liam宁愿失去所有，走上一条不归的道路，也想挽留母亲，给她买好房子，她却说那是一个鸟不拉屎的地方，liam，一个16岁还不到就给母亲挣下一栋公寓的孩子，最后还是选择一刀结束了他对母亲的念想，看到最后我是惊讶的，导演毫不留情的让一个未满16的孩子经历了那么多，这也是我认识肯·洛奇的第一部电影，绝不是最后一部！

………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………….…………………………………….…………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………………

如果把芽衣穿越到明治时代这件事当作游戏，那么她可以说是象征了所有玩家。那么会有这样的结局，也可以看作玩家选择了现实最初，芽衣是以逃避的心情穿越的，因为现实不如意，就跟一些人沉迷游戏，不愿去跟外界的人接触一样。但是她渐渐地在鸥外桑和一众小伙伴身边找到勇气，能正视被她抛开的现实，因此她才选择了回到原来的世界。

在我看来，结局想要表达的意思，就是如果你因为现实问题有点心累，在这个游戏中逐渐找到支撑你的力量，那你还是应该重新走出去，去直面你的现实。既然他们给了你勇气，你还有什么不能面对的？就像欧外桑最后说的，“会再见面吗？”答案是肯定。只要你通过这个游戏获得一丁点勇气，就能更好地活在现实世界，所以呀一把游戏再拿出来，不就能再见到他们了吗？

这个结局才应该是这部作品的TE，它的立意远高于各个角色的恋爱线，失去记忆留在明治实际上是一种逃避，背负一切迈向未来是最好的结局。

“春宵苦短，少女前进吧！”

1）老村长对民兵的分工安排”少数民兵留下、大部队外线进攻“就体现了《论持久战》中”坚决地实行外线的速决的进攻战和发动敌后的游击战争“的决策

（2）在日本军队实行”三光政策“和反复清剿的过程中引出了游击战的持续进行的思考——于是村长带领大家挖地道保存实力，同时进行地道斗争，同时动员群众参与斗争和根据地建设，一边游击一边耕种。对应《论持久战》段落：”中国如能在作战方法上坚持主力军的战役和战斗的进攻战，猛烈地发展敌后的游击战争，并从政治上大大地发动民众，我之战略主动地位便能逐渐树立起来。“

（3）老村长牺牲后川保接替领导位置，他继续研读《论持久战》并对当前的游击战进行了系统改革：

①地道战从防御转向了进攻，而地道的作用也从”防御“改为了“战斗地道。”大量的消灭敌人，才能有效保存自己“这是川保在研读《论持久战》中不断重复的，而原文中也强调：“进攻是消灭敌人的唯一手段，也是保存自己的主要手段，单纯的防御和退却，对于保存自己只有暂时的部分的作用，对于消灭敌人则完全无用。”；”战争的目的不是别的，就是“保存自己，消灭敌人”（消灭敌人，就是解除敌人的武装，也就是所谓“剥夺敌人的抵抗力”，不是要完全消灭其肉体）。“

②让地道战更有计划性。详尽的地道改造示意图、周密的作战计划（麻雀战术、迷惑战术）、村村地道联通、分阶段的诱敌和进攻、后勤安排，包括和武工队的配合都体现出此时的地道战士专业且有计划性的战争。对应原文：”游击战争要取得胜利，是不能离开它的计划性的。乱干一场的想法，只是玩弄游击战争，或者是游击战争的外行。不论是整个游击区的行动或是单个游击部队或游击兵团的行动，事先都应有尽可能的严密的计划，这就是一切行动的预先准备工作。情况的了解，任务的确定，兵力的部署，军事和政治教育的实施，给养的筹划，装备的整理，民众条件的配合等等，都要包括在领导者们的过细考虑、切实执行和检查执行程度的工作之中。没有这个条件，什么主动、灵活、进攻等事，都是不能实现的。“

③攻占黑风塔的计划也体验了地道战在战术上的进阶。对应原文：”如果敌情特别严重，游击部队不应久留一地，要像流水和疾风一样，迅速地移动其位置。兵力转移，一般都要秘密迅速。经常要采取巧妙的方法，去欺骗、引诱和迷惑敌人，例如声东击西、忽南忽北、即打即离、夜间行动等。“；

