远在非洲工作的农村出身的大学生郭小军，背着自家父母和抗着女方父母的反对，毅然决然地和之前接待他的非洲黑人小姑娘璐璐私定终身，并将璐璐带回家，想得到自家父母的承认。但是小军妈妈相当反对这桩婚事，还特意撮合儿子与守着小村子5年的初恋女友沈莹相亲。经过了重重充满激烈、搞笑的斗争，最终达成所愿，小军和璐璐风风光关地举行了婚礼。在情节设置上看，这部电影不仅仅给我们讲了一个洋媳妇不受待见、不被支持的故事，其中还穿插着对环境保护、绿色发展、脱贫攻坚以及村子里的人情世故。整部影片情节相当流畅，其中的矛盾设置合情合理，能够抓住观众的眼晴，让人有一种身临故事之感，仿佛自己就是那个犹犹豫豫、不知果断的男主角郭小军。郭小军、沈莹、黑人璐璐以及小军的好兄弟几人之间理不清、断不掉的矛盾冲突。小军虽然选择了璐璐，但是他看到自己的初恋和自己的好兄弟在一起时，总是难免吃醋，感觉心里特别别扭。还有小军的妈妈总是千方百计地阻止洋媳妇璐璐“进门”，不惜让儿子单独睡在杂物房，还在门外上锁，以及摸黑璐璐，让村里人误解她将村里的污染照片发到微博上。好在最后小军妈妈良心发现，及时承认了自己的错误，小军也得以追回自己的黑人媳妇璐璐，不让悲剧上演。最为离谱的是，小军妈妈为了阻止他俩在一起，竟然自己的大伯装死，欺骗全村人。不过呢，小军妈妈最后的最后还是接受了自己的洋媳妇。在人物性格上看，人物的形象相当饱满，每个人都能出色地表演出了自己角色的特点。比如，郭小军的犹豫不决、吃醋到最后的果断释然，都很好地表现出来了。沈莹和黑人璐璐之间的矛盾冲突到后来的化干戈为玉帛、携手合作一起解决村里的大事情，都表现出了两人之间的距离不断缩进，因都爱小军而相争到后来的闺蜜情。小军妈妈的固执、刻板、墨守成规，不待见洋媳妇，到后来的妥协、接受在电影中都有很好的体现。这一部以小军和璐璐的爱情为核心故事内容的电影，弘扬了我们的社会主义核心价值观，同样了展现了咱们当代的农民对未来美好生活的期待和向往。将农村摆到电影中来讲，向我们展示了家庭和睦、人际关系协调、社会稳定发展的重要意义。牛叫河村，是一个旅游景区，村民们都想让自己家都能摆脱贫困，过上幸福美满的生活。然而，曾经是村民们的生活经济支柱的工厂，现在却使得坏境受到了相当严重的污染。当经济的发展与绿色环境相冲突时，我们该何去何从？牛叫河村用行动告述我们，“优环境、惠民生、促发展”。放弃污染源头工厂，重点打造绿色发展的旅游景区。同样从国际方面来看，这部影片向我们传达出了文化包容的信号，体现了中非友好，与一代一路建立起了联系，有很强的的文化方面的意义。电影中中非不同的饮食习惯，中国吃饭用筷子，而非洲那边用手直接抓着吃，以及不同的丧礼习俗。这些无一不体现了文化的差异冲突，但同样也呼吁我们要包容不同的文化，不要盲目自大，要接受文化的碰撞和交融，学会取长扑短。

不是男女主粉 冲着网飞招牌跟剧情设定看的 第一集还觉得没啥 第二集就开始精彩了 对于几乎最后都成为恋爱剧的韩剧来说 这种题材过于新颖 估计很多妹子都接受不了 还可以接受的妹子熬过第二集就可以了！！看到最后去搜了下是否会有第二季 没有的话希望日本能翻拍！！少看日漫的肯定觉得怪异又奇葩 喜欢恋爱剧的慎入吧~

这是一部充满讽刺的电影，即使它的画面很巴黎很唯美。

这部电影最讽刺的点是，这部电影全篇幅表达了一种底层工作人民对于美的极致追求和梦想，而在拿到最终礼服之前，每一个人的犹豫、欲言又止甚至于直言不讳，都在抬高阶级之间距离，而就好像拉里斯夫人中彩票一样，看似是打破僵局的一声枪响，其实不过是凑巧，狗屎运罢了。就好像伯爵最后的一束玫瑰花，再美好，也只是给一个清洁工的，真正的阶级从来没有改变分毫。

