这篇影评可能有剧透 2017年3月4日，台湾青春片《最后的诗句》上映。虽是部青春片，电影中随处可见的政治镜头却折射出导演的野心。 电影将时间放置在陈水扁和马英九上台的2000年到2016年。电影中陈水扁当政当晚，一些人骑着机车喊着“有梦最美，希望相随”的口号。但在陈当政的八年期间经济一直衰退...  (展开)

特地跑到影院去看了《三少爷的剑?渣男谢晓峰四角恋爱记》

其实一开始也没有抱很大的希望，但考虑到还不曾去影院看过古龙片，而且以后大有可能也不会再有古龙片了，所以还是去看了。
    嗯，之前还特地买了《三少爷的剑》读了一遍，然后把当年尔冬升主演的那一版看了看。其实也是比较期待尔冬升。
    但尔冬升挺让我失望的

之前就听说，“情节改动很大”，不过这也正常。《三少爷的剑》在古龙小说中是很有意思的一部，它不是以人物或情节为核心，而是以“人在江湖，身不由己”的主旨为核心。真要论情节，反而是不大适于照原样改编。
    但总也不能无视“人在江湖，身不由己”这个主题吧，那就不是古龙了。
    你不能说古龙不在乎正邪，不在乎爱恨情仇，不在乎争霸、复仇、寻宝的武侠小说三大主题，但古龙凌厉、冷酷的字句背后，是深刻的悲天悯人。
    可惜，电影并没有表现出来，甚至连主人公不得不逃避的原因都加以改变，于是只剩下四角恋爱和“一统江湖”了。
就算是“四角恋爱”，也没把故事讲圆啊，谢晓峰对慕容秋荻到底是个什么感情？凭什么就把人家给睡了？
以及，台词敢写得再弱智一点么？

然后就是，我不知道为什么非要拍3D。
《三少爷的剑》和楚留香系列不同，并没有什么必须表现的视觉奇观，包括武打场面在内。
    于是3D就主要追求“大”，大房子，大妓院，大片贫民窟，甚至谢晓峰的牌位也要像纪念碑一般（还特么弄个揭幕）。
    幸好没有大宝剑。
    徐克是江郎才尽了么？

演员也不大出彩。林更新还是那么苦大仇深，何润东仍然是只会大喊大叫。蒋梦婕的厚嘴唇和江一燕的非哭非笑脸也太令人出戏了。徐少强顾冠忠是当年就参加过的老演员，但也没什么可圈可点之处。

65分，不能再多。

如果消防员不是世界上工资最高的职业的话 我真的会哭出一整片太平洋 总是喜欢在吃饭的时候看 每次都哭到头晕 于是边吃饭边头晕 让我想到我身边最有安全意识的人绝对是fz 小时候我们两个大冬天去他家楼下点炮仗 他们家旁边那个单元在发丧 外面坐了好多人 我好好奇一直往那边看 ...  (展开)

奇袭白虎团也应该是重拍了； 应该是改个名字《仁川登陆之谍影重重》或仁川谍战之类更合适，叫《仁川登陆战》帽子太大了，情节有夸张、浮夸的地方，类似于抗亢日神剧， 不过用来消磨时间，看看也好，作为谍战剧不错。。。锋紧张的，。 另外说 涉及志之值愿军的，大可不必，就是...  (展开)

好剧强推！重回校园时光，青涩年华语燕檀溪，让人细细回味。不是最帅的男主，但却是最细心的大圣，似青涩的校园，满是憧憬和回忆，回忆起曾经青春，并不是那时的爱情，而是彼时的时光。在溢满屏幕的偶像人设中，寻找真实的青春绰影。 在物欲横飞的现在，也许只有青春校园才有一...  (展开)

西方学界认为喜剧(comedy)并不一定引人发笑。喜剧的定义标准更多在于故事的结构。一部正统的喜剧，必定至少有一个“卡住的”(stuck)角色，这个角色通常会表现出一种僵硬与固执(rigidity)，如机器一般难以变通，而因此“卡”在某种困局中无法动弹，这样的角色则称为喜剧角色(com...  (展开)

