“张一山这演的是巩汉林吧？感觉下句宫廷玉液酒就要出来了。”

“金庸老先生才走两年……”

“看了5分钟，只有一句话，这叫什么玩意。”

新《鹿鼎记》悄然开播，却赢得巨大反响。在豆瓣上，网友留下3.4万条短评，绝大多数与前引3条内容近似。最惨时，该剧评分下探到2.5分，后略反弹，也只有2.7分。

有网友刻薄地说：怪不得上线前没怎么宣传，看来投资方也知道它不行。有影评人将此概括为《新〈鹿鼎记〉，烂得通红》，意思是：该剧之差，已达“带火话题”的水准。

“一边倒”的评价背后，应注意两点：

首先，大多数网友是根据前两几集得出的观感，随着角色逐渐就位，新《鹿鼎记》还是有可看性的。

其次，大陆先后拍过三版《鹿鼎记》，都不算太成功，这说明，业内对《鹿鼎记》的理解上，存有集体偏差，新《鹿鼎记》的缺陷并非个案。不突破此瓶颈，下一版《鹿鼎记》仍难成功，片面指责新《鹿鼎记》，意义有限。

《鹿鼎记》的根本在解构主义

拍好《鹿鼎记》，前提是读懂《鹿鼎记》。《鹿鼎记》是一本“反武侠”小说，基本理念来自解构主义。

传统武侠小说坚持正邪不两立，主人公必须“又红又专”——既是道德典范，又是功夫高手。驱动他们行动的动力是匡扶正义，但正义与日常生活关联较少，所以传统武侠多聚焦在争夺武林盟主、获得秘笈、报仇、维护和平等狭窄的题材上，形成了非黑即白的叙事传统，它很难更准确表达出世界原本的灰度——即使在正派中，权力分配、权威塑造等也未必公正，这可能也是制造出邪派的一个原因。

在传统武侠小说中，江湖秩序意味着对个体的异化，它只接纳一种人，即绝对愚蠢、绝对忠诚的单向人，太聪明、太多元、太喜欢反省的人，反而被认为是危险的。

金庸一直试图突破这种藩篱，在他笔下，许多大侠亦正亦邪，包括上黄蓉、赵敏、任盈盈等，她们狡黠、顽皮、狠辣……与传统意义上的侠客不太相同，有“反英雄”倾向。这种倾向发展到极致，便是韦小宝。

韦小宝的一切都与“侠”相反，他胆小、武功差、浑身市井气，出身也不高贵，此外他满口谎言，而且好色。可偏偏是这么一个毫无人格魅力的角色，却取得了惊人的个人成功，而以严肃著称的名门正派、宫廷内部、官场等，却犹如儿戏，所谓规矩、道义、体面等，完全被解构。

金庸本人未必意识到这个解构的价值，可能他也担心自己在走向“油滑”，此后再没写出新的长篇小说。

全球化下，人们才接受了韦小宝

《鹿鼎记》刚问世时，遭遇了较多批评，金庸在后记中提醒读者：“韦小宝重视义气，那是好的品质，至于其余的各种行为，千万不要照学。”

其实，只在自己利益不受损的前提下，韦小宝才会讲“义气”，且讲完后又会附加许多自吹自擂，并要求对方回报。这能称为“义气”吗？只能说，金庸既喜欢韦小宝，又不知道如何让他看上去“有价值”，只好用“义气”来搪塞。

1977年，香港佳艺电视台拍摄了第一版《鹿鼎记》电视剧，共60集，为避免观众反感，只好让女演员扮韦小宝，遗憾的是，该剧最终未能播出。

20世纪80年代，《鹿鼎记》突然受到欢迎。作家亦舒写道：“（韦小宝是）男人中的男人，嫁给韦公是幸福的，是以他有七个老婆，她们都得到实际的爱护，精神与生活上的照顾。”

从“小痞子”，到“男人中的男人”，因为在体现变迁下，读者们从《鹿鼎记》中，读出自我身世之感：韦小宝能力不大，也不算努力，只靠运气和小聪明，便既得皇帝信任，又在江湖扬名立万，高官、财富、功绩、美色等，一个不落。

