无论身处何地，我们都需要他人。 这种沟通的欲望，对于Ted来说，却是致命的。 第一次，将manifesto发给报社导致了他被捕，他倾诉给David的一切，转而成为FBI的罪证与武器。 第二次，他要求见Jim一面，明知结果，却放纵自己暴露于说客之前，结果是终身监禁。 他需要一个听众，正...  (展开)

这篇影评可能有剧透 打太低的分肯定是不对的，不能因为反感女权主义而打打低分。所有的梗都是故意整得。所以手法还是很高的，表意也很到位。大电炮直接打脸上。很难想象这是女导演拍的东西。抱歉，我又女性歧视了。说回电影。不好的地方是有两次割裂。要么应该整个电影都在那个球舱里完成，会高级1...  (展开)

看完影片，我的心中有一种莫名的无奈，不知该如何评价这部电影。若说它娱乐，却找不到太多商业化的元素，若说它严肃，则又不及《活着》、《孔雀》、《白日焰火》这般深刻，着实是一部不温不火的电影。我想，电影本身是为了传达一份亲情间幸福的温暖感，但从效果来看，这份温暖真是有些波澜不惊的尴尬。我以为，这绝非《夜莺》一部电影的问题，而是当下大陆电影的通病——还拍不出尚属优秀的“温情”电影。

在我眼里，大陆电影的进步是迅猛的，不仅商业片的专业化程度越来越高，而且在一些文艺范十足的柏林、威尼斯等国际电影节上也屡获佳绩，但这些所谓成功的影片都存在一个不容回避的问题——极端：不是极端的娱乐化、商业化，就是极端的个人化、艺术化。前者渐渐濒临“三俗”的边缘，越发弥漫着市场的功利味道，后者往往高估大众的审美能力，让普通观众们难以看懂，渐渐望而却步。从这个角度上来看，《夜莺》是一次有益的尝试，它努力用一群普通人的普通故事来传达给观众一份幸福的温暖感。这份温暖不求惊涛骇浪、心潮澎湃的渲染，也不求冰冷至极，苦大仇深的色调，而是走着平易近人的路子，引导着观众们在这条略显蜿蜒和颠簸的小径中去感受人间亲情的温暖，去体味平凡生活的真谛。只是，这次尝试显然“缺口气”，展现得不够成熟，它所传达的温暖感也难以真正地触动人心，一切都显得波澜不惊，无论是李保田老爷爷的感慨万千，还是小孙女从顽皮到懂事的成长蜕变，又或是夫妻俩对于家庭的维系与呵护，每一处细节都处理得不痛不痒，仿佛看到了感动的萌芽，却又被匆匆地一笔带过，难言有什么值得称道的感动与共鸣。

中法合作，法国导演，数年酝酿、实力演员，美女明星，天籁风光……所有元素从单一来看都是上好的材料，只是加在一块儿后却没烧出一道银幕的佳肴，各自的特点和优势都在彼此的融合中消磨中和掉了，每一个人物的特质都在四平八稳地处理中失去了棱角。

我不想过多地评价这部电影的好坏。因为，我以为，这不是一部电影的失误，而是大陆电影长期以来对于“温暖”色调的电影的忽视。正如前述所言，我们的电影不是太功利，就是太个性，把电影或当作赚钱盈利的渠道，或当作表达自我的方式，总是在两个极端上选择，要么俗到只剩下无聊的傻笑和情色的噱头，要么雅到你不懂我，我也无需你懂的深沉，我绝非贬低这两类电影的价值和意义，但非此即彼的现状在客观上让我们渐渐冷落了中性电影的探索。其实，大众对于温情电影的需求是极大的，因为它离真实的生活最近，离观众的情感最近，那份平易近人的感动一旦触动了观影者柔软的神经，是绝对能触及他们的泪点，达到感同身受的效果的。在这方面，欧美与日本电影做了很好的示范，如《阿甘正传》、《女人香》、《幸福来敲门》、《导盲犬小Q》、《编舟记》等许多优秀影片都是在人之常情中寻找和挖掘出了情感火花，这些情感的人物间的家长里短中细腻呈现，在故事线索的渐进发展中娓娓道来，即使没有华丽的衣衫和激烈的搏斗，也没有生死的伤痛和悲惨的世界，它们都足以动人心扉，让人回味良久。

我以为，也许是世界变化得太快，同步得太快，使得大陆电影还找不到合适自己的步伐与节奏，或盲目跟风式地追求潮流，以致陷入了华丽的泥沼，又或是一味封闭式地低头思索，从而疏忽了观众的审美，最终让那份沁人心脾的“温情”成为了我们尤为尴尬的软肋。

由此观之，只有李保田得了个上海国际电影节的白玉兰奖杯，也不足为奇了。总之，还想说一句：大陆电影路还很长，加油吧！

“好！看！到！炸！裂！哇嘎里共啊，就算前面有伏笔，最后十分钟也玩的太！欢！脱！了！吧！我读书少所以超喜欢这个feel啊！给你一粒24K小金刚.torrent，愿你顺顺利利地长出中国动画一根藤上七朵花！啵儿起！” ——这是我看完片后跟打了鸡血一样发在朋友圈的一段短评，不知道...  (展开)

这篇影评可能有剧透 在网络电影中有两个比较常见的古装探案悬疑系列。 一个是狄仁杰，一个是宋慈。 前几天由欧阳震华主演的《新洗冤录》虽然质量不是特别优秀，可在“情怀”加持之下，至今已经有了906万票房。 狄仁杰系列也不甘示弱，立刻上映了一部《狄仁杰之骷髅将军》。 然后，就被骂了，还被骂...  (展开)

今天和几个高中同学聚会，大家吃完饭想找点乐子。有同学提议说，我们去看《同桌的你》吧。我说，别看，那是豆瓣三分片。该同学说，我看过一遍，就是冲着豆瓣三分片去的。

于是我们就高高兴兴地走进了新中关的地下二层。

在拿票的时候，我看到了屏幕上的预告片。出来以后，我觉得预告片比正片好看。

一句话概括这部片子就是：试图将《致青春》《中国合伙人》《小时代》做一个混合，然而却搅出来了一坨屎。

开头，几个地标性建筑的镜头显示出这是纽约，然后男主用各种具体的生活细节介绍自己，”早餐都要米其林七星餐厅“，”开加长型limo上班“，有没有《小时代》开头的”既视感“？

大学室友合伙做社交平台网站，正逢互联网创业第一轮大潮，前景似乎无限美好。男主做社交网站的点子来自于舍友找不到女朋友的困境，是不是有点《社交网络》的味道？

大学生活啊爱情啊毕业啊现实选择啊，你有没有嗅到《致青春》的气息？

并不是说这些元素是《小时代》《中国合伙人》或者《致青春》各自独有的，也不是说《同桌的你》用了这些元素就是抄袭和模仿。如果能融合得好，能用这些东西使得故事的内核更加坚实完满，那么这些都没问题。

但问题是，这个故事的内核是什么？

片子的情节很简单，男女主角中学同桌，男主保护女主，互生情愫。高考中，女主为了和男主在一起，放弃了北大而考入了厦大（我不想吐槽这个桥段），两人在大学里成了那男女朋友，期间经历了吃醋、堕胎等几个过程，毕业的时候男主去了美国，女主没能去成，约好一年以后去，结果后来不知道为什么就没去，于是二人分手。十年后男主回国参加了女主的婚礼，在婚礼上幻想抢婚，最后怂了。

故事的时间跨度为20年，在这20年中，男女主在谈情说爱的同时经历了1999年中国驻南联盟大使馆被炸、2001年”911”事件、2003年非典等重大事件。片子似乎想要借这些历史事件展现男主女主经历了时代的变迁。然而你可以发现，这些片段加得十分牵强，甚至于使得整个片子都变得充满了奇怪的味道。