你不是我的生死相依，你是我的求之不得，舍之不得。

狐狸说，如果你驯养我那我的生命就充满阳光，你的脚步声就会变得和其他人不一样。其他人的脚步声会让我迅速躲到地底下，而你的脚步声会像音乐一样，把我召唤出洞穴。

你是我的王子，我却不是你驯养的唯一的那只狐狸。

难得有这么一部同性电影，避开了政治。留下了抛弃、挣扎、背叛和一点点爱情。

不可否认，《断背山》是我心中永远无法超越的美景，而这部烛台背后，则是另一种让人感慨的传奇。

认识导演Steven Soderbergh是因为《性、谎言、录像带》。那年他成了戛纳奖最年轻的获奖者，我的眼中只有那个捧着奖杯腼腆的说“看来我的导演生涯要走下坡路了”的男人。如今感动依旧，那双镜头后专注的眼睛，看到了那位钢琴家Liberace多情的一生，于是这次，我们得到了一个残酷的童话。

Liberace，70年代的骄傲。霍洛维兹不是说过，世界上只有三种钢琴家:犹太人钢琴家、同性恋钢琴家和二流钢琴家···Lee甫一出场，我便震惊，台上风华绝代的，是我在《本能》时倾慕的道格拉斯。这次的道格拉斯真真是美而近妖。华丽的戏服、皮草、金饰、纯白钢琴上飞舞的手指和跳跃着热情的烛台···暧昧、浮夸、空虚和落寞恰到好处的吸引着Scott，他的baby boy。他想的都可以得到，他不想的绝不再停留。多情，伤情，绝情，是他的死结。

而Scott，则是那芸芸众生之中迷失在光芒中无法自拔的追寻者，那只绝望的寻找着自己的驯养者的狐狸。相逢却似曾相识，未曾相识已相思。一首轻快的钢琴曲后，他以为他找到了可以陪伴他一生的王子，但是殊不知这冶艳多姿的王者，注定不会因为一个宠物停留。他爱的是年轻，是热情，是一切他曾拥有又被岁月无情夺取的东西。这便是了，他爱他自己。

还记得Lee那个漂亮的仆人卡鲁齐“你知道他之前有多少人么？他甩掉了所有的人，可我还在这里。总有一天，Lee会打电话给西摩，让他来处理你。”Scott让Lee处理掉了卡鲁齐，可是几年之后，同样是西摩，处理掉了犯毒瘾的Scott。多么奇妙的一语成谶。

只是Scott，为了Lee，你可以整容，塑身，可以染上毒瘾，只要Lee还肯驯养你，你便总是那个眼睛明亮的小狐狸。因为你相信那个集万千宠爱的男人曾独独钟情于你，他可以暴露出丑陋的一面，他可以与你分享他的脆弱。但是你不是他的谁，一个爱慕者，可以仰望但永不能平等，你以为的有恃无恐的被爱，下一秒就会被取代。

最是人间留不住，终于Scott不再年轻，躲在一隅斜视Lee与他的新欢，表情复杂落寞。他心里想的也许是Lee的前任走时的神情，恍然。当年不懂的，现在都懂了，可是就算懂得这所有残酷的一切，却再也回不到最初，那只有欲和爱的起点。

寻找的人容易迷失，一切孤独都是罪行。美好都会结束，对簿公堂的丑陋才是这段感情本来的样子。Lee惊世骇俗的性向占据着公众茶余饭后的话题，甚至庭外和解也无法将人们的视线移开。

一切看似归于平静，直到Lee染上艾滋，虚弱的请求Scott再来看看自己。物是人非，当年的绝代风华，不过是病床上受尽折磨的秃头老人。我们给了彼此最多的快乐，最多的折磨，这才是最好的结局。