上世纪80年代是全球化的萌芽时代，受此冲击，出现了身份认同危机。此前，普通人还能靠个性、才华，给自己争取一点空间，可随着资本全球流动，普通人日渐被套牢，再难挣脱资本的束缚。

曾几何时，职业被视为一辈子的事，年轻人被教导，只需钻研业务，地位与待遇自然会越来越好。可在今天，大量职业在消失，已没人能告诉你：明天会不会失业；该怎么做，才能保证未来。连大企业也不再制定五年规划之类，因为它们离倒闭可能也只差一年。

从没有哪一代人，能像当代人那样，充满不确定感。萧峰已无法给他们以代入感，他们能看到的最遥远的彼岸，就是韦小宝。所以才有“做人最好是萧峰，出来混还得韦小宝”之说。

没有“痞”，就没有韦小宝

遗憾的是，大陆先后拍了三版《鹿鼎记》，却始终没有get到解构主义这个点，只是把它当成喜剧，是“将那无价值的撕破给人看”，这构成了创作上最大的困境。

对比香港推出的三版《鹿鼎记》：

1984年版由梁朝伟主演，他刻意强化了韦小宝爱打小算盘的一面，前半部演绎到位，只是梁朝伟的形象太英俊，使角色的正面感略强。

1998年版由陈小春主演，增加了更多心理戏，使观众更能理解韦小宝的行为逻辑，从而产生亲近感，该版在人性深度的把握上，独树一帜。

2000年版由张卫健主演，这是对原著改动最大的一版，突出了韦小宝的侠义精神和绝世武功，虽有些离谱，但改编者紧紧把握住解构的主脉——在畸形的权力场，韦小宝与康熙这对少年玩伴最终不得不分道扬镳。

这三版《鹿鼎记》都紧紧把握着韦小宝的“痞”做文章。这种“痞”和传统的“痞”不同。韦小宝不反抗秩序，也没有暴力倾向，他在被动地顺应着，并呈现出底层小人物的生存智慧与生存哲学：卑微、挣扎、自恋、自怜……韦小宝因此拥有强大的共情能力，那不是居高临下的同情，而是切切实实的温暖。

韦小宝为漂泊的现代人，提供了白日梦的可能，以及人性犹在的证明，从而保留了抵抗被异化、被改造的一丝希望。

再看大陆拍的三版《鹿鼎记》，黄晓明、韩栋、张一山在演绎韦小宝时，都努力呈现他的善良、天真、温情的一面，“痞”只是可有可无的包装。而没有了“痞”，韦小宝便不再是韦小宝。这种赝品的韦小宝，不论表演上多么用力，也难得到观众认同，更无法使他们得到安慰。

不能一提创新，就只有形式创新

客观地看，新《鹿鼎记》还是比较用心的：画面精致；角色塑造可能有些夸张，但演员很努力；服化道上也比较用心。只是后来者总会承担更大压力，《鹿鼎记》原著偏重娱乐性，而娱乐功能的达成，只能靠感官刺激，这只能一次性成功。毕竟，感官刺激会越来越麻木，第一口辣椒总是最辣的，此后的几口就很难达到同等效果。

对于《鹿鼎记》的人物与情节，许多观众比电视剧主创人员还熟，他们不愿看熟悉的东西，又不能接受偏离他们印象太多的东西。如果新《鹿鼎记》早于其他版本，可能观众们反而会觉得，韦小宝的面部表情原本就是这么丰富，张一山的演绎很准确。

后来者不论怎样创新，都会激怒一大批“忠粉”。可新《鹿鼎记》的评分如此低，说明出它的创新方向有误。

不知为何，如今一提影视创新，就是在画面、表演、镜头、道具、故事等方面创新，而不是原著理解、表现主题、人物演绎等方面的创新。“形式大于内容”似乎已与“专业化”画上等号，可这种形式上的新，无非新瓶装旧酒。

