《省港旗兵》 麦当雄 1984年这部电影真的是港派枪战片的祖宗阿，剧情太过牛逼。看过《寒战》《暗战》，《赌战》阿，各种战，都没有一部比这部好看。不过这部也是禁片，可能因为“旗兵”吧。电影讲述了在1983年，有个叫大东的香港通缉犯，回到大陆召集文革时期的“旗兵”，打算回去血洗香港，抢劫金店，最后走上了一条不归路。这部电影太真实了，特别最后九龙城寨那场枪战。真实的警察并不是影视剧里面看的那样，英勇无敌的，领着几千块的工资，你真以为他们会不要命的跟匪徒火拼吗？对面那些人可都是打过仗的选手，特别是现在现代化的城市中，民警都是读本科出来的，很多连枪都不会开，说句实话。而麦当雄镜头下的香港古惑仔也不像杜琪峰的那么情义了，在面对大哥被绑，对手实力太强的情况下，古惑仔也退避三舍了，总不能拿刀去跟冲锋枪打架吧。麦当雄拍电影也真是天地良心，《黑金》，《坡豪》，《上海皇帝》都是经典神作。这部电影已经36年了，我竟然看到高清的影片，太难得了，估计是4k修复的。很惊喜。

还原真相就很精彩，现实比编剧编的还精彩。

到底受害的姑娘们是被什么迷惑了？仅仅是爱情？

以色列假钻男的套路，和普通的渣男其实很像：秀出自己精彩的生活，营造出你很特别很让我动心，我想和你有个未来的假象，再展示一下自己的脆弱无助。普通姑娘被这样富有魅力的年轻富豪“爱上”，奢华生活的冲击带来的迷乱，被富豪爱上带来的自我价值感飙升，当对方展示自己脆弱的时产生的疼惜亲密，对远超自己现实的美好未来的期待......

这些强烈的情感冲击，既有爱情的成分，又超过了爱情本身。

渣男和诈骗犯，手段相似，贪图的东西重点不一样。渣男图的是征服对方带来的快感，享受新鲜肉的兴奋和满足，可能再顺便捞点好处。骗子主要为了捞钱，可能顺便再骗个色。

只可惜一切都是幻象，最大的区别，当一个男人真的爱上你，和他以爱你为诱饵想让你爱上他的时候，是很不同的。当他真的爱上女人，会紧张不安，而不是捕猎的渣男那样泰然自若；他付出的时候是发自内心的想着对方的需要和喜好，而不是用这些付出显示自己的实力或者只是为了打动对方；渣男，骗子，缺少深度了解对方的兴趣和走进彼此生活的渴望，擅于营造浪漫氛围，但“示爱”的表达可能流于浅薄；真正爱你的男人会有长远的计划打算，而渣男才不会真的考虑这些......

如果体验过被真心爱过，那这些刻意营造出来的幻象其实是有破绽可循的。但我丝毫没有指责受害姑娘们恋爱脑的意思，在那样各种感受的冲击下，有几个人能保持理智呢？

愿意大胆把自己的故事讲出来，联合其他受害者，以暴露自己受骗经历为代价，曝光诈骗犯，真的欣赏她们的勇气，和善良！

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挺讽刺的，看这部纪录片的时候手边正好摆着product manager必读书目 -- Hooked，讲的就是怎么创造出人人都上瘾的产品（speaking of dilemma，作者最近又写了一本新书讲如何保护自己的时间不被social media占据）

纪录片前三分之一正好讲的也是这个部分：互联网公司为了得到更多的用户从而实现盈利目的，投入了不计其数的资金去研究怎么能让用户上瘾。基本上呢，互联网公司的盈利模式正基于此，足够的screen time，足够的广告。纪录片本身没有什么新颖的观点，比较触目惊心的是美国青少年自残自杀人数自2010年开始增加，social media上许多功能带来的后果在初期没人能想得到。

当然，互联网不光影响了高中生的心理健康，由于各种算法只会通过点击来判定用户兴趣，在以增加screen time/stickiness为前提的商业模式下，许多假新闻阴谋论得以广泛传播 - 人们活在自己的世界里，目之所见全是相同的观点，每个人都有一套自己的是非体系，polarization越来越严重。

