最近这两天刷微博，发现这电影的宣传团队真是蛮拼的，挖空心思的做出各种有趣的配图文字来勾起观众的观影欲望。也许是这方面起到了积极的作用，所以据说本片在盗版资源满天飞的情况下依然取得了不错的票房成绩。那些推广本片的搞笑图文里有一组我印象最深刻的，大意是一个女生接受CCAV之类的权威机构的调查采访，问她怎么会去看《敢死队3》这样一部雄性荷尔蒙泛滥的电影，她回答说为了报答男朋友陪她看《小时代3》的恩情。当时就觉得负责编写这段对话的策划人实在太机智了，用一个简单的对照就瞬间把《敢死队3》的特点给挑出来了。这种效果主要得益于参照对象选的好。把《小时代》与《敢死队》放到一起比较，这一创举简直就像哥伦布竖鸡蛋一样，超越一般人的想象，但是一旦接受了又觉得再没有比这更合适的了。

《敢死队》与《小时代》既截然相反，又极其相似。前者充满阳刚之气，而后者则散发着阴郁的蛋蛋忧桑。把《敢死队2》的女主角余男扔到《小时代》的时空里去，她瞬间就会变成全宇宙最爷们儿的存在。两个电影系列面向的目标观众群体也呈现出类似的差异，《敢死队》服务的是像我一样上了年纪的直男癌患者，而《小时代》则主要针对时常抬头四十五度仰望天空默默牛内的年轻女性观众。不过又因为两个电影系列存在着一些共性，所以它们的观众也会存在交集，比如我（当然就算这俩系列不存在共性我应该也会都看的，特别是小时代，我是抱着给自己治病的心态去看的，想着作为一个直男癌患者兴许看完了能稍微不那么直了，病情可能也因此好转了）。二者最大的共同点就是看的时候不需要动脑子。敢死队主要靠突突，小时代主要靠撕逼，主角们忙活的热火朝天，不过他们拼命表现出来的那股捉急劲儿想传达到观众们身上却有点难。好在情绪传达的不到位也不大影响观众欣赏这些电影兴致，因为它们都是用不着出预告片，单凭海报甚至单凭片名就已经为自己赢得了极高的辨识度和存在感的那类电影。去看这些电影的观众压根儿也没打算从中接收到多少有效信息，完全是抱着滑溜一遍眼珠子或是刺激一下耳根子就成的心态。本来也没给观众多少希望的电影自然也很难令人失望，甚至还偶尔会有意外惊喜，特别是《敢死队》系列对于老动作片的致敬和调侃。

《敢死队》跟《小时代》两个系列给我的感觉都是第二部最有趣，而最新上映的第三部显得最缺乏诚意。两个系列的第三部都有同一个问题，就是拼命添加新角色把每个人的戏份摊薄，结果所有人看上去都像是打酱油的。本片当中中间招新队友一直到新队友被擒住的那一块都让我忍不住想快进，好在安东尼奥班德拉斯及时出来卖萌，平地里响起一阵不绝于耳的嘴炮，才把我给重新看精神了。敢死队系列的奥义就是突突突，不过谁都没有班德拉斯那张嘴能突突。有他在，先后失去新老两届小伙伴的史泰龙大叔才不至于那么空虚寂寞冷，成功的挨到了基本上全程不在服务区的杰森斯坦森等人重新上线。

本片的台词基本上被安东尼奥班德拉斯跟大反派梅尔吉布森承包了。梅尔吉布森整部戏下来是谈笑风生，水平比前两部的反派不知高到哪里去。可惜最终还是死于装逼。

《敢死队3》最大的遗憾是布鲁斯威利斯大叔没能再次出演，虽然由哈里森福特来顶替分量上仍然足够，却再也见不到两大硬汉并肩作战，一边机枪狂射一边交换经典台词互相调侃那种激动人心的场面了。所以本集州长大人只好跟李连杰搞基了。应该说这两个角色在这一部里作用还是很关键的。敢死队2的女主角余男没有延续到本集我觉得挺遗憾的，因为最近这两年看的国内女星参演的好莱坞商业片里，属她带给我的违和感最少。作为一个打女，她是真的跟片中那帮糙老爷们打成一片了，气场融合的非常好，让我觉得她就应该是这个队伍的常驻成员。由于少了女主角，本片的爱情戏这一部分就出现了真空，于是只好由州长和李连杰这一对来填补了。

