《登月第一人》是“高司令”瑞恩·高斯林与导演达米恩·查泽雷的第二次合作，该片以全新的视角，为观众呈现了登上月球的第一个人类——尼尔·阿姆斯特朗不为大众所熟知的一面。

高司令与达米恩·查泽雷上一次合作的《爱乐之城》曾经横扫颁奖季，票房口碑双丰收。

不过在这之后，高司令主演的《银翼杀手2049》、《登月第一人》都是叫好不叫座。据说《登月第一人》的成本有7000多万美元，北美票房仅4000多万，可惜了一部好片子......

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同为张颂文老师主演的戏，又同样是扫黑的，但这电影是真侮辱观众智商啊，无论是反派和还是正派都没有智商在线的。

都知道一部电影的时间要交代一整个故事是会删减很多，但这电影真是为了跟你讲故事，人物一点不刻画啊。金世佳坏人就是要从头到尾一直干坏事，生怕别人不知道还啥事都干不成，姜武正派就是从头到尾的正能量，一点都不动摇，一点手段都没有上去就怼，还就能把事办成了。张颂文大BOSS也是一点反转一点嫌疑都不搞直接实锤两面人。最后一段徒手单挑持枪大佬真是强行喂屎。

上午在卢米埃看了，全程都可以睡觉。我觉得猪猪侠的动画片每一次都像是失忆了一样。怎么每一次的故事都不连贯呢？难道这不是续集或者前传啥的？这一次的大魔王是萨奥丁。在未来世界大魔王非常强大把武林卫打得落花流水。长大成人后的猪猪侠决定利用时空裂缝回到过去阻止大魔王的诞生。

可是他回到过去才发现无论如何都无法阻止大魔王的诞生。萨奥丁还是成功研制成功出大魔王的半成品。但这个半成品就已经相当厉害了，少年猪猪侠也是费了好大力才打赢。电影的结尾是成年猪猪侠回到未来继续跟合格产品大魔王决战。

整部电影胡编滥造也就算了，最不能忍的是除了迷糊老师，其他人物的配音都换人了。这简直就是最大败笔，并且人物造型跟前几部比起来，也在开倒车。

如果实在要带孩子去看，就准备美美在电影院睡一觉吧。这一部绝对是我看过最垃圾的一部猪猪侠续集了。为什么拍电影的不把注意力放在拍出好的作品上，却要恶意指责豆瓣的大众评审们，这个锅我不背！

笑死我了这名字，这海报，还到处朋友圈刷屏呢，逐梦演艺圈2.0吗哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈

之前刷微博的时候看到过一个预告短篇，抱着试试看的心态来看剧，虽然我刚刚开始看，但是我觉得目前来说这部剧的布景很美很舒服，特别是拍山景的时候，让人眼前很舒服。就剧情节奏而言我觉得把握的很好，从一开始的绑架倒序到过去，会很吸引我继续看下去。而剧中的一些情节让我觉得很有生活感，蓝白色的曾经让我觉得巨丑的校服，自行车??，真的让我感觉像我曾经的校园生活。还有一些小细节：老师对学生早恋问题的严谨，母亲对孩子望子成龙的，以及的父母离异儿子对父亲的态度。这一些小小的细节能体现出这部作品很用心。还有演员：我发现女主演的很自然大方，和男主的互动就像高中生打闹，还有叶骞泽离开的时候不管是妈妈，弟弟还是女主都用自己不同的表现形式表达了自己的不舍，男主找人打电话的地方我觉得挺逗的，很难的有一部剧让我觉得各方面都挺好的，希望接下来的剧情会越来越精彩

森林恶鬼，没啥恶鬼的感觉，似乎更像是一直寄生于树洞里的喜食血肉的精怪，正面战斗能力并不算强，外加操控人的记忆等能力，结尾反转有了，整场氛围也有了，但可能我觉得不够劲。也许导演想表达的并非恶鬼本身，更多的恐怖来源于记忆修改，遗忘才是最大的恐惧!恶鬼只是一个引子，血腥场面不多，战斗场面不多，但那种周围所有人都被迷惑或操控，只有你一个人明白一切，但无力挽回的氛围还是蛮惊悚的!