这和‘被困在系统的外卖小哥’那篇文章不谋而合。因为数据有限，算法仅能够根据用户有限的实时反馈：点击、点赞、用户时长等指标进行提高，而算法的设计者们往往不会也无法预料到可能产生的负面影响，导致了今天的局面。看到这个地方我很好奇导演会怎么来探讨可能的解决方法，毕竟大家都知道这是个问题，可真要解决起来太难了。

导演也知道，于是他只花了最多十五分钟（包括片尾鸣谢），即全片16%的时间，非常非常非常蜻蜓点水的讨论了一下。

监管制度是一定需要的，可是假新闻要怎么监管呢？没说。谁拥有最终的话语权可以为假新闻盖棺定论，是政府，是互联网公司，还是用户自己？任何一方如果直接干涉，那又该怎么保证不影响言论自由？说到底，作为用户，到底谁才能决定我看到什么？影片中把互联网公司的推荐算法跟人口贩卖（和许多我记不起来的黑色产业）对比，可问题在于，什么是真什么是假可比人口贩卖是好还是不好难鉴定许多许多。再加上监管制度成型中各种power play，最终成型的会是什么样子也挺难说的。

在我看来，互联网、科技、算法等等最大的难题在于，这个产业本身是高度分散的。由于互联网本身的特性，任何一个小小的产品改变能在上线的一瞬间影响上亿的用户。可是作为参与这一改变的人：设计师、码农、产品经理、数据分析师等等，他们和你我一样，都是普通人，无法预料到点赞功能会导致青少年焦虑，无法预料到优化送餐时间会导致外卖员的困境。如何在产品设计、算法设计的过程中考虑到可能产生的社会影响才是每个互联网人应该上的一堂课。

可是好遗憾，这部纪录片根本没有探讨可能的解决方法，唯一有点意思的是片尾鸣谢时每个人提到的自己对抗算法的方法 - 这明明是应该放进正片的内容！

总的来说，纪录片花了过多篇幅来讨论现象，有sensationalism之嫌，而对于立法的困难程度、互联网公司该如何自省方面的讨论少之又少（我很期待看到这些的！比如如何在算法中融入社会学）。最后吐槽一句，netflix的纪录片好像都有点煽动情绪大过摆事实讲道理，看看本片标题，也挺讽刺的。

看过为数不多的小说，一直觉得徐娇和青春小说，特别是RXM系列的书模特别像，但看过她的一些图，又有种二次元的感觉！言归正传，看名字我是当鬼片看的，一直在徐娇饰演的角色的角度看待着整个世界以及周围所有的人，以至于我把宅子当成了鬼宅，里面的人都没安好心，病得一塌糊涂的奶奶都能吓到我！直到影片的最后，我才知道原来又是精神病！我以一个精神病的视角看完了整部电影，自己吓自己 吓个半死！

片过一半，发现只有7.4分，心中还暗自诧异，直至看到结尾处才发现原因。结局过于粗糙草率了，扣一颗星。但光影与人像太美，瑕不掩瑜，恰恰戳中打动了我，私心加上一颗。

片中色彩的隐喻很奇妙。红气球带来了董洁，带走了陶虹，两个女孩来走时都是一袭白衣。陶虹热烈开放，喜着红杉；董洁纯洁娴静，常穿白衣。但片中衣着偶有互换。影片开头，陶虹的服饰多以红色的短衫、小褂、长裙为主，但在被张站长抛弃的那天，第一次穿上了素净的白上衣。巧妙的是，董洁当天却首次换上了大红的衬衫。从此之后，陶虹就如同被抽掉了骨子里所有的傲气与骄纵，服装朴素了起来，除了回到自己失身的壁画处时，怀念地换上了那件漂亮的红色长裙。结尾处，罕见的，陶虹穿了全套的半透纯白纱衣，与红气球相得益彰，却又预示着她将要离去。此时，那件红衬衫又出现了在了董洁的身上。导演的小心思令人在观影期间多了丝别样的趣味，总忍不住去细品这“红与白”的奥秘。