电影应该是把故事中人在他们所生活的时空的一段相对完整的经历投映到屏幕上的一个过程。而《敢死队3》却像是在主角们的佣兵生活中任意截取了一个时间段，把这期间发生的事情揉成了一个故事。开头加入队伍的刀锋战士，我完全不明白为什么要专门拍一段营救他的戏份，把他的角色连同戏份完全删掉电影的剧情脉络反而会变得更清晰。相比之下《敢死队2》对角色的使用要经济的多，虽然有个作用跟刀锋战士差不多的查克诺瑞斯，但起码没让他一个人占据整个一个篇章。第二部里的其他角色，除了一上来明显带有骗钱性质的李连杰这个酱油，其他人都算是物尽其用，特别是锤弟的角色，成为了制造戏剧冲突的关键角色，让主角与反派之间的撕逼充分合理化。锤弟这两年真是在各种电影里各种悲催的打酱油，在《饥饿游戏》里顶着绿帽子打酱油，在《敢死队2》里挥舞着迎风招展的死亡旗打酱油。早在他做出“回老家结婚”这一重大人生规划之前，我就看出这小子活不长。一出来就各种活跃，到处打手枪，还百发百中。现在又不是拍《小时代》，一个年轻貌美的小伙子不老老实实的各位老大爷们捡肥皂却拼命出风头，必须得neng死。

《敢死队3》虽然不及上一部，但我个人对它的好感是要胜过第一部的。这一点完全不同于小时代拍到第三部的黔驴技穷。当年是在飞机上看的《敢死队1》，想找个热闹点的戏看，结果却差点看睡着。第三部的前三分之二也有着差不多的功效，但最后的决战却看的我很振奋。两部对比来看，我发现关键问题就在于：要有光。虽然趁黑夜潜伏也许更符合现实中雇佣兵的战术，可是黑灯瞎火的乱轰一气却很难让我这种观众集中起注意力来，最后变成纯听响了。在阳光明媚的白天作战，一招一式都展现的更加清楚，而且阳光下大叔们的气场汇聚在一起，看上去真的有种豪气干云的畅快感。

中国观众一向更爱讲情怀，所以搞不好《敢死队3》的票房又是中国完爆北美。考虑到中国市场的重要性，建议史泰龙老大爷借鉴一下在我国比较受欢迎的电影系列，比如本文中不厌其烦的提到的《小时代》。下一部戏可以尝试把州长和李连杰的爱情故事刻画的更百转千回一些。可以这么拍：州长跟史泰龙大爷等人在欧洲旅游，突然听说自己的男朋友小李扑街了，急忙赶回来却见不到他最后一面；实际上小李是假死，后来整成了个不中不洋的鬼样子（可以参考他在《功夫之王》里的造型）又回来了，成天跟州长玩躲猫猫。我连海报都帮他们设计好了，就弄一个李连杰片中角色的遗像，配一行文字“我会回来的”。另外这电影也可以制造点新闻来炒作一下，比如让杰森斯坦森在来中国宣传的时候吸[哔]被抓然后行政拘留什么的。

不知道这一次会不会又被指责是天杀的剧透党，因为这次确实没点选“有关键情节透露”。但是话说敢死队有什么情节可透露的？

扩展阅读：《小时代3：如此细腻忧伤的作品》http://movie.douban.com/review/6826811/

动创研放映会 少见的连贯叙事跳跃剪辑转场，感觉看到的大部分都是跳跃或连贯叙事连贯剪辑，然后今敏的是跳跃叙事跳跃剪辑。 很多人说这里面用了很多电影手法，我感受不是很强烈，或者说什么才叫电影手法，视听语言不是任何影像创作都能用的吗，以及它给我们带来不同观感的原因...  (展开)