1999年中国驻南联盟大使馆被炸，此时引起国人一片愤慨，这也是我记忆中除了2013年钓鱼岛热潮之前最后一场合法的大游行。然而这部片子里，男主听到新闻后的幻想景象中，枪支、军服和同学的表情更像是一场狂欢，似乎这一事件提供了一个发泄的渠道。男主号召游行，而临近高考的同学都不愿意去，于是男主一个人去参加街上的游行，而女主去劝男主回去，男主趁机以“做我女朋友”要挟。而整场游行在电影中处理得像是一场暴动，警察面无表情地挡在使馆门口，像是镇压。而男女主被游行的人群挤得似乎快要失散了，男主赶紧去牵住了女主的手。这个镜头酷似近年来各种民国片里男女主在乱军乱民中拼命相望。于是，一场爱国的游行，变成了暴民的盲动，变成了成全男女主的条件。我不知道导演是想借这样的处理传达怎样的信号？男主一腔国族愤慨，被女主百炼钢化作绕指柔，而女主从影片的一开始，就反复强调，她的目标，是斯坦福大学。

在高中积极参与游行的男主，到了大学，主要时间是在泡妞、打牌和捣鼓一个“社交网站”，并且这个社交网站的创意似乎还层层传递，启发了扎克伯格创立Facebook。高中搞政治，大学想创业，横批：时代步伐。然而这种创业的叙事更像是互联网时代的“我们先前比你阔”，似乎在说，社交网站是中国人先发明的，你们不过是剽了我们的点子，我们的男主要不是为了把妹，早就把大旗插到纳斯达克了。你可以很清晰地嗅到那种意淫过后面巾纸团里散发出的石楠花气息。

2001年“911”事件的处理更是扯淡。影片里插入了“911”事件中大楼倒塌的真实影像，然而长达10秒的镜头过后，是女主坐在厕所时发现自己怀孕了。这是什么奇怪的剪辑逻辑？阳具形状的大楼伴随着悲烈的BGM倒塌，然后女主发现自己怀孕了？？这是象征着女主对于美国的幻想的幻灭，还是女主对于男性的幻想的幻灭？然而这种幻灭丝毫没有在情节线上发生作用，女主去堕胎以后虽然和男主闹别扭，然而在非典时又死心塌地地跑回去了。

2003年“非典”时期的剧情也不知道是哪个没有脑子的编剧加进去的，男主所在的宿舍楼有人发烧，于是整个楼被隔离，女主担心男主，于是就和男主的哥们和自己的姐们去救男主出来。男主女主隔窗告白后，大家在医护人员和保安的追逐下从楼里跑了出来。对于这个情节，稍有智商的人都会想吐槽却吐不出来，因为这群人实在太无脑了。瘟疫时期隔离疑似病患的合理措施变成了对自由与爱情的囚禁，无视常识试图跑出隔离区的行为被处理的像是胜利大逃亡，背景居然还配上了《We are the champion》，并且在最后男主的抢婚幻想中还成为了参照的回忆。很难用语言来形容这段情节，只能说，这是对观众智商、社会常识的一种侮辱，更是对非典记忆的一种侮辱。11年前，我们是如何充满恐惧而又坚强地面对疾病天灾，整个社会是如何一点点地建立起对于重大流行疾病的应急措施，”众志成城，抗击非典“的艰苦努力，在《同桌的你》这里变成了一个笑话。

在历史记忆的层面，《同桌的你》显示出了一种暧昧的态度，而在故事的主线，也就是男女主角的情感方面，这部片子同样不知所云。观众无法理解片子究竟想表达一种怎样的爱情观。是青梅竹马不敌时间侵蚀么？然而”时间“没有被表现出来，女主这一秒还爱得深沉，下一秒就打电话说分手了，时间和距离对于爱情的伤害丝毫没有表现，”十年“只是一个空洞的概念。那么，是想说爱情不敌现实么？是想说权钱逼人放弃爱情么？也没表现出来。女主最后结婚对象似乎很势利，然而他的傲慢与粗鄙来得毫无缘由，更像是为了黑而黑，一直在龇牙咧嘴大秀颜艺。而现实对于爱情的阻力，更是毫无展现，女主说自己申请两三年也去不了斯坦福，想去美国也过不了签证，而她料想男主是不会回国的。我看到这里只想说，卧槽，去不了斯坦福你可以试试稍微低一点的学校啊，你爱男主爱得那么深沉，Top100也可以先将就着，后面的事情以后再说啊，而且去美国的旅游签证那么难么？你们都爱得这样深了，先结了婚然后申探亲的签证不行么？如果女主这一切都不是借口，那么只能说明，她的智商真的不适合去斯坦福，北大没要她真是明智的选择，不然说不定她还会申到哥大下面什么奇怪的女子学院，然后跟国内一家知名电商的老板在一起。

男女主的情感线如果需要一个合理解决，就必须把2003年男主去了美国后的十年里发生的故事写出来，然而前面初中高中和大学里各种白烂的情节已经占了四分之三的篇幅，而这部一看就是想借”同桌的你“这种噱头来骗怀旧钱的片子又不可能分成上下集来卖，所以在最后男女主醉后痛哭着相互倾诉的时候，我忍不住露出了恶意的笑容。

说到这里，女主的斯坦福情结真是来得奇怪去得奇怪。从初中开始就一直说要去斯坦福，女主父亲也一直相信女主的理想。但是为什么是斯坦福啊？这里面到底有什么故事啊，除了斯坦福就不去，哪怕去不了美国没法跟心爱的男主在一起，也不换个志愿？这种执念完全没有什么合理的解释。

这个片子黑了四所大学：北大，厦大，斯坦福，还有清华大学。还黑了一些职业：城管、农业科学研究者、码农、金融男。在最后的婚宴上，你可以看到女主的结婚对象是如何无情地鄙视这些职业的，以及在男主进入大学时片子的旁白是如何对这些专业进行无情的歪曲的。编剧是傻逼，真的，导演也是。

最后，这部片子的名字应该叫做：《拒了北大去了厦大申Stanford不留备校最后去当奶茶婊的智商拙计的同桌的你》

本来看着华美的服饰和造型，以及从预告了解到的年代穿梭属性，对于《恐怖禁忌之红旗袍》还是有些期待的，不过伴随着后排女生几乎不曾停止的笑声看完该片之后，只能呵呵了。
国产惊悚虽然受一些硬性规定的限制，往往有些模式化的处理方式，有些导演索性破罐子破摔，直接敷衍个90分钟完事。但即便如此，在15年我们还是看到了多重人格回环细思极恐的《通灵之六世古宅》、将历史故事与考古元素精心结合的《墓穴迷城》、将惊悚故事以相同演员扮演主人公巧妙穿插的《灵臆事件》等还不错的惊悚片，虽然它们也无法打破审查制度中固有的桎梏，也不可避免的因为其小成本属性而有粗糙之处，但还是寻找到了突破口，用更有新意和心意的形式呈现了出来，和桎梏来了场博弈。当然，也有些片子还是想打审查擦边球，但无奈被剪得支离破碎，如港片《午夜43路》（原名《恐怖在线》）被活生生剪成了音乐都不连贯的预告片，原作精华被严重破坏。
此次的《恐怖禁忌之红旗袍》，很无奈，又是一部委身于限制之下的作品，可以看得出，剧本一开始就完全符合政策精神，并没有妄图打擦边球。这个鬼的人为痕迹还是很明显的，这也让观众一开始就失去了惊悚片该有的乐趣。但是，这部片子有没有拍完被和谐得痕迹呢？还是有的。洪辰扮演的夏雪的精神状态其实前后有不衔接的地方，有一处照镜子的戏份，镜子里可能本应出现些什么，但是被剪掉了，然后片中最大的槽点出现了，男主角并未开口，但却说了一句台词，这应该是很明显的被和谐得痕迹。
不过刨除审查方面的原因，这片子做得怎么样呢？恐怕还是难逃一个差评。故事围绕着一件旗袍在民国和现代间穿梭，这套路怎么和《京城81号》这么相似呢？只不过联系两个时空的不是个宅子，而是件衣服。虽然也有秦雪作为两个时空的互动性人物，但是衔接得很生硬，感觉完全没必要这么处理。剧情本身就够扯了，就不提二楼就能摔死人且一滴血没流这样的让人匪夷所思的细节了，这个故事整体结构就够莫名其妙的，虽然知道是人为的，虽然你想弄个假线索混淆视听，但最后这个真相也得像那么回事不是？如此蹊跷如此凑巧的作案动机真是滑天下之大稽。
至于制作之粗糙就不能细说了，槽点太多，根本说不完。秦雪唱戏的时候且不说音色之变化让人瞠目了，口型能稍微统一一下不？唱戏的部分就罢了，正常说话的部分虽然是配音，但口型还是要对的吧。且不说女三号那段业余的不能再业余的商论了，开PARTY聊个天都聊得那么让人尴尬，也是没谁了。男配角是负责搞笑和转移观众注意力的吗？还有那个背书背的毫无感情的心理医生，这都是从哪儿找来的群众演员？就不说这故事本身怎么样了，既然是惊悚片好歹要有点儿惊悚片的样子，很多片子虽然剧情也很烂，人家至少一惊一乍煞有其事的在过程中吓唬吓唬人，《红旗袍》连这个都没做到。
看看本片的创作团队，制片人、导演、编剧、男一号、主题曲演唱全都是同一个人，但是老实说，除了那歌勉强还可以听听，其他方面未免太业余了吧。还有，您能稍微练练身材再脱吗？客观的说，如果刨除审查被和谐的原因，洪辰的这个角色还是有其可看性的，歌手出身的她能演到这样也就算不错了，当然进步空间还是很大。至于秦雪，应该算是唯一一个比较专业的主要演员了，演技相比之下还是要好不少，不过在这个片子里谈演技似乎也是件挺可笑的事。
所以呢，只能说，国产惊悚和北美的超级英雄片一样，都是难拍出好电影的类型，人家好歹有特效遮遮羞，我们有什么呢？