想到周迅差点演了朱灵一角就感慨命运的神奇。陶虹相较于周迅更年长，对女人韵味的呈现怕是会更多。但又不免好奇周迅塑造下的朱灵会不会更娇俏。

除了色彩的玄妙，我尤其喜欢影片光影的运用。两位女主年轻干净的脸庞恍若笼罩在圣光下，美得失真又朦胧。清晨从屋顶漏下的光斑，透明瓦片折射的光晕，电影幕布上晃动着的星星点点的手电筒光束，恰到好处的惑人。导演对美的感知是敏锐的。同是带有老电影的质感，霍建起是捉云捕月来记录浑然天成的美好，无私分享给观众这山川海河。而此片则是导演对自我美学观念的精致运用展示。或许在气概上落于下乘了，但呈现结果倒也不赖。能获得东京国际电影节的最佳艺术贡献奖，名副其实。

影片失败在结尾处。一是陶虹被气球带走的特效与画面过于粗劣了，甚至将这部原本情感真挚的片子衬托得滑稽了起来。但也能原谅，毕竟2001年拍摄的影片，技术还不成熟。设定到不足为奇。毕竟在刘烨点炮仗的时候，哑巴能叫出“王加宽”，而聋子能听见哑巴叫自己就已经有点魔幻的苗头了。如果董洁是被红气球给吹来的就更妙了。二是结尾旁白配音过于出戏。原本观众正震惊于这奇特的结尾，需要留出空档来细品回味，但充满了年代感的旁白却解读打碎了宁静。魔幻与老旧相交织，突兀而不高明。

最后还是谈一谈刘烨吧。难以想象这和《蓝》、《巴尔扎克与小裁缝》是同年作品。此片中野性、健美、真挚、热烈的王加宽，丝毫看不出蓝的妩媚柔情和马剑铃的文艺隐忍。导演显然知道他的美。过低的汗衫领口，裸身沐浴的戏码，多次穿插的戏水与泼水镜头……这还仅仅是对他紧实胸腹的展露。导演中途剃掉他头发的设计更是锦上添花，五官线条在镜头下暴露得利落完美。但在阳刚之外，导演又捕捉到了他另一份脆弱的美——王加宽将自己浸在水缸中的那个夜晚，让人怜惜的独特气质隐约浮现。不禁感慨，导演可真“太会”了。

现在的市场，恐怖再也出不了这样质朴的片子了。对旧式乡村有情怀的导演们日渐老去，更加潮流、科幻的元素被引入电影中，演员流水线一样生产出来，观众在刺激大片与欢乐喜剧间贡献票房。想来唏嘘，这样的片子看一部便少一部。

2020-5-8 优酷视频

成龙与王员外家的发小阿牛都是大户人家 成龙不爱学习不喜欢背古文经常趁父亲不在跑出去玩 街市上遇到雪梨一见钟情 成龙与阿牛为追求雪梨设局英雄救美 成龙与阿牛互相出卖而打起来 成龙在父亲带领下去阿牛家道歉 阿牛送成龙怀表带他玩火枪

程公公与手下倒卖国宝 副总管陈慧敏看不下去卖国勾当拒绝同流合污 程公公怕他报官追杀

成龙与阿牛用火枪去打山鸡遇到陈慧敏被程公公和手下打伤 陈慧敏趁机逃跑 程公公不想多生事端放走二人 成龙放风筝写信给雪梨 风筝飞走成龙追到破屋被程公公手下再次发现 程公公在王员外劝说下放走成龙 王员外是买国宝的中间人

成龙与队友在踢毽子比赛中夺魁 成龙在媒婆指引下去岳王庙找雪梨 陈慧敏躲在庙里被发现 成龙阻止两个打手与二人打在一起 乡亲们帮忙 程公公手下来到阿牛家中要杀陈慧敏被成龙阻止 几个手下因为与陈慧敏是多年老友看不下去而反水 程公公独自把王员外抓来 成龙最终打败程公公 王员外把国宝交给国家

四个村抢金蛋 一场混战 最终成龙抱得金蛋那年的雪梨很黑还有婴儿肥

在抖音刷到的，里面的负面人物基本是女性，情绪暴躁强迫年轻女性让座的大妈，为了争夺男性反目成仇的闺蜜，因为强烈占有欲用胶水将自己和男友沾在一起的女朋友……不是说文艺作品不能刻画负面女性，而是这些负面就是非常单薄的刻板印象，人物刻画非常扁平，没有逻辑，就是单纯的为坏而坏，当然也非常符合厌女大环境下给女性加诸的各种标签，如拜金，刻薄，虚荣，嫉妒……估计主创都是男的吧。