而更有意思的是这个片子找了最不像清洁工的高贵美丽女演员，有礼貌有情商，赌输了100磅有朋友给你送回来，跟流浪汉睡觉没被偷东西，没地方住有人立刻带她去自己家里，就连进不去展也有伯爵赏识，难不成这是生活一地鸡毛的人该想的吗。我认为恰恰是这种选角，这种高高在上的角度，让这个电影有更多的讽刺意味。

电影里还有一个我很在意的细节，譬如被烧毁的高定为何要扔在河里？骨灰撒在河里倒不会影响生态，但一条裙子扔在河里就真的变成了垃圾。当然这部电影对于巴黎垃圾的写实让我感动，巴黎环境脏这件事情我是记住了。

最后，我觉得美该是一种追求，不该是一场较量，落在上海老房子窗台的落日跟马尔代夫的落日一样打动人心。

这个爷爷也太过完美了，整个就是一个豪侠，还是文武全才的那种。武就不用说了，身手了得，胆气过人，敢于一个人杀进黑社会组织并造成两人死亡，而在最后甚至还把枪给弄来了。加上其黑吃黑对方的上亿元，也就难怪奶奶说：不知道谁更像黑社会。可是爷爷还雅气十足，不仅手巧，做牢时靠刺绣赚钱，并且唱得一曲好歌，而且显得交际广泛，带着珠子去参加高级聚会居然落落大方，真是个全才。可惜的是，现代社会是不允许这种人存在的，爷爷算是个典型的“侠以武犯禁”的人物，虽然他似乎在保卫家乡父老，但手段过于旧式，于是还是被关了十三年。所以最后爷爷的死去也许有着象征意义，古代的豪侠在现代社会已经成为包袱，还是光辉地死去为好，毕竟难以想像爷爷老得动不了的情形。

（文/不落地）

这个世界上，有些人的存在，似乎是专门供许许多多人来嫉妒的。比如帅气多金的游戏公司青年（不如说是少年更贴切？）才俊夏柯。他会让你（尤其是男观众）柠檬附体般意识到，一个人完全够资格集齐上天能给予的，所有的宠爱。

但当那个叫邢运的女孩顶着一个吉利的谐音名字，闯进他高度有序滴水不漏的生活后，接下来的事，会让你觉得上天毕竟是公平的。一度连头发丝都挑不出毛病的创业奇才、侧颜男神、职场大帝，在恋爱方面，竟然是个小白。

好吧，说小白可能太夸张了，但如果有爱商这种东西，那他从小到大估计没怎么练过等级。

这首先当然表现在他的超级迟钝。没有人知道他从什么时候被邢运吸引，而他自己就更不清楚了。起初只觉得那个女孩单纯认真又不服输的样子很可爱，但到头来点破窗户纸还得靠他自己酸成柠檬树。

前一秒还在欺负逗弄，“想做方案就先去谈个恋爱”，下一秒就被对方相亲顺利搞得心神不宁，心潮起伏。这样的情绪越来越频繁，他再后知后觉，也会觉察到出大事了。

起初他大概也是疑惑的，更多的是惊讶和随之而来的惶恐：我可是老板啊，要时刻运筹帷幄发号施令的，万一不小心暴露了那点小心思，我的脸还往哪儿搁，威严还往哪儿摆？

这里我想到了《绝代商骄》里同样是商业奇才的麦提爽，会对着一盆植物手足无措倾诉“我喜欢上了三水妹可怎么办啊”。都是很让人暗爽的设定：这群做生意风生水起的大佬，也会碰上这样的凡人魔咒，尝到降维打击的滋味啊哈哈哈。

夏柯的幸运在于，邢运的爱商并不比他高到哪里去，所以他暂时可以把蠢蠢欲动的小情绪藏得很好。但我们只要见过他嘴角一撇大吃飞醋的委屈表情，下次那张扑克脸再完美，也无法欺骗我们。

因为就在不久之前，我们已经目睹这个伪装成高冷男神的柠檬树男友卸下伪装。在女孩还没来得及怦然心动，他已经悄悄收割了我们的好感。

有心理学理论说，当一个近乎完美的人露出一点小缺点，会让别人更喜欢他。夏柯在爱情上的笨拙，打破了完美男神的光环，把他推进了魅力指数的加分环节。

一个人有魅力是藏不住的，所以邢运终于识破奥秘，原来老板不是铁板一块，原来不动声色的面具下，有的是小辫子可以抓，有的是小傲娇可供调戏，有的是欲说还休的万丈波澜，有的是所有青春男孩都体验过的为情苦恼。

夏柯倒是被激活了爱情回路，但那些追爱游戏里所谓的套路和心得，让满脑生意经的他如何无师自通呢？于是“情逗初开”的男孩，进入到身为上司的“管理模式”，一场场不痛不痒却妙趣横生的欺负游戏，拉开了序幕。