全方位深析《功夫》， 兼谈周星驰的导演风格

——其实，他不仅是一个演员，也是优秀的导演


    2004年，周星驰自编自导自演的《功夫》上映，距今也已经有十年了。
    《功夫》有别于唐伯虎式的夸张搞笑，也不全是尹天仇、至尊宝那样的笑中带泪，但他依旧是观众所熟悉的“周星驰作品”。美国首屈一指的影评人罗杰埃伯特把它形容为“当成龙和勃斯特基顿遇见塔伦蒂诺”，姜文也说《功夫》是我们一直等待的“坏逼电影”。
    那就让我试着去解读《功夫》的枝枝蔓蔓，也请各位看客赏脸一观，且无论之前你对《功夫》和周星驰作为导演的水准评价如何。

鉴于文字有点点点点长，弄了个目标。

一，漫画式设定与世界观构架
二，故事内涵及个人色彩
三，武打场面
1，具象化
2，动静结合
3，对比衬托
四，喜剧效果
五，多人调度及群演
六，略谈演技
七，其他创意点
1，歌舞声色
2，音乐与特效
3，粤语残片和经典电影的致敬
八，导演风格
1，情节
2，手法
（1）画面感的加强和对白的弱化
（2）节奏感的把握
（3）镜头语言
3， 创意
4，“暴力”和悲壮成分
5，个人经历的投注和绝对的全方位控制
九，幕后故事
十，结尾


一，漫画式设定与世界观构架

    之所以把这一点放到最前面来说，因为这是观看《功夫》的大前提。
    漫画式，或者说武侠小说风格的演绎，放在《功夫》里的直观体现即是在动作、情节、逻辑、摄影等各个方面糅杂夸张与虚幻，就像《长江七号》的主角徐娇小朋友随口一句评价：“这些看起来不像是真的。”
    琴音可以杀人、火云邪神出手的速度快过子弹、阿星如来神掌的境界比之孙大圣基本就差了七十二变、蛇毒阴差阳错有助主角，斧头帮在猪笼城寨的出场还做了个黑云压城的特效……
    星爷一开始就用种种串珠式的超现实设计告诉我们，认真你就输了。在这个半现实半虚构的世界里，有大隐于市的武林高手，有破茧成蝶的平凡人物，有各式武功，有各方势力的角逐，也有在柴米油盐平凡人生中绝对不会遇到的传奇和奇迹……大多数人不会真的去冒险，最多窝在家里看看冒险小说，而《功夫》恰恰借助于类似武侠、漫画的设置给了观众一个精彩的梦。

    但电影也有实处。
    《功夫》的背景设置在上世纪的上海，十里洋场，旖旎风光，虽然影片没有直说年份，也没有出现任何标志性的历史事件，但从人物穿着和布景道具都可以对应到大致年代。再加上猪笼城寨里极度接地气的日常生活描写和黑帮、警察、底层平民等社会建筑层构架，人物所处的外部环境和他们言行逻辑的由来便充分自然。
    一部优秀的电影绝对不能没有成熟的世界观，它可以是从影片想要展现的内涵思想而来，也可以如托尔金一般再造出“中土世界”，星爷则近于金庸古龙的武侠小说，以现实为依凭，再叠加全新的人物和原本不存在的因素。前后对应，《功夫》的基础风格和世界观便搭建完成，以实辅虚后的产物便是星爷想要的、足够他展现想象力和功夫梦的最佳平台。
    海上洋场，桃源沧桑，剑藏匣中也锋芒。听，破阵曲响。


二，故事内涵及个人色彩
    《功夫》到底讲了什么？星爷的功夫梦又是怎样的呢？
    那就先来看看电影的主角——阿星。
    你们有见过像恶霸一样登场，人未露脸声未发就很不善良地踩破小孩气球的主角吗？你们有见过一出场就欺负弱小未遂、还把杀人挂在嘴里并真的有意图去实践的主角吗？
    他就是。
    前半部分，阿星是被“推”着走的。被经历，被社会，也被他那时还无法抗衡的所谓“规则”。
    弗洛伊德著名的精神分析涉及到关于童年的理论，他指出人的一生都会被童年难以磨灭的记忆和经历所影响，对阿星来说就是如此——“记忆是痛苦的根源。”。童年，他一心想成为匡扶正义的英雄，拿着本可以去读书的钱买了本只值几分几毛的“武功秘籍”，一番苦练之后，想救人却被按在地上以最不堪的方式羞辱，自以为功夫了得却被人轻易打翻在地……
    他就是一个笑话。
    阿星逐渐长大，他开始依从所谓的社会规律。“这个世界，满街都是钱，遍地都是女人，谁能够下决定就能争的赢。”他没有错，强权，武力，放到任何时代都适用。他拼命想加入代表着权势和地位的斧头帮，嘴上叫嚣“我要杀人”，实际是想用看得见的金钱富贵和再也不用受到欺压的地位来证明自己再不是小时候那个任人打骂的孩子。
    善良被压抑，梦想被掩藏，想要冷心冷面走另一条道路，闪现的回忆和遇到的人又在不断让他矛盾和挣扎。
    一念起，一念差，有时候便是山水倒转。
    阿星第一次握着棍棒的时候，他故作镇定，被逼急了往老大琛哥头上一棍连他自己都不敢置信。直到濒死也要往火云邪神头上一敲，阿星第一次成为主导，终于弄明白自己想要的是什么。哑女的无声可以胜过有声，善恶到头总会分明，那些以为消失不见的坚持和理想一直都在蠢蠢欲动。
    “为了维护世界和平”，这话最初是由童年阿星说出，戏里的恶霸戏外的观众恐怕都在嘲笑小孩子的天真和不自量力。但最后，阿星一袭白衣重生，举重若轻的招式，竟然真的成真。善恶有报，武学无涯，大爱无疆，回归本心。

    其实，对戏外的星爷来说也是一样的。
    童年，星仔天真可爱的把双手放进锅炉里铲来练铁砂掌，还郑重其事的只用右手练习以防不测。结果惨遭星妈叫停。
    少年，星仔继续发奋苦练，同桌就成了那个无辜的炮灰沙包，哪天他忍不住星仔的“铁拳”叫唤出声了，那就表示练成了。
    艺员训练班，周星星一边和梁朝伟、吴镇宇互相推搡着倒数第一矮的站位，一边继续痴迷功夫，还很认真的觉得自己的水平可以开班收徒。当然，老师对此嗤之以鼻。
    入行，龙套，他认真的和导演讨论能不能多挡一章再被梅超风拍死；稍稍上位，《龙在天涯》里大显拳脚的是李连杰，星仔做的是被打的那个。到了《逃学威龙》，近十年后他还说拍这部电影很兴奋，因为里面有动作戏。
    “虽然很少，不过我自己很满足”。
    “可以一展我的身手，是很快乐的事。”
    说这话的时候，已荣升星爷的星仔亮晶晶的眼睛很好看。
    多年沉浮，他经历了事业巅峰，尝遍人情冷暖，终于有了《功夫》得偿夙愿的一刻。阿星一身白衣干干净净的走出来，一招一式利落大气，你说这是宽恕与正义的武学真谛，我倒更愿意相信那还是儿时的英雄梦想，本心与纯真的回归。
    “前面一片漆黑什么也看不到……”
    “不是啊，天亮了就会很美的。”
    让我相信这句话并为之感动的倒不是尹天仇，而是那个死跑过龙套、又数年坚持同一个梦的星仔。一个人如果能以大半辈子坚持同一样爱好做同一件事情，哪怕被嘲笑还一力坚持，最后终于光明正大的获得正视和认可，这振奋，辛酸，也很美，美到近乎只存在于童话。


