本文首发于公众号“奇遇电影”

不知是有幸或是不幸，巧合或是预谋，奥逊·威尔斯的遗作《风的另一边》注定都会是这位巨人的最后一部作品，而这部四十多年来一直不见天日的电影，已于上周奇迹般地在Netflix上广泛发行，并以数字和35mm的格式在少数北美影院上映。拍摄于40多年前的七十年代，新好莱坞运动的鼎盛时期，影片讲述了一位在欧洲流亡多年的老导演重回好莱坞拍摄回归之作时，在他生命的最后一天参加其“众星云集“的70周岁生日派对的故事。不论是电影离奇夸张的创作历程，和它自省式的情节与影像，毫不夸张的说，我们已经见证了电影史。作为这部电影的首批观众，导演瑞恩·约翰逊（《星球大战8》）前几日在推特上称：“首次观看这部电影完全是致幻的体验；第二遍观看则如眼睛在适应黑暗；而直到第三遍后，这部电影便彻底占据了我大脑记忆的一部分，而这只有少数的杰作才能做到。” 这并不是危言耸听，因为它着实拥有着一种奇特的力量，正如威尔斯此前几乎所有的影片一样：《公民凯恩》、《上海小姐》、《历劫佳人》、《审判》、《午夜钟声》、《赝品》等等…… 所有的模糊与不解，终将在不断的反复观看后才柳暗花明。

但凡谈到奥逊·威尔斯，《公民凯恩》永远是那个绕不过去的坎，连威尔斯本人都将其视为诅咒似的存在，而《风的另一边》某种程度上也是他对这部处女作的回应。《凯恩》可以说是威尔斯自己下的预言，在这个预言中，他将会因他的天才而功成名就，但很快陷入一种不被人理解的孤独和困境中，经受了各种背叛和逃亡，最终在对“玫瑰花蕾”的怀旧中郁郁而终。很遗憾的是，这些都发生在了威尔斯本人身上：《公民凯恩》成为了所谓影史最佳，而威尔斯却在之后的创作中遭到好莱坞的背叛而前往欧洲，在晚年为了给电影集资，只好带着暴脾气出演商业广告…… 而在这部他自己未能完成的遗作中，他用摄影机重新审视了这些预言。开场，年老的约翰·博格丹诺维奇，威尔斯当年的好友兼电影的主演之一，念着奥逊当年没能录制的开场白（他也在原本的开场后加入了一段颇为尴尬的脚注）：“就是这辆车…… ” 我们意识到，《风的另一边》也开始于死亡，正如《凯恩》是从凯恩的最后一句遗言开始讲起的一样。一个圆环在此开始形成，而约翰·休斯顿饰演的老年导演杰克·汉纳福德，也是威尔斯自己。

庆幸的是，不论威尔斯的职业生涯，还是本片的制作如何充满波折，他作为电影导演的绝顶天才从未被丢弃，《风的另一边》也继续证明了这点。这是两部电影的集合：电影的主体是伪纪录片式的派对场景，大多由16mm或者8mm摄影机拍摄，有的素材是彩色，有的则是黑白（据威尔斯的原本粗剪版推测黑白部分是由如今的后期团队转制），以1.37:1的比例呈现；嵌套在其中的则是片中的导演汉纳福德拍摄的同名电影《风的另一边》，由35mm胶片拍摄，以1.85:1的比例呈现。这两者都和威尔斯此前的一切创作都很不一样，即便同时期也采用了高速剪辑的《赝品》，也和本作的核心完全不同。前者对于真与假的探讨，体现于剪辑的魔术中，威尔斯也把剪辑台展示在镜头前，作为影片中的“上帝”；而到了《风》，则轮到了摄影机成为影片的重要角色。而当我们将威尔斯最具代表的《凯恩》和本片对比后，我们发现即便面对的是一个类似的第三人称包围式的叙述体系，前者严谨的深焦摄影和叙事逻辑，与后者粗粝混乱的手持影像和自由爵士似的叙述完全是这位巨人的一体两面。《凯恩》作为“预言”，小心翼翼地由多方的视角分析着一位天才的陨落；《风》某种意义上则作为预言成真后的“现实”，以一种不再顾及一切的态度肆意地对令人绝望的环境做着批判与谩骂：从四处抛洒电影术语、影射高度男权和恐同的圈子、到讽刺影评人无理的八卦、种族和宗教与“作者论”、邀请新老作者导演做客、恶搞新浪潮和新好莱坞运动（博格丹诺维奇作为代表）...... 威尔斯借着电影眼凝视着抛弃了他的电影界，打造了一场炫目的影坛浮世绘。

