤 ，有的唤起良知 。

至于”美人鱼”这类作品 ，选择的是传达一种换位思考 ，它的目的是寻求和解 。剧中邓超因为良心发现 ，终结了填海工程 ，捐出全部财产搞环保 ，与美人鱼双宿双栖 ，这是人鱼通过爱情而走向和解的童话故事 。作为童话风格的电影，《美人鱼》的立意本来要低一些 。

然而说美人鱼的主题是悲剧 ，正因为"童话里的故事都是骗人的" 。人类为私利对野生生物的残酷伤害 ，在童话电影外的真实世界随时都在发生 。屠杀鲸鱼 ，海豹 ，海豚的显示悲剧，比人类捕捉美人鱼更惨烈地存在的 。真正善良的人并不会因为电影的童话解决而宽慰 ，而是看到了自己本不熟悉的残酷现实 ，而陷入深深的悲伤 。这恰恰是电影的目的所在。

5. 为何说《美人鱼》是悲剧 ，它却有个皆大欢喜的结局？

在我说明原因之前 ，估计大部分观众并没有意识到一个现象 ，周星驰电影历来喜欢搞个突兀的结局 。

举几个例子 ：《大话西游》 结尾 ，孙悟空帮一对长得像至尊宝和紫霞的小情人相好 ，然后像狗一样的离开 ；《喜剧之王》 结尾，突然杜鹃儿陪尹天仇演话剧 ，获得巨大成功 ；《功夫》结尾主角突然变成了两个孩子 ，而之前故事里的各种角色都在过着日常生活 。《长江七号》的结尾 ，七仔带着无数伙伴回归了 。《西游·降魔篇》里 ，孙悟空皈依佛祖 ，接下来就陪文章去取经了。

这些结尾剧情都在主线剧情的高潮之后突兀地发生，和主线剧情的悲伤韵味有极大的反差，而转变过程没有叙述，颇显生硬。

如果这个现象只有一次两次 ，可以认为是导演功力偏差 ，不能流畅地从高潮过度到结尾 ，草草收场 。然而出现太多次 ，就应该明白突兀背后别有用意 。这种做法其实是周星驰电影的一贯特色，也是必要环节 。

因为周星驰本质是一个怀有"赤子之心" ，或者说 "童心" 的人 。所有周星驰电影都在反复咀嚼着周星驰童年时代的真诚和想象力 。虽然周星驰总是把角色的一颗童心放到一个荒诞而残酷的世界中，从而看到这个世界各种令人悲伤的故事 。但同样因为这种童心，他并不忍心把这种残酷坚持到底 ，而是决定最后给人带来希望 。

这个希望是不符合现实逻辑的，本质上只是对”美好"的一种凭吊 。相对于残酷的真相而言，童话版的希望特别不真实 。

恰恰因为皆大欢喜的结局是不真实的 ，所以偏要用亦幻亦真的手法来表达 ，偏要塑造一种突兀感。这个叫做魔幻现实主义手法 。即便是许多现实主义的悲剧作品，也喜欢用一个魔幻现实主义的结尾来收束悲剧感。这其实是电影经常出现的手法。

我在欣赏姜文电影的文章中提过 ，姜文写悲剧时，就特别喜欢插入魔幻现实主义的收尾来隔离残酷感 ，例如《太阳照常升起》里疯妈的死去 。

再讲一个例子 ，大家就能彻底明白这种手法了 。

在电影《致命魔术》中 ，反复出现了一个变鸟的魔术 ，魔术师展示一只笼中鸟 ，用黑布遮住笼子 ，然后啪的一巴掌拍平 。当众人惊恐万状时 ，魔术师再伸手变出那只小鸟 ，任它飞走 ，博得大家的喝彩 。这时有一个小男孩大声哭了起来 ，"他把小鸟打死了" 。当魔术师把活着的小鸟给小男孩看时 ，小男孩哭着说着 "这是另一只" 。

这就是魔术 。对真正的笼中鸟而言 ，它的结局就是被拍得粉身碎骨的刹那 。而对观众而言 ，心满意足的却是最后小鸟安然无恙的幻觉 ，慌张和痛苦被眼前的假象隔离了。

所以大家要明白 ，按照电影的逻辑走向 ，《美人鱼》真实故事就是在一大串逗比剧情之后 ，人鱼们居然被残忍的人类毫不留强地屠杀了 ，鲜血染红了废船里的乐园 。这是美人鱼隐喻的对象 ，海豚鲸鱼和海豹在显示世界的真实遭遇 。《海豚湾》没有童话般的结局，因为大海仍然被污染 ，海豚和鲸鱼仍然在奔亡中被人类捕杀，剥皮拆骨，鲜血淋漓地堆砌在岸边 。

周星驰是一个特别喜欢描写"失去"的导演 ，他的故事若没有一个童话式的结局 ，都会对观众特别残忍 。《大话西游》里紫霞仙子其实永远逝去找不回来 ，再也没有后悔的机会。《喜剧之王》里尹天仇越是热爱表演越注定籍籍无名，终不会有出人头地的时候 。《功夫》里即便战胜火云邪神，许多的好人都已经被害了 。《长江七号》的徐娇已经得到父亲，一辈子都等不到挚友七仔回来 。《西游·降魔篇》里的”只争朝夕”，也只是文章毕生的一句悔恨。

所以徐克才会说 ，周星驰的电影太悲伤 。

然而周星驰不愿观众也沉浸在悲伤中 ，虽然主线故事已经结束，仍要用一个突兀的结局给观众留下希望。这种手法之所以必要 ，是因为悲剧如果结局太悲惨 ，就会让观众陷入无穷的绝望之中 ，而无法把"美好" 变成一种建设性的动力 ，无法激发人去珍惜 。所以周星驰的电影 ，一定要有一个魔幻现实主义的突兀结局 。

其它的悲剧作品也会有类似的做法 ，只是各导演的选择各不一样 。姜文为了掩埋悲剧 ，使用的是极其明艳的审美 。例如鬼子来了结尾的彩色 ，不惜通篇都用黑白 ；又比如《太阳照常升起》结尾万花丛中捧出的孩子 。姜文留下的不是"希望" ，而是"甘心" ，是一种接受 。

不过有的悲剧 ，用什么童话也无法抚平对人造成的精神创伤 。比如《潘神的迷宫》 ，看完给我以精神暴击 ，好久都无法从抑郁中恢复 。相比之下 ，周星驰还是一个挺善良的导演。

还有一些悲剧电影，明知道观众期待一个自我安慰的结局，仍然毫不留情地贯彻精神暴击，例如《七宗罪》，《老无所依》，这就是它们的特色了，或许是认为戳痛观众远比留有余地更有效吧。

话说回来，不论电影是否残酷到底 ，我们观众都愿意做睿智的观众吗 ？ 你更喜欢《美人鱼》那个长相厮守的结局 ，把它当成一个童话爱情故事 ？还是像《致命魔术》里的小男孩那样看穿电影真相 ，为惨死的海豚而流泪呢？

6. 周星驰为何创作 《美人鱼》 悲剧主题？

我个人很喜欢这种悲剧主题 ，也很希望自己有能力阐述这类主题 。比如外星人把人类作为食物 ，类似奶牛场和养鸡场的饲养方式;同时又把一部分人做宠物 ，各种乱伦育种 ，外星穿着打扮 ，令人痛苦的爱抚等等……但没有能力表达。

周星驰之所以选择了《美人鱼》 ，我觉得很简单 ，因为他真心想表达这个主题 ，有强烈的感受 ，又有能力和才华把这个故事讲好 ，剩下的只是花时间打磨出成品而已 。

因此《美人鱼》是一部裹着魔幻外衣 ，用童话喜剧的糖衣包裹苦药 ，真诚的生态故事 。与其说目的是环保，不如说是对人类的自省。

从过去的周星驰电影到《美人鱼》 ，我们看不出周星驰电影选题的内在逻辑 。不像姜文野心勃勃地要搞个民国三部曲啥的 。我认为对周星驰而言并没有一定的选题 ，他才华横溢 ，而现在导演功力和创作欲望又达到了一个新峰值 。在这样的状态下 ，估计周星驰是不乐意郁于一两个商业价值高的旧题材 ，从而浪费自己的创作生命的 。