三，武打场面
    上文措辞稍微矫情了点，现在继续回到《功夫》。
    粗略计算，整部片长为一个半小时的电影，前后有数场耗时不短、人物出场较多的武打场面：斧头帮寻衅，三英雄出手；三人对战琴师、琴师对战包租公婆；包租公婆和火云邪神的大战；阿星决战火云邪神。
    前文就有说过，《功夫》里的高手和武功有别于人类正常认知所能打出的一招一式，它近于武侠漫画的描写，甚至更加夸张。这样的主体基调也和武打场面一脉相承。
    鉴于招式本身的特点，洪拳、谭腿和棍法在影片中有非常实在的描写，一招一式较为明晰。而到了表现琴音、狮吼功、如来神掌、蛤蟆功等传奇色彩强的功夫时，电影就大大加重了虚化和想象力的成分。如果以武侠小说来定论前后区别，就类似于金庸把降龙十八掌从亢龙有悔到XXXX都告诉了读者，而古龙只写“没有人看清他是如何出手，刀光一闪，刀已插入他的咽喉。”但电影毕竟不是小说，它需要先影像化再留给观众想象空间。
    为了表现这些招式的震撼，星爷用了几个技巧：

1， 具象化
    具象化，即是把招式的效果直观呈现，这个特点的代表是琴师以琴音杀人。
    琴师抱琴扬手一挥，铮铮琴鸣，强大的冲击力撞向对手，就好像骷髅武士执刀狰狞砍去。待到被击溃，这群丑陋阴黑的武士又慢慢雾化消散，直到不见。
    镜头一转，琴师战败。
    这就是巧妙之处。星爷把原本无形的琴声威力化作了有形的骷髅武士，观众一目了然不说，还加大了视觉冲击力。并且，在这里完全不需要纠结骷髅武士的出现是否合乎常理，这本来就是个超现实的漫画世界，《功夫》也本来就是定位喜剧片的非传统功夫片。
    星爷也把包租婆狮吼功威力带来的气流波动都用特效做出来了，这里效果是一样的。

2， 动静结合
    《功夫》有不少块与慢的对垒，火云邪神直接就说“天下武功唯快不破”，而如来神掌和包租公的太极都是强调以静制动。
那怎么展现速度呢？
    这里要举的例子很简单——包租婆的“飞毛腿”。
    在斧头帮第一次来到猪笼城寨寻衅的时候，包租婆迅速飞奔上楼一把用被子蒙住头，这一幕处理的相当喜感，也很有点说头。一方面，拍摄的时候，整个镜头基本保持静止，再把部分效果放慢，作为背景的鸡鸭受惊飞起的过程都可以看的一清二楚，而包租婆倒像是脚踩风火轮一样从面前溜走上楼。这是快与慢的对比处理。另一方面，包租婆闪身的过程并不是“刷”的一下就消失不见，观众可以看到她身体的移动、脚步的迅速加快，完了还有窝在床上的特写。这样，就不显得草草了事和浮躁了对吧？
    如此“快”与“慢”的拍摄处理在《功夫》中很常用，几乎每场打斗都有涉及。

3， 对比衬托
    这个手法比较常见。即是说，想要表现高手和他的招式威力，不必直接去拍他们，可以拍风雨，拍景色，拍对手和旁观者，甚至直接镜头一晃就给出结果。这种手法多用于人物的登场和气氛渲染。
    在《功夫》里，苦力强就是这么个炮灰。琴师还未露脸，疾风一动，鸟兽一起，他就已倒地死亡，死相还属于干脆利落的惊悚。当然也包括后面涉及到的斧头帮若干混混。

此外，还涉及到动作的出招、整体风格的飘逸、胜负过程中不断的起伏转折……这些都有赖于星爷的理念和袁和平的具体实施。


四，喜剧效果
    星爷的电影为什么好笑，他的喜剧手法有哪些，这些题目大到可以去写专业论文了，这么点字数显然不够，那么在这里仅仅说下《功夫》这一部电影。
    《功夫》的定位是喜剧，它好笑好玩，却明显有别于星爷早期如《唐伯虎点秋香》、《九品芝麻官》那类的纯港式搞笑，也不是像《大话西游》、《喜剧之王》等以笑中带泪见长。
    那《功夫》好在哪里呢？
    不一一列举笑点了，举几个例子来看看。

    场景一，阿星和肥仔聪勒索酱爆不成，阿星就想找街坊单挑来一显神威。来小朋友出来，一拳打到他吐血；那边的矮子就你了，纳尼站起来也二米高？好吧我选大妈，居然身强力壮到不能直视……
配合着星爷神乎其技的演技和路人甲完美的酱油功力，这一段很好玩吧？
    这就是颠覆常规、意想不到带来的笑料。
    同理还有穿拖鞋、戴眼镜、在马桶上看报纸登场的火云邪神、三英雄夕阳话别后一人没站稳掉下去了和肥仔聪三刀不中“猪队友”模式的开启。

    场景二，包租公和包租婆大显神威之后，马上做到车上威胁琛哥；火云邪神出场之前，整个气氛都是阴森诡谲，结果观众看到的是一个老头子坐在马桶上看报纸；以为他们要开打了，结果四位高手拖着腮帮子互看；阿星濒死，“你还是写中文吧”……
    这里妙在情绪的转换和戛然而止。
    一般说来，电影在高潮之后会继续渲染气氛，“锁”住观众此时的感动和震撼，以便达到更好的冲击力。但星爷在他的电影里有另外一套思路。他从来不会让各种情感过度延长和放大，柳飘飘在听到那句“我养你啊”之后还是转身离开、阿星和哑女只有几个对视、剖白心迹的挺身而出化为敲在火云邪神头上的轻轻一打，等等例子还有很多。
    如此一来，如是为了喜剧效果则有前后对比意想不到之妙，如是表达情绪，那便很好的让观众对一闪而过的精彩点印象深刻。不滥用，便不容易多度和恶俗；短暂，才更加珍惜和铭记。

    场景三，阿星和包租公脚力堪比风火轮的追逐战。她要追上了！追上了！好的！绝地反击再次加快速度！小刀后视镜太棒了。来了！360度转体三周半！额，撞到了广告牌了，内衣XXXXX掉一地……
    这一段情节既不是全片高潮，也没有一句台词，却出乎意料的好玩和印象深刻。情节上，前有节奏韵律感极强、加强版飞毛腿竞赛的争锋，后又是峰回路转、出乎意料节操碎一地的结果；表演上，演员生动的面部表情和肢体语言极易抓住眼球；技术上，星爷用了多角度的镜头和混合剪辑来展现视觉效果和喜感，又用慢动作把这些进一步加强。这都是出彩之处。

    当然，如果把以上内容包容到整个《功夫》的喜剧讨论范畴，那也不过只是凤毛麟角。观众的第一个笑点也或许是冯小刚那句“这么漂亮的女人……还有没有王法”和“星期天电影院都没人，我做什么生意都不会做电影”。你要能认出全片第一个镜头中的张一白，他窝囊好玩的神情也值得欣赏。

    星爷的喜剧最大优势还在于框架的搭建。它的笑点和情节从来不是生搬硬插，也不做段子堆积，他首先会着力于整体故事的结构和每个人物的立足，再于此基础上设计推动情节发展又具笑点的环节。等到他把故事和人物全部推出，不仅能清晰表达基本意义，还能在不同环节让观众有自己的感慨和联想，这是最难得的地方。