我们曾有的关系，是昂贵的损失，是艰难的美景，最后的最后，Lee的嗓音一如初遇般深情，还是那首诗，读来却是另一种味道。

Why I love you? 我为什么爱你？ I love you not onlyfor what you are, 我爱你不仅因为你是你 but for what I am when Iam with you. 而且因为我可以是我，当我们在一起 I love you not only forwhat you have made of yourself, 我爱你不仅因为你自己的成就 but forwhat are you making of me. 而且因为你成就了我 I love you forignoring the possibilities of the fool in me, 我爱你因为你无视我有愚蠢的可能性 and accepting the possibilities of the good in me. 而接受了我有美好的可能性 Why do I love you? 我为什么爱你？ I loveyou for closing your eyes to the discord in me, 我爱你，因为你对我的不和谐音闭上眼睛 and for adding to the music in me by worship for listening. 你把乐章添加到我的心，用崇拜和倾听I love you for helping me to construct my life, not a tavern, but atemple. 我爱你，因为你帮我构造了我的生活，不是陋屋，而是庙宇 I love you becauseyou have done so much to make me happy. 我爱你，因为你付出很多，只为我高兴 You have done without a word, without a touch, without a sign. 你没有言语，没有碰触，没有痕迹 You have done by just being yourself. 你完成它们只需通过做自己 Perhaps after all, that is what love means, and that is why I loveyou. 也许毕竟啊，这就是爱的意义，这也就是为什么，我爱你。

相遇不相守，相知不相伴，对啊，当我跨过沉沦的一切，向永恒开战之时，你在哪里呢？那些生命中注定不能终老的缘深情浅，冰雪相欺，经年的凄楚，温柔的疼痛，尽在不言中。

哇跪下来喊多瑙爸爸！都没有在我们这or国内上映过 已经能找到了！！！是四平八稳的电影 影片本身中规中矩 但是因为题材的发挥 我又要因为个人偏爱给虚高的分数了。看到在火车站Bosie从远处走过来那一幕 毅然决定要给满分并且发朋友圈安利给所有喜欢王尔德的朋友。 很早就听说要...  (展开)

张嘉佳的文字看过一点，并不是很吸引我，那个调子我不是很感冒，看得不多就弃了。
这次认真的看了电影，其实比预想的好一些。

文艺片的底子，张嘉佳的调子。

去稻城流浪，DJ的话语穿过城市的街道巷口，墙上的涂鸦，给风雨中的小女孩打上一把颜色明媚的伞，大排档陪伴失恋的好友哭泣、打架。都是很具象的文艺青年的腔调，投入其中也不乏味道。

然而邓超这次的表演让我一言难尽。怎么说呢？《烈日灼心》里的邓超是个好演员，压抑的沉静的爆发的，点滴都很到位。然而《分手大师》、《恶棍天使》却一次次消耗着他的观众缘。这次邓超依然在用参加跑男的姿态演出了这个玩世不恭的男主角。我只看到了他的张牙舞爪放肆搞笑，很遗憾，我很难理解他背后的伤痛和温柔。尽管电影也用了一些笔墨来刻画，比方说几次跟老年痴呆症母亲的对话，气氛都营造得弥漫着涩涩的辛酸。我也无法体会抛弃了男主的电台总监，曾经到底看重他什么，又为何要离开他。一切都进行得潦草而突然，仿佛为了转折而发生。这是导演的问题。但我想，邓超也应该要好好思考，如何认真去诠释每一个角色，如果他真的希望要当一个好演员的话。

张天爱的角色非常讨好，默默支持、细心关怀、遥遥守望、转身离开，清纯的、温柔的样子，看起来也很美。尽管从原著的设置来看，人物就存在着颇多的不可理。小卖部的售货员，说考就一举考入了电台，瞬间就展露了超凡的口才和应变让整个节目从垫底拉到了收听率第二，这是童话还是臆想？