我之间一直有个计划，每星期看一部电影，看完后我会写一篇影评，也可以说是我个人的观后感，奈何选择困难症，总是不知道该看什么电影，也就这么搁置下来了。

前几天看完了《鼠胆英雄》这部电影，挑挑拣拣了半天最好因为想看喜剧就点了这个看，看完我决得这部电影我应该写点什么。

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懒得看的话就点进来吧。这个电视剧确实不咋地，我是因为lana才选择看的。但是编剧真的不行

真的有人死了

可是死的是gia

所以Erika为啥这么讨人厌！gia这么善良这么可爱！前面我就怀疑了Erika的死，因为她存在感太强了，所有人都可以看见她，而大家却忽视了gia。

一开始我也有怀疑过是不是项链的问题，结果不是。

［这是《认同与国际关系》的课程论文，鉴于老师是武术爱好者，我也是，加上功夫电影的民族性，本文的主题应运而生。鉴于本文着意提倡的是徐大导演《黄飞鸿》中的民族主义叙事方式（反思的，多面向的），因此放在《黄飞鸿》的影评下。］摘　要：功夫电影作为华语电影的一个重要的类型片，从其诞生早期就开始从20世纪初“体育强国”思想中汲取养料，将以“东亚病夫”为代表的民族认同话语内含的冲突结构作为电影表达的惯用主题。但随着华人文化圈政治氛围的转变和经济的发展，这种民族认同话语逐渐被淡化。到了21世纪，更受到来自内部和外部异质话语的双重挑战，面临被重构的可能性。关键词：功夫电影 东亚病夫 自我东方化 民族主义表达古老的中国功夫之所以至今能有广泛的影响力，同它与现代电影艺术的结合是分不开的。功夫电影是华语影坛最具国际影响的类型片。而在众多功夫电影中，那些以近代中国为背景的“国恨家仇”故事，也成为最常用主题之一。而且，功夫电影作为承载近现代中国民族认同话语的一个重要文本，不仅显示出中国民族主义是近代殖民危机产物的历史语境，还忠实记录了不同时代背景下华人对民族主义态度的变化。通过查阅文献和检索数据库，笔者发现，对功夫片和民族主义相关主题的研究主要可以归纳为三类。第一类是对近代中国人将体育竞技与民族主义情绪表达联系在一起的现象（“东亚病夫”心结）的分析，主要有两条路径：国内过去的研究大多将原因归结西方列强的殖民侵略和压迫，代表性的著作有高翠编著的《从“东亚病夫”到体育强国》；但近年来一些台湾学者开始尝试从“身体史”研究的角度和重读文本的方法，重新回顾这种与身体相关的民族主义认同的发展脉络，比较系统的研究有台湾政治大学副教授杨瑞松先生探源“东亚病夫”概念的相关论文与专著，以及东海大学黄金麟教授对“身体史”的一些研究著作。第二类是对众多功夫电影剧情架构、文化内涵以及市场反应的评论。这类文献多见于不同时期国内各种期刊杂志，观点也或褒或贬，不一而足，但在研究功夫电影的社会影响方面，可以算作是第一手资料。第三类是将功夫电影与民族主义叙事联系起来的学术性研究。国内在这个主题上的系统性研究相对还比较缺乏，较丰富的是对一部或同一系列电影中民族主义的表达方式的研究，这一主题也散见于一些功夫电影发展史的专著中，如贾磊磊《中国武侠电影史》等都有涉猎，相关译著也有一些，例如英国学者里昂?汉特的《功夫偶像》。综上所述，虽然关于功夫片和电影中民族主义叙事的研究国内已经有比较丰富的资料来源和基础研究，但将这两者联系起来，旨在理清20世纪华语功夫电影中民族主义叙事的发展脉络、探究背后变化动因的研究还是相对薄弱的。本文旨在对这个问题进行一些尝试性的探索。