7. 为何说《美人鱼》的表演风格是童话喜剧 ？

最广为流传的美人鱼传说 ，除了恐怖故事之外就是童话 ，大家应该会赞同这一层的童话色彩 。但更多的人会疑惑 ，这部电影的主要角色都是成年人啊 ，还有大量的色情元素 ，为何能说是童话呢 ？

首先 ，童话本身不是小孩的故事 ，而是符合儿童的思维和节奏的故事 。

电影开头 ，邓超徐克张雨绮等一干富豪炫富 ，就是那么的不符合成年人的逻辑 。拍卖会上乱举奇怪数字的号牌 ，说话走路都夸张地张狂 ，奉承人起来一脸贱相 ，潮弄人时口沫横飞 ，花起钱来动辄数百万数百亿 。这一段表现得如此浮夸 ，必定有一部分高冷的观众感到这种搞笑表演太弱智 ，硬邦邦地咯吱人 。

这么想就错了 。这种表演主要的目的不是为了塑造笑果 ，而是为了塑造童话的超现实感 ，是用儿童的视角来塑造超现实感 。小孩摸不清大人世界的规则 ，过家家时的表演就是特别夸张的 。记不记得自己小学跟朋友吹牛长大要挣个几百亿 ？ 就是那种感觉 。

所以整部电影的荒诞性都建筑在故意的童话风格之上 。王大锤去看的那个假博物馆 ，有没有很搞笑 ？ 用壁虎干做霸王龙 ，咸鱼加芭比娃娃做美人鱼 ，涂金毛的旺财做老虎 ，有一句话是不是呼之欲出 ——哄小孩呢 ！？

对的 ，就是哄小孩 ，一切笑果都是用儿童元素拼接的 ，刻意要唤醒观众心中只有儿童一面才能领悟的笑点。

再想想吧 ，人鱼族用可爱的海胆杀人 ，武器是鱼骨头和狼牙棒 ，解毒居然用白酒就行 ，回家踩滑板 ，出门用大弹弓 ，喜欢吃烧鸡 ，坐海盗船 ……哪一样不是儿童元素 ？ 你们可曾想到罗志祥还真像墨鱼会吐人一脸墨水然后飞走 ？ 就是反复播放射雕英雄传里华山论剑的音乐 ，难道不是八零后共有的儿时记忆 ？ 难道我们小时候没有一个人高唱电视剧主题歌 ，另一个人和声伴奏 ，都掐着嗓子装大人的经历 ？

说到这里 ，应该要问了 ，说美人鱼是童话风格 ，但有那么多色情元素和后面的血腥画面 ，小孩子适合看吗 ？

小孩子不适合看 ，而且《美人鱼》也不是给小孩看的 。它的童话风格 ，是给我们成年人心中的童心看的呀 ！正是为了唤起我们成年观众未泯的童心 ，才刻意塑造了这么多儿童智趣的元素 。找不回童心的观众，就一定不会对这些场景产生共鸣。

8. 周星驰为何用童话风格来承托 《美人鱼》 的悲剧主题？

童话风格不是《美人鱼》的特色 ，而是所有典型周星驰电影的特色 。周星驰是一位极罕见的 ，幻想能力特别强又不忘童心 ，还功成名就的大导演 。

我们知道周星驰是童年怀着电影梦时 ，就拖着梁朝伟和如花拍电影 。他在当时就积累了太多的创作欲望 。自从周星驰掌握了他电影的话语权后 ，就把幻想做为了电影的核心主题之一 ，而不像其它导演执着于搞笑来讨好观众 。之所以周星驰电影能够激起一部分的共鸣 ，因为他的幻想主题与大部分活泼好动的男孩童年幻想是如此的一致 ：武侠 ，神怪 ，外星人 ，有思想和性格的玩具……

幻想在周星驰电影的地位有多高呢 ？ 它常常不再是手段 ，而就是目的本身 。比如《少林足球》和《功夫》中的功夫情结 ，《长江七号》中的外星人情结 ，《西游·降魔篇》中的仙怪情结 。所谓醉翁之意不在酒 ，在乎山水之间也 。

这些情结类似于蒸汽朋克的乐趣在于工业革命 ，高达的乐趣在于机器人 ，哈利波特的乐趣在于魔法。却不像 《仙剑奇侠传》 其实关注的是爱情故事。

所以看《功夫》 ，《长江七号》 ，《西游·降魔篇》 ，许多观众都觉得没以前好笑了 。他们对搞笑的关注反而遮蔽了双眼 ——

难道没有看到《功夫》so coooooooool吗 ？ 难道没有看到《长江七号》so cuuuuuuuuuuuuuuuute吗 ？ 难道没有注意到《西游*降魔篇》里的妖怪和法术soawwwwwwwwwwwesome吗 ？

《美人鱼》用童话喜剧的风格 ，首先是因为周星驰擅长此道 。然而不像前三作 ，《美人鱼》的童话风格并非核心主题 。它起到了另外两个关键的作用 ：

第一 ，塑造美好 。美人鱼传说本来是海员的恐怖故事 ，但通过童话的广为传播 ，让许多人自孩提起就对她们建立了美好的想象 。流行文化特别适合做隐喻的对象 ，而美人鱼童话 ，在这部电影里就担当了映射海豚等真实海洋生物的责任 。

电影反复渲染童话元素 ，就是为了用较短的时间成本和较简单的戏剧冲突 ，在观众心中创作出一干蠢得可亲 ，二得可爱的人物 。接下来 ，再毁掉他们

第二 ，反衬残酷 。从美学角度看 ，残酷是需要对立面来承托的 。而人类最为纯洁的童真也常常用来反衬人类最邪恶的一面 。例如越南战争中奔跑中的裸体孩子照片 ，例如恐怖片里诡异的洋娃娃和人偶 ，例如《只有我不在的街道》中单衣倒在雪地里遍体鳞伤的女孩尸体……

《美人鱼》反衬的邪恶很明白 ，但并非是作为对象的儿童形象的悲惨遭遇 。他是用毁灭观众心中被唤起的童真 ，来突出人类自身的残酷丑恶 。这才是周星驰极为独特的艺术风格 。

在《美人鱼》中 ，代入去看的高智商成年观众久违的童心被唤醒 ，看到张雨绮带着全副武装的特种部队去剿灭人鱼时 ，总会自然而然地期待鱼人奋起反抗打败人类 ，或是主角及时赶到英雄救美 ，或是入侵者良心发现 ，最差也是人类武力捕获了所有人鱼 ，押送研究所 。

大家没有料到 ，片中的人类居然直接*开*枪*了* ，毫不顾忌打伤人鱼带来的经济损失 。而人鱼几乎毫无有效的反抗手段(法力无边的老婆婆居然一直不出场) ，被各种屠杀 ，鲜血和残肢飞溅 。这时我在电影院里清楚听到别的观众"啊"地大叫了起来 ，吃惊不小 。

美好的鱼人自然是被屠戮了 ，更重要的是观众笑翻全场后的愉悦和童心 ，也被残酷地屠戮了 。甚至显得有些不合理性 。鱼人为何没想办法反抗呢 ？ 有法术的婆婆为什么不早出手呢 ？ 研究机构为何要像对待牲畜一般对待珍贵的研究样本呢 ？

答案是 ，美人鱼映射的是海豚啊 ，现实中的海豚 ，就是被一部分人类如此蛮不讲理地屠杀啊 ，不讲道理也无法交涉 ，连威胁都没有就开动屠刀了 。而高智商的海豚对工业化的人类完全没有还手之力 。要把美人鱼对人类的反抗写得跟《阿凡达》一样，你们这些观众，又彻底忘记海豚了。