白百何与杨洋那一对，白百何体现出了极强的镜头掌控力，演得活泼热烈。然后就是小岳岳，小岳岳演得极好，傻傻的痴心汉，演到绝了。

《从你的全世界路过》这部电影就这样，骨架带点感觉，细节实在潦草。

 很久之前看过《暹罗之恋》，也就记下了那个会唱歌的少年，多年来一直默默的关注他，虽没有那么热烈，却始终是喜欢的，《暹罗》的成功来自于导演认真的态度，很有诚心的表达，干净的画面，甜蜜的爱恋，颜值爆表的男主们和女主们，写实的故事，现实的结局等等，所以，知道小P接片的水准，至少不是烂片。
故事对于描写现实状态下的同志的生活还是很写实的，毕竟是根据真实故事改编的，但是，导演的表现手法过于梦幻，让人产生不真实的感觉，如果不是知道是真实故事改编，我会以为又是烂俗的情节——对于自己性取向存在困惑的青春期少年遇到一个帮他看清自己的帅气空少，两人相识于网上，相恋于现实，小P所饰演的boss在明知win有男友的情况下依旧与之来往，不正确的爱情是得不到祝福的，最后的分手让boss看清了现实，终于从美梦中苏醒，面对残酷的现实。这就是电视剧的结局，但是，现实中呢？boss的家人还是那样，冷漠，排斥，不变的是他人，改变的是boss，他学会了慢慢接受这个现实，win？很不幸的，他患上了脑肿瘤，如果严重程度分0,1,2,3,4,等级的话，他是第三等级，应该算是晚期了，两人通过这部电视剧慢慢开始有了联系。现实比电视来得更残酷，不是吗？
令我对本片有好感的，是唯美的画面，男主之间的甜蜜简直腻死人了，可是又好喜欢，最爱的还是每一集最后的花絮，两人的互动真是戏里戏外都惹人爱，结局随不好，但还是满治愈的。

我觉得赵导的影片还是不错的，《一路有你》拍得有范。有自己特有的风格，可这部喋血片的剧情实在是狗血，一群辛亥革命的誓死之徒成天只会嚷嚷，并未有精心的准备，这只能怪导演未将它展现出来，而展现出来的只有黑帮片（辛亥革命烈士帮广东第一黑帮收拢丐帮），爱情片（辛亥革命之徒与与黑帮夫人搞暧昧，结果黑帮老大杀死夫人，却被辛亥革命之徒的一番话给感动），演员们表演很另类（影帝们演的很癫狂，妄图演出革命烈士的铿锵热血，男主角从头至尾表情淡定，语气不变，唯有偶尔一笑），我想说好的演技得有好的故事作支撑。该片从剧情上实在是狗血，轻重不分，什么都要，结果什么都没。虽然有这些缺点在里面，但导演贯穿整片传达的那份对自由的渴望的主题并没有在这残缺的故事里凋零，感动了部分观影者。还有作为港片导演的赵导，该片的片名好像有像《英雄本色》《喋血双雄》致敬的意味在里面。希望革命烈士们能像发哥一样热血豪情？

【未经许可，请勿转载】

文/Cinervous

自有声电影诞生以来，好莱坞各大电影公司的老板们便意识到：纽约百老汇戏剧舞台是个可加利用的宝贵资源。于是有数不清的舞台剧被搬上了银幕，这个传统一直延续至今。从百老汇带入电影界的不仅仅是故事题材，还有明星演员、著名导演，甚至是编剧。田纳西?威廉斯便是其中最为闪耀的一位人物。

纵观田纳西?威廉斯的戏剧作品，有人们耳熟能详的《欲望号街车》及《热铁皮屋顶上的猫》，更有更多在二十世纪四十年代至六十年代在百老汇和好莱坞大放异彩的各种戏剧电影作品。1955年，曾获得托尼戏剧奖最佳戏剧的《玫瑰纹身》被翻拍成电影，这部电影有着与威廉斯其它作品不一样的喜剧风格。