但在这段爱情里他终于还是被动的，毕竟她有百折不挠，有古灵精怪，有被偏爱的有恃无恐，于是他只能一边苦笑着一边沦陷，把双人探戈的领舞权完全交出。

如果搭建爱情城堡这件事，可以看做是两个人共同经营的一项创业，那么这段关系里她毫无疑问是发号施令的老板，而他却成了总在忐忑地摸索分寸的雇员。

就是他们这样在事业和爱情中互为主从的奇妙关系，让这场男女游戏变得五彩斑斓。所有试探和反试探，拒绝和假意拒绝，欺负和承受欺负，付出和享受付出，哭与笑，聚和离，都混在一起，调成了一盘酸酸甜甜的果酱。

整部剧的大部分时间，他们都徘徊在一种微妙的感情距离上，那种明明知道彼此在挂念，彼此都有迷恋藏在心里，但总是很默契地假装离亲密还有很远的那种——香喷可口的暧昧。

那是一段感情里最值得回忆的阶段，它有恋人最享受和怀念的东西：充足的不确定带来的美好盼望。这样，当最终的那个吻来临的时候，他们和我们，都可以陶醉在最浓的满足里。

有人说，每个人都是赤条条来到这世界，这世界什么也不欠你。但如果你在同龄人纷纷情深意浓的年纪，还在对着另一半空空的床发呆，那么至少，这个世界真的欠你一个初恋。

如果初恋会在恰当的时间空降，那或许这次真的有机会，集齐上天所有的宠爱。

只能说真的很一般，像白开水一样，电影全程都是打着“异地恋”的口号在拍，只能说是为了异地而异地，更多像是在创造一个为大家编织的童话，女主恋爱脑，前面还宣言世界不能只有许嘉树，更让人奇怪的是李唐连续复读两年，只为考上乔乔的大学，两个闺蜜吵架那点真的很尴尬，塑料姐妹花，然后女主摔了两人又和好，女主不像摔了腿，更像摔了脑袋，直接幡然醒悟，乔乔也变得突然勇敢，更离谱的是爱情的力量，以前投不中的球一下就中九个，乔乔直接表白…片中只有一段话让我思考“打败距离和接受距离那一个更勇敢呢”“许嘉树，你居然放弃了系里唯一的出国名额”能拍出更没有水准的东西吗？强行煽情的戏份有意思吗？然后画面一黑来个一年后，然后以女主独白的口吻讲心灵鸡汤，渴望来个主旨升华，拍的既不现实又不梦幻，女主突然阑尾炎手术，男主回国“这不是梦…你捏捏我的脸”

烂片中的烂，看完你完全不知道想表达什么，这电影能破亿，只能归功人口基数大！

这不是没有异地过，就不能感同身受，我相信人是因为能共情…这部片子就只能让你尴尬??

青春短暂，而其混乱的美丽是许多电影试图挽留的元素。导演李启源的新作《乱青春》呈现的是三个花样少女之间既混沌又清澈的情欲，她们在喜欢的边界穿梭、踟蹰、游荡，就像电影开场，Angel在趋于凋零的向日葵花田逡寻着什么，而迷蒙的光在天际吞吐闪烁。

台湾历年来有为数不少的电影皆以女性情愫为题，揣摩同性间游移的关切与依恋，从早期的《国中女生》、《我的美丽与哀愁》、《美丽在唱歌》，一直到近年来的《蓝色大门》、《爱丽丝的镜子》、《刺青》、《漂浪青春》、《渺渺》、《花吃了那女孩》等。近期即将上映的《乱青春》同样探测处于青春期的女孩们彼此对待的方式与纳藏的心结，片中凸显了时间、记忆与爱的流动感。在时光的复沓里，有愈来愈多的回想从四方浮游而至、愈来愈多致密的心思被拆解。最终，这些歧异的视角将如何缝合起来？

《乱青春》舍弃传统的线性叙事，打造了风格强烈的电影语言，繁复地交互编织记忆与现实。时间不再固着于过去、现在这种既存的界定方式，导演大量采用「预示」的手法，使得过去式变成现在进行式。过去与现在穿插、并置再现，模糊了时间的绝对性，也使得记忆渗透入日常生活中，成为一种潜伏的陪伴关系，继续与当下互动。记忆因此苏活，在心之舞台上反覆搬演，在每一次的排演中，都可能添增、删减局部细节，也可能恣意窜改其中的情节。