    做喜剧比正剧悲剧要难，这几乎已是公认。快了一秒，慢了一拍，出来的效果便完全不同。就比如砸在包租公头上的那一盆花，从他摔倒在地到头顶开花，每一秒的动作和安排都是精打细算。
    表演部分涉及到节奏、台词、微表情和肢体语言，整体构架要求节奏又不能凌乱无章，各种情节还得有创意和新意，这些在喜剧电影中对一众台前幕后都要求甚高。
    让观众自然开怀而不是冷笑嘲笑就已然不易，而要做到悲喜结合笑中带泪、以笑料包裹理想和人生，能够达到这种境界的喜剧又有几部？


五，多人调度及群演酱油
    《功夫》里猪笼城寨的原型是星爷小时候住过的筒子楼，天南海北的人挤在一起，生活条件不佳之余也酝生出不少趣事。譬如就星爷自己所说，他真的在那儿遇到过“武林高手”，平时不怎么显山露水，猛然却发现真有两下子。
    星爷把他这部分记忆改头换面放到了《功夫》里，不仅带来了属于一部人的时代记忆，也成就了一个神来之笔。
    那里贫穷，却像桃源。
    居民看似平凡，却有高手大隐于市。
    危险来临本能退避，关键时刻又是平凡生活的英雄梦想。

    其中最为称道的部分之一是这群出彩的配角和酱油们。

    包租公、包租婆夫妇。
    初登场，他们不过是抠门的中年大妈和好色胆小的猥琐大叔。斧头帮前来寻衅，大妈用堪比火箭的速度逃奔上来，包租公则继续拢拢土，把头埋了下去。
    后来，我们才知道，包租公和包租婆是避居于此的高手，儿子惨死让他们心灰意冷，但求一片静土再不理其他。
    最惊艳的莫过于忍无可忍出手的那一刻。
    太极行云流水，狮吼功大气威重。
    他们改头换面来到火云邪神面前，平淡却又郑重的对阿星说着善念与正义，随后不惜以生命的代价来实践。
    大师风范，心火不熄，不外乎如是。

    龅牙珍。
    龅牙珍的戏份不多，但出奇的让人印象深刻。
    袅袅婷婷的身段，娇媚爱美的女儿常态，格外出位的龅牙，这几种似乎矛盾的属性集合于一人身上。她不是美女，但当她第一个站出来为了三位高手和包租婆大吵的时候，又是无与伦比的气势和情义。

    酱爆。
    他看着一副呆傻的样子，表情木讷，其貌不扬，每次出场还都露着半个屁股。是丑角吗？搞笑吗？可他却软硬不吃，在被威胁的时候半点表情也没有。
    这个时候你才发现，那哪里是傻气，就像《审死官》里黄一飞演的管家始终居高临下的眼神，竟然无端生出份冷和硬，还夹杂着微微的嘲弄。
    这个人物或许是最值得期琢磨的一个角色。
    他平凡，渺小，天赋一般，也没有任何功夫傍身。大敌来临的那一刻，他义正言辞的告诉包租公包租婆，你们教我功夫，我来对付他，配上少有的正常、也郑重的表情。
    “就算杀了一个我，还有千千万万个我。”
    这又是谁的心里投射？

    还有三位深藏不露的高手和连老弱妇孺都可能藏有一手绝技的围观党们。在星爷的电影里，群演和酱油一直重要又精彩。从前可以是如花、石榴姐、洪爷这样单个的引人注意的人物，现在则是《功夫》这一拨人。

    幕前，猪笼城寨是传奇之地，作为观众永远不会猜透还有多少意想不到的人物和事件；幕后，这不大不小的一方天地大大考验了导演的功力：戏份少又吃重的酱油怎么安排、群众演员如何站位、道具布景以什么方法利用完全、这一幕幕又是如何完成串珠并和整部影片挂钩铺垫……

    就拿猪笼城寨来说，从场景出现到全部人物（包括酱油，和酱油的酱油）登场完毕不过几分钟，星爷扫完全景之后从一日之晨拍起：多人聚居洗漱的环境、生活气息的餐点、来往的各色人物，苦力强扛沙包、龅牙珍要求裙子开叉更高、包租公小男人式的好色……每一处人物、台词和场景都以秒计，但一路下来，从猪笼城寨的生活环境到每个人物特点全部一目了然。没有杂乱之感，反而是好奇和有趣。就连语言，星爷都很细心的让不同人物说着不同的国语、粤语、英文、家乡方言等，好笑是一码事，也顺带突出了鱼龙混杂之感。

    另外要说说的是星爷对“大场面”的调度和掌控。
    《功夫》里也涉及到很多出动大量演员和拍摄机位的部分，文有猪笼城寨的描写和一众居民的登场，武有多场主角配角酱油炮灰齐上的打斗场面，这些都很考验导演讲什么故事、如何讲故事的功力。
诚然，星爷做不到像黑泽明那样一个镜头构图就让七武士在村落中的登场成为经典，但他有意识地在加强对群演的控制和重要角色的出场和站位。比如猪笼城寨，任何静止去观察一个场景，在他的镜头下有效信息相当多。并且，星爷手下多人调度不是大摆“团体操”，这点比较难得。


    六，演技
    一直以来，喜剧演员的演技在很大程度上都被忽略，他们甚少演风格多变的题材、情节也走搞笑路线，这使得很多观众和奖项评委都觉得他们只会哈哈大笑俗不可耐。但实际上，要演好喜剧恰恰是最难的，极度考验演员对于节奏、台词、肢体语言、微表情甚至是自我心态的把握。夸张一分是过火，收敛的多又没有效果。
    至于星爷，周星星制服笔挺，宋世杰舌灿莲花，古晶机敏，唐伯虎倜傥，零零发是个不得志却又乐观的发明家，苏乞儿着重自我追寻和重塑，凌凌漆正义、包容、自有底线，至尊宝城墙上的一吻是最暗哑的深情，一转身，尹天仇在那儿喊着“我养你啊”，告诉我们他是一个演员，跑龙套也请不要在前面加一个“死”字……他当演员，嬉笑怒骂逗得人捧腹，寥落深情又最为动人。就像黄渤说的：“有些东西周星驰的就是周星驰的，不是说其他演员长的不好看或者演技不好，但是站在旁边就是不对。”

    星爷的肢体语言和微表情一直出类拔萃，最简单的例子就是《大话西游》从镜子里看到白晶晶的白骨精形象后几秒内的表情变化，这段演绎让那时候炮轰星爷的王晶都忍不住赞赏“拍烂手掌”。放到这此的《功夫》也有体现，便是和肥仔聪一起偷袭不成被蛇咬、遇见哑女勾起回忆和人物不断在善恶之间挣扎的过程。
    角色初期带着分狠劲，过程百转千回大走内心戏，最后则蜕变为云淡风轻的从容内敛。阿星可以说是星爷演过的最复杂的角色之一。
    更有甚者，这是喜剧。除了正常把握人物形象和情节发展之外，还得加上特有的喜剧效果，怎样展示肢体语言，给出什么表情，台词咬字和快慢效果，每一份每一毫都对演员要求甚高。
    星爷的表现怎么样作为观众都可以检阅，他基本已经可以到达最难的“无声胜有声”的境界，不以台词或者夸张来展现，但哪怕仅仅是眼神一闪都可以触及观众内心。

    而作为导演值得赞赏的是，星爷这次并没有让自己“人比戏大”。以往在周星驰电影里我们印象最深的一定是他，哪怕是再辉煌的合作者也不能盖过他的风头，但这次星爷让自己的角色先是作为“串联者”的身份出现，看似不经意又处处有他的痕迹，最后才是大爆发，他更顾忌的是全片的整体。作为导演，他对全场（包括所有演员）有着绝对的控制力，这使得那些角色或多或少都带着他的个人色彩，再加上其他演员的精彩演绎，这才集体贡献出了一部佳作。