这就要从这部作品的创作初衷说起。1949年冬天，田纳西?威廉斯在他的助理兼伴侣弗兰克?梅洛的陪同下，前往意大利作长期旅行。意大利独特的风土人情深深地吸引了这位剧作家。这次旅行让他感受到他“从未了解的人性的另一面”，这里的人们就像“没有拘束感的美国南方人”，“诗意”而不带有“新教徒的压抑”。因此他先后写下了两部作品，一部成为了他的唯一一部长篇小说《斯通太太的罗马春天》（又译《罗马之春》,The Roman Spring of Mrs. Stone），另一部便是《玫瑰纹身》。这两部作品互相之间的对应关系也很有趣：一部讲述了百老汇过气女演员在罗马失去旧爱，又遇见新欢的悲情纠葛故事；另一部则讲述了西西里移民在美国失去丈夫，又迎来新生活的故事。两部作品一悲一喜，剧情模式却很相似。

随后，《玫瑰纹身》于1951年2月在芝加哥首演，并夺得了当年的托尼奖。在舞台剧创作阶段，田纳西?威廉斯就力邀意大利著名女演员安娜?玛格纳妮参与演出。安娜?玛格纳妮是当时意大利最为炙手可热的明星，曾主演过《罗马，不设防的城市》、《可尊敬的安杰莉娜》等影片。玛格纳妮以不懂英语、无法支撑一部剧的演出为由婉拒了威廉斯，而时隔几年后，在筹备电影项目之初威廉斯就与制片人哈尔?B?瓦利斯提出，邀请玛格纳妮出演萨拉菲娜一角。玛格纳妮也欣然接受了邀请。

萨拉菲娜人物形象分析

玛格纳妮所扮演的女主人公萨拉菲娜是一位性格热情、怪异、火辣的西西里女人。她体态丰腴、多愁善感。影片开场不久，萨拉菲娜在杂货店买鸡蛋的时候就声称自己的丈夫是“A级老公”，而“A级老公”必须吃“A级鸡蛋”。她面带喜悦地把再次怀孕的好消息带给丈夫，不料丈夫当晚就因走私货物而意外身亡。萨拉菲娜陷入了无止境的痛苦之中。

在她看来，“身如年轻男孩般，皮肤细滑如玫瑰花瓣”的丈夫罗萨里奥是神圣的，丈夫突然死去的消息令她万念俱灰，为此几乎三年闭门不出。萨拉菲娜总是沉浸于过去和前夫美好而愉悦的性爱回忆中不可自拔。尽管前夫已经去世多年，但她依然无法接受这个事实。萨拉菲娜如此压抑的个人精神状态很大程度上要归结于她对丈夫性爱的迷恋，而性爱的缺失等同于生活失去了荣耀。原舞台剧中，丈夫罗萨里奥没有出现在舞台上；而在电影中，导演和摄影师刻意用光影隐去了扮演丈夫的演员的样貌，却突出了演员健硕的身材以及胸前的玫瑰纹身。在萨拉菲娜眼中，丈夫即是上帝的化身。

同时，萨拉菲娜又是一名虔诚的天主教徒。当她女儿的男朋友来到她家时，萨拉菲娜竟要求对方跪在圣母像前发誓“尊重罗萨里奥的女儿罗莎的纯洁”。按西西里旧俗，男女未婚之前不能私下接触。萨拉菲娜不但自我封闭，还钳制着女儿的欲望。她祈求圣母自己丈夫出轨的事实不是真的，相信圣母玛利亚会在她迷茫无助之时给予她神的指引。她甚至认为风吹到蜡烛所留下的影子就是圣母玛利亚给予她的指示。而当得知丈夫确有婚外情后，她伤心愤怒地摔碎了丈夫的骨灰坛，对丈夫所代表的神的指引也随即破灭。