本片采用多线并行的时空架构，多次前后采取不同的叙事观点，重现同一起事件。它慢慢地点缀、填充、修饰那个时空脉络，邀请剧中角色和观众共同进入，根据当下情境改写成属于自己的脚本。你就不再只是被动的讯息接收者，而能够潜入那些细细碎碎的缝隙里，或许，在某个边缘地带遇见自己。

自认为从未离开青春期的李启源对「青春」这个题材敏感，2005年拍摄完成的《巧克力重击》描述的是一群着迷于街舞和嘻哈音乐的青少年，彼此较劲，蓬勃地舞弄着青春的斗志。李启源同时也对大人与青少年之间表达爱的方式感兴趣，《巧克力重击》的主角巧克力和他的父亲从一开始生硬的对峙，直到慢慢体解对方的处境，从而开启沟通的可能；在《乱青春》当中，Angel和阿咪皆身处于一个崩解的家庭里，和父亲之间隔着一条无形的沟渠。从《巧克力重击》、《乱青春》、《烟》（《台北异想》短片之一），乃至下一部作品《沉默的爱》，反覆演绎的，无非是那种语言到达不了的爱。在李启源的观察中，东方社会的男性普遍无法舒坦而自信地表露自身的关爱，父亲这个角色尤其如此。所以Angel和阿咪的父亲最后都黯然地哭了，似乎唯有这般，才能寻获一丝救赎。

本期【放映头条】专访导演李启源，听他阐述如何透过影像语言表现流动的时间、记忆与爱，以及剖析其作品中一再上演的亲子关系，并分享跨国制作团队的合作经验。

导演认为女性的感情跌宕而有层次，而《乱青春》揭露的正是高校女孩美丽而混沌的私密情感。近几年，台湾陆续有几部电影亦处理了女性情爱的游移与暧昧，如《蓝色大门》、《漂浪青春》、《花吃了那女孩》，就主题而言，《乱青春》如何与其他类似题材的影片进行区隔？

我的电影有毒。（哈）在电影里演出的三个女孩，她们的家人看过后，有一个多月的时间不敢跟自己的女儿讲话。电影里的情绪太真实了，他们以为自己的女儿就像那个样子。不过话说回来，为什么她们不是那个样子？如果碰到那种情境，她们为什么不会是那个样子？我们每一个人又为什么不会是那个样子？故事是虚构的，但情境是真实的。故事里的人物，带我们经验他们所经验的，所以我们是Angel，我们是情绪障碍的父亲，我们是夏日的暴雨，我们是枯萎的向日葵。《乱青春》是女性情感的纪录片。

您说「这是一部关于时间、记忆与爱的电影」，在影片中，我们看到这三者似乎都是流动不拘、可以（自由）移转，甚至跳跃的，请问这是否反映您对时间、记忆与爱的观感？

时间不断流逝，记忆不断被修改，爱与不爱似乎也不是那么绝对。当我们说「过去」如何如何，哪里来的「过去」啊？不过是现在的我们，对发生过的事，又重新诠释一遍罢了。一切都是现在进行式，一切都是你现在这个人的进行式。早上妳被同事的咖啡洒到衣服，于是妳对他昨晚陪妳加班，不再感激了。夜深人静，妳听到萧邦，妳想念初恋的情人，其实当时妳也不见得那么爱他。记忆多么的不可靠，而电影呢，电影就像这么样的一个东西。电影是记忆，电影是梦，电影是现在进行式的艺术，在电影院里你没有办法倒带，你只能出去小便。

《乱青春》打破观众习以为常的线性叙事，采用多线并行的时空架构，并大量使用「预示」的手法，导致过去式变成现在进行式，请问为何会采取这样的叙事策略？

所谓「预示」，就是先让观众看到事件的结果，然后再一次次的回到事件的开始。随着故事中三位女孩关系的改变，她们对事件的看法不再相同了，我们对事件的解释也改变了。宇宙间的人事，没有一样是单纯的因果关系，加加减减，离随机也不远了。观众藉由不断参与、渗透（我多么喜欢「渗透」这两个字）演员的故事，而主动的建构了自己的生命经验。在东京影展，有位中年女子，电影散场后，红着眼眶，拉我的手说，我拍出了她的青春。我想并不是因为她与剧情有相同的故事，而是她的青春经验，经过与演员相互冲击，而有了回声。更有趣的是剧中三个演员，拍摄完成一年半后的现在，当记者问到她们角色的个性时，她们的说法和一年前拍幕后记实时，又不一样了。很明显的她们以现在的经验在投射那个她们曾经扮演过的角色，无所谓对不对或好不好，因为随着《乱青春》的拍摄结束，三位女孩也脱离了青春期。她们再也回不去那个状态了，只有她们青春的影像，会在电影里留下来。