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终于，2019年，最令我心动的男主角出现了，单亲爸爸——刘志浩。

最近几年，韩剧和国产剧都走入了一个怪圈，仿佛传统的爱情故事已经不能满足观众的需求，一定要有一个花架子，在形式上勾着观众往下看。无论是超能力还是人造人，这些悬浮的爱情离我们太远，其实观众想看的是充满烟火气的人物和温暖扎实的感情。

而敢抛掉一切噱头，实打实拍人物感情和细节，有一位导演最在行，那就是安畔锡。从《密会》到《姐姐》，安畔锡有着超乎常人的观察力和直戳人心的镜头语言功力。他不是一个强情节的导演，而是一个情绪型导演。一个下意识的动作，一次不经意的眼神交流，一场打乱一切的初雪，荡漾的情愫充斥在这部剧里，就算主角们都在否定，但观众们都知道，你们已经动心了。

虽然我对丁海寅有着偏爱的滤镜，但刘志浩这个角色还是和丁海寅之前塑造的角色不一样。反而让我想到了《通往机场的路》里李尚允饰演的男主人公徐道宇，他也是一位单亲爸爸，有着直戳人心的温柔。

刘志浩的温柔，真的是百炼钢化作绕指柔。对于“我爱你”的表述，腼腆的亚洲人有无数种解读，“今晚月亮真好看”、“你的眼睛里有星星”……

在这部戏中，是这样表达的。雪夜里，刘志浩跑到李静仁等他的拐角，二人坐在药店里，刘志浩说，“我很好奇，李静仁这个女人是怎样的人，从第一次见面后，我就一直在想……”

天呐，这不就是爱情吗？

将“我爱你”用一种，并不给对方增加负担的方式说出来，真的是太温柔了。

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每个人都听过“成功是少数，失败是多数”、“一将功成万骨枯”之类的警世通言，但又被“山上的风景只有自己看了才知道”、“不尝试怎么知道自己不行”之类的醒世名言所动摇。举棋不定、反复煎熬成为大多数人的矛盾状态，顺其自然成为少数人选择解脱的方式，而极少数的另一些人却选择孤注一掷、破釜沉舟。在这些敢于断绝后路的人里面，又只有极少数的人能够功成名就，实现自我，剩下的则是一败涂地、一蹶不振甚至家破人亡。

本片的女主很显然就是上面所说的最后一类人。父亲残疾失去劳动力导致生活的重担将母亲压在崩溃边缘，直接导致了她偏执、神经质、控制欲极强的性格，女主从她那感受不到任何爱，只有厌恶。于是她用自己的聪明争取到一个条件优厚的丈夫，本以为得到了爱，丈夫却依然追求自己内心的幸福和开心，留下女主一人独自面对一成不变的枯燥现实。这也逐渐催生出她杀死一切挡路者的潜意识人格。而当面对梦想时，父亲的拖累、母亲的反对最终让她将这人格释放，弑父杀母。她具备成功所需要的勇气、智慧和决心，但命运却和她开了一个巨大的玩笑：她的长相从一开始就注定了她的失败。

毁灭了所有，抛弃了人性都没能获得自己想要的，那么她也没有必要再捡起这对她毫无作用的人性了，那就将杀伐进行到底吧。

这就是她的故事。对她而言，这是一个失败的故事，但对电视前的观众——我而言，却是一个精彩纷呈的故事。

我们到底是“成功率”里的分母还是分子？这是一个薛定谔的猫一样的问题，无法回答。我相信宿命，但也对命运的不可知性非常着迷。无论我们现在做出的选择是顺其自然或是激流涌进，其结果都是未可知的，选择刺激也许最后会归于平淡，选择平淡也许最后也能迸发惊喜，即便在后人的眼里，我们的命运都是注定好的，但对我们自己而言，命运这个小碧池也是很有趣的，不是吗？