突然去世的母亲，其实从来没有消失，反而愈加的无处不在。每一个空间都是，每一个时间都是。 她在的时候，是一个明确的点，所有的力量都从她哪里来，也都汇到她哪里去。她不在的时候，那她就从一个点，幻化成了洪荒宇宙，无处不在。又无处都不在。 而自己曾经从她哪里获得的力...  (展开)

看之前先扫了眼豆瓣，评分3.3
本来是冲着预告片，张一山，咒语。。。结果看到最后，被耍了
主线剧情无外乎就是女主被灌酒扔街上，被戴阿姨救，戴阿姨丧女，想把女主变成自己女儿，最后良心发现。中间部分，女主喝了水或是牛奶之后，再就是听见那个摆有节奏的声音，光影不合理的地方基本都是幻觉，当然也有人为的诱导，也有女主自身的一些愿望潜意识的存在。第一天早餐见到的汪菲和豆豆，就是人为诱导之后，出现的第一次幻觉，当然，估计药量不太多，很快就清醒了。吓原来室友这段应该是真实的，之后半夜起来喝水女，这段应该是幻觉。还有女主住的应该是戴阿姨原来的房间，那个纸条的出现，不知道是戴阿姨给的心里暗示，还是死去的菀慧留给妈妈的。后面发现的小娃娃戴阿姨估计也没预料到，但是看到后才知道自己女儿想咒自己死。至于早上起来之后，去面试之前，那个许叔在后面做什么，实在是没看懂。面试之前喝的也有问题，后面一山同学了解的才是真实的。弹琴那段弹得是悲怆奏鸣曲第三乐章，考试必备曲目。。。之后一山同学上门拜访，也证明之前party和发生的羞羞的事情都是女主的臆想。然后就是发现日记本，手上受伤这个关键点了。这个是用来确定身份和是否有病的。还有就是为啥找到日记本的线索曲是小星星。。。不理解
最后结局感觉有点落俗，如果再次反转说女主真的是精神分裂也许会更好看。
中规中矩，预告比正片精彩，张一山明显被坑。

之前看了一篇文章，《驴得水不是什么好电影，张一曼也不是女权主义》，是从文本层面分析影片，基本观点认同。尤其是对于“恶”的展现毫无“克制”和“净化”的观点，可以说很准确的找到了描述的语言。

从电影的基本属性而言，也存在很多问题。
可以说是不及格的。

首先是声音的处理，在影院的体验可称灾难。单薄的环境音完全无法体现故事所发生的真实环境，几乎每一场戏都只有清晰的台词独自承担影片所有信息量——这也是被诟病“舞台感”的一个重要原因。（“舞台感”本是个中性词，在这里真的是贬义。）另外，在烘托情绪方面，本来大有可为的声音也几乎缺位。举一个例子，张一曼第一次送别铜匠，交换“信物”转身离开，铜匠在她身后唱起蒙语歌谣一段，镜头的运用显然是想由客观过渡到主观，借歌声表达情绪兼具转场——这是最基本的视听语言技巧，但是歌声的处理几乎平白，没有任何进入主观音乐的升华处理，可以说完全失败。当然，也许有人会反驳就想要朴实的歌声，可拜托在我亲耳听过的蒙族朋友的现场歌声中，任何一个都比这个声音富有感染力。
朴实不是无聊，干净也不是单薄！想想电影《地心引力》发生在外太空总够“空空如也”了吧？也不能把所有的环境音抹去这么粗暴。
声音的问题绝不是声音部门的问题，当导演在混录棚里听到影片最终的结果的时候，你的决定就等于你的能力。