七，其他创意点

1，歌舞声色
    在周星驰电影里一直有群舞的画面，《上海滩赌圣》星仔为了哄巩俐开心在茶餐厅的一场歌舞，《少林足球》中五师兄带领一众路人在赵薇面前的励志舞蹈，还有《功夫》里斧头帮初出场后的设置。
    斧头帮老大琛哥悠闲地迈着舞步举起斧头，帮众一边在室内大起声色舞乐，剪辑一边穿插他们行凶后残忍的黑白景象，动静相衬，明暗相合，斧头帮的残忍在这场音乐舞蹈中极是生动的展示出来。
    我也很喜欢这里先俯拍再正面的镜头。没有用仰拍，无意去凸显人物的高大，也没有一开始就用正面特写，那样会让画面显得拥挤。先给个俯拍很好的突出了空间感，也捎带了那么点上帝视觉。
    再来，星爷没有把承接前后的黑白字幕直接放在这段歌舞之后，而是趁着之前铺垫继续带出其时上海滩的纸醉金迷，警察局长面前的贿款、歌舞厅的旖旎、赌场的奢靡杂乱……几个镜头一闪而过，背景至此才算交代完毕，旁白登场。
    到这里，影片才进行至7分钟不到，看看星爷已经把多少有效信息告诉了观众。

2，音乐与特效
    真可惜，在这里我没有本事把五线谱和特效制作拿出来细细讲解，但功夫的音乐（或者叫BGM）和特效制作都十分优秀。
星爷一向对特效特别重视，早从01年的《少林足球》就开始加大特效比重，力求在视觉性上有所突破。此后，他的电影再也没有离开过特效技术。
    当然，星爷原话：“我们利用电脑特技是根据故事结构和故事进展，里面要有内容，并不只有特技。比如说我们能看到电影里有99个大爆炸，但不见得就好看。电脑特技对我来说是很好的辅助，但永远是剧本为主。故事结构，人物性格，这些是最重要的。”
    至于音乐，论抒情有《只要为你活一天》，看似有点恶俗的歌名其实没有歌词，曲风舒缓煽情之余又不乏高潮，十分动听。这首背景音乐出现在阿星和哑女的部分，既有儿时回忆的温柔残忍，又是长大后重逢的感动纠葛，渲染气氛和调动观众心绪的作用一流。另外还有诸如《小刀会组曲》这类星爷特别喜欢用的音乐放在猪笼城寨和打斗部分，民乐的使用在影片中比重极重，调子激昂、节奏感强，又暗合着时代感和中国特色。

3，粤语残片和经典电影的致敬
    戏里，旧式的武侠漫画在这部《功夫》里占据重要地位。小阿星童年就被一本“如来神掌”唰了一通，至片尾，武功秘籍又被拿来在其他小孩面前晃悠。再看，阿星借着剪发勒索酱爆的时候，镜头一转给到一边成排陈列放着的武功漫画上，此时阿星的表现略有波动，极其细致的微表情（星爷的表演赞一个）。第一次观看的观众估计不会注意，但这也是对阿星这个人物极其重要的铺垫。
    而戏外，和星爷年龄相差不多或者对此领域稍有关注的更加可以一眼看出其中的致敬成分。
    如来神掌、狮吼功、洪家铁线拳、五郎八卦棍、十二路谭腿、太极、蛤蟆功、火云邪神，再加上音乐等等环节，这些无一不是星爷对粤语残片和武侠漫画的致敬。片中也有戏仿《闪灵》等经典电影的场景。


八，导演风格
    洋洋洒洒到这里，终于可以从上面一堆内容简单归纳周星驰作为导演的个人风格。
    周星驰作为演员的价值早就毋庸置疑，但他作为导演的才能似乎一直众说纷纭。
    实际上，早在《唐伯虎点秋香》时期，星爷就因为他在片场做着远远超出演员的工作而被封了个“太上导演”名号，等到《大内密探零零发》和《国产凌凌漆》，谷德昭都直说“你参与的太多了，不如把名字加上去吧”而成为联合导演。其后，《食神》、《喜剧之王》、《少林足球》、《功夫》、《长江七号》、《西游降魔篇》，星爷都一人扮演了主演、导演、编剧、制片人等多个职位。
其中，这部《功夫》尤其可以看做星爷导演风格一个承上启下的里程碑。

1，情节
    如果说厚重和内涵，星爷的电影多半不能和其他著名大导相比。他从来不会刻意去挖掘人性复杂，也无意深沉厚重或者针砭时弊，他就是给出一个简单干净、极富可看性的故事。以功夫包裹理想，以笑料暗合人生，临到头来，不忘添上一笔很美的情感和始终存在的正义希望。星爷自己都说，“我扮不出高深的，怎么样都不行”。
    星爷电影中的价值观一直很简单，他认可人性、甚至是妖性的复杂，但不会刻意模糊黑白边界。他推崇的是大道至简，返璞归真。

    何金银傻傻的努力，最后成功；《儿歌三百首》在西游降魔中被推到核心精神的位置；阿星在用近乎孩童般打架方式（比如踩脚趾和拿暗器做玩具）赢了火云邪神后，他和哑女在最后一刻又以重返童年的方式相遇……
    而这种“简单”的另一表现就是小人物式的成长。就像尹天仇对着大海喊的那句“努力，奋斗”一样，星爷电影里几乎所有主角都有着一路奋发向上进而有所转变有所成的经历，哪怕如《食神》主人公开头风光无限，不消片刻还是被打入低谷。随后，他们通过自身和外界的双重作用通常会达到一个新的境界，最后以不同方式悟道自己的本心。
    而我最感谢的，其实是星爷在电影中给出的那一个个光明美好的结局。

    “在我的电影里面不是百分之一百童话故事，有幻想有理想，当然，你也会看到这个世界现实的一面。其实很多不好的东西不用我讲大家都知道，但作为一个电影，我想经营的是一个开心的结果。看完之后，如果能让大家觉得有希望，这就是我想做的。”
    
如果你选择否定或是嗤之以鼻，那它在你面前永远只能是虚假的骗小孩的玩意儿，然后，你继续回到愁云惨淡的现实里，继续抱怨着弱肉强食。
    现实如何谁都知道，而电影造梦的功能之一便是给我们这些需要的美好。热血未凉，相信光明，继续保有努力和梦想。哪怕只是观影的两个小时，它都是成功而值得的。
    等到你不经意间转身，却会发现那些奇迹也并非全是空中楼阁镜花水月，现实生活中的对应比比皆是。
    从这点上来说，星爷还是从前那个星爷，无论是左颂星、宋世杰、苏乞儿、何金银、尹天仇，抑或是五师兄、阿星、周铁，从来没有远离，也没有改变。

2，手法
    如果单说色彩运用、镜头构图、剪接技巧等，星爷似乎没有特别值得称道之处。同是喜剧，星爷也从不像刘镇伟那样玩时空多线交叉，他的故事一直是单线思维。
    但其中也值得说道之处，这些恰恰成为了周星驰电影独树一帜的地方。

（1） 画面感的加强和对白的弱化
    有些电影是绝对不能没有对白的，比如王家卫，要是没有台词辅助你简直不知道他在拍什么。周星驰电影曾经也诞生过大把“名句”，但是从《少林足球》以后，星爷的注意力就渐渐从对白上转移，转而加强了视觉观赏和画面感。
    “我作为导演，同时也是演员和编剧，我希望能够将我的电影推广大更多地方，让不同的人认识。在这种情况下，我一定要将整部电影所有元素形象化，就是说，以动作化取代对白话……”
    从这段采访不难看出星爷的目标。他希望突破语言、文化等外在因素带来的限制，借由画面和动作等传递为更多人所接受的内容。这也是他提升整部电影视觉性和感官刺激的一大依仗。
    重视这点的效果很明显。特技在星爷的电影里少有鸡肋，演员的表情和肢体语言得到最大限度的发挥，画面层次感强，故事做的新意精彩。并且，《少林足球》和《功夫》这些本来就有意对准海外市场的作品也的确收到了很好的效果。《少林足球》曾经在世界杯赛场和美国教室被播放，不少外籍人士最看得进去、可以大乐的周星驰电影就是《功夫》和《少林》，连对外汉语教室都会向同学推荐……
    星爷一直对电影走出国界很有野心，尤其是千禧年后，几乎每一部电影都不单把局限在华语群体。《少林足球》和《功夫》是成功的典范，《西游降魔篇》就有所不足。