不过，汉纳福德并非凯恩式的巨星角色。在《凯恩》中，不论凯恩的地位在片中如何受到破坏，一直到他最后的宿命，从其出场的方式（威尔斯总喜欢给自己的角色设计酷炫的出场仪式）、第一幕的新闻片、“仙都“的设计、以及片中角色围绕他的身世展开的环形调查中，威尔斯确保了凯恩始终是电影无可替代的绝对核心。而在《风》中，汉纳福德似乎很难被定义为一个霸主级别的人物，甚至在正片中（片头字幕过后开始）的大约前20分钟，我们甚少看到他的正面特写，取而代之的则是一众混乱的群像；甚至他的疑似自杀（“老套的结局”）也被开场白一笔带过，与此相反，《凯恩》开场的新闻片则郑重展示了凯恩“盛大而奇怪的葬礼现场”。

与此同时，在两部电影中，我们几乎都是透过其他的角色才得以了解主人公，《风》更是以“伪纪录片”这个形式直接展示了这点，但没有任何一个角色，包括所有的传记作家、导演、学生等等，都无法成功地定义任何东西，最终他们都陷入了对“摄影车与变焦镜头的区别”这样的自说自话之中。在如此多的杂音中，即便在他自己的派对中，汉纳福德（和他未完成的电影）都只能沦为了可悲的边缘角色，而是年轻导演博格丹诺维奇、苏珊·斯塔丝伯格饰演的毒舌影评人、繁多混杂的各路人马和摄影机、以及那个神秘失踪的男一号不断的在观众的视线内发出干扰信号。甚至那部真正的《风的另一边》，汉纳福德的片中片，也几乎无法被顺利播放。

电影中的《风的另一边》是一部炫目神迷的“意识流”电影，作为对当时流行的安东尼奥尼式欧洲电影的戏仿，整部片的内容基本都是男主角在各种奇异的场景中追逐奥雅·柯达（威尔斯中晚年的伴侣和合作伙伴，同时也是本片的编剧之一）饰演的印第安女子。离奇的是，就像威尔斯的《风的另一边》最终成为了一部遗作一样，汉纳福德的影片也成了一部遗作，好似天注定一样（除了本作，威尔斯还有如《深海》《堂吉柯德》《威尼斯商人》等至少六七部未完成的影片），而片中片的观看体验也并不完全愉快。全片一共分六次展示了这部未完成作品的片段，但每一次都无一例外的被各种理由打断，“两部”电影互相存在，也互相破坏。

第一次在电影公司给影业高管的放映几乎是灾难性的，我们无法体验它华丽的景观，而是不断穿插在“银幕和观众“的正反打，以及几路人士前往派对的混乱行程中。这一段由威尔斯亲自剪辑的场景在1975年AFI颁给他终身成就奖的典礼上放给了所有在场的好莱坞人士——一场对《伟大的安巴逊》和《历劫佳人》惨遭制片厂重剪的报复。第二次播放是在派对的开始，我们见证了一段如意大利铅黄片似的情色场景，这一段约10分钟的内容几乎没有被打断，但最终一场莫名的断电粗暴地终止。第三次放映则很快就因为片中片男主约翰·戴尔的那位寄宿学校老师闯进了放映室而转移了视线。而片中片本身似乎也跟着观众的态度一起而发生了“变异”，打破了第四面墙：未拍摄的镜头和场景被大大的几行字粗暴的代替，随后我们听到汉纳福德自己对着片中的演员喊话，直到男主角被羞辱气急败坏地逃离片场，电影的幻觉被打破，我们看到道具、拍摄灯和人造布景洒落在镜头上...... 在汽车影院的最后一次放映，编剧“男爵”发现带子放错，换来放映员冷冷的一句：“有区别么？” 在早前的放映中，在大大的一行“场景缺失“出现后，汉纳福德离开了放映室，离开了他自己的作品。