周星驰拍《美人鱼》为的就是这一幕 ，他才不在乎铺设细致的逻辑和故事设定呢 ，关键就是让人们错愕地看到屠杀 ，看到鲜血从人鱼尸体里流出来 ，看到女主角几次怀着希望逃脱，遭遇的都是绝望，直到最后被钉上鱼钩 ，在海里拖行，再遍体鳞伤地扔在岸上，任人宰割 。

演到这一幕 ，电影已经完成了工作 。周星驰特别细腻地描写了屠杀的各个环节，设计得特别残忍和绝望。然而即便如此，也比不上《海豚湾》里大屠杀的万一。这才是周星驰在《美人鱼》中真正投入心血的。

后面邓超姗姗来迟 ，无非是给部分焦虑难受的观众一个自我救赎的管道罢了。

我个人非常认同《美人鱼》的这一主题 ，从大屠杀的剧情反转中产生的认同感，还超过了前面精致的童话喜剧 。

9. 如何看待观众对《美人鱼》众口难调？

看完美人鱼后 ，有些人感觉失望 ，觉得没有周星驰本人出演搞笑 ；没有《西游·降魔篇》特效那么赞 ，还退步了 ；硬插入了一个环保的情怀 ，感觉别扭 。

其实周星驰电影任何时候都充满三个要素 ：喜剧 ，情怀 ，幻想 ，但三者不可能并重 。这使得评析周星驰电影时 ，需要注意他真正偏重的是哪个主题？

大部分观众并不会刻意做这些分析 ，因此他们预计周星驰的新作是要延续他上一部作品的风格 ，又或者应该是观众本人熟悉的那部分作品的风格。

所以对以幻想为主题的《功夫》和《西游·降魔》 ，许多人认为周星驰退步了 ，搞笑水平不行了 。他们因为"搞笑"的预判 ，完全忽视了这两部电影在幻想的表现手法上多么精雕细琢 ，别开生面 有多高的创新成就 。这时的周星驰 ，其实应该和徐克来作比较 ，而不是观众心中的那个喜剧演员。

《美人鱼》是一个很好的幻想题材 ，喜剧也很到位 ，但显然它的核心是对自然生态的人文关怀 。爱情故事也仅仅是线索 ，关键在于让观众为海豚和更多的海洋生物换位思考 。塑造美好的喜剧部分和鲜血淋漓的悲剧部分才是电影的关键 。这时，许多人却又评价《美人鱼》的特效退步了 。

所以许多人臧否周星驰电影 ，其实自己根本没有跟得上周星驰的创作转向 ，连审美的角度都没找对 。周星驰才华横溢 ，完全没有被过往的成就束缚住 。当周星驰在挑战一个又一个新主题 ，尽情地发挥才华做他想做的事 ，痛感时间不足的时候 ，许多观众还裹在怀旧的包袱中 ，想重温儿时看到的滑稽表演 ，借周星驰祭奠自己逝去的青春 。这种不合拍的结果自然是买椟还珠 。

不过这种误解仍然是出自对周星驰电影的喜爱 ，但另外几类人的误会就不那么合适了 。

有一类笑点特别高的观众 ，总是怀着证明周星驰电影不好笑的目的去影院 。那一个男生去妇产科也生不出孩子 ，总不能怪医生水平差吧 ？

有一类心智特别成熟的观众 ，总是拿着长者的睿智去批判周星驰电影的不合常理 。电影里的桥段越纯真 ，他们就越感到弱智 。然而老人家嫌吵闹 ，为啥要钻儿童乐园呢 ？ 去老人院下棋也行啊 。

有一类审美特别低级的观众 ，别人嫌周星驰低俗桥段还太多 ，他们却说还不够低俗 ，从良了就别再找我 。善意推断 ，这些人恐怕是拿着隔壁王晶的电影票走错了场 。

一部电影出来肯定是众口难调的 。作为周星驰的影迷 ，我还是喜欢分享到大家建设性的评论 。比如邓超他们的演技问题 ，笑点的节奏把握 ，视觉特效的瑕疵等等 。

至于那些看周星驰电影只为证明自己与众不同的人 ，真想让他们知道 ，需要玩命哭喊自己与众不同的人 ，这一点已经足够与众不同了 。

10. 如何评价林允的表演

林允本人的演技可以说合格 ，基本完成了她的任务 ，细的部分就不说了 。

真正让我惊讶的是这个角色的设计 ，有两点：

第一，这是我第一次看到周星驰导演的电影以女性为主角(徐娇是小孩，没有精神上的性别特征) 。对的 ，邓超戏份虽然多 ，但他不是真主角 。周星驰电影真正的主角是观众亲身代入的那个人 ，类似于相声中的捧哏 。

在《美人鱼》中 ，观众对主线剧情和主线角色的价值判断 ，都是通过林允的视角 。包括对人鱼恨人类的狂热感到不适 ，对人类的残忍触目惊心 ，对邓超后来的转变加以期待 ，都是以林允的角度来看待 。这种角色通常是周星驰自己出演 ，过去只有《还魂夜》 和 《国产凌凌漆》是女性视角 ，但两个女性都是观众用来看周星驰角色的工具 ，并没有独立的价值判断 。

第二，这个角色不是周星驰的分身! 周星驰过去的电影里 ，主角要么他自己扮演 ，要么一定是周的分身 。即便是最不周风格的长江七号中 ，外星狗和徐娇也是周星驰童年心境的替身 。然而林允的角色完全没有这些特点 ，她一点都不聪明 ，而且不够自恋 ，没啥想象力 ，更没有举世皆疯我独醒要陪疯子强颜欢笑的荒诞感 。这是一个"单纯的女生" ，却成了观众的代言人 ，真是周星驰电影的第一次 。

周星驰开始把自己的角色(邓超扮演的富人)解构成对象了 ，而且期待他浪子回头 ，有着浓浓的自省意味。

11. 如何评价邓超 ，文章 和黄渤

大家都赞同一点 ，《西游·降魔篇》的文章，黄渤，《美人鱼》的邓超各自继承了周星驰的一部分角色 。可以说他们是替周星驰出演。然而这三个角色是截然不同的 ，恰好代表了周星驰表演风格的三面。

邓超很好地发扬了他所擅长的霸道总裁加逗比的风格 ，这都是邓超自己在过去作品和综艺节目中培养起来的形象 ，但在《美人鱼》中主要应用于"滑稽"这一面 。所谓滑稽 ，就是用夸张的举动让人发笑 ，但这种夸张之所以会让人发笑 ，是因为它高度符合深层次的内在逻辑。

在周星驰电影中 ，"滑稽"的本质是浮夸 ，是角色试图迎合的外在形象和他内心强烈矛盾 。为了掩盖这种自卑式的矛盾 ，他会努力表现得无比自恋 。而他越是努力去适应这个外在形象 ，就越是邯郸学步错愕百出 ，从而引人发笑 。

我认为邓超得到了周星驰极大的提携 ，希望他能有所领悟 。

邓超自己导演的电影一贯在发扬他自恋和风骚的形象 ，但效果却特别失败 ，挠人胳肢窝到了骚扰的地步 。为何呢？ 因为他设计的角色没有一种支撑起"滑稽"的内在逻辑 ，显得毫无必要 ，与剧情格格不入 ，从而让观众出戏。

《美人鱼》给他设计的角色核心矛盾是"贱癌" ，苦出身致富 ，想要迎合上流社会的腐朽浮华 ，骨子里却怀念父亲捡来的鸡腿 。所以越是霸道就越显得土气 ，贴个胡子装成熟还贴在嘴唇上 ，反而抛开虚荣后反而能享受真诚自然。这显然是苦出身的周星驰给自己设计的角色 ，类似《食神》中的史蒂芬孙周 。