这种“为创新而创新”的偏执，使新《鹿鼎记》在表达上充满矛盾，以叙事速度为例：

一方面，节奏过快。就像网友批评的那样：“5分钟韦小宝进京城了，15分钟海公公就瞎了，25分钟韦小宝康熙就认识了……照这个速度10集就可以大结局了。”这个快可能是压力的结果，但快得没道理，即属硬伤。

另一方面，又离奇地拖沓。韦小宝在康熙的书房找《四十二章经》，巧遇公主并发生打斗，该桥段竟长达2分半；为填满节奏过快留下的空白，新《鹿鼎记》加入大量毫无趣味的新梗，仅韦小宝掰手指数“四十二章经”是五个字的滥细节，竟出现了好几次。

类似的拧巴，随手还能举出许多。

新《鹿鼎记》的导演马进说：“我们这一版《鹿鼎记》的受众是谁？我坦白地说，是00后和10后。”可在未作充分市场调研的前提下，导演如何知道“00后和10后”喜欢什么？这种话术貌似严谨，却只起到掩盖不严谨的作用。既没迎合市场，又降低了艺术品质。

问题的关键，在于搞懂“什么是创新”。创新不是“老故事+新笑话”，也不是“拿着肉麻当有趣”，更不是“一肤浅就说只给年轻人看”……个人倒觉得：不具备从原著中读出新意的能力，最好不翻拍。

“爱你孤身走暗巷，爱你不跪的模样，爱你对峙过绝望，不肯哭一场~~”，相信这几句歌词大家就算不会背诵，也肯定多少能哼唱出旋律来，因为这段时间最火的歌曲莫过于Eason的这首《孤勇者》。

而就像歌词中所唱的那样，在距离地球363,300千米的月球上也有一位孤勇者，为了爱情他来到月球，但最终却意外成为“全宇宙中最后一个人类”，他就是《独行月球》的男主角独孤月，一个真正的即使没有站在光里但依旧是英雄的普通人。

【详细】

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香港的上座记录是不是最佳拍档创造的？还是之前的半斤八两？不管以后票价怎么升，总票房怎么提高，上座记录是无法打破了，更何况当年的香港还只有300万人。

许冠杰当年是真红啊，以创纪录的50万港币片酬参演此片，简直给了嘉禾一个重重的耳光，大将叛逃的八卦让人津津乐道。

光头麦嘉也是新艺城的开山元老之一了，想想由此开启的璀璨80年代电影辉煌年代就让人激动不已。

嗯，就突然想看小时候看过的电影，在爱奇艺找到这个，正好好奇梁朝伟拍这种片是什么感觉。怎么说呢，梁生还是很有魅力，一些乱力怪神的台词被他说的好有说服力啊！然后杨千嬅笑的很有感染力，但那个头发染的好丑啊！怎么说呢，就是一部乱七八糟的片吧！没有铺垫两天就爱了。小时候滤镜很深的片单是不是都是这样啊？然后我又去看了我左眼看到鬼（这个影评等会写）。果然香港的这种电影演员一年拍十几部我现在想来也不夸张了！现在人太捧古讽今真的滤镜过深，没必要哈！以前的电影主旨很清晰，中间可能会乱掰很多，但基本不会走题，你知道它想说什么，就看演员功力能不能救，看编剧能力能不能玩，但场面是绝对没有的。这也说明了为什么现在港片没落了。在好莱坞视效如此牛逼的情况下，故事内核还是玩老一套，就真的只能日落西山了！片子一般，但感慨很多。