《地道战》确实是当时游击战的缩影，而《论持久战》也给游击战的实践提供了有效的指引和支持，要想进步还是要多学习多专研；另一方面，整个地道战有非常多生动巧妙的设计，比如地道的入口设计、排水防毒工事、各种伏击角度，切实感受到群众的智慧是无穷的，这种因地制宜的作战方针展现了游击战的灵活性；另一方面从时间季节变化也感受到了整个游击战的持久，人民也是勤劳勇敢、吃苦耐劳，坚持就是胜利！

楊家將的故事是我從小就開始看過的，當然影視劇的改編不少，看完之後想把那些製片人拿去戰場砍了，拍出來的全是渣滓，一堆的三角戀，還有大郎，二郎，三郎，基本都是被拿來做萬年背景布的命運，我在想，原著中的大郎、二郎、三郎雖說筆墨不多，但是你起碼都應該描寫多一些嘛，拍出來的感覺和宋兵甲和宋兵乙沒什麼區別。當看到于仁泰導演版的《忠烈楊家將》，有鄭伊健、周渝民、林峯、這些我小時的偶像，印證了我的決心，這部電影我一定要去電影院看，我相信，我會等到我想看的楊家將。故事開始就寫到楊七郎打死潘豹而受刑，被老令公家法伺候之後負荊請罪，恰巧遼兵進犯，老令公臨老進沙場，在金沙灘被圍困逃至兩狼山，也引發後面楊家七子為救父親，七子去，六子回的悲劇。小說裏面的故事被精簡成救父為主線，當年看楊家8虎血戰金沙灘，感覺慘烈之餘，讓我每次看到的時候都不忍會翻那段故事，就像我看三國演義，我看完了所有的故事，但是唯独敗走麥城，五丈原，我一直都沒有勇氣去翻開，與我而言，裏面最喜歡的人物的死去，對於年幼的我是一件難過的事，而八虎血戰金沙灘裏面，哥哥為救弟弟犧牲的場面，也是我一直很喜歡的一段故事，所以當我看到無數改編的電視劇的亂改，簡直就想把那些亂改編的人扔進抽水馬桶沖完一次再把他們拉上來沖多一次。電影中的楊大郎（鄭伊健）和楊二郎（于波）為掩護弟弟戰死的那場景，看的我眼淚零點零一秒飆了出來，再到周渝民神射手慘遭暗算，感覺心被揪了一下，鄭伊健飾演的大郎和于波的二郎在原著中一個沉穩機智，一個勇猛不凡，他們都很好的傳遞出原著角色的性格，當看到和原著為保護弟弟甘願犧牲的大郎二郎，那場悲壯的戰鬥在電影重現的時候，楊大郎（鄭伊健）在千軍萬馬中搏鬥，我想，陳浩南護體啊。大郎不要死，其實我們都知道就算陳浩南，在那個環境也會死的，只不過，內心期盼自己的偶像不要死去，這是一個粉絲觀影的心情。付辛博饰演的杨延嗣也令人惊艳，为救父亲和哥哥，回到環洲城，当他跪地下求潘仁美发援兵遭拒并被残忍射杀的时候，再魂归老令公梦里叩謝父恩，那個血氣方剛衝動少年，為兄出頭，再至為父兄犧牲自己，小時候我看小說的時候是很喜歡這個出師未捷身先死卻英年早逝的少年，重情重義的他卻又因為情義而亡，他亡於年少無知的無畏和血氣方剛的衝動，如老令公所说，他的性格造就了他的命运。當然故事是乏善可陳的。畢竟一部主打戰爭的大場面電影，明星雲集的大片，在人物朔造，故事內容方面的硬傷必然是不可避免，假如你抱著想看十全十美的電影，那你大可不必看，那麼你會失望，不過裏面電影場面的調度，動作打鬥，在某些鏡頭語言的表達都體現出于仁泰導演的功力，芦苇荡中的射手之争，三郎帅的一塌糊涂，只是周渝民的台词过少，还有四郎、五郎，跌入懸崖那個回憶鏡頭，兄弟二人小時候作弄大哥們的回憶場景，那場戰役溫情回憶卻渲染了悲劇的色彩。還在出征之前，七兄弟出征前的各種表現，大郎（鄭伊健）正襟危坐地和妻子相處，二郎（于波）喂馬的時候囑咐馬兒好好照顧弟弟，雖然他是個性情中人，卻對自己的弟弟愛護有加。三郎（周渝民）抱著剛出世的兒子那份初為人父的喜悅，眼神中透露中那股溫柔都令人動容，溫情之餘，卻又渲染出大戰在即的壓抑氛圍。當然秋官飾演的老令公絲毫不必楊家七子差，霸氣十足的大將，戰場勇猛殺敵的氣概，舍我其誰，而徐帆飾演的佘太君，我只能說她把一個慈母的形象演的很好，但是，我覺得她並不適合演佘老太君，讓我選的話，鄭佩佩就適合。不過，電影簡單也有它的好處，至少它很清晰地傳遞出他的核心價值忠、孝、仁、義。我很喜歡這個故事，最起碼它在我心目中就是我兒時翻開書本時候，我希望看到的影像。