片中片播放的时候，时常会自然地切入汉纳福德自己观影的特写镜头，而博格丹诺维奇则会出现在偏后的位置。片中片中有一场极为惊人的厕所场景，我们看到柯达的角色气场十足地进入厕所，看着四周的淫乱场面，眼睛的大特写左顾右盼着，而在摄影机的运动中，其他的角色也死死地盯着她（威尔斯还颇有恶趣味地把镜头给到了一个眼睛形状的戒指）。而就在这一众角色互相观看着对方的同时，我们切入了汉纳福德自己的镜头。有趣的是，处于后方的博格丹诺维奇的眼神也颇有韵律地像片中一样，往这位老导演的方向看去，好似这两人也是这场派对的角色一样。虽然这只是全片的几秒钟，但这跨时空的影像互动可谓惊人。是的，这是一部直接关于摄影机、电影和观众本身的影片，如果说一般的正反打调度是关于对立的角色之间的交流，《风》则是一场摄影机和电影之间，以及电影与观众之间的“正反打”。在影片进行到最后半小时的时候，怨气不散的汉纳福德持猎枪对准了约翰·戴尔的假人，也切断了导演和作品间的脐带。没有完整的电影，只有残碎的影像。

虽然威尔斯宣称片中片并非他自己想拍的电影，而是他为了汉纳福德这个角色设计了这个风格，但他无法回避汉纳福德正是他自己这个事实。片中片中赤裸的男女主角无意义的追逐，一间厕所中凝视的诱惑，在斑斓的色彩中被吞没的欲望，对于威尔斯而言，难道只是恶搞一下安东尼奥尼这么简单？在《凯恩》之后，他的余生都在追逐着电影，自由的好电影，他是真正的独立电影天才。《风的另一边》即便是充满愤怒的电影，却也是真正自由的电影，它如爵士乐一样（法国新浪潮标志之一米歇尔·勒格朗为本片写的音乐也异常精彩，电影也使用了如Buddy Rich和Jaki Byard等大师爵士演奏家的曲目）充满迷人的激情，但这背后的代价却是尘封于世四十年，最终不知是有意与否，电影自身也由一个讽刺影片转变为《午夜钟声》中弗斯塔夫（Falstaff）式的悲剧。

在《上海小姐》最著名的场景中，威尔斯的角色迷离地面对着四面八方的镜子，形成了无限的复制，分不清了方向；而在《风》中，年轻的影迷追问道：“是电影眼反映了现实，还是现实反映了电影眼，或者摄影机只是一根阳具？” 汉纳福德并没有正面回答这个问题，但在片中片的最后，也是这部遗作的最后，在狂风呼啸毁灭一切之中，一根超现实的阳具立在奥雅·柯达面前，女演员拿着剪刀刺了过去，它倒下了。随后在一个魔术般的镜头中，我们从片中片推出到空荡荡的汽车影院，银幕化为乌有。此时传来了汉纳福德，也是威尔斯迟到了40年的电影遗言：“也许真的会太过紧盯着某个东西？榨干其美德，吸出其生命力，你拍摄那些美景，和美好的人，所有的女孩男孩，用镜头射死他们（shot them dead）。” 他就是他自己最悲情的预言者，他的每一部电影都是他的一面镜子，汉纳福德被淹没在自己未完成的杰作和混乱的纪录群像中，内心和环境都不是他的，这也注定了他的结局——又一次《公民凯恩》式的死亡叙事，留下一块空白的银幕，不复存在的“玫瑰花蕾”。