一、危言：“东亚病夫”、“体育救国”与中国民族主义功夫片最重要的表现手段——传统中国功夫，之所以能够从平凡的民间技艺跃升为“国术”甚至是整个民族精神的寄托，与20世纪初兴起的“体育救国”思想是分不开的，而“东亚病夫”这个概念则在这个过程中被反复言说并成为后来功夫片叙事中的一个重要民族认同话语。“东亚病夫”一词现在常被视作列强对中国人身体普遍孱弱的侮辱。西方称中国为“病夫”据信在国内最早见于1896年上海英文报纸《字林西报》所转载的政论，但在这篇政论中 “病夫”（Sick Man）仅仅是对甲午战败的清王朝积弊丛生、欲振乏力现象的一种客观描述。事实上中国人用“病夫”一词甚至更早：严复在1895年3月发表的《原强》中就用“今之中国，非犹是病夫也耶”来比喻变法的迫切性和从根本入手的必要性。因此“病夫”最初并非源于西方列强的侮辱，而是在民族存亡之秋一种忠言逆耳的大声疾呼。但随着维新变法运动的失败，一些知识分子感到要救亡不仅要变法，还要开启民智民力；同时由于社会达尔文主义的传播，剪除国民“劣根性”、与白人争夺种族优势的呼声也逐渐高涨。而“病夫”作为一种所指范畴不明确的日常语言，易作扩大解释。由是，“东亚病夫”的意涵在20世纪初逐渐发生了改变。1903年，流亡日本的梁启超发表《尚武论》一文，开始从卫生习惯、传统道德等方面反思，发出“呜呼！其人皆为病夫，其国安得不为病国也！”的悲叹。 到了陈天华的《警世钟》里，开始出现“外洋人不骂为东方病夫，就骂为野蛮贱种”这种将“东亚病夫”界定为外人耻笑辱骂中国人的用语的描述，配合上前述把“病夫”比喻转化为针对中国人体质羸弱的形容用法的流行，使中国人逐渐将“东亚病夫”理解成西方人对中国人“挂在嘴边的嘲讽之语”。为了改变受辱的“东亚病夫”状态，不少人开始仿效日本维新中鼓励尚武精神的做法，将体育作为救国的重要方策之一。梁启超在1904年出版的《中国之武士道》一书中就明确表达了学习日本尚武强国的观点。 于是，中国开始出现一些旨在强种救国的的武术团体，其中民间比较重要团体的有1910年创立的“精武体操会”，官方的武术团体则有1928年建立的“中央国术馆。然而，民间武术团体的资金和影响力有限，官方的团体不仅困于内部门派纷争，还缺乏足够的政治支持，因而在中国“体育救国”的思想最后仅流于空谈。但是，“东亚病夫”概念的变化并导致“体育救国”思想的产生的过程完整地体现了一个国家“自我东方化”的过程，是中国民族主义在外来侵略压力下产生的一个侧面。20世纪初的中国知识分子们通过对原始文本碎片有意无意的扩大解释和剪切组合，臆想了与国家同样受辱的、孱弱的中国人群像，然后意图用相应的耻辱感激励全民族奋发的精神，实现对西方世界的反抗。虽然“体育救国”在现实的政治实践中失败了，但这种要在身体上战胜东西方列强的思维方式却遗留在中国的各种小说、传奇等社会记忆之中，这也成为后来功夫电影中民族主义表达的源头。二、形成：李小龙电影中复仇式的民族主义叙事1930年国民党当局以有伤风化为由禁拍武侠片后，上海一部分电影制作者开始向香港转移。1937年抗战爆发、1946年国共内战爆发和1949年共和国成立，分别造成了三波大陆电影制作人才、资金向香港的迁移。内战结束后，大陆和台湾都有较严格的电影制作和审查制度，相较而言港英当局的审查要宽松得多。加上广东本来就是武术之乡，各类南派拳术在民间流传极广，而且不乏黄飞鸿、方世玉、洪熙官等近代英豪的传奇故事，香港成为功夫电影制作中心可谓是“天时地利人和”。功夫片 正式成为一个独立的电影类型的标志是1949年胡鹏导演、关德兴主演的《黄飞鸿传》的上映。《黄飞鸿传》不仅开创了从1949到1994年间长达77部的电影系列，其中一些基本元素更被后来的功夫电影所广泛继承和反复再现：硬桥硬马的真实武打、自强不息的民族精神、谦虚守礼的传统道德……但在这一时期，民族主义叙事仍然不是功夫电影的常见主题，民族情感在片中仍然处于一个非“彰显”的阶段。