1 乐天真有钱2 女主好幸福3 剧情就算了，主要是发糖，迷妹必备缓解日常压力4 准基欧巴的年轻富豪，海镇偶吧的温柔店长，kai的魅力年下男，泽演的霸道富二代，昌旭偶吧的帅气特工，还有李敏镐的旅行作家哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈5一言不合就kiss6 智友欧尼的美我膜拜啦

小说改编为电视剧百分之九十九都会有改编，有的小改，有的大改，有些改的好，有些改的烂。譬如《河神》，这部剧甚至可以说改的比小说还好，弥补了小说的一些不足和bug。也有细微处有改动，总体尊循原著，整体质量非常高的，比如《琅琊榜》《17版射雕英雄传》。当然也有改的非常烂的，比如《道士下山》，剧情崩坏，人设崩坏。

而九州缥缈录这部剧问题就是很多不必要改的地方乱改，导致剧情不和谐甚至会与剧情产生冲突。

首先最开始的问题就是关于吕归尘的身世，实在想不通为什么把从6岁开始去龙格真煌那，改为出生。这样的设定将他们父子后来的感情进展弄的非常非常突兀生硬。生父成为了他杀养父的仇人，却又把他们父子感情弄成那么生硬的转进。

还有就是许多人物的改变，这里我必须提一下江南。说实在的，江南小说剧情并不是我看过最好的，但他人物刻画真的一流，缥缈录的最大的特色之一就是令人印象深刻甚至着迷的人物了。如果说剧情因为剪辑和电视表现手法不同?但人设又何必乱改?

那个那个说出"尺水之深，终不可越，却只能空帐惘遥相望"的深情又温润的公子，那个如同李后主一般的百里煜何必改成一个只会摇波浪鼓的制杖?

而那个散漫而精明，轻佻又稳重，淡泊飘逸，内心疏狂，喜欢抽着烟，如同一个老狐狸的息衍呢?这个雨中弹箜篌，却又笑道“既已没人听，又为什么有人要弹”便抛下箜篌，走入雨幕洒然离去的人。这个为了苍生独自一人去刺杀雷碧城，向他们宣战的天枢宗主。却总也带着一点孤独，因此他对苏婕妤有感情，却也十分克制。他居然成了一条舔狗！?这样的改编真的比那个息衍好吗？

还有姬野，那个孤独而倔强的人怎么成了一个狗腿子?他一生奋勇向前，执着无畏。羽烈王一个烈字正是象征他的刚烈。他即使被一群人打的鼻青脸肿也要腿下使暗招。他抱着必死决心，背负十二把长刀去劫法场。他一无所有，于是倔强的靠自己去争取属于自己的东西。这样的人居然成了个狗腿子。后面自己还要强调他是雷云正柯的跟班?比赛还是被放水的?抱歉，你们说原著党高贵也好，说苛刻不允许改编也罢，这里我真的不接受。话就摆在这了，这个改编很没必要！很烂！

目前看至此，只见取其糟粕，去其精华。很多人说书粉不许改编，我笑了，既然不能更上一层楼，还倒退了，那为什么要跟着某些粉丝吹?即已见过阳光，却还叫我追逐黑暗?不可能。

看看最近这几集，人物一个比一个愚蠢，行为一个比一个不符合逻辑，一个比一个弱鸡。还说改编好的一定是成天看偶像剧的演员粉吧。

由于看过预告，所以观影前有料想到这将是一部横亘的道德极端点上的作品，对于与电影本身三观不合的观影者会极难共情。但还是没有想到，实际观影体验竟然能差到这个地步。

不知道该电影的最初立意是否是一部现实主义作品，想诠释特殊群体中的小人物们在现实生活中的抗争和妥协。但是在道德参考系上，实在不能把故事主线中主角一家怀孕女找冤大头的行为披上“善”的外衣。