再回到表演上来，这个肯定是主创尤其是导演和演员最自信的部分了吧？确实，以舞台喜剧而言，自己没什么发言权，但是这部电影却深深令我体会到“舞台逻辑”与“电影逻辑”之间的巨大差别。可以说，本片可作为一部非常丰富的反面典型，值得编入专业影视院校的教材。
也仅举一例，发生在张一曼被剪头发一场。校长给一曼剪发，裴魁山低头坐在前面，背对着他俩。当一段张一曼双眼叠化的回忆场景结束（这一段也很莫名，咱不提），裴魁山站起转身，喊着“校长！一曼！”然后看到一曼已经面目全非，露出一脸惊愕。
粗看没有任何问题，但是观感是节奏错误。从剪辑的角度，只要砍掉裴魁山的两句台词，就对了。这就是”舞台逻辑“！在舞台上，前景的演员回头，看向后景的演员，“校长、一曼”向观众传达的意思是“看到”，而在电影中不需要，一个简单的正面近景——甚至只需要一个关系镜头就能解决，就能表达“看到”。在这里，剪辑犯了最基本的错误，但锅不该他来背。

延续“逻辑”这个概念，分析剧情上的某些安排。 场景，是电影在创作层面的重要单位，在戏剧中同样重要但处理的方式有很大的区别。奇怪的是，场景本来就从戏剧中来，但在电影中得到更自由的发挥。而在一个场景中所包含的元素也是影片提供信息的重要手段，空间的面积、色调、陈设，光线进入的角度、甚至视点的位置及观察的方向都必须经过考虑。场景，绝不仅仅是一个演员用来说话的地方——而本片则恰恰违背。
舞台电影化极端的例子，如拉斯冯特里尔的美国三部曲之《狗镇》，整个城镇都被严格布局，出入的通道及钟楼的位置都非常清晰，形式上更抽离，但感受上却更真实。
反观《驴》片，看到最后也没有对这所小学的环境布局有明确的认知——也许是因为我才看了一遍，很想看看本片的美术设计图是真的。然后，我有一个问题，影片后半部校长被捆住扔在一个山洞里——这个山洞真的太敷衍了，与张一曼的屋子是什么位置关系？和整个学校是什么位置关系？为什么他的挣扎声只有一曼能听到？
在舞台上，或许是没人追究的，但电影不行，我不行。
再举一例，说明电影场景的概念不仅仅是指空间。《驴》片中间一场戏，第一次忽悠特派员成功，学校如愿获得“捐助”，周铁男点亮了校园操场上所有灯光，一时间亮如舞厅，校长、一曼、铁男、佳佳四人怀着愉快的心情跳起舞来。从这一刻起，我并不可怜他们，或者说坚定的反感。请问这些灯是干嘛用的？这些口口声声为了农村教育事业不得已而撒谎的知识分子，在得到一笔用良心换来的钱后，怎么做了这么一件既不“实用”又不“审美”的事儿了？非止于此，整部影片从头到尾，我没有看到一个上学的孩子，哪怕是跟他们有关的任何蛛丝马迹， 从最初的六个学生到最后的一百五十四个学生，忽悠我呢？张一曼疯了之前和疯了以后妩媚的那片草地和花田，怎么就缺水了这地方？还得找头驴去远远地拉水。驴也不只一头啊，拦住美国人的车队的时候，明明是两横两竖的四头啊！

如果四位乡村教师，为了民国的教育苦心孤诣撒谎欺骗腐败的官僚是恶，
那么，两位戏剧导演，为了表达深刻思想殚精竭虑蒙混忽悠单纯的观众，也不能叫善吧？

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————— 鉴于有些朋友懒得翻看回复，现编辑在此，作为补充 ———————
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                                                             # 1 #
喜欢这片的都是五毛！是水军！
——如果我这么想，一定是疯了。

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感谢诸位反对者没有问候我的父母，没有人肉我的出身，极其克制的表达对我的批评的不满。
昨天翻到了舞台剧剧本，很不错，台词和节奏一目了然，让我非常想去体验一下话剧。
但这并不能改变我对电影的看法。