上一部分所论述的那种“自我东方化”的民族认同话语与功夫电影明确结合并造成广泛的社会影响，是从李小龙在香港拍摄的三部电影 开始的。李小龙影片在香港的火爆，既有其自身功夫精湛和电影拍摄手法革新的因素，也有三部影片共同反映出的高昂民族主义情绪的因素，尤其是《精武门》完美地将“复仇”这个传统武侠片的主题与民族冲突结合在了一起，陈真打破“东亚病夫”的匾额和踢飞“华人与狗不得入内”的标牌，更成为华语电影的经典镜头。就影片结构来讲，《精武门》的前半段——从陈真归家参加葬礼，到忍受日本人的上门侮辱——是一个民族仇恨的积聚过程；而后半段则是仇恨的激烈释放过程，一是陈真带着“东亚病夫”牌匾主动上门搦战并击溃众多日本空手道门徒，并发出“中国人不是东亚病夫”的宣言，二是后来他凭着巧妙的易容术潜进日本道馆，击杀俄国大力士和日本空手道馆主，正面肯定了中国人的智慧和武力，完全粉碎“东亚病夫”的侮辱，同时将全片的民族复仇情绪推到了极点，也塑造了陈真这个虚幻的银幕 英雄形象。通观这个叙事结构，日本空手道馆作为侵略者代表的加害者形象分明，而陈真的愤怒、反抗与最终的胜利则，正是前述近代史上“东亚病夫”概念转移和“体育强国”思想内所隐含的反抗逻辑的银幕体现。有评论说，这部电影展现了一种“好战的”中国特性：“永恒的、本质主义的与理想化的……绝对的民族主义者与种族主义者；强烈地反日本”。 可以说，《精武门》借用了“东亚病夫”这个的民族主义符号，套用了“复仇”这个传统江湖故事的剧情，再树立起日本这个中国近代史上最大的侵略者作为民族主义情绪发泄的“他者”，将陈真幻化成智勇双全的中华民族的银幕代言人，从而在取得巨大商业成功的同时也为后来的功夫电影的民族主义叙事确立了一个标准参照物。值得注意的是，这种电影中的民族认同话语表达并不是单向的，而是当时香港社会集体认同缺失的一种反映。这是“李小龙电影”流行的时代背景。由于内战结束后两岸对峙的局面，上世纪六七十年代的海外华人社会普遍存在着“左”与“右”的对立，尤其是香港社会，还存在着左右两派与港英当局的“三足鼎立”。当时的香港，一面是经济高速发展，同时，左右两派也争斗不断，港英当局采用高压手段进行统治，政府内部腐败严重。这一时期，香港的各种社会运动风起云涌 ，而大陆的“文化大革命”和台湾的“戒严”也令生存在意识形态夹缝中的香港和海外华人群体感到空前的压抑和归属感的丧失。在现实中遭遇身份认同危机的人们转而在虚构的影像世界寻求身份的确证，而《精武门》这部电影恰恰就为这种在现实中无处安放的民族情感提供了一个虚拟的发泄渠道。这是《精武门》成功的外部因素。以《精武门》为代表的李小龙式的民族主义叙事仅仅是功夫电影与民族认同华语结合的一个开端。随着时代的变迁，这种民族主义表达也在悄然发生着变化。三、淡化：徐克黄飞鸿系列中包容式的民族主义叙事徐克是80年代香港新武侠电影的领军人物，导演的武侠电影富于想象力和创造力。而徐氏功夫电影的代表作首推他与功夫巨星李连杰合作的前三部黄飞鸿系列 。作为90年代拍摄的新黄飞鸿系列，对近代中国这个不变的时代背景，徐克一反李小龙电影中的那种华洋抽象对立的简单世界观，而选择了一种更宏大的广角镜头，力图将一个清末社会全景式地呈现在观众眼前，徐克的世界观因此也在另一种意义上显得更为庞杂和矛盾：以舞狮、粤剧等为代表的中国传统文化之美与迷信愚昧的白莲教的同时存在，中国人里既有投靠洋人拐卖同胞的帮会头目和欺行霸市的京城恶霸，也有孙文、陆浩东这样的革命志士。