（2） 节奏感的把握
    节奏感到底是什么，这个问题难以用三言两语全部囊括。
    从小处讲，它可以是上文提到的特点：不把情感放大和延长，通过迅速转换免于过分沉浸和厌烦。同时，在对白、动作和情节上以动静相合、快慢相接，比辅以慢镜头和剪辑等手段来突出。这使得观众的直观感受就是不断的感到起伏惊喜。而从大处来讲，星爷的电影很少平铺直叙，也一直不断在抛出悬念，引发观众情绪的波动。
    依旧拿《功夫》来举例，冯小刚的鳄鱼帮刚刚威武没几分钟就被斧头帮所取代，斧头帮的实力又可以被包租公、包租公和那一群高手所压制，在琴师对他们造成一定威胁之后，终极BOSS是火云邪神，最后阿星完成了绝地反击。首先从解构上就是螺旋式上升。而在这其中，文戏和武戏又交织出现，猪笼城寨刚刚大战完成就开始讨论“记忆是痛苦的根源”，随后带出第二组大战人物。在每场情绪大波澜之间给观众留足轻松、停顿的缓冲空间。
    而最神奇的是，这些技术活并不显突兀，全部融合在他要表达的剧情之中。
    星爷作为导演，对节奏感和张弛有度的把握很是一绝。

（3） 镜头语言
    星爷的电影里不知有多少人留意过他的镜头？虽然不能说是大师风范，但绝对有他的特色，并且适合电影的整体基调。
    星爷喜欢把摄影机对准能代表人物身份或特征的细节，张一白的警察局长先入画的是探长字牌，阿星初次出场先看到的是他踩扁小孩足球的脚，也有为了喜剧效果在林雪演的老大初到猪笼城寨时先露出被炮仗炸到的脑袋，连在《长江七号》里都有不少对脚步的特写和场景转换……星爷特别喜欢放大这些细节，未见人先闻声，未闻声先入景，他通过这些带有强烈特征化的物象来引导观众进入他的故事，并且感受某种情绪。
    与此同时，局部画面的出现就自然完成了场景过渡和自然衔接。
一般来说，周星驰的电影不追求宏大的意境和视觉，之前的《喜剧之王》、《少林足球》等仍然跳脱不了传统港剧的格局。但这次《功夫》从开头就给人耳目一新之感。
    崇山，日照，一个长镜头带出广阔幽深的环境，画面中又翩翩而入一只蝴蝶，从黑暗直入光明处。这也和影片结尾的“破茧陈升”相对应。

3， 创意
    “电影，如果你不把它做到最好，你就是跟不上观众。现在观众什么都看过了，最好的技术，最好的故事，最好的创意，这在全世界都是很开放。拍电影是很容易的事情，但是拍一个好电影，就是一个非常非常困难的事情。我认为现在是一个质量的世界了。”
    在周星驰电影里，你基本猜不到他会给出怎样一个故事，也完全无法从已经情节中推算下一部。哪怕你知道结局多半会光明收尾，各中过程也一定出人意料。
    比如《功夫》，严格算起来依旧是屌丝逆袭、武侠小说男主成长模式状态，但他到底借由怎样的突破口来完成蜕变、几场大战的胜负究竟如何发展，我们猜不到。三位英雄刚刚现身，你会想到他们在剧情未过半就死了吗？包租公婆和火云邪神大战正酣，谁能想到有阿星前后两棍？再比如《西游降魔篇》，哪怕对小说和各类影视版本都烂熟于心的观众也不知道玄奘这一路到底会遇到什么？
    更加重要的是星爷对题材、特效、幕后等个中环节的打磨。

    “在一部电影里面，将来的发展可能不会再清晰的划分喜剧和正剧。我不会以好笑为大前提，我要看这个故事到底要表达些什么，他所有的人物和大纲，然后再发展细节。当然，能够发展到好笑的我不会放过。但也可能相反，是不好笑的。”

    到现在，如果还抱着纯粹去看唐伯虎式喜剧的观影心态去看周星驰的电影，那恐怕会离预期有所偏差。我们不能因为他之前盖的楼很高很美观，就不再让他重新平地而起另一番天地不是？
    尽管依旧定位喜剧，但星爷已经开始越来越多的往他的电影里增加不同元素，励志、惊悚、温情、科幻、功夫，等等都是他在做的突破。《喜剧之王》大打励志温情牌，《少林足球》把喜剧、功夫和体育结合，《功夫》拍的是漫画式夸张，《长江七号》关注国产薄弱的儿童和科幻，《西游降魔》则是对名著的另类解读……这一路的转变和尝试，尽管有成功有失败，但你不能否认星爷一直在寻求突破口。同时，近几年他开始重视电影的附属产品开发，经营起了自己的院线，一步步都在往和国际接轨的更高水准走。

4，“暴力”和悲壮成分
    这点乍看和周星驰电影离的比较远，其实一直潜移默化的存在。
    早在《新精武门》的刘晶就被痛扁过一番，《少林足球》几位师兄弟反败为胜的过程也是同一手法，《功夫》里三位英雄的死亡（尤其是那位人身瞬间分离）和最后的决战过程很是血腥，《长江七号》有一个幻想中女鬼上吊的镜头，而到了《西游降魔篇》，整部电影的“妖性”干脆就是特色之一。
    “很多场面的涉及都是不能避免有暴力镜头存在，而暴力永远都是为了加强人物性格或者我要经营的某一种效果，而不是单纯的我喜欢暴力。比如在《少林足球》里，那位守门员，他以自己的血肉之躯去挡住杀人般的球。这个场面我自己认为很暴力，但是原来这个人是为了整支球队，为了他的理想，他愿意付出他的生命。我会觉得，我有需要让这种效果更加突出。在暴力之下，我觉得，这也是种另类的浪漫。”
    所以不知多少人和我用共同感觉：《功夫》和《西游降魔篇》的场面是最接近。


5，个人经历的投注和绝对的全方位控制
    曾经有人说过，星爷拍什么都是在拍他自己，虽然这么说有点绝对，但不乏道理。尹天仇记录了他自己跑龙套的岁月，《功夫》圆满了一直以来的梦想，《长江七号》有着浓重的童年回忆和对父母的情感，《西游降魔篇》又是情绪的宣泄表达……就如同那些漫画和粤语残片的元素一样，下一步电影，观众一定还能从众发现星爷的个人色彩。
    其实不光是情节，星爷对他的电影的控制深入到每一格，从摄影风格到技术手段，从武打特点到剪辑方法，从个人表演到群演调度。他在《西游降魔篇》时期就有说过：“虽然我没有亲自出演，但整部电影里无一不是我。”
    如此一来，导演的风格和把控得到最大程度的彰显，得益的当然是观众。离了他，那些配角、群演和各种要素还有多少是继续出彩发热？而另一方面，这也可以解释星爷为何会和合作者生出嫌隙。


    星爷曾经说过，他不喜欢把他的电影用“无厘头”一言以蔽之，因为观众看似随意的每句话、每个段落都是经过普通人难以想象的冥思苦想、仔细推敲而来。
    “电影，如果你不把它做到最好，你就是跟不上观众。现在观众什么都看过了，最好的技术，最好的故事，最好的创意。拍电影是很容易的事情，但是拍一个好电影，就是一个非常非常困难的事情……我也恨我自己能力不够，不聪明，想事情也不快。我希望我可以再做多一点点，把更多想法拍出来，找到更多人才。”
    《少林足球》到《功夫》隔了三年，《功夫》到《长江七号》是四年，再五年，《西游降魔》问世，平均三四年一部。假设这个速度不变，假设星爷再做二十年导演、做到七十开外，那我们可以期待的周星驰作品，一只手就可以数清。
    趁着还有，珍惜吧，至少周星驰一直对得起观众。



九，最后补充一点幕后故事：
1，星爷对电影一向精益求精，短短一场戏NG无数是常有的事，也曾经被形容为“片场掉了一根针他都要管”。《功夫》里琴师拨弄琴弦那两下，他就找少年宫的古琴老师整整教了几个礼拜，又拍了几个月。