意大利图景与社会文化反思

说到萨拉菲娜这一人物形象产生的背景，就不得不提及田纳西?威廉斯个人的情感经历。威廉斯在自己的回忆录里表达了“《玫瑰纹身》是我给世界的一部爱情剧。弥漫在整个作品中的是年轻、幸福的我对弗兰克?梅洛的爱恋。我把这部戏献给他，并且写上‘献给弗兰克，感谢你让我认识了西西里。’”威廉斯在美国社会文化仍有诸多禁忌的情形下，选择这样一种方式表达出独特的性别意味。无论是罗萨里奥还是阿尔瓦诺，影片都着重于表现男性角色身上富含的性魅力。萨拉菲娜个人的情感困境其实也是威廉斯本人的痛苦经历：一方面他想抛弃信仰和社会的束缚去追逐个人的同性恋爱情；另一方面他又因为传统观念的影响而对自己的性取向感到自责与羞愧。威廉斯巧妙地把自己的情感隐含在异性恋叙事话语之中，使得在社会性别禁忌不断开放的今天，他的作品仍然具有可供读解的价值。

除了营造强烈的异域情调与欲望气息，威廉斯也通过创作这部家庭情节剧来引发大众对于美国社会文化的反思。在罗马的生活使田纳西?威廉斯本人回归到了人性的原始状态，他被意大利人身上的热情所感染，认为意大利人所具有的原始生命力是这个民族最为优秀的品质。相比而言，美国人在工业文明下逐渐失去了这种原始生命力，威廉斯认为美国的文化危机存在于“所谓正当合法的意识形态的人性的严重束缚”。此外，威廉斯还在剧中以隐晦地方式质疑人们对宗教信仰的盲目态度。他认为任何的宗教观念必须建立在对人类本性的正确理解之上。萨拉菲娜放弃了对丈夫的盲目信仰，放弃了对清规戒律的盲目遵从，最终获得个人幸福。

玫瑰意象的象征意义

玫瑰是这部作品中无处不在的意象，以至于玛格纳妮都打趣地说“我们应该在摄影机上也刻上玫瑰”。罗萨里奥的全名Rosario Delle Rose 中即带有玫瑰(rose),女儿的名字Rosa也是“玫瑰”一词的变体；罗萨里奥的胸前纹着玫瑰，他的情人胸前也纹着玫瑰；给情人做的衣服是玫瑰色的丝质衬衫，甚至萨拉菲娜后来的新欢阿尔瓦诺胸前也纹着玫瑰。玫瑰在传统意义上就是人类爱情、女性性爱和自然美的象征，作者在剧中将玫瑰意象神圣化，用以象征人类的欲望。美国戏剧评论家约翰?梅森?布朗认为：“对于威廉斯先生来说，玫瑰即是神秘的象征、欲望的证明、奉献的符号，新鲜的花蕾与刺一样多。”而吉尔伯特?麦斯维尔在其所撰威廉斯传记中指出，无处不在的玫瑰代表着威廉斯对他的妹妹萝丝(Rose)的个人悲剧命运的寄托。

威廉斯与他的妹妹萝丝关系亲近，他也深受她的影响。萝丝是位纤瘦美丽的女子，被诊断出有精神分裂症，大部分的时间都在精神病疗养院度过。经过几次的心理治疗均不见效，她变得更加偏执。她父母最后同意进行前脑叶白质切除手术。1942年，手术在华盛顿特区进行，但之后情况恶化，萝丝的余生就在没有行为能力的状况下度过。萝丝的手术失败对威廉斯是极大的打击，他从来不原谅他的父母同意施行该手术。许多偏执的女性角色出现在威廉斯的戏剧里，可能都是受萝丝的影响(如《玻璃动物园》中的劳拉，《欲望号街车》中的布兰琪)。而在《玫瑰纹身》中，取了与萝丝谐音名的女儿罗莎(Rosa)冲破了飞扬跋扈的母亲对她的束缚，获得了一份美好的爱情。这样的生活对于现实中萝丝?威廉斯来说是不可能实现的，田纳西?威廉斯用作品表达了他对妹妹的美好祝福。

拍摄风波与审查障碍

虽然有了内涵丰富的剧本作支撑，但《玫瑰纹身》的拍摄并非一帆风