影片中对清朝官员形象的处理也不是“脸谱化”的，虽然顽固不化但也有保境安民、反抗洋人的一面；同样，影片中的洋人也并不全部是穷凶极恶的侵略者，第一部中有勇于替黄飞鸿作证洗脱罪名的神父；第三部中的俄罗斯杀手虽然狂妄地认定中国必定要遭受异国统治，但他对十三姨的感情也显示了他尚存人性。总之，百姓、官员、洋人——徐克镜头下的清末中国社会，似乎每种人都有两个面孔，这种对背景人物群像多元化的处理，使得传统功夫片中以身体侮辱为主的“东亚病夫”的话语言说难以成为系列的主题。而且整个系列也反映出导演对国民劣根性、革命者的对外依附性、学习西方和维护传统之间的张力等等众多的问题的思考。这些多元价值观的有序的掺杂不仅让影片呈现一种万花筒般的精彩，也让不同观众能够各取所需。徐克全景式的叙事在凸显微观历史的复杂性的同时，也在某种程度上淡化了李小龙电影中昂扬的民族主义激情。徐克镜头下的黄飞鸿是个徘徊在中西之间的矛盾混合体：黄本人是个遵守伦常的旧派人物，是功夫和中医两大传统技艺的继承者，但他的爱人十三姨却有着留洋背景；黄在十三姨的影响下被迫接触诸多西方的生活方式和先进科技时，既表现出接受的一面（有时会戴墨镜、礼帽），也有不理解的一面（对学英语、照相等表现得不耐烦），在遭受打击时甚至也会偶尔露出排斥的一面（在宝芝林被烧毁时愤怒地命令不准再使用“洋玩意儿”）。不同于李小龙塑造的那个情绪化的、反抗的、能安慰华人失落民族认同感的陈真形象，徐克对黄飞鸿的设定让他显得更为富有历史的真实感。然而在面对无法抑制的列强蚕食和现代科技对传统的破坏时，黄飞鸿也表现出身为一介平民和一名传统继承者的无奈——他不是李小龙式的中华民族的暴力能力在银幕上的代表，而是在高速现代化/西化的中国社会中仍然顽强生存着的优秀传统文化，以及与之相伴的自强精神。这种民族主义表达的变化，应该与90年代初香港、台湾和大陆社会经济发展和两岸政治空气的缓和有着内在的联系。当华人所代表着的东方社会与西方社会的实力差距逐渐缩小时，“东亚病夫”式民族认同话语和复仇式的民族主义情绪宣泄失去了外部市场，徐克更加包容的民族主义叙事手法，对近代屈辱史采取一种更富沧桑感的、略带忧伤的史诗化 处理，显得更贴合当时的社会思潮和公众的心理需求。如果说70年代初的观众能够从李小龙电影的民族主义叙事中找到确认民族认同归属感的激情，90年代初的观众则能从徐克黄飞鸿系列中唤回对民族历史的遥远记忆，并从包容的民族主义叙事中对纯粹的“东亚病夫”式的民族认同话语进行一定的反思。四、重构？新时代背景下功夫电影中民族主义表达的变数进入21世纪，随着中国大陆连续十几年的稳定经济发展，华人社会变得更加强大自信。功夫电影从90年代末经历了一段时间的创作低潮后，随着甄子丹等新老功夫演员的活跃，又重新焕发了生机。而且随着中外交流的逐步增多，功夫电影这一传统的华语电影类型也开始迈出走向世界的步伐，如好莱坞大片《黑客帝国》大量借助中国功夫增强表现力，华裔导演李安拍出了《卧虎藏龙》这样奥斯卡获奖武侠片，还出现了大量借用中国元素的动画片《功夫熊猫》等。这个多元化的新时代对于长期潜藏在功夫片惯用主题中的民族认同话语而言，也存在着更多的变数。其一是个人主义和后殖民主义对民族主义叙事方式的挑战。叶问系列是近年来最成功的对传统功夫电影的演绎。但不同于以往的功夫电影，在剧情安排上，导演叶伟信对两部叶问电影都采用了两段式的结构：第一部分主要是叶问的居家生活和他与其他中国武师之间的较量，第二部分才是叶问与东洋西洋对手间的搏杀。而且，甄子丹所诠释的叶问是个谦和、护家、爱老婆的传统中国男子形象，武术仅仅作为他早年的兴趣爱好（第一部）和中年养家糊口的工具（第二部）而存在，并不是有意识作为一种实现正义目的的工具（在陈真和黄飞鸿处均是如此）而存在的。