邓超对这个浮夸把握的不够准确 ，有时候浮夸得太自然 ，于是比起掩盖自卑来更像一个弱智 。邓超要突破还有很远的路要走。

周星驰给文章的角色 ，才是艺术要求最高的 。这个角色的灵魂是"荒诞" ，总有一种感觉世界都疯了 ，师傅是疯子 ，妖怪太邪恶 ，村民不讲道理 ，降魔师唯利是图 ，女人咄咄逼人 ……只有自己脑经是正常的 ，但太弱小 ，常常被胁迫只能违心地去迎合。

这是周星驰表演中含金量最高 ，最难以被人理解和复制的精神层次 ，是至尊宝式的角色 。但文章并不足以驾驭他 。

文章不知道周星驰这种角色的内核是迷惑 。他本该迷惑师傅为何语焉不详 ，妖怪为何残暴 ，自己为何对舒淇产生了爱意 ，善行为何能降妖除魔 ……本该带着迷惑去坚持信念 ，带着迷惑去犯错 ，直到最后顿悟扫清一切迷惑。

文章自己理解的内核是执着 ，他把角色在任何该迷惑的场景下的心境表现成了无法理解他人而产生愤怒 ，而对自己不合理的坚持又纯纯地不去怀疑 。结果给人一种这个角色情商很低的感觉。

黄渤的角色接近周星驰现实中本性暴戾的一面 。智商极高 ，隐忍时城府深 ，得势时张狂无限 。黄渤不愧是影帝 ，演得真是特别好 。要说有瑕疵的话 ，就在于这个角色对黄渤而言 ，是靠演技演出来的 ，他本人没有这种暴戾 。我认为黄渤比起文章和邓超，能够更准确地表现前两个角色 ，只可惜颜值并不匹配 。

13. 如何理解王晶，刘镇伟的无厘头风格喜剧被人诟病 ，而周星驰的却为人接受呢 ？

如果不做深入剖析 ，有些人可能会以为周星驰喜剧造成了马太效应 ，模仿他的人都思路一条 。其实不然 。

许多模仿周星驰的喜剧导演 ，问题是功力太浅 ，学外在表现时从来抓不住内在的逻辑 。

就拿《美人鱼》做例子 。美人鱼最大的戏剧冲突是什么 ？ 就是人类文明和美人鱼代表的自然生态格格不入 。这是一切故事的线索 ，但更关键的是 ，这也是核心笑料的线索 。

所以林允走路很滑稽 ，用海胆做武器很滑稽 ，下毒用酒解很滑稽 ，看不见玻璃很滑稽 ，以为自己是美女很滑稽 ，自称做鸡的也很滑稽 ……而罗志祥在触须被人做菜时还各种隐忍 ，简直滑稽得要笑死人了 。

这些滑稽都有一致的内在逻辑 ，就是美人鱼不熟悉人类社会 ，又必须伪装自己 ，还试图达成艰难目的，就难免错愕摆出 。同时人类不知道有美人鱼 ，对人鱼伪装的人类一切奇怪举动都会做出符合人类逻辑的误解 。这个戏剧冲突就是一切笑料的总纲 。

相比之下 ，王晶喜剧的笑料都可以用弱智来形容 ，不值一哂 。

刘镇伟导演的《情癫大圣》和《越光宝盒》缺点在哪里呢 ？ 在于人物的滑稽笑料基本来自人物设定 ，而不是一以贯之的戏剧冲突推动的 。人物设置各种傻白甜蠢呆 ，当观众没有接受这些设定时 ，人物之间搞笑起来就像神经病似的 。

比如《情癫大圣》里的谢霆锋 ，一出场继承《大话西游》啰嗦的性格 ，在平稳的剧情中废话连篇 。但剧情推进下去人物很快就不啰嗦了 ，因为观众要代入谢霆锋的角色 ，而不是观察这个角色犯傻 。

《大话西游》中的唐僧啰嗦 ，是作为逗哏啰嗦 ，观众代入的是孙悟空 ，而且唐僧每次啰嗦时都是冲突特别激烈(打观音，牢中救人) ，在急骨眼上还得听他啰嗦 ，简直烦得要死 。这就是戏剧冲突推动 ，不是靠设定。

更明显的一点 ，王晶和刘镇云对笑料的铺陈浅尝辄止 ，属于段子手水平 。而周星驰却讲究伏笔铺垫 ，讲究人物形象塑造 ，抖包袱时节奏集紧凑 ，大量笑料密集轰炸 ，可以塑造连环炮的效果 。周星驰对喜剧质量的要求远比他们高多了。

综合而言 ，王晶和刘镇伟的喜剧不再好看 ，根本原因只有一个 ，他们再找不到周星驰那样的滑稽大师 ，帮他们拿捏尺寸 ，评估质量 ，最后用出类拔萃的滑稽功底来掩盖喜剧冲突的破碎和剧情的单薄 。更不用说老喜欢用曾志伟，吴君如做主演的那一票大陆导演硬拍的弱智戏剧了。

看过刘镇伟的《情癫大圣》和《越光宝盒》 ，再比较《大话西游》和《还魂夜》 ，为认为《大话西游》还是应该贴上周星驰的招牌 ，而不是导演的招牌 。

14. 如何理解邓超出演自己喜剧失败 ，出演周星驰喜剧能成功呢 ？

邓超喜剧天赋卓越 ，但悟性有限 ，他太急于创作自己的作品 ，而中国烂电影能有好票房的现实也害他急功近利 ，自省不够 。十亿导演徐峥在《港囧》差评后 ，亲自到知乎写文章自我剖析 。而邓超却在一片骂声中微博转载好评 。这反而是格局和追求不够的表现 。

邓超的喜剧风格受到了周星驰严重的影响 ，但主要学的是皮毛 ，从来不钻研喜剧艺术角度的节奏和质量把控 ，更不注重戏剧冲突对一切元素的组织作用 。邓超甚至看重肤浅的笑料超过关心主干剧情是否合理 。这使得邓超自己的喜剧总是显得那么白痴 。

出于对邓超的喜爱 ，希望他能浪子回头 ，电影艺术家的事业可远比综艺节目推崇出来的一时红星重要 。

15. 如何看待徐峥喜剧和周星驰的喜剧

徐峥是有艺术追求的演员和导演 ，在作品的精致程度上比周星驰更高 。窃以为徐峥 对喜剧的理解还没到周星驰的深度 。这个差距在笑果质量设计上有一些 ，但更主要存在于戏剧冲突的把控上上 。
举个例子 ，徐峥一战成名的《泰囧》里 ，主要的戏剧冲突是主角因为功利的事业而忘记亲情 ；最后在山穷水尽之时 ，被王宝强为老年症母亲而旅游拍照的动机所打动 ，放弃了功利，找回了自我，也找回了亲人 。

这个剧情设计是比较精妙和用心的 。但功力不够的地方在于 ，电影喜剧效果的矛盾和情感主题的矛盾是两件不同的事 。《泰囧》的喜剧效果，十有八九是用徐峥的高级知识分子心态 ，黄渤唯利是图的心态 ，王宝强没文化没脑筋的状态 ，通过巧合碰撞出来的 。

换句话说 ，王宝强来泰国目的就算单纯是游山玩水 ，两人碰到一起该好笑还是好笑 。为母亲拍照这个净化徐峥的原因 ，是通过故事设定硬加的 。整部电影的主线是情感问题 ，而推动剧情前进却是靠身份和文化差异引发的喜剧效果 ，两套戏剧冲突突各自平行 。于是结尾转折到家庭亲情就颇感生硬。