熬夜看完前3集后的感想：肯定不算烂片，但作为黑镜粉，我的失望也是真真切切的。首先一个最大的感受是，这季真是彻彻底底、原汁原味的美国化了。第一集恶搞的对象是《星际迷航》，桥段是完完全全的好莱坞式的（人的最大弱点必须是子女，人的最大信仰必须是自由，人必须在一个脆弱的瞬间剖白自己内心的创伤），精神内核是彻彻底底的美国信念（英雄拯救一切，群众打败独裁，自由照亮宇宙），人物设定是美式的（技术宅必须内向而迷恋星际，大眼萌妹必须勇敢倔强不服输），人物的表情语言是美式的（直白到了稍显浮夸的地步），连风景也是美国中部的红土地。当然我并不觉得美国化是不好的。老实说这一集我看得挺带劲，因为黑星际还算挺有娱乐价值的（然而奋进号上明明到处都是温（澎）暖（湃）的友（基）谊（情），干嘛黑我们柯克舰长！）。但是黑镜招牌的深刻、尖锐和反转我真的一个也没找到。坏人被关在无边的虚构宇宙中，大家就这么愉快地HE了。我个人觉得这一集就算故事不变，讲故事的方式也完全可以更好，比如说从女主的现实生活切入，让我们先看到她莫名其妙收到恐吓邮件，再逐渐揭开另一面的故事，就会有悬疑感，就会更引人入胜。这一集实际上的讲述方式有点太平铺直叙了。但第二集和第三集我就真的觉得有点无聊了。首先，主题的深度比前几季差太多了，父母过度保护子女，杀了人为了掩饰只能一错再错之类的，真的都是些老生常谈了。这两集不要说探讨哲学问题了，我简直都不好意思打上“剖析人性”的标签，我觉得顶多就是两个讨论社会问题的小品吧。在我看来黑镜前几季的魅力，就在于通过科技这面镜子，照亮我们平时不曾仔细想过的人性角落。这面镜子让我们看到人类无处遁形的丑恶、无助、和可悲。在那些看似科幻的故事里，随处藏着刀刃般寒光闪闪的玻璃碎片。那是一种让人冒冷汗甚至反胃的震撼感，因此才当得上神剧两个字吧。（我至今都记得102，202，304给我带来的震撼）。但402，403真的没有给我任何震撼。黑镜第四季的宣传是“darker than ever”，我不禁觉得编剧的路线有些问题：并不是堆砌一些青少年怀孕、毒品、凶杀之类的东西就够“黑”了。黑镜的“黑”不是丧，也不是重口味，而是照亮黑暗角落的那一道寒光啊！402、403不仅那束光不给力，而且照的都是些我们早就知道的东西。就算抛开主题不谈，故事也不算精彩，情节可预测性很高，大反转没有，小反转缺乏冲击力（对我来说最大的反转就是：居然没有反转，居然又没有反转......）当然如果不抱神剧预期，就当个普通的社会问题剧看，第四季也还算是个好看的片子。我会调低预期看完后三集，希望能有意外惊喜。——————————————————————————————————————————————第四集: 还行吧（反正比2和3强）。有人在不满意的关系里为了完成任务而度日如年，有人找到心动的感觉却因为“系统”说那是错的人而匆匆分手，有人因为一件愚蠢的小事破坏了原本岁月静好的幸福，这些恋爱中的种种，无关科技。然而，我看的真的是黑镜？总感觉自己大约是穿越到了《恋恋笔记本》或者《真爱至上》或是《about time》里面去了。科技再怎么物化人类也战胜不了真爱？剧组你还可以更正面更爆米花一点吗？新的黑镜试图给我们糖水和希望，但我就是怀念以前它给我的冷汗和思考怎么办（其实我也如同那个想着前任度日如年的人了吧）。第五集：我还比较喜欢。虽然故事很简单，但拍的很有风格，留白和余味也比较足。我觉得那些黑狗可以理解为命运，或者独裁恐怖之类，它夺走了人们珍贵的东西（玩具熊可以象征很多东西，比如自由、童年、梦想、甚至人的基本权利），它无穷无尽地蚕食人们所有的希望。面对这种东西，我们毫无胜算，从来没有有胜算，也似乎永远不会有胜算。但为了那箱玩具熊，为了那一点点希望、回忆、信念、人性、或者别的什么东西，我们还是会抗争，这个女人死了，还会有下一个，一定会有。我们渺小可悲，却也伟大可敬。第六集：情节紧凑，有悬念和反转，本季最佳。虽然梗实际上是旧的（上传意识和永生梗来自304《san junipero》，无穷无尽折磨死刑犯的梗来自202《白熊公园》，讨论代码是不是人的梗来自圣诞特别篇《白色圣诞节》），但组合变形以后可看性还蛮强的。只能说黑镜前几季好的梗实在太强大，炒冷饭都能炒出佳肴来。总的来讲，这季的缺点是没有新梗，也几乎放弃了哲学思辨或者对人性的深入挖掘。优点大概是娱乐性更强，更接地气，以及更乐观吧。看到在我心中独一无二的《黑镜》几乎变成了另一部剧，还是挺惋惜的。