借由《索尔之子》名声大噪的导演拉斯洛·奈迈施在第一次执导电影时，就捧回了戛纳评审团大奖的桂冠，又在颁奖季将奥斯卡最佳外语片收入囊中。可当三年以后，这位被戛纳捧红的新人带着自己趁热打铁，野心蓬勃的新作，试图重回棕榈海滩的时候，法国人却犹豫了。争议四起，流言纷纷，奈迈施最终和已被媒体谨慎期待的《日暮》亮相威尼斯。丽都岛的观众们发现，这部降临在1913年布达佩斯的电影，从剧作结构、浅焦摄影、主观视角、沉浸式美学、历史叙事上都几乎和前作的方法论一脉相承：好像将摄影机置身于二战的惨绝人寰已经不够，奈迈施要在时间中继续回溯，直到世道崩塌的一战前夕。可是这一次，电影差强人意的口碑却证明一切似乎都不再奏效。《日暮》对准一个身世神秘的少女，她远道异国而来，出现在由亡父创立的帽商店应聘遭拒，却意外得知了家族数十年前的灭门惨案，不由卷入一场由腐朽贪婪的贵族，疯癫的车夫，衣衫褴褛的伯爵夫人，狂热的反叛分子共同画就的“黄昏”卷轴。这座她阔别已久的城市，如今被过去的阴影和现世的疯癫所纠缠，正在为不久以后的战火纷飞举行“最后的晚餐”。然而，笔者的质疑恰恰要从这里开始：这乍一听上去为了重现历史而生的黄金设定，真的将我们置身于历史当中了吗？它怀着多大的好奇心和诉说欲进入这段往事？除了一个盛大的布景和诗意的噱头，观众还在原尺寸复刻的城市模型中看到了什么？事实是，我们什么也没有看到。如果说焦距是导演为观众裁定视点，以便划清什么是“可观看的”，什么是“观看的禁地”的话，奈迈施的浅焦摄影则是导演独裁的极致：除了主角的运动我们什么也看不清，也不被要求去理解，我们像集中营的囚犯，被摄影机拖在地上前行，等着被导演实施火化或枪决——在这里面，导演并不屑于给观众思考的时间，更无从谈起在其中呼吸和沉浸。奈迈施的狡黠就在于他“制造”了一个主角作为观看的起点，但我们并不完全共享她的视线，多数时候她的运动霸占了画框，似乎这样我们的观看便有了意义，而日暮中的欧洲却模糊在焦距之外，它们是幻影，是奇观，是玩偶公仔，是操纵情绪的昆虫嗡鸣声，却唯独不是事件，不是人物，更不是历史。为数不多的深焦镜头，却是角色在景框中消失的瞬间，在这些时刻，我们终于被返还了眼睛，看清了身体在其间穿行的空间和情景，在观看权再次被剥夺的倒计时里贪婪地呼吸，同时感到错愕：跟随主角的意义究竟是什么呢，如果不是去体验和留下印象，而是正好相反，被她屏蔽观看的权力？于是我们仅剩的目的便是等待导演向我们滚出下一个晴天霹雳的消息（“你有一个哥哥”“被送往奥地利的姑娘们凶多吉少”“他们要来洗劫帽子店”），下一个不知所云的人物，下一个“禁止入内”的地方：这正是奈迈施十四年前执导的短片《耐心》中所做的——我们漫无目的地跟随一个忙活着的女人，接着“咔”的一声被扼住喉咙（或者只是导演这样认为），这是一名集中营里的女秘书。这便是电影的“作者性”，它被减少到了一个冲击值（shock value），好像我们跟随一个长镜头就是为了挨它这一巴掌...在集中营电影《索尔之子》中导演狡猾地给浅焦长镜提供了堂而皇之的借口：“我们最好不要抬眼观察和驻足凝视，也不要试图理清楚不幸为什么会发生，因为谁有权力说自己猎奇的目光不是在消费这场浩劫呢？如果对其理性推演就意味着野蛮和伪善的话，我们不如直接将观众丢进泥泞之中。” 是的，确实如此，可是奈迈施的处理不啻于脱下一件伪善的外衣，又穿上了另一件。