周星驰的喜剧好在主干的喜剧效果由最根本的戏剧冲突推动 ，举几个例子 。

《功夫》的核心戏剧冲突 ，是一个想当英雄的小男孩 ，分不清英雄不是靠夸耀的武力而是靠为他人挺身而出的勇气 。他以为做黑社会就显得有力量像个英雄 ，但内心的善良又使他怯于做坏事 。所以挑衅包租婆和丢飞刀刺杀两次的笑点 ，都在于虚声恫喝却实力不济 。而到了斧头帮主要他拿棍子敲包租公头时 ，他的善良觉醒了 ，可以在包租公面前炫耀武力时他却不这么做了 ，平时实力不济怕普通老百姓 ，现在却有无比勇气拿着棍子殴打黑帮老大和火云邪神了 。角色因善良而做出了伟大的选择 ，再用惨烈的牺牲瞬间升华人格 。前面的笑料其实是塑造主线矛盾的佐料 。

而《美人鱼》中 ，所有笑料的根源都是人鱼无法适应人类文明 ，而且内心善良纯真 。即便对有深仇大恨的邓超 ，也因为杀人手法太业余而错谬百出 ，却能被邓超浮于表面的甜言蜜语所打动 。所有笑料都是在这个逻辑下推动的 。最后对邓超下不了杀手的林允 ，犯下害死族人的大过错 ，却也没有受到鱼人族的实质惩罚 。和后来人类的大开杀戒相比 ，鱼人的善良与人类的残忍势同水火 。

正因为周星驰电影 ，笑料和戏剧冲突的高度一致性 ，所以周星驰电影从喜剧到正剧的转折历来是震撼人心的 。相比之下 ，周星驰的喜剧是蛋炒饭 ，每一粒米饭都包着鸡蛋（喜剧）的外衣。而徐峥的喜剧是打卤面 ，笑料是敷盖在主题上的。

《人在囧途》之后 ，徐峥的创作动机可以想象 ：我们做一个公路喜剧吧 ! 再给它配上一个能最后煽情，令人有所领悟的主题 。正因为两个主题的刻意贴合 ，在演技稚嫩不如王宝强的包贝儿接手后 ，喜剧的张力已然无法掩盖剧情的断裂 。人物设定衍生的笑料和主线矛盾格格不入 ，最后 造成了《港囧》的不伦不类 。

只要做到像周星驰一样把笑点和主题咬在一起 ，徐峥的喜剧就会有很大的突破 。

其实在这方面做得很像周星驰的是白客和叫兽 。但可惜叫兽太急功近利 ，从第二季开始已经把王大锤作为一个滑稽形象去消费粉丝 ，放弃了对喜剧质量和戏剧冲突的追求 。浪子回头的希望很渺茫。

15. 如何看待宁浩与周星驰的喜剧 ？

拿宁浩和周星驰比较，是因为在中国目前的喜剧导演中，宁浩的高度最高。宁浩作为喜剧导演比徐峥更为成熟 。他比肩周星驰的地方很多 ，主要是对包袱质量的追求程度上比较像周星驰 ，看重一炮多响 。

其实宁浩与周星驰是喜剧风格截然不同的导演 。宁浩有模仿盖里奇的地方 ，特别在意剧情的复杂度 ，在意多条主线的递归效果 。而周星驰电影主线剧情历来非常简单 。宁浩电影里都是写实的人物 ，而周星驰的角色都有强烈的荒诞感 。宁浩的笑点都是人之常情 ，而周星驰的笑点来自滑稽和夸张 。宁浩的电影是现实主义 ，而周星驰从来都是魔幻风格 。

两者风格迥异 ，就不应该比较高低，爱看的观众也会有所分化 。

宁浩的喜剧匠气越来越深 ，《无人区》主题"火"的升华行云流水 ，而《心花路放》的设计更是精致 ，到片尾那个影子的镜头出现点题 ，伴随着戏剧冲突的高潮喷薄而出 ，角色也得到灵魂升华 。宁浩电影的工匠美感或许比不上《大话西游》和《喜剧之王》 ，但普遍超过了后期的周星驰电影 。对于宁浩如此精致的喜剧电影而言，徐峥这种演技一流的高手是不可或缺的 。

周星驰的电影由于每个角色都是自己的分身 ，又要追求漫画和童话的魔幻效果 ，所以越来越多地启用没有偶像包袱，演技平平的普通人 。他提携了无数新人 ，所以自从他的电影里没有了周星驰这个演员 ，就一直给人一种毛糙的感觉 。这些都是周星驰电影渐渐被宁浩电影超越的地方。

要说周星驰喜剧电影比起宁浩喜剧电影的优点 ，我认为在于对喜剧的真诚程度 。周星驰是喜剧艺术的狂热爱好者 ，把喜剧作为目的；而宁浩只是把喜剧作为一种技巧和手段 。比起充满童真和幻想的周星驰电影 ，宁浩的喜剧反而显得老气横秋 ，我个人更喜欢周星驰的气质 。

然而真正摆开差距的地方在于 ，看宁浩的电影我只看到了做一部好电影的欲望 ，看周星驰电影却总是看到周星驰强烈想通过电影表达的东西 ，而且这些东西哲学是一以贯之的。从创作艺术背后的哲学动机来看 ，我也赞同周星驰是后现代主义大师 ，而宁浩还在探索属于他的永恒主题。

尽管周星驰三部新世纪作品都很粗糙 ，但本人作为影迷，对周星驰喜剧的喜爱程度还是超过了对宁浩喜剧的欣赏程度。

16. 如何理解周星驰喜剧风格中的 "夸张" ，"滑稽" 和 "荒诞" ？

从这里开始 ，探讨的就是本文最重要的内容 ，如何理解周星驰电影 。也是对上文观点的总结 。

周星驰电影中 ，角色总是有大量夸张的举动 。这种夸张许多人不明究理 ，给它取了个名字叫"无厘头" 。但周星驰的无厘头能大行其道 ，而模仿无厘头的电影却遍地烂片 ，这是为何呢？

关键在于周星驰的夸张是有内在逻辑支撑的 ，这个逻辑就是上文所说的童话式的魔幻 。周星驰的电影都没有离开他内心中的童真 ，为了塑造这种童真 ，人物的言行举止都有更接近儿童智识的夸张程度 ，大量地借鉴了青少年漫画 ，而这种童真是属于成年人的 。因此周星驰电影在大陆最主要的受众 ，乃是八零后一代 ，从初中高中开始看他电影的年轻人 。

没有这种成年人的童心做支撑 ，还学周星驰式的夸张语汇 ，只会给人一种弱智的各应感 。

这种成年人的童心并非周星驰独有 ，而是迎合了大多数青年的内心感受 。所以周星驰电影的语言风格 ，支撑了一代青年人的文化觉醒 。在猫扑时代初见锋芒 ，周星驰语录和周氏幽默作为年轻人的旗帜 ，风靡新生的互联网 ，逐渐成为统治网络的主流文化 。在猫扑式微分化之后 ，又在百度贴吧继续自行演进 。从无厘头到BT文化 ，到帝吧的内涵文化 ，到现在的暴漫和万万没想到等网络剧 ，甚至一直到威震天下的表情图大战 ，里面都有周星驰喜剧风格的基因 。

究其本质 ，就是成年人故意模仿小孩的心智 ，用自嘲和恶搞来解构生活中一本正经 ，貌似崇高 ，伪装严肃但本质荒谬绝伦的现象 。早年解构超级女声的李宇春 ，到解构李毅 ，到解构台独 ，都显示了这种文化的威力 。

周星驰另一个独特的表演风格是滑稽 。

金凯瑞有一幕非常著名的滑稽戏 ，他在《大话王》中试图战胜自己的舌头和手 ，对人说出真相 ，从而陷入和自己肢体的鏖战之中 。这种滑稽演出需要极高的喜剧天赋 ，而周星驰可以和金凯瑞相提并论 ，在华语影坛出类拔萃无人能及 。

举一些例子 ，周星驰用脚趾头吃面 ，舌头舔鼻子 ，大话西游里一直斗鸡眼 ，被人狂踩下体的火 ，长江七号里七仔的各种戏剧化表情 ……这些都是典型的滑稽表演 。罗志祥在《美人鱼》中被厨师切触须 ，林允扔海胆砸到脸 ，也属于滑稽表演 。