在一个崩溃的道德框架里构建善良像是在马桶里放上上等的食物，抛开马桶的框架去体面客观的看待食物本身几乎是不可能的。所以人物是否贴合实际，行为是否自洽，结局是否讨喜都被影片的劣根性弱化了。以至于影片最后，生活给予“善良”的人的补偿已经起不到任何正反馈的作用了，让我观影全程表情扭曲。

影片可以让人绝望，可以让人疯狂，因为这种爆裂的负面情绪很容易在结尾正向转化。但不能让人郁闷，让人很恶心，因为这种情绪只会累积，而且塑性很强。以往的小角色第一视角电影都是让主角站着哭，这部电影却让主角跪着幸福。我没有看到主角在生活面前的坚强，只看到了他们的屈辱。

不符合普世价值的电影必然遭受票房和评分的双重滑铁卢。我个人还是很喜欢任素汐这个演员的，以后接电影的时候但愿她斟酌。

葛大爷驾到。一句话就把我吸引进了电影院。之前的非诚勿扰，让我对葛大爷的电影颇有信心，电影院里座无虚席，估计都是冲着演员阵容去的。我满怀希望的坐等着一通大笑，脸上的肌肉早已活动开了，可是...笑点在哪里？左等右等，等的我一脸疑惑。电影到底想表达个啥？凌乱的剪切，灰色的幽默，不懂的英语，嘶哑的喧闹，呆漠的眼神定格，无法让人理解导演的用意。是否时代已变不能读懂新兴导演的猩猩想法了？电影过半，一群小孩坐不住跑开了，大人都还稳起，有些左顾右盼。再过了一半，大人也坐不住了，只听一位大叔狠狠的骂了句：妈x，什么乱七八糟的，继而愤然离去。其他的观众先是一愣，继而相视一笑，接而接连退场...囧...余下的怕是那些仍留有幻想的，可惜，他们看到的只是几个生硬的logo...以后，不能迷信演员了，还是得看导演。以后，不能直接去影院了，还是得上豆瓣。

作者：csh

本文首发于《陀螺电影》

像《骡子》与《理查德·朱维尔的哀歌》这样的作品，在院线电影中实在太罕见了。

观众们或许很难辨明它们的独特之处，但它们确实能够给人一种极为流畅、舒适的观感。而这恰恰是因为，伊斯特伍德的这些作品，保持着某种惊人的古典性。如果说新浪潮的猛将、时年89岁的让-吕克·戈达尔，直至2018年的《影像之书》为止，都在试图创造更加新奇的影像；那么与戈达尔一同出生于1930年的伊斯特伍德，恰恰就是古典好莱坞风格的捍卫者。

在《理查德·朱维尔的哀歌》中，他仍旧在使用着这种锤炼了数十年的古典技艺。或许许多欧洲电影迷、尤其是新浪潮爱好者，会对这种传统抱持着某种轻蔑的态度。但是，古典之所以能够成为古典，其实也有它的道理——这种影像之所以能够给人带来最为流畅、舒适的观感，其实是经过时间检验的。

那么，什么是好莱坞的古典主义风格？它主要指涉的是好莱坞古典时期电影中，以连贯性剪辑系统为主体的影像风格。我们熟悉的过肩正反打、视线匹配等技巧，都是这种风格最重要的武器。它们会引导我们关注最重要的信息——发言人或是视线的落点等——以此来推动叙事的发展。但与此同时，它们还保持着一种惊人的透明性（“连贯性风格”之名恰恰来源于此），不会让我们意识到摄影机的存在，也让我们得以彻底浸没在影像中。

但是，存在这些既定的技巧，并不代表古典风格就是一成不变的套路。就像长镜头风格也能拍出杰作与废品一样，在大师手中，正反打也能展现出极尽细腻的用法——在《理查德·朱维尔的哀歌》中，伊斯特伍德就让我们见识了这一点。

在理查德·朱维尔、他的律师沃森·布莱恩特与两位警官对谈的那场至关重要的戏中，正反打的细腻性体现得淋漓尽致，在这场戏里，朱维尔第一次发自肺腑地对着FBI的警官进行了批判。很多观众一定觉得这场戏很能调动情绪、很“燃”，但他们很可能没有意识到，伊斯特伍德是通过恰到好处的正反打变体达成这一点的。因为，这种古典主义的风格图式实在是太“透明”了。