索尔埋葬儿子的执念在集中营无情的秩序中本就稍欠说服力，而在牵涉到越来越多的牺牲者，付上越来越高昂的代价后，这种坚持已然演变为一场近乎不可理喻的行为艺术。索尔对犹太同胞的无视，对逃出集中营的漠然，对难民的利用，又和缺乏人性的纳粹军官有何区别呢？这时我们终于恍然，导演为了把长镜头的坚持得淋漓尽致，为了继续“让观众置身于历史中”，不惜破坏他同胞们用心良苦的计划，以便空洞的承诺足以无限延宕下去。如果无节制的观看是用目光剥削了受难者的话，这样对人物的漠然和冷酷，只是从外表规避了良心的谴责，而背地里用一套电影的诡辩术又一次消费了这场浩劫。而这样的借口离开集中营便不复存在了，奈迈施空洞的表达欲露出了马脚，《日暮》只剩下一个诡计去除伪装之后单薄的骨架。这个故事之所以被语焉不详的人充斥，只因为长镜头要继续下去，奈迈施要继续霸占我们的时间。莱特小姐有充分的理由去观看，但她却只是神秘莫测地降临在一个场所，被含糊其辞的人搭讪，激起偏执至无稽的好奇心，被一架正好为她而来的马车接走。她被全城知晓秘密的人愚弄，正像观众被导演愚弄，华丽的服装和摄影掩盖不住导演的“偷懒”和影像的无能：他没有让电影的时长“名副其实”，尤莉·贾卡比僵尸般的表演也没有向我们透露她的内心，而是让电影彻底变成一场由虚假的美，和臆想的错乱堆积而成的游戏，镜头看似跟角色亦步亦趋，却和现实始终保有一步之遥。一旦跟随这个虚拟主角（Non-Player Character）进入叙事之后，观众便失去了“体验”的选择，而沦为“体验”的猎物，任由她把一个又一个关卡丢向我们，之间只有编排，无需调度。谁会对一款伪装成艺术的奥斯维辛体验游戏说不呢？从欧洲到美国，评委会们对它夹道欢迎，于是制作公司满怀热忱地推出了第二款，这一次一棒打醒了所有人。我们确实该思考近年来越发自我标榜的 “历史沉浸感”究竟是什么,它通常和长镜头直接对应。《日暮》中的微观叙事只是一个人造的舞台，在奈迈施的一声令下一个预设的终点凭空出现，他在其间设置的障碍令终点不断延迟，而人物在封闭的圆环中障碍赛跑时看见的风景，被他叫做“历史”。与其说它描摹旧欧洲的日暮时分，不如它无意中捕捉到了失魂导演的黄昏：灵感像一轮残阳一样奄奄一息，从他本就贫瘠的弹药库里落下去了。与之相反的则是贝拉塔尔的电影。同样是匈牙利人的长镜头，同样讲述一个逐渐衰落逝去的时代（《撒旦探戈》），观众没有被直接暴露在混乱之中，而是先被安置到了一片牛棚，一间黑暗的房间，一个雨夜，一条垃圾和落叶横飞的街道上——“混乱”在真实的时空中逐渐打开了自己，因为历史作为坚实的客体已经先设地、不容置疑地身在其中，而人物只需要用他们的动作去经历它。和奈迈施相反，塔尔给我们时间，他的长镜头中每秒钟都是真实的，为人所体验的，是人的身体同社会机器碰撞的过程。正是这样个体化的时间，而不是长镜头本身，具有“沉浸感”的魔法。而奈迈施的电影里充斥着时间的折叠，人物从帽商店走到街道上的路程经过了排演和计算，成了一场抽象的走秀，历史也只是外部的装置艺术。观众在时间的错乱中感到眩晕，因为这里面没有情感，只有量子化的信息洪流。《日暮》只能是为不愿动脑的观众们准备的，踩上它，便像《天方夜谭》的飞毯，不再需要质疑和思考。这样善于瞒天过海的诡计走向了什么呢？电影的结束已经告诉了我们答案：满目疮痍，滂沱大雨，一镜到底的摄影机穿过一战的战壕，最终来到了主角的面前。她眼神空洞，面容僵硬，微微的喘息试图说服观众她处在前所未有，实则纯属虚构的危险之中。是的，无需劳烦介绍，正是《1917》。