然而周星驰的滑稽水平并非在于演技上 ，而在于对滑稽戏质量的把控上 。滑稽并不是凭空的搞怪 ，本质是人物被迫在高度紧张的情景下 ，虽然身心并不适应 ，却要做一些力所不能及的事情 ，从而错谬百出 。

为何一个人会产生滑稽表演 ，这背后的情景 ，心态 ，就特别适合来塑造人物 。比如周星驰电影中常见的自恋狂 ，之所以总是自恋得很滑稽 ，是因为他视图迎合一种自己很认同的形象 ，却又不被社会所认可 ，用过度的自负来欺骗自己 ，去隔离内心的自卑感 。邓超在《美人鱼》中就是这样一个角色 。在认为自己独孤求败的时候 ，还需要派人在幕后放音乐来支撑 ，因为别人总把他看做出身低贱的暴发户 。

所以 ，若没有戏剧冲突和人物的故事作为支撑 ，动不动就拿出一堆滑稽表演 ，只会给人一种纯粹神经病的感觉 。邓超在自己电影里的莫名其妙疯狂 ，就属于导演和演员的自恋 ，不是角色的自恋 ，还不如《少林足球》 里热舞的猪肉荣好笑 。

然而无论夸张也好 ，滑稽也好 ，周星驰的喜剧灵魂都是"荒诞" ，"荒诞" 才是一切的源泉 。

17. 如何理解周星驰电影的"荒诞" ？

荒诞感的本质 ，是对社会的不适应 。这种不适应有两种对立的源泉 ，其一是社会现实颠覆了人的本能 ，对人造成一种强烈的约束感 。其二是一个人特别强烈的追求反不为社会所容 ，让人有强烈的恐惧感 。

这两种荒诞感贯穿了所有周星驰电影 ，是他的喜剧真正的灵魂 。

第一种荒诞感 ，在周星驰电影里给人一种所有人都疯了 ，但只有周星驰自己没有疯 ，他必须装疯以不被人发现 。然后心中充满了焦虑 ，紧张 ，迷惑和痛苦 。

在这种荒诞感下 ，配角们都会极尽所能地表现"夸张"感 ，而反观周星驰 ，却能露出他最为经典的"尴尬的假笑" 。

石斑鱼配音最经典的"哈哈哈哈" ，本该是这种"尴尬的假笑" ，正因为假 ，所以才会笑得很大声很干 ，其实尴尬到浑身流出汗来了 。现在让石斑鱼大声假笑的商家都没搞明白这一点 。

这种荒诞感在《大话西游》中表达得最丰富 。许多法力高强的神仙妖怪都把至尊宝当孙悟空 ，但至尊宝完全不了解孙悟空 ，只感觉要被这个强加的身份逼疯了 。以为自己是白晶晶昔日的爱人 ，没想到白晶晶被孙悟空抛弃而满怀杀意 。好不容易遇到了称自己为义弟的牛魔王 ，不料立刻挂上勾引二嫂的罪名 。遇到紫霞仙子更不必说 ，把他当成努力 ，自己一会儿紫霞一会儿青霞 ，一会儿当成真命天子 ，扭脸就一顿殴打 。罗里吧嗦的和尚 ，投怀送抱的大嫂 ，洞察万物的强盗 ，诸如此类 ，每一个陌生人都不可理喻 。

至尊宝是一个完全无法把握自身命运的人 ，他对社会强加给自己的身份感到强烈的厌恶 ，一直在尴尬地迎合被人看待自己的态度同时 ，拼命逃离这些疯子。

然而正是在逃离枷锁的过程中 ，至尊宝反而迷失了自我 。他一味反感紫霞仙子的强势 ，同时却难以面对自己内心深处对紫霞的好感 。因为紫霞的强势映衬出至尊宝一直以来因无能为力而生的自卑 ，他更加想挣脱被人控制的感觉 ；却悟不到鼓起勇气去努力追求自己所爱 ，这才是真正的自我 。至尊宝一直在迷惑 ，也一直因为迷惑做出各种错误的选择 。

等至尊宝明白这个道理时 ，无数人已因他而死 ，荒诞感的雾霾褪去后 ，只留下了残酷无情 ，追悔莫及的现实 。

其实这个主题在文艺作品中是非常常见的 。比如最近的《夏洛特烦恼》也是这个立意 。而我能想到最经典的抗拒与悔恨则是《EVA》 。

《大话西游》之所以好看 ，在于把荒诞感放大 ，转化成各种喜剧效果 ，用愉悦打开观众的心门 ，把荒诞感灌入观众的潜意识 ，用这些荒诞感背后的人情冷暖塑造了触及观众心灵的人物 ，再把美好的一切当着我们的面毁掉 。从而产生了无法平复的悲痛感 ，让我们明白逝去的残酷 ，不去珍惜所带来的无边悔恨 ，和追求大爱的代价 。

文章在《西游*降魔篇》里的精神世界也该如此 。但他虽然滑稽表演很投入 ，但怎么也把握不住荒诞感 。文章对角色的理解只有正直 ，在村民愚昧 ，舒淇倒贴 ，降魔师内讧 ，妖怪的暴戾面前总是表现出各种愤怒愤怒愤怒 ，却没有演绎出因荒诞感而生迷惑 ，没有那种为了压制迷惑而刻意把事情做绝的感觉 。所以结局舒淇死的时候 ，文章演不出那种对迷惑的领悟 ，只有一百八十度转过来的悔恨 。文章的角色本该是认清了自己后承认了对舒淇的爱 ，结果被他演成被舒淇打动后油然而生的爱。

这就是文章之于周星驰 ，表演背后思想程度的差距 。

另一种荒诞感来自角色本身强烈的追求不为社会所理解 。当你特别认同一个事情 ，别人都完全不认同时 ，荒诞感就体现在你自己身上了 。这种荒诞的本质和第一种荒诞相同 ，都是人对社会的不适应 。但表面现象正好相反 。

周星驰电影中对这种荒诞感拿捏的最好的是《喜剧之王》 。在《喜剧之王》中 ，尹天仇极度地热衷表演 。然而他出身卑微 ，而这个时代并不重视真正的表演艺术 ，只在乎工业化的生产 。正因为如此 ，尹天仇的偏执与现实格格不入 ，他学不会按别人的套路出牌 ，从而导致各种错愕 。大多数荒诞都集中在尹天仇周围(包括他调教的四眼仔) ，而其他人却都是周星驰电影中罕见的世俗理性人(且不论达叔了 ，居然连基哥的角色都不逗比) 。

尹天仇没有做太多滑稽的表演 ，在他身上始终挂着一种讨好人的同时 ，又紧张又恐惧的假笑 。这种假笑在教妓女们演戏一段登峰造极 ，他每次被张柏芝骂死跑龙套的 ，都不免干笑一声 。但他唯一一次表露心声 ，如果一定要叫我跑龙套的 ，能不能麻烦去掉前面的那个死字 ？ 你们这些出来卖的 ……话音未落 ，就招来一番痛殴 。

那种愤怒，焦躁和畏惧交织，尴尬和挣扎相混合的干笑 ，我感觉除了周星驰就黄渤演得最好 。

《喜剧之王》全剧大部分笑点都与这种逻辑类似 ，只要尹天仇一时按自己的意思办没有谨小慎微 ，就一定因过错引发所有人的愤怒 。

所有的包袱都被这种荒诞感营造的核心戏剧冲突牵着走 ，一步步走到两个最核心的桥段 ：

尹天仇时时在吹牛夸耀自己对演艺水平的自信 ，骨子里却知道世人的看法 ，无比的自卑 。这种自卑的疮疤在他和柳飘飘共度良宵之后毫不留情地揭开 ，他越是爱慕柳飘飘 ，就越感觉自惭形秽 ，觉得自己不配赢得柳飘飘的爱 ，只能用物质的东西——钱，和自己最珍贵的东西——《论演员的自我修养》 ，去弥补粗鄙弱小的自己对柳飘飘的亏欠 。而柳飘飘误以为这是对自己的嫌弃 ，说了声"谢谢老板"把这定性为一场交易而离去了 。尹天仇与内心的自卑苦苦挣扎了片刻 ，终于像追求表演艺术一样抛开自卑 ，勇敢地冲出去喊出自己真诚的想法 ——"我养你啊" 。接下来的一幕煞是令人感动 。