任何评价都是主观的，我只是将自己第一次的观影体验比较如实的呈现出来，没有带着任何先入为主的判断。我与主创人员非亲非故，也无冤无仇，与诸位喜欢这部电影的观众一样。
而且，我深知创作者的辛苦，风餐露宿废寝忘食是一定的，更难的是当影片呈现，就只能默默接受来自方方面面的反馈，既没法对赞扬表达感谢，更难以对批评进行解释。此刻的无力感是巨大的，也是必须承受的。
还好，我只是楼主，我还有解释的机会。
统一回复一下。

1，我的分析是基于电影创作手法的，算是专业领域。我承认艺术是在不断创新的，但它也有基本的门槛，也有一定的规律可循，不能说只要是艺术就不能探讨。
“你以为你只是随便从衣柜里拿了一件蓝色的毛衣穿上。你有没有想过，为什么这件毛衣是蓝色，不是绿色。It is not just blue, it's not turquoise... it's actually cerulean.（为什么是天蓝色，不是深蓝色，不是海蓝色）……就是因为这样，才能让你在地摊货里面淘到这件蓝色的衣服。所以，蓝色，代表的是百万美元的价值，代表的是难以计数的工作机会……但是这些，你都没有意识到。你以为蓝色只是你一个人的选择，你以为你置身于时尚界之外。事实上，你穿的这件毛衣，是在这个房间里的我们帮你从一大堆衣服中选出来的。”
我深爱这段台词，经常可以帮我向我妈解释我在做什么。

2，有朋友对文章后半部分关乎剧情的质疑表达强烈的不满，这个可以探讨，比如“又买了驴”，我立即就可以接受，理解上的出入，不影响我对于本片质量的判断。但说我被愤怒冲昏了头脑，或者“看不懂”就不对了。
这片子很难懂么？（预感这句话一定会被直接用来反驳）
为什么总是觉得自己看懂了，别人看不懂？
这判断颇有家长作风，让我回忆起儿时对父母最深刻反感的瞬间，现在却潜藏在心中。
子非鱼也，鱼非子也——既然互相不懂，就只能建立食客与美味的关系，不能聊。

3，诸位“你行你上”的，“鸡蛋里挑骨头”的，“我就是喜欢了你能怎么地？”的，我看就没有讨论的必要了吧？如果这就是你们对待周遭的态度，那么当某一刻你们遇到相同的回复，请泰然处之，就好。

还有把我“打二星”也用来攻击的，实在是抱歉。我压根儿就觉得打星这玩意特别扯淡，但只有这个选项我没办法……
还有因为我这“二星”跟你给《爵迹》的打星一致而表达不满的，我实在是……
就跟小时候隔壁王阿姨问我最爱奶奶还是最爱姥姥一样，想“扑该”啊！

我特别不理解，喜欢这部电影的你们怎么这么脆弱？
“电影批评”本身并无褒贬之意，就算是真正的“批评”，也是为了她好啊！
“你这不满意那不满意，为什么不滚出中国？”
异曲同工！

楼主我用《狗镇》、《地心引力》和影片对比说不足，诸位用《爵迹》比说她好得一B……你们真不是高级黑么？
还是在笑我傻白甜？

4，一位网友回复问“有一部拍摄技巧稀烂，但是剧情精彩的电影和拍摄手法纯熟，剧情不通的电影。你觉得哪部更好？”
要我说都不好。
而且我必须纠正一下，故事精彩和剧情精彩不是同一个概念。
同一个故事被拍成多个版本的例子很多：小说有《洛丽塔》《天才雷普利》；戏剧有《十二怒汉》、莎翁所有作品；真实事件有《人山人海》和《追凶者也》……《西游记》就不必提了。

我承认《驴得水》这个故事本身很好——说得好像我否定过一样？奇怪。
但是作为电影剧本的处理，还有很多不足之处，尤其是从话剧改编电影，需要做哪些处理，是值得单开一帖深入讨论的。
电影作为一个独立的艺术手段，并不需要你必须先去看小说或是话剧，就应该能在影院里得到完整的情感体验。在如今发达的营销手段和传播力的笼罩下，在进影院之前多少都会受到点影响。因此任何电影我都是先看，一定要看。
所以我从来没有评价《爵迹》。
我也不能说他坏。