在写作剧本的时候，是否已有完整的故事情节？抑或是初步拟定一个比较开放性的剧本，再视演员的情绪、现场的氛围加以发挥？

不只有完整的故事和情节，连对话我都不许她们更动一个字。但她们要如何彼此互动，要如何讲话，我并不加入太多意见。我不知道这样算不算「开放性的剧本」？演员拍戏时的个人情绪，对我没有多大意义，我也不感兴趣，但我必须引导她们进入情境，等她们进去后，她们会以最自然的方式说话，走路，哭泣或搞笑，这才是我要的。有时这样的过程很累人，如果环境的气氛对，当然对我的「催眠」工作，有很大的帮助。

在拍电影之前，您就已投入写作，请问您如何将文字转换成影像？这两种创作媒材的感染力以及说故事的能力又有何不同？

影像是很暧昧的东西，往往要靠音乐来定性，否则会像没有锚的船一样漂走。俄国的爱森斯坦早在1920年就发现这个事实，所以创造了蒙太奇。一个面无表情的男人的脸，紧接着一张小婴儿的脸，让观众觉得他是慈祥的；如果接的是飘扬的红旗，观众会觉得他是革命青年。这些虽然是剪接的伎俩，但恰好也说明了影像飘忽不定的个性。我不会作曲，否则我会先写音乐，然后将旋律转换成影像，这比文字转换成影像，要直接了当得多。说来有趣，我从来也没有将文字转换成影像过，刚好相反，当我脑中闪过什么意象时，我企图用文字捕捉下来。我没办法用脑中的意象去感染人家，得到拍片所需要的资金，我能做的就是尽可能把文字写得像我脑中的画面。不过即使如此，经过文字转化的过程，影像的意义又开始质变了，两者互相辩证，没完没了。

文学和音乐一样，是门能自给自足的艺术，但电影不是。电影很难单靠影像支撑，就算是默片，还是得加字卡，配音乐。如果一部电影能将影像和文学、音乐调配得当，它的感染力是很惊人的。如果电影做不到这一点，那我宁可选择文字创作，虽然这是个充满偏见的媒材，而且对所谓「忠实传达」这回事，我也充满疑问。

作为一个文字工作者，后来却开始质疑文字是否能够精准传达讯息与情绪，为何会有这样的转折？

文字本身并不如我们所想的，是个透明的工具，它隐含了许多种族和性别歧视。看看中文如何书写少数民族：匈奴、羌、狄、羯......，动物性十足，不是吗？而当中原的政权需要与少数民族结盟时，那种带有野兽意味的书写，就改变了。西方也好不到哪里去，历史（history），竟然完全是男人的（his）故事（story）。我想从直立猿人到现在，人性基本上没什么改变，改变的只是我们对自己的看法，而文字的演化恰好提供了这样的线索。像这样一种工具，我常好奇，在传达日常生活讯息和情绪时，自动过滤了什么？瞒混了什么？又自动衍生了什么、栽赃了什么？这样的情况，应用到戏剧效果，我发觉当演员的肢体和他的语言之间，发生歧异时，正是戏剧张力最强的时候。试着想想这个画面--当一个女人看着男人的眼睛说我恨你，可是她真正的意思是我爱你，是不是远比她直接说我爱你，强悍得多？也许我该去问问小四的学生，这该算是映衬句呢，还是目的句？

您曾提及，拍片时会希望语言尽量精炼，转而透过演员的肢体表演去呈现内心的情感，但在《乱青春》片末，阿咪却是透过一段赤裸的口白来表彰其情欲，为什么这个桥段会选择这样的呈现方式？

阿咪借了小步的雨伞、笔记、IPod、面膜、靴子、维他命B......最后连男朋友都借走了。阿咪真的爱小步的男友吗？并不！她把小步的男朋友当成像雨伞、笔记、 IPod那样「小步的东西」来喜欢。她描述和小步男朋友做爱的细节，不是恨，而是出于对小步的爱。唯有那么长时间的，在罪恶感折磨下，难以启齿的坦白，才有办法让小步体验到她对她的爱。而小步最后吻了她，因为她不忍阿咪不断的重复脏话自责。这种爱多么曲折，当年Angel选择向她告白的方式，她拒绝，这次小步领悟到了那种痛。在这里我选择让阿咪独白，就像听广播剧的说书，它所营造的想像，远比实际的画面来得凶猛。这里的一长段独白，我不让演员更动任何字，因为我把它当音乐用。我写的时候有一定的节奏，有点像听Rap，没有人真正在乎内容，重点在语音带来的节奏感。