大家想一想 ，若没有前面大量的荒诞戏 ，把尹天成的自卑 ，执着 ，为了执着而克服自己的自卑——这样复杂的性格刻画得那么鲜活 ，我们会被尹天仇追出去喊的那句"我养你啊"而感动吗？

然而人的选择是需要用行动 ，付出代价去正面的 。尹天仇对表演的真诚和执着之所以始终得不到认可 ，是因为没有人尊重他的想法 ；当一个能让人人都尊重他的表演机会摆在面前时 ，满足执着的代价是放弃自己的真诚 ，尹天仇会如何选择 ？

他选择了当着杜鹃儿的面 ，对柳飘飘再次大喊"我养你啊" ，然后因为坚持了真诚 ，在全剧第一次露出了自然的微笑 ，没有一丝尴尬和勉强 。他为此痛失了主演的良机 ，但反而因坚持真诚赢得了尊严 ，尹天仇不再自卑了 ，他勇敢地找吴孟达要求属于他的那盒鸡腿饭 。

这 ，就是周星驰电影中的两种荒诞感和喜剧作用 ，所有的夸张和滑稽桥段都根植于荒诞塑造的情境中 ，构成了周星驰电影的灵魂 。

18. 为何说周星驰是后现代主义大师 ？

对于周星驰本人而言 ，他对后现代主义大师这个提法毫无自觉 。然而我却非常认同这种说法 。

周星驰喜剧的灵魂来自于荒诞 ，荒诞又来自什么呢？

荒诞来自人与社会的格格不入 。这种格格不入的根本原因是资本主义现代社会唯利是图的逻辑 ，对人类 ，尤其是普通人的深刻异化 。普通人被社会当成了工具而非目的 ，依附于生产 ，依附于机器 ，依附于大资本的利益 。人性的普遍扭曲 ，让少数人追逐人类主体性的梦想变得乖张怪异 ，同时屈从于社会的人 ，又会用乖张怪异的行为来强迫其他人一并服从 ，造成为虎作伥的命运式荒诞

于是我们看到了《大话西游》中滥杀无辜 ，为唐僧肉不择手段的妖怪 ；看到了《少林足球》 中用改造人参赛的大老板 ；看到《食神》里在电梯门口拉屎的马屁精反骨仔 ；看到了《功夫》里的斧头帮 ；看到《西游*降魔篇》里自相残杀的捉妖师 ；看到《美人鱼》里一掷千金却残忍无耻的地产商和邪恶科学家 。

而周星驰描写的主角 ，总是在社会的最底层 。收垃圾为生的少林俗家弟子 ；黑社会的跑腿小弟 ；夜宵摊贩罩着的落魄打工仔 ；年弱体病却供孩子读贵族学校的农民工鳏夫 ；跟乞丐似的穷和尚降魔师 ；或是大难临头的人鱼 。

周星驰电影一直离不开底层社会 ，总能从底层社会的生态塑造出荒诞感 。因为这个阶级矛盾锐化的现实社会 ，从来都不乏荒诞感 。用小孩奴工的黑砖厂 ，杀死亲戚骗补偿的黑煤窑 ，开胸验肺的尘肺病工人 ，被jc拗断脖子的讨薪女工 ……

而与底层生活相对应的 ，则是各种夸耀自己崇高伟大科学进步的社会秩序 ，总在歌颂着富人才是社会发展的动力 ，对穷人的邪恶是经济前进的必要代价 。诸如改开几千万工人下岗促进了社会发展 ，劳动法的修订损害了工人利益 ；一边把牛奶倾倒在河里 ，另一边要把过剩的商品房炸掉 ……

现实如此残酷 ，资本主义在构建现代社会时标榜的文明 ，进步 ，富足就显得尤其虚伪 。冠冕堂皇的话语已经不能解释现实 ，只能一遍遍洗脑成为束缚人心的枷锁 。而人们开各种玩笑 ，就是为了揭露这些精神枷锁的荒诞之处 ，从而解构思想的牢笼 。这一切在文化领域的努力 ，就构成了所谓的后现代主义 。

周星驰的作品很好地塑造了一个充满荒诞感的世界 ，不但如此 ，还表演了如何去解构它 。他教会我们尴尬的假笑 ，夸张的奉承 ，于是我们成立了魔法师大军 。他教会我们对自己优点的自恋 ，对卑微出身的自嘲 ，于是我们以屌丝为荣 。他用夸张的表情滑稽的举动来迎合不可理喻的现实 ，于是我们手握一万种表情图 ，如握着震撼星辰的核武器 。他为解构那些虚伪的精神枷锁 ，找回真诚的自我贡献了无数精彩表演 ，成为年轻人从精神和言行上武装自己的教科书之一 。周星驰当然配得上后现代主义大师的称号 ，无论他是否自觉。

周星驰本人已经大富大贵 ，他的内心想法不得而知 ，也许早就是《食神》里史蒂芬孙周那种人了罢 。不过总有人批判周星驰与好友闹翻 ，大多是为工作或利益 ，我却怀疑周星驰是一个"善待士卒而骄士大夫"的人 。媒体渲染他和某个上流社会的恩主闹翻 ，可他却有打电话给电影中的龙套大妈 ，"阿姨 ，你看新闻了么 ，你红了啊! " 这不 ，空虚公子最驾驭不了的那位侍女奶奶 ，又在美人鱼里往罗志祥胸口上射了一箭 ？

周星驰电影仍然能体会人间疾苦 ，在天马行空的想象搭建一个魔幻的世界 ，用荒诞感演绎出笑破肚皮的喜剧 ，以反衬出令人肝肠寸断的悲剧主题 ，最后用一个童话故事留给观众希望 。我感受到的周星驰电影，还是未忘初心的 ，从中还能看到那个成长在香港底层社会的穷苦孩子 ，拉着朋友一起自己拍摄电影 ，视图讲述他纯真而热情的心灵 ，对生活的感受和期待 。

全文完 ，谢谢阅读

    《芙蓉决》的故事初看十分老套，武侠言情剧里的英雄救美、江湖客栈、国恨家仇一样不少。
吕四脚店的老板娘、儿子多多、书生宇文泰、厨子刘五凑起来和武林外传差不多，无非少了个郭芙蓉和白展堂——巧了，女主角恰巧也叫芙蓉，只不过改姓了木。

    老套的开头似乎一看到底，不过此片出彩的并非情节，而是几乎个个饱满生动的人物以及许久没感受到的侠肝义胆。

    男一号集宇文泰、夜行侠、韩云放为一身。宇文泰是穷酸书生，整天插科打诨，嬉皮笑脸；夜行侠从一出场便全身上下裹得严严实实，只闻其声，不见其颜，昼伏夜出，以清除贪官污吏为己任；韩云放更是姗姗来迟，还是以他人叙述的形式呈现其身世之离奇曲折，以及同反派人物之间的爱恨情仇。然而，三种不同身份背景，不同社会定位，不同个性气质在同一个人身上却融合得天衣无缝，最后以韩云放的身份三体合一。由此可见，编剧定是大牛，演员也功不可没。

    男二秦子阙，富家公子一个，却对表妹木芙蓉无比痴情。从以往看剧经验来看，如此三角关系定会导致最后因爱生恨，人物在黑化之路上一去不复返，却不料人家坦荡得很。富家少爷不谙世事，任性，给家里添了不少麻烦，甚至搭上了自家老爹一条性命，但难得的是初心不改，有情有义，不耽于儿女情长，始终记得国恨家仇。