在刚开始的时候，朱维尔、律师和两位警官被分解成两个双人镜头，但它们其实都是“伪双人镜头”。在朱维尔和律师所处的镜头中，灯光主要关照的是密集地进行发言的朱维尔，而身形较暗、较为沉默的律师处于画面的次要地位；在两位警官的那个镜头中，发言人主要是乔恩·哈姆扮演的、咄咄逼人的汤姆·肖。

所以，这两组双人镜头之间的正反打，其实是朱维尔与肖之间一对一的交锋。随着这场戏的发展，这一点变得越来越明显。之所以正反打又名“过肩正反打”，就是因为在A听B说话的时候，我们常常会看到A模糊的肩部，这样我们就能同时体认谈话的双方。

而在这场戏中，当两位警官说话的时候，我们本来能够看到朱维尔和律师的肩部。但随着谈话的深入，我们就只能看到朱维尔的肩部了——伪双人镜头渐渐变成了真正的单人镜头。伊斯特伍德微微将镜头右移，同时调整景别，最后我们看到的，是朱维尔与肖的特写正反打。

伊斯特伍德通过这种方式，一方面让我们逐渐关注场景中最重要的焦点，一方面通过越来越近的景别，创造了一种循序渐进的紧张感。最有趣的是，当朱维尔在特写镜头中慷慨陈词、批判FBI之后，景别旋即变远，我们再次看到了两个松弛的双人镜头——这恰恰是让观众纾解情绪的过程。

在这场迷人的戏中，伊斯特伍德用这种最不易被觉察的、古典主义的手法，发挥了推动叙事进展的指示性效果，也达成了抒发情绪的表现性效果。在很多时候，即使是那些欧洲艺术电影的风格，也都在发挥着这两种效果。

当然，伊斯特伍德这部技艺精湛的古典之作，不仅仅使用了连贯性剪辑这套武器。其实，更为久远的好莱坞古典主义电影，是并不排斥较远景别的场面调度的，只不过这种调度也和剪辑一样，会被用来展现透明化的叙事——霍华德·霍克斯正是连贯性调度的大师。

在《理查德·朱维尔的哀歌》中，伊斯特伍德通过与剪辑同等细腻的调度，在中远景中展现了奥运会场地、报纸编辑部等一系列的空间，以及这些空间中的群像。我们看到的不只是朱维尔这个个体，还有一个范围广阔的社群。正因如此，这种风格也非常适合用来表述这种社会议题。

那种用超近景别构成的电影，其实是晚近好莱坞电影追求感官刺激的策略。所以，伊斯特伍德的古典性，不仅相对于那些追求电影语汇突破的欧洲电影，也相对于那些当代的好莱坞电影。看他的电影，我们感受到的不是刺激，而是流畅与舒适，我们真的在聆听一个好好被讲述的故事，真的在思考一个含义深远的历史悖论。

有趣的是，理查德·朱维尔也恰恰是这么一个“古典主义”的个体。他坚守着那种颇为古典的价值观，无限忠诚地履行着自己的职责，所以他不会“出错”。在这个万物失格的时代，像朱维尔这样的人早已成为了少数派。

年近九十岁的伊斯特伍德，坚守着这种古典主义风格，或许也正是因为，在向观众传达自己所思所想的时候，他希望自己的影像不要出一点差错。

三个硬币来算命，从小景别到大景别，来展示环境，显得大师不太专业特写瓜子壳，侧面突出金总等待时间很长仰拍坐在迈巴赫上的苏新推镜头拍摄被遗漏下的U盘，结果直接让原来未签成的合同直接成了仰拍王经理蹲在屋檐之下，很讽刺快节奏剪辑苏新的幸运且成功的生活许梦谣在歌唱时整个人都在发光一样不幸运是因为连锁反应，不幸运才是人生常态

剧情就不阐述了，还好在自己家下载的用投影看！ 外星狗设计的还满酷的 ！ 不解的是前半段一直不出现也不告诉穿越过去的人是什么东西是在吊观众的胃口吗 ？至于吗 ？导演是个坏老头 ！ 还让一群白领去杀外星狗 编剧的心可真大！ 其他还好 为了看保卫地球都忍了！ 还以为最后会有个彩蛋 留下一个种再拍续集 估计编剧把导演干了，直接把外星狗写死，好吧整个世界又恢复了和平！ 耶！中国人民万岁！