5，林嘉欣是最美，《太阳照常升起》最棒。
你看，我也有当粉丝而丧失理性的时候。

可大多数时候，我希望自己清醒。
电影是多么感性而迷人的艺术，和她一样迷人的就只有理性。

PS：
刚巧一位热爱音乐的蒙族朋友告诉我，片中的蒙语歌曲是“当代作品”。
“蒙古元素就不能好好用吗？”
他不无遗憾地说。


                                                               # 2 #
写这部电影的评论，确实是因为它集中的反映了国产电影在制作方面的诸多问题。在我看来，这问题在于对艺术规律启蒙的某种广泛的不足。
别的电影就没有问题么？一样有。但这一部，就因为这个故事本身的价值而显得尤为遗憾。
再者，这部影片的导演是专业的戏剧导演，他们的舞台剧作品非常成熟，可以说是在他们专业领域的佼佼者。如果让他们去欣赏或评价其他的舞台剧作品，也一定会提出很高的要求。
可是电影呢？为什么就要被普罗大众撕掉艺术的外衣，带着曲高和寡的高帽，俯首弯腰接受毫无理性的批判？这令我难过，但不会失掉希望。
戏剧是艺术，电影同样是艺术。他们之间既有共通之处，也有一些显而易见的区别。他们都在发展，也相互融合，但一定是在艺术的高度，而非荒野的媾和。

把一种艺术的特征和表达，毫无节制的强加到另一种艺术之上，是对两者共同的不尊重。

                                                              # 3 #
1.打几星这事儿完全是见仁见智的，太简单粗暴，就好像打五星的某位网友，心里一定不会觉得这部影片和《公民凯恩》或者《小城之春》等量齐观吧？我不用这个反驳你，你也不需要用这个反驳我。

2.讨论是有范畴的，我们不是开辩论会，辩题无所谓对错，双方要拼的是技巧。我希望讨论界定在“电影”的范畴内，前提恐怕是，拿电影当一门艺术。

3.艺术不能丧失她的审美功能。有搞建筑的不会觉得不会塌的就是值得称道的好房子，说相声的也不会觉得只要内容深刻的就是好相声。扪心自问，标准要统一。

4.我从没否认《驴得水》有个好故事，也从没否认这个故事本身（注意用词）的批判性和他的现实价值。现在的问题是，这个好故事不是伴电影而生的，而是已经有了排演超过百场的话剧。作为这个故事的表现和价值的传播已经产生了社会效果，拍成电影是一种商业行为，要对观众购买电影票时所达成的契约负责。承认一个好故事，和承认一个烂电影之间，我不矛盾，你也不该矛盾。
强调这部电影因为故事有内涵就可以枉顾电影创作规律而拒绝讨论，跟广电总局们宣传主旋律电影有任何区别吗？
说到底要么是“正合朕意”，要么就是“胡扯狗屁”。

5.从表意上说，有的人说因为我没看懂，有的人则强调电影的优点恰恰是使观众一目了然……
确实，“基督徒之间的分歧，远远大于他们与其他宗教之间的分歧”——但都没说到点儿上。
看懂与否，完全不是衡量一部影片的最低标准，当然从商业类型片的角度，能被广泛接受是票房保障的前提。
但看懂这事儿是因人而异的，看出什么也是仁仁智智的。
表意这领域我本不想涉及，有几篇不错的评论说得比我透彻。但我想举几个例子，希望大家能有机会看一看。
《黄金时代的故事 Amintiri din epoca de aur》
巧了，豆瓣上就有，也是8.4分https://movie.douban.com/subject/3692290/
这个要打几星呢？