本片延揽姚安琪、李律、廖千慧三位年轻演员，她们各自吸引您的特质为何？就表演训练而言，您个人比较注重的是什么？在拍摄现场，您似乎偏好即兴表演，这部分是如何与演员进行沟通、磨合？

安琪是个奇怪的女孩，我从她十七岁时就认识她了。她告诉我很多奇怪的故事，我不知道是真的，还是她自己编织出来的。她有小女孩的稚气和天真，另一面却又比我成熟得厉害。她老是嚷肚子饿，连续几天只吃苹果裹腹，我们每次出去吃饭，她就吃炸鸡，不论西式中式日式，她就点炸鸡。我喝啤酒，她啃炸鸡，然后一边告诉我乱七八糟的事。她说她是害羞内向的人，我觉得她是疯子。她是那种导演不要求，她就会随便乱演一气，但碰到了她的导演，她可以给出非常纯粹的东西。她是天生的演员。

千慧长得像邻家的可爱小妹，让人不会防备。但是她的心思细腻到连她自己都会抓狂。有时我开个玩笑，她可以难过好几天，然后跑来跟我讲，然后又被我骂一遍，她的专长仿佛就是跟自己过不去。这种性格与长相冲突的质地，令我在角色的塑造上，有个很好的著力点。

李律呢，她很另类。所有我们在八岁前应该都会的玩意，她一个也不会，比如说骑脚踏车、弹铜板、游泳等。事实上直到拍《乱青春》，她才踏出过台北市，之前她最远的地方只到过台北县。但如果你以为她是那种乖乖淑女，你就错了，她不高兴时会骂人家「靠杯」。拍戏时，我和摄影师都被她的脚踏车撞过。拍落海的一场戏，还得我亲自下海拉着她游，我问她为什么不能自己游？她说她怕鱼。

说是训练表演，其实就是陪她们扮家家酒（虽然我不能在研究所的开课名称上填「扮家家酒」）。每周八个钟头，大家在里头玩，玩久了，就有感情，玩high 了，戏自然就来了。不会玩的演员，通常很无趣，也没有想像力。有些科班出身的更糟，连走路都不会了。小孩玩家家酒，不需要沟通、磨合，没那么严肃，你只要捡根树枝给他们就好了。在他们手里，树枝是宝剑，是锅铲，是预防针，是鸡腿。我的工作在告诉他们，今天我们要玩什么，把他们带到那个情境去，然后让他们放心，我不会落跑，就这样而已。我的戏都是这样拍的。

Angel和阿咪都身处于一个崩解的家庭中，她们的父亲一个永远沉默不语、一个则是搞不清楚女儿的喜好，为何会设定这样的家庭背景？而Angel和阿咪的父亲最后都不由自主地落泪了，您想传达的是什么样的亲子关系？

三个女演员，有两个来自单亲家庭。我的周遭也有许多破碎的家庭，而且我现在想想，破碎的家庭可能还多过正常的家庭。这些破碎的家庭大部分是男人搞砸的吧。我对男人一点同情都没有，因为我是男人，我晓得那是怎么一回事。鹿特丹影展有观众问我，为什么电影里没有母亲？我说有啊，三个女孩就是母亲，不管她们几岁，她们都是这个荒凉星球上唯一的安慰。男人就不用谈了，他们不管几岁都是小孩。有些小孩自闭，有些小孩自私，说着好像在讲我自己一样。其实也没错，如果我有小孩，我也可能是那个样子的糟糕父亲。东方的父亲，不会跟小孩讲话，更不会说我爱你。男人的情绪到了十六岁以后都瘫痪了，但不是没有爱，在最后的一点泪光中，我们看到了救赎。

片中的场景不少皆带有凋敝、毁弃的气味，像是腐朽的公寓、干枯的游泳池、秘密洞穴里的浴缸、莲花池旁的废车场，请问当初为何会设定这些场景？是否企图与青春以及角色心境进行对照？

美学上，我不喜欢那种太不食人间烟火的景物。那种风景卡片式的美景，永远也不会出现在我的电影中。我不是说我非拍废墟或垃圾堆不可，而是场景必须有种意思出来才好。比如说一位住在白河的朋友，带我看遍白河的莲花，我告诉他太漂亮了，我不能用。然后就在马路旁，我看见了废车场。更妙的是，一堆废铁后面，又有个莲花池。我看着看着意思就出来了--青春既美又丑，既温柔又粗糙，既抒情又暴力。光拍这个，想想就很过瘾。电影开场的向日葵花田也是，我们等到繁花开尽后，某种腐败的味道来了，才去拍。青春只是漫漫人生中的一个特例，它不是个正常的状态。它是万物必然走向衰败、凋蔽过程中的一个反动，因此我找的场景，多少带有冲突性。场景这东西很微妙，有时它的故事性更甚过演员，我可以接受一个不是那么灵光的演员，但我没办法忍受一个没有感觉的场景。