    如果说夜行侠代表了人们对于大侠的所有幻想——武功高强，劫富济贫，那么秦子阙代表的，则是普通人身上的侠者之心。两个人看似不同：一个不显山露水，一个却透明高调；一个是忠臣之后，一个却做了奸贼之子；一个身世曲折，一个却娇生惯养。但两者实则殊途同归。

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开头旁白直说承接马永贞，马22年死，这个仇连环是45、46年或以后的上海滩了，类似的命运云云

井莉真是大脸花瓶女郎，70s的武侠、动作片里占尽了半边天，表情基本是(≥巩俐)呆滞傻笑型的。国语还算标准；但缺乏明星气质，压不住阵脚，我感觉

很可悲的是45年日本撤离后上海黑帮斗殴还是冷兵器时代，耍弄拳脚，恶人拿的是驳刀（？月光宝盒掰开，露出一把长匕首，宝盒反拼作刀把）。赤手空拳打死十几二十号人，nnd，我要是黑帮老大我掏出盒子炮一枪撂倒了；再不济也可以鸿门宴或者搞暗算啊，sigh，张大头还是要盘肠、赤膊、大开大阖的拿人当靶子耍弄拳脚..

情节铺设方面，仇连环讲的是某小股地痞为了一个交际花惹上上海滩大佬，搭上自己的手下兄弟和最后舍得肠子掉也把仇敌老大捅死的故事。井莉是红颜祸水，但人家也没勾搭陈观泰，老陈就惦记上了；于是厮杀争斗、血拼到底，中间一次中伏遇到了井莉救助，就感情戏圆满交代了一下－－好多殴斗电影都有一个小问题：让男主角满身挂彩和女人上床，估计还是临死的honey night，非得折腾几次缠绵几回不可，往往奇迹的是，身体复原的反而更快了！！！－－记得墨西哥那个杀人三部曲有一集就是如此安排的

结局是男人拼死，女人依旧高楼待客，呵呵；原本就是职业女郎嘛，难道徇情说？！！

实在是充满了惊喜的一部电影，让我很后悔自己没有去电影院贡献票房，毕竟今年烂片这么多，难得一部好片子自己却没有支持，心里内疚得很。这些惊喜里，简单拆分的话大概可以分成四部分： 第一导演竟然是曾国祥，曾志伟的儿子，我根本不知道他会导戏，事实上他作为演员拿出手来...  (展开)

“電影有個傳承，是影像的追尋、影像的美學，這個特質是在膠捲裏面，不是故事、不是說話腔調、不是語言，甚至不是表演。……我們的電影學校逐漸變成一個職業學校，教你怎麼從事這個行業，但是，我們離這個媒介卻是越來越遠。”——蔡明亮

片名：《臉》
年代：2009年
導演：蔡明亮
演員：李康生、馬修?阿馬立克(Mathieu Amalric)、芬妮?阿爾丹(Fanny Ardant)
類型：劇情
時長：138分鐘
出品：Rezo Films(法國)
文/仁直
水月鏡像，無心去來
仿似那些溝壑在讓-皮埃爾?利奧德(Jean-Pierre Leaud)臉上的滄桑。蔡明亮的《臉》與李奧的“臉”，並置成一戽意象，一座迷宮、一掬欲望、一點火苗、一汪自溺。頹廢的男女、遊走的惆悵、錯位的時空，宛若一場夢境，浮浮沉沉，飄飄蕩蕩。正如蔡明亮所言，“在這部片中，比起敍事邏輯，我比較需要的是意象的概念成不成立。或者說，我的大前提是，這個電影是以夢的形式在處理敍事。”於是，《青少年哪吒》、《洞》、《你那邊幾點》、《不散》、《黑眼圈》、《沉睡在黑水之上》等諸多蔡明亮電影中的一貫意象，飄然而至。於是，蕾蒂莎˙卡斯塔(Laetitia Casta)飾演的莎樂美(Salome)，猶在鏡中，歡唱：“你你、你你、你你，真美麗；我我、我我、我我，太歡喜……”

一種迴旋與衍生
《紐約時報》的瓊?杜邦(Joan Dupont)在一篇名為“盧浮宮、花園、鍋爐房，電影裝置”的文章中交代了整部影片的製作密度——影片的原名為《莎樂美》，總共拍攝了六周的時間，大概成本在77.5萬歐元左右。並且，蔡明亮在使用演員和執導方式上，致敬了他所鍾情的導演弗朗索瓦?特呂弗(Francois Truffaut)與羅伯特?布列松(Robert Bresson)。該片服裝由歐洲時尚大師克裏斯琴?拉克瓦(Christian Lacroix)製作，並邀請了法國當代編舞家菲利浦?德庫夫雷(Philippe Decoufle)。

“整部電影的靈感就是來源於特呂弗，” 讓娜?莫羅(Jeanne Moreau)說道，“讓-皮埃爾?利奧德、芬妮?阿爾丹(Fanny Ardant)、納塔莉?貝伊(Nathalie Baye)，包括我，都在影片中扮演我們曾在特呂弗電影出演過的那些經典角色。影片中，我一會是《朱爾與吉姆》Jules and Jim中的‘Catherine’；我一會又是《黑衣新娘》The Bride Wore Black中的‘Julie Kohler’。我穿著白色婚紗，戴著黑白鑲嵌的鑽石。與此同時，讓-皮埃爾?利奧德飾演的則是一位極度想念特呂弗的導演。我們在一起，即興創作，非常快樂。”

從影片的原名看，《臉》並非完全沒有敍事邏輯。只是，這樣的邏輯被蔡明亮打碎了。水、雪、冰、火，死亡，等諸多自然現象，重新解構並編碼了《臉》的敍事空間。蔡明亮引用王爾德劇本的《聖施洗約翰》St. John the Baptist說道：“莎樂美與約翰之間的人神之爭，有一種吻著頭才嘗到愛的苦味。”從這個意義上講，影片最後李康生與蕾蒂莎˙卡斯塔的那場冰窟戲，正是對於這種“苦味”的衍生詮釋。蔡明亮說道：“《臉》這部電影是利用演員來講電影，然後再用電影來講生命、講人生。講到最後，它是空虛的、空的。可是這個空，其實也是滿的。因為它空，它可以承載東西。”

意賅地說，《臉》根本就是蔡明亮式的“迴旋體”作文。問題是，蔡明亮是如何利用影像的意象去解構修辭的意象的呢？《IndieWIRE》的埃裏克?科恩(Eric Kohn)說道：“《臉》以一種抽象的模式，解構了某種神秘的情愫。影片開頭就是一個水的意象，李康生面對瀑布般漏水的灶台，無能為力。這一意象正對應了蔡明亮的第一部電影《青少年哪吒》。”誠然，那片鏡子構成的森林，不正是奧遜?威爾斯(Orson Welles)電影《來自上海的女人》Lady from Shanghai(1947)中的場景嗎？戲中戲的劇情設置，更是直接對應了特呂弗電影《日以繼夜》Day for Night(1973)。影像(兼意象)的脈絡傳承，以一種內裏的張力，在膠片上烙印出迴旋的光芒。

筆者認為，《臉》最厲害的地方在於，蔡明亮試圖通過這部電影，有意識或無意識地重新梳理，人們對於“電影是什麼？”的觀念。這個問題，已經不單單是一個“作者論”所能承受的了。打個比方，《恐怖遊輪》Triangle是一部“形式即內容”的電影；《駭客帝國》The Matrix是一部“內容大於形式”的電影；《臉》則是一部“形式大於內容”的電影。形式與內容之間的角力，正是電影最本質的設問。因為，對於蔡明亮來說，所謂的影像美學，更接近一種原始的手工作坊的創作。