我是你头顶的云我是你耳畔的风我是你涉过的潮来潮去我是你眼中的浪漫山花亦是你行过的万里山河――灵魂摆渡黄泉篇你行过黄泉，得见八百里红花，株株情根深种。《黄泉》由网剧《灵魂摆渡》系列IP衍生而来。以怪力乱神之事为引，明显“鬼”事，实写人世，剧情构思巧妙 ，人物形象各异且不单薄，很受年轻观众的喜爱。《黄泉》剧情比较简单:在“足八百里，无花无叶，黄沙遍地，延绵流潋”的黄泉上，孟婆以八味原料引给所有来者熬一碗孟婆汤。不管你参加有过怎样的记忆，痛苦抑或喜悦，不舍抑或决绝，在这一碗汤后，都会将前尘往事抛掷脑后，在来生的路途上开启一段新旅程。孟婆有一女名唤三七，三七在年幼时继任孟婆，以汤渡人，断人情劫。然而，在机缘巧合之下，三七与凡人男子长生情根深种，难以自拔。两人准备执子之手与子偕老时，却生徒生变故，孟婆自我牺牲，而长生却种了八百里曼珠沙华，千年如一日等待孟婆归来。剧情很老套，但却依旧看到最后，赢了我的泪流满面。本剧重新建构了“足八百里，无花无叶”的黄泉，并塑造了痴情善良的孟婆和幽默仗义的鬼差，刚正不阿的无名等人物形象，填补了一些网剧没有交代清楚的疑惑点和赵吏的前世今生。编剧小吉祥天佳句频出，从《灵魂摆渡》的第一部“寸心无可表，唯有魂一缕，燃起灵犀一炉，枯骨生出曼陀罗”到《黄泉》中的“世间万物，唯情不死，即为长生”，小吉祥天像写进世间悲欢离合。从《山海经》的饕餮，民间传说“白蛇传”再到《黄泉》中孟婆，黄泉的再现与诠释可见编辑从中国传统中摄取了不少营养。系列故事内容可设定在现代，古代或者民国时期，人物塑造不单一，没有脸谱化特征，对传统文化的诠释，让文化对作品进行“反哺”，当这些生活在远古时代和人们想象中的人物和故事被搬至观众面前，通过逻辑严密的剧本和演员出色的表演产生共鸣时，也许就是系列作品的魅力所在。有人说，原本是来练胆，却哭得泪流满面。大婚之日，被骗了生死薄，黄泉大乱，三七载着长生穿云跃海，送他离开冥界时，她说:长生，你要好好的，我便开心，我要你永生不死，万载长生。你莫忘了我，我在黄泉，陪你长生。为了替长生顶罪，三七以死谢罪。长生问她:死后去了哪里。她说：长生，不做孟婆之后我去了人间。我是你头顶的云，是你耳畔的风，是你涉过潮来潮去，是你眼中烂漫山花。亦是你行过的万里山河，此刻，我亦在你的眼中。你亲手所植八百里曼殊沙华，每一株都是我。爱上小吉祥天的台词。何须长生泥作骨，此生还君一缕魂。情之所钟者，不惧生，不惧死，世间万物，为情不死，是为长生。没有斥巨资，没有流量明星，老套的故事，依然让人感动。

鸟姐妹真能感同身受，图卡和柏蒂，没头脑和不高兴，两个互补的性格，图卡干什么都是按照意愿，不担心别人对自己印象，活在自我的世界里面，柏蒂自卑的想让和所有人相处友好……我想我是柏蒂第二集太真实了，所有的情绪无论国内国外都是一样的，会为升职加薪烦恼，柏蒂想提却不敢提的样子真是像极了普通老好人的我们，真实的做自己竟然是这么难……羡慕图卡能够为所欲为，也许就是她说的自信吧，勇敢发出自己的声音第三集图卡喜欢上了一只猴子，当你真的喜欢一个人的时候，自己都忘了自己原来样子，想要在男神面前表现的更好，结果往往弄巧成拙，事与愿违，所以呢，坚持做自己很重要。柏蒂有好的工作，有爱的人，但觉得生活缺少了什么，生活就是这样吧，有平淡有惊喜，经历就好第四集也是这么贴近生活，柏蒂因为不想在公众面前讲话，装病不去上班，想了好久都不知道怎样写邮件说这个事情，图卡来找柏蒂陪她去买药，简简单单几个字就帮她把请假信写好。 图卡在厕所涂药去了，剩下柏蒂一个人在超市里面，周围的一切与自己格格不入，她只想快点离开这个超市，郁闷到竟然发疯想要自杀，最后把自己关在一个小小的帐篷里面，为了保护自己的朋友，她走出来克服了恐惧，还想着公司里面因为她请假不去开会所有人都会恨她，其实公司里面的同事因为她没有来开会，结果看起了电影，都感到非常高兴。所以真的有时候是你把自己想的太重要了，有时候又太在意别人的眼光，所以活得不像自己，感觉到被束缚，感觉到不开心。经过这个事情，柏蒂变得自信起来，正视别人的说话，勇敢的去蛋糕店里面做兼职，也在第二天的公开会上，发挥的非常好，得到了公司的一致好评，她自己也说经过了那次超市事件，没有什么事情是自己不能处理的，所以有时候各种情况各种问题都是在自己的意念之中，你自己战胜了强大了就不再是问题