这部片的摄影师李奥纳多?瑞特?亨瑞奇（Leonard Retel Helmrich）透过「单摄电影技法」（Singleshot cinema）开创出相当诗意而瑰丽的影像风格，请导演谈谈合作源起，以及拍摄过程中如何与摄影师沟通。

《乱青春》写完时，我开始伤脑筋摄影师的问题。时间、记忆与爱是流动的，因此我必须创造一种流动的视觉语言，来呼应我的主题。由于摄影机必须不停的移动，因此摄影师手持功力必须非常厉害，而且他还必须能配合我的要求，不能干扰到演员的情绪。最重要的，必须快，因为我只有拍摄18天的预算。就在这个时候，有一位美国的朋友，搞纪录片的，说有一位荷兰的纪录片导演，要来台湾参加纪录片双年展，并寄给我一片Leonard拍的《月亮的形状》（Shape of the Moon）。一看大乐，因为他不仅拍出故事，还拍出了诗。等他来台湾后，我们花了一整天聊，他给我看他发明的「单拍仪」，我说你来当我的摄影师，我们让大家见识一下，这玩意用在剧情片的威力，说不定你可以在台湾设厂量产。他被我说动了，五个月后，在完全不知道剧本的情况下，与我一起拍摄了《乱青春》。

Leonard Retel Helmrich过去的拍摄经验都是以纪录片为主，这回是他初次为剧情片掌镜，这样的背景在拍摄《乱青春》时会擦撞出什么样的火花？

因为他拍了二十几年纪录片，到过许多国家，大部分时间他根本不懂当地语言，也不知道会发生什么事，唯一能依靠的，就是直觉。而我片子正是这么一种拍法，虽然我写下每场的情境，但我不知道演员会出来什么东西。因此他的纪录片背景，在我们拍摄时便很管用。当年轻演员的灵光乍现，他一个单拍，就抓到了我剪接时所需要的各种镜位。特别是碰到怪异天气时，我更可以大胆和演员一起玩，完全不必担心镜头，结尾时两个女孩在海边跳舞，和在废车场打架的戏，就是这样无预警的下起大雷雨，而我们在大雨中完成拍摄，一个镜头单拍完成。我特别记得有两场戏，冰淇淋店和安琪家，拍着拍着我发觉摄影师在哭，我担心手持摄影机晃动太厉害，还特别过去拍拍他的背。他告诉我虽然不知道演员在说什么，但是情绪的感染力还是很强。我们就是在这样的工作气氛下，如期完成我们所有的拍摄工作。离台前，他说我们再来合作一部吧。这是我听过的最棒的赞美。

《巧克力重击》和《乱青春》这两部片皆有跨国合作的工作团队，《巧克力重击》的幕后班底包括摄影师Lawrence Schweich、艾美奖音效剪接奖得主Michael Lyle，《乱青春》除了摄影师Leonard Retel Helmrich外，亦邀请相当活跃的日本电子音乐大师半野喜弘（Yoshihiro Hanno）负责电影配乐，能否请您谈谈为何偏好跨国合作，并分享跨国合作的经验？

台湾电影的专业人才，就那么几位，做来做去，就是这么几位。久而久之，东西都很雷同，风格也相去不远。混血是为了变异啊。

跨国人才的合作，说起来容易，协调起来是一门很大的功夫。幸好我有一位了不起的制片，她让所有事情如期发生。我每次在拍片现场，喊第一声Action，都会怀疑这到底是不是真的。电影是一个团队的产物，团队的工作气氛很重要，有时甚至很私密，有点像秘教的氛围。不管是演员、美术、摄影、收音，都会不吝惜的给出最好的东西来。这时候我的眼睛里只有集体的目标，没有国籍、肤色和语言的差别，我什至忘了有外国人这回事。直到现在妳提出这个问题，我才突然惊觉，我的收音师Mark是美国人，摄影师Leonard是荷兰人，一个掌管现场声音，一个掌管现场视觉，竟然都不懂中文，不知道演员在说些什么，然而《乱青春》就这么言之成理的拍出来了。

导演曾提过对改编诗很感兴趣，因为诗的语言暧昧、歧异，血缘与电影较近，《暴暴鼓》这部作品就是与诗人夏宇合作的电影，请问这部片目前的执行进度如何？另外，也请谈谈您的下一部作品《沉默的爱》。