6.为反对而生气毫无意义，难过的是我们讨论中充斥着“实用主义”的艺术观。当我们的物质生活已经到了这个程度，诸位号称热爱艺术热爱生活的青年，也一样热爱工匠精神，热爱“无用”之美，却在这里放弃了敏锐和敏感，只因为听到了声嘶力竭的“教堂塌了”而无比高潮。
我特意请教了一位对话剧颇有研究的朋友，他提到的一些见解又给我很大的启发：
他提出，“舞台剧是高假定性，而电影天生有拟真属性……舞台的假定性高，游戏感强，比如铁男一枪没打中磕头如捣蒜在舞台上可能成立，那是一个人生抽象成一种比喻的境地。但电影就不能这样……不能把人当肉身，只能处理成一种符号或命运的象征。”
好像一出“活报剧”——用他的话说。

       黎小锋、贾恺的这部纪录片，曾经在南京的独立影展（以及各种观影活动中）上有过放映，最近很多人得益于DVD的广泛流传，可以一睹这部非常好看的作品。这部纪录片拍的就是普通人、身边事，而且毫不沉闷、毫不高深，生动、充满趣味。虽然就拍摄一位老人最后的时光这个题材而言，说“趣味”二字似乎失之轻浮，但确实这部纪录片好看，充满了“人的味道”。在观看这部纪录片时，会让人五味杂陈：有对个人历史的唏嘘，有对生命衰败的悲哀，还有对南方日常的市井生活的会心一笑。不过这部作品还是对人与人关系的细致入微的观察——这两位作者的拍摄时间跨度是七年。

       《我最后的秘密》的主人公是生活在“苏州一条粉墙黛瓦的老街上”的九十多岁的老太太。对于这个年纪的人来说，历史是难以逃避的话题，而时间更以一览无遗的惨烈姿态展示在我们的面前。在这部纪录片的开头，这位老太太还精神矍铄，谈论自己的过去：“比大观园还要大”的家族产业，从“校花”到“体育皇后”再到文革中被打倒的“妖精”形象，还有终身悔恨的婚姻情事。有意思的是，在她略显夸张、沾沾自喜的叙述中，难免会让人觉得有点失真，这种“失真”越发显出这个老人性格的真实，老太太的自信心和生命力都丰富蓬勃。然而，转眼四年过去，当这位无儿无女的老太太卧床不起时，年岁的无情直接地呈现眼前；尽管一切都是情理之中，不过直面这种晚景的凄凉状况，仍足以让人震惊。

       作为一部杰出的作品，除了对生命日趋衰竭的记录，这部影片更重要的是展示了一段人和人最真实和微妙的关系。在这部纪录片中，那个和老太太同吃同睡的六十多岁的保姆，和她伺候了十多年雇主同样重要。她有着最朴素的算计和善良。《我最后的秘密》基本上就是这“一主一仆”之间的日常戏剧，起先表现的舞台还能从厅堂到小院；随着老人的病情加重、她们冲突的舞台缩小到一张床上。摄影机越贴近私密的时空（作者越取得被拍摄者的信任，而两个被拍摄者的身体也越来越贴近）之后，人和人之间的复杂性就越显示出有趣和丰富。而毫无疑问，这对“主仆”之所以互相依存、又相互抵牾，只是围绕一个“钱”字。如果说影片中这两个老年女人的生活形成了一个近乎密闭的宇宙，那么“钱”（保姆的工资、老太太的遗产）就成了宇宙的中心。最有趣的一幕发生在老太太生病犯糊涂之际，保姆让她写下一张两万块钱的馈赠字条；为了确认可以得到这笔钱，这位六十来岁的乡下文盲开始向躺在床上的老太太学认字，每天学习一两个。

       我最喜欢《我最后的秘密》的地方是在它对结尾的处理。两位作者并没有以老太太的死亡作为终结；而是——在精神好转的老太太正式写下将所有财产捐给学校，而老保姆仍没有确定可以得到这笔钱之后——两个人并排卧在床上四腕相交，玩“抬轿子”的游戏结束。人生到老的光景似乎让人瞥见儿童时代的影子。整部影片虽然始终在谈论谁能获得老太太的钱，但最终基调落在这种发乎于心、自然而然的人性温暖上。这让人觉得，在一个人咽下最后一口气之前，生命多少总可以得到一点关怀。