首先，不是涉政、涉社会黑暗或者带有讽刺意义就能让一部恐怖电影更容易被冠以佳作的名号。这不应该是评价一部恐怖电影好坏的标准。《杀人牛仔裤》是一部极其失败的恐怖电影，他的质量可以对等内陆恐怖题材网络大电影，而这里要特别提到的一点是评论里多有提及的讽刺元素。这部电影的剧情中无论是有意或是无意，的确涉及到了社会黑暗的一面，但在这一部失败的恐怖作品中，这一需要编剧坚实的职业技能才能操控好的讽刺元素，就像是写好的论文在老师的要求下为了凑够数而加了几个参考文献的引用，听起来像是使得整体升华更有价值，实际上画蛇添足，放在整个本就如破烂一样的作品中更是毫无价值可言。或者说，我们也勉强应该为他涉及社会黑暗元素这一点表示赞赏，但他是一部恐怖电影作品，他的基本义务应该是达到一部恐怖电影的合格标准，观众应该从恐怖电影的角度评价他，社会讽刺元素应该退居次位，那是新闻传播的主要职责。

美国恐怖电影中名垂影史的人造恐怖形象可谓是琳琅满目，从怪物类的“异形”（《异形》），“加博虫”（《异形魔怪》），到杀人狂类的“弗莱迪”（《猛鬼街》），“维克托”（《短柄斧》），“小丑”（《万圣节前夜》＆《断魂小丑》），上述例子中，无论是上世纪影响至今的恐怖电影，还是近几年新出的恐怖佳作，他们所设计的恐怖形象都为观众所接受，与此同时更重要的是这些恐怖形象所存在的电影本身就完成的非常合格。回到《杀人牛仔裤》这部电影，乍一听牛仔裤杀人这一设定觉得还真挺稀奇，这感觉就像第一次听说《惊声猪叫》（别名《猪八戒杀人事件》）一样让人觉得好奇。但是当牛仔裤真的开始杀人，有多少观众开始觉得这一设定很无力？就我个人来讲，当我看到第一个受害者被杀时还觉得勉强可以，但当时我便开始担忧，作为一部反派是牛仔裤的恐怖电影，后面还能设计出什么有花样的杀人手法来？而且从第一个杀人方式来看，导演是有意向把这部电影归为血浆片的。当第二个角色被杀，我作为观众直接对牛仔裤杀人这一设定深感无力，这种感觉就像是有人提出了一个很有新意的点子，很多人都觉得有兴趣，然而当这个新意点子扩展开来却让人觉得无趣了。就像很多恐怖短片获奖后被拍成长片，短片给观众印象深刻，长片作品却让人觉得毁了以短片方式呈现的精髓。

《杀人牛仔裤》这部电影的精髓就是“牛仔裤杀人”这一新意设定，我不代表所有人，但绝对有人和我一样作为观众无法接受这一设定。尤其是电影剧本便肉眼可见的无力和单薄，好像编剧本身就不太接受自己的设定，所以山穷水复之时让牛仔裤有了拟人化的设定：裤腰做嘴，两个口袋做眼——亦或者后面直接把牛仔裤套在了假人身上。编剧大抵是发现了这一问题，单单一个牛仔裤作为杀人形象太过无力和滑稽，所以拟人化或许更容易让观众接受。可惜的是，点子新却无法撑起一部恐怖电影，从基本的反派设定的无力，到毫无吸引力的剧情推进，再到多到令人发指的设定漏洞，举例：店长再想做好业绩，也不可能在看到员工被肢解的尸体放在柜子里还能泰然自若，情绪毫无波动。整部电影就是一笔流水账，严格一点来讲的话全片没有任何可圈可点的地方，是一部完全失败的恐怖电影。

●以上仅代表个人观点