《暴暴鼓》目前是个灾难，因为我们两个人写出了完全不同的脚本，除了人物的名字，没有一样东西相同，连当初讲好的情节，也离题了。

我倒是比较想谈《沉默的爱》。在这部片子里，我不想让演员讲话。因为我一直觉得我们活在一个很嘈杂的环境里，从电视到立法院，每个人都声嘶力竭在吼，但谁也听不见谁。我希望观众进到电影院来，起码可以享受九十分钟的宁静，在静默中体验爱。

最后，请导演给《放映周报》的读者一个非看不可的理由。

没什么电影是非看不可的。不过假如像许多看过的人说，看完《乱青春》后，人变得不一样了，而且感觉回不去原来的自己。我想那倒也是很异类的经验，不是吗？每个人一辈子至少都该有一次这样的经验。

我绝不害怕挑战我对探索你充满好奇。纽约城很大，哪里都是拥挤的人潮，谢天谢地命运给我们机会为彼此打开看世界的眼睛，我们在城市的各个角落里冒险，红色笔记本里藏着线索和任务，我想知道你的名字又有着想见你一面的新年愿望。可这是纽约，不是童话，欲望的丛林差点让我们迷失其中，我的内心在无望漂泊。我跌下神坛，我赤裸的摊开自己，把纽约和自己都摆在你面前，希望我们能共同承受给彼此带来的失望。直视内心的时候我选择吻你，跌下神坛你还是我的Note-soulmate。

其实故事也很俗套，年轻的阿郎狂荡不羁，天生有开车的禀赋因为放纵失去事业，因非法赛车被捕入狱，，因为欲望失去爱情，女友心灰意冷，独自赴美国发展。阿郎与儿子相依为命，十年后，在时装公司工作的女友回来，巧遇阿郎父子，女友爱子心切，希望要回儿子的抚养权，一时间，爱恨情仇，聚散离合，一家人该何去何从。这看起来就像是一出家庭剧，这种题材的电影拍得最好的无疑是《克莱默夫妇》，当然《克》把镜头对准的是中年婚姻的危机，而《阿》更带有浪漫悲情的色彩。看过电影的人，无不为阿郎感动。什么叫浪子回头，莫过于此。阿郎与儿子波仔建立的父子关系更让人动容。电影一开场，两父子打打闹闹，像一对冤家。嬉笑中，两人几乎形影不离，观众也在一出出闹剧中认可父子关系。然而母亲的出现，给这个家带来一种“闯入者”的身份。当然，一段时间的相处，波仔与母亲建立了很好的关系。当对儿子的爱变成独占的时候，这个家又开始破裂。张艾嘉饰演的母亲的也极好的诠释了这一角色。一边是十年的父子亲情，一边是十年后才知道儿子的存在，急切地想要弥补缺失的爱。早已破碎的家庭，十年后又将面临爱情的重组，以及即将分裂的现实。那何苦犯下往年的错误呢。 我其实是个感情丰富的人，但看电影总想忍住不掉眼泪，可是一次又一次的使我不相信自己不容易被打动。而电影里最普通的镜头、最平凡的瞬间也最能打动我。阿郎和波仔在大街上走，阿郎玩失踪，波仔找不到他，阿郎突然从身后出现当街脱他儿子的裤子，然后父子俩互相追逐打闹渐渐远去。还有阿郎赶儿子跟他妈妈回美国，儿子不肯，郎大怒，一顿毒打，儿子把妈妈买的衣服全扔出了窗外，最后非常懂事的边抽噎着边收拾东西走人，临走还倔倔的要二十块钱车钱。儿子走了，阿朗蜷缩在椅子里，无声的哭泣。脸上的鼻子酸了又酸，眼眶有东西转了又转，心头为之一震，刺痛。当然，家是一定要重构的，尽管我们顺着阿郎的视线看到飞机的离去，母亲终归是要回来的，这一点早已猜到。可是结局我还是猜错了。结局为什么要设定阿郎死去呢，影片中阿郎从摩托车上摔下，声音已消去，只有阿郎的主观音响，罗大佑的歌声在飘荡，面对妻子和孩子的叫喊，阿郎用最后的力气站起来，骑上摩托车，他几乎要超越所有人，然而，他再一次摔倒了，这一次熊熊大火吞没了他，影片在火光中结束。阿郎不用死的话，他超越最后，拿到冠军，一家人团圆，似乎更为观众所接受。当然又仔细想想，这样未免俗套。阿郎最后的比赛已不在乎争得一个荣誉，而是一个浪子的回归，一个要拼尽最后一丝气力也要保全家的男人。