而叶问之所以会出手挑战东西方拳师，在第一部中，一半是不忍朋友被杀，一半是日本人的强逼下；在第二部中，也是出于对同道中人被活活打死的义愤，还有对中国武术被侮辱的不平。这里虽然重新引入了被徐克淡化掉的“东亚病夫”概念，但银幕英雄反抗的原因却更加个人化了，与李小龙主动的、明显与所受伤害不对称的民族主义复仇不同，叶问的反抗更加被动，也更加有限度，而且其战斗目标也不是实现民族整体而更多的是主角个体的正义。还有个值得一提的细节：《叶问2》的后半段在描述洪震南与叶问先后同西洋拳王进行“龙卷风”搏斗时，本来是非常传统的复仇式民族主义叙事方式，但导演却背离“惯例”的剧情发展，在结尾处安排了一段叶问的讲话，居然把这一传统的、复仇式的、黄种对白种的反“东亚病夫”式的胜利，扭转为呼吁种族平等、相互尊重与理解的西式人权宣言 ，并得到了英籍观众的鼓掌欢呼，使之前渲染起来的民族情绪消失殆尽。这种剧情处理所体现出的对英国殖民统治的暧昧态度，折射出日前在香港社会，后殖民主义的怀旧情感已经成为一种流行的思潮。 这种个人主义的和后殖民主义的表达方式，是传统功夫电影叙事逻辑在当前时代发展的最新形态，也对传统的民族认同话语形成了有力的挑战。其二是全球化背景下与西方的再遭遇和文化误读的挑战。如前所述，《黑客帝国》、《卧虎藏龙》和《功夫熊猫》是这些年来融入了中国功夫元素后取得成功的3部典型的好莱坞电影。除《卧虎藏龙》外，其余两部均在华语文化圈取得了不俗的成绩，但《卧虎藏龙》的票房在北美地区却是一路高歌。探究产生这种现象的原因，《黑客帝国》和《功夫熊猫》两部影片仅仅是借用了中国功夫的元素作为一种推进剧情的“道具”，但剧情讲述的依然是纯粹美式的超级英雄科幻片和励志卡通片，这种西方内核与东方外表的简单拼合，在让中国观众在享受西方大片的时候找到了熟悉事物的同时，也让西方观众发现了能满足他们对“东方”想象的“异国情调的（exotic）”之物，其结果自然是皆大欢喜。但对于《卧虎藏龙》这部由华裔导演李安执导的作品而言，由于李安致力于还原一个外观上尽可能真实的清代社会（事实上他这一点做得确实比国内大多数导演要好），并用最武侠的动作演绎这个武侠故事（袁和平的武术指导），但却在剧本上选用了一个西化的角度去诠释夫妻、师徒、父子这几对中国传统伦理关系 。西方观众可能会简单地走进这个充满了“东方”式想象的武侠世界，但对于华语文化圈的观众而言，被完美的武侠外表所引入的却是一场纯粹西式的文化命题讨论，就容易产生一种“熟悉的陌生感”，就难免会感到困惑和诉诸排斥。功夫电影的好莱坞化所反映出来的功夫元素“零碎化”和功夫内涵被替换的现象，正是西方对东方文化误读的结果，也是最原初意义上的“东方主义”特点。当功夫电影中的民族认同话语正面遭遇强势的好莱坞电影对其解构和重构的挑战时应如何做出应变，也是需要深省的。总而言之，以洋人对华人身体侮辱为标靶的功夫电影中的传统民族主义叙事，在半个世纪的时代变迁中不断发生演变，到了21世纪初，更是遭到了内部个人主义和后殖民主义话语，和外部西方主义话语的再次挑战。同之前的民族主义叙事形态的变化一样，现在的变化也在很大程度上体现了当代中国社会中人们认同观念的变化。功夫电影中民族主义这一主题是会继续发展、被重构还是逐渐消失，还要看更广泛的社会层面上华人民族认同变化的趋势。参考资料：I. 专著：1.［英］里昂?汉特：《功夫偶像：从李小龙到〈卧虎藏龙〉》，北京：北京大学出版社，2010年版2.蹇河沿：《中国电影观念史》，昆明：云南大学出版社，2010年版II. 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