2，外界盛传的吴孟达和星爷闹翻，就是源于《功夫》。
星爷筹拍《功夫》之际打电话给吴孟达说有个角色，达叔当然答应了，也为此推了其他戏。但后来星爷又和他说那个角色被取消了。两个人的嫌隙就从这里被放大。
其实了解星爷的都知道，他拍戏从来是这幅样子。林子聪在头天晚上接到星爷的电话，一点准备时间都没有，第二天一早就进了《少林足球》剧组。都知道王家卫没有剧本，星爷也好不到哪里去。他前期倒是有准备剧本，但是最喜欢做的事情就是边拍边改边找思路。吴孟达这事情，星爷当然做的不厚道，但不值得两人就此闹翻。
果然，吴孟达在《鲁豫有约》的访谈中直接说：后来星仔有找他解释，已经解释清楚，和好了。
“只要我不死，他还没退休，我们还是会合作的”。
    话说，你们有没有发现，但凡是有话题性的新闻，娱乐也好、医疗、社会等也罢，大多数人都只去关注开头，甚少有人去计较，这件事情到底是怎样一个结果。若干年后，这些事都怎么样了？

3，
洪金宝是星爷最早请来的武术指导，但是他设计的动作和星爷预想中的效果相去甚远，以星爷拍摄时的较真那是少不了插手干预。洪金宝是业内前辈，脾气也不小，被惹火了他就干脆带领洪家班全部撤出。
洪金宝甩手不干的事情其他人也都不敢接，为了保证拍摄的正常进行，星爷只能临时请来少数可以和洪金宝相抗衡的袁和平袁八爷救场，之前已经拍毕的部分也来不及重新来过。
所以在《功夫》片尾列出的武术指导有洪金宝和袁和平两人，细心的观众也可以发现，影片中的几场动作戏其实有差别，洪金宝掌舵的部分偏实，袁和平就更加飘逸美感，好在最后融合在整体风格中倒也差别不大。

4，
星爷靠这部戏捧出来不少人，除了《少林足球》就有参与的林子聪和陈国坤之外，还有释行宇、黄圣依等，并且还为元华、元秋拿到了最佳男配、最佳女主的提名，其中元华得奖。
现在，肥仔聪一边演戏一边也当了导演，释行宇已经参与了如《十月围城》、《叶问》、《怪侠一枝梅》等多部电视剧和电影，“铁线拳”赵志凌师父在跟着刘镇伟拍电影，陈国坤拍完了《李小龙传奇》又和王晶去拍《大唐双龙传》。
至于黄圣依，这边说星辉克扣片酬经营不力，那边又说黄圣依私拍不雅照无故毁约。反正最后的结果就是，黄圣依投奔杨子去了，还开了巨力圣依影视公司，最近的电影代表作算是《白蛇传说》和《冰封》。

5，
饰演三位英雄之一、“十二路谭腿”的释行宇本就是少林寺练家子出身。《功夫》的筹备期，星爷在通过各种关系找人介绍身手好的演员/非演员，就有人给星爷推荐了他。释行宇在少林寺时期就看过星爷的喜剧片，多是如《唐伯虎点秋香》那类的夸张搞笑。他一开始还有所怀疑，觉得周星驰拍的是喜剧片应该没他什么事，后来顺利加入，并正式走上演艺之路。

6，
“铁线拳”赵志凌师父看着一身肌肉很发达，星爷对此十分羡慕，还很认真地讨教过保持那么好的方法，结果某一天他发现赵师父在那儿自己画……从《少林足球》开始，星爷自己对身材也很在意，《功夫》最后几个镜头的一身肌肉是日积月累练出来的，直到《长江七号》时期，毫无PS的现场导演花絮照还可以看出星爷的好身材。这点他倒很奇特，年轻时一身白肉，年长了倒是身材可观。

7，
2004年，《功夫》在香港上映，收了六千多万，以比第二名高出近三倍的票房再次刷新开埠以来最高纪录，之前由他自己的《少林足球》保持。，这个纪录保持了6年，直到被《那些年》以几百万的微弱优势打破。
同年，《功夫》也得到了金像奖最佳电影、最佳导演、最佳男女主角、最佳男配、最佳动作设计等16项提名，这个数量直到今天都还遥遥领先。
最后《功夫》得到了最佳电影、最佳动作设计、最佳男配角和最佳剪接。影帝则是梁朝伟《2046》，最佳导演尔冬升《旺角黑夜》。
最佳电影一奖给星爷颁奖的正是张曼玉和梁朝伟。
星爷和张曼玉一开始是贴面吻，最后还顺势要亲嘴，场面蛮搞笑的。
顺带一提，《少林足球》加上《功夫》，这就是星爷目前为止在金像奖上的所有斩获。

8，《功夫》也得到了金马奖的最佳电影、最佳导演等多项大奖。
值得一提的是，星爷上一次金马得奖还是在17年前，他凭借出道作《霹雳先锋》得到了最佳男配角。
    《功夫》也是第一部在大陆正式上映的周星驰电影。04年，票房过亿，成绩很不错了。

9，《功夫》那时在戛纳首映，工作人员都叫星爷先休息，等电影放完之后再出场，但他不肯，一直偷偷的躲在大屏幕的背后，看老外观众的反应，一站站了2小时，终于完场，星爷步出，全场数千人 起立鼓掌3分钟之多

10，手拿《如来神掌》的那位“乞丐”大名袁祥仁，他本身是非常有名的武指和导演。他的胞兄正是大名鼎鼎的八爷袁和平，《黑客帝国》和《卧虎藏龙》等多部佳作的武术指导。兄弟两个长的蛮像，不要认错了。

11，“不正常人类研究中心”就是出自《功夫》——关押火云邪神的地方。

12，最后的结局不要过度解读。网上盛传的“所有一切都是小男孩的幻想“，那纯粹是观众想多了。星爷自己在《功夫》的导评版中阐述过影片理念。

13，拍摄阿星被蛇咬那场戏时，不是每条蛇都拔了牙的，当时剧组很是担心。

14，就因为《功夫》中用到了“杨过”、“小龙女”等几个字眼，星爷特地去找金庸付了版权费。

十，其实只有两句话
谢谢周星星这么多年带来的快乐。
也希望你快乐。

看第二遍还真是看明白了电影到底要讲的是什么，什么拳击，什么复仇，都只是表面，电影真正要说的是兄弟情，是电影里提了好几次的“异卵双生”。吴彦祖饰演的弟弟为在黑市打拳而死的哥哥古天乐复仇的过程引出兄弟之间性格的差异，这种差异就体现在他俩是“异卵双生”的双胞胎，而不是“同卵双生”，事实上，他们的父亲不是同一个人，他们的母亲先后和两个人发生关系，而古天乐的父是亲野性的，吸引人的，是她母亲爱的，古天乐继承了这种野性；吴彦祖的父亲是她母亲的丈夫，而是她不爱的，是沉闷无趣的，吴彦祖在戏里也是这种性格。

看了翻译过的电影，觉得色彩上很有问题。这个是老毛病。单说电影本身。
芮妮的扮相是我觉得最漂亮的一次，也许那是还年轻，也许那时想走的就是这样的恬妞路线。记得她里面叫安。如果说与男主角的相逢纯粹是偶然和巧合的话，那之后甜蜜的温馨时光是两人命中的注定。但是现实永远都是令人啼笑皆非的，在当抱着单身汉为宗旨的硬汉堆中只他例外时，女童中也只有她才能接到最后的花束。
过于完美的关系总会被不经意的事情打破，我们似乎都在忐忑地等待这个时刻的来临，怀揣着矛盾的心情，因为没有它，完美还是完美，但是有了它，似乎关系或者说人生才是完整和谐的。
当男主角心情矛盾，不知所错时，悠扬的湖面上波光粼粼，神父在自己的面前静静道出自己的心情，我也结婚过，她是世界上最好的女人，但是最后上帝把她带走了，于是我想我愿意用接下来的生命侍奉上帝，遵从和传达他的医院。婚姻是一种放弃和妥协，不能太过自私地想要索取，你奉献的是你的单身的自由，可是许诺的对方何尝不也是呢？没有做好准备一直只是个借口，害怕恐惧才是真正的理由。
结婚是一辈子的事情，在众多新娘中他选中了她，唯独的，唯一的。茫茫人海中，就只有他能望见她，说出我们结婚吧，幸福就此开始了。

这部电影真心拍的太好了，每个演员演技都无可挑剔，可以看出整个制作团队都非常用心，不管是制作特效还是电影配音，都不输于各种好莱坞大片，向左演的雷震子简直太好了，没想到第一演这种大片，演技都堪比梁家辉这种老戏骨影帝，有史以来演得最好的雷震子，，顺便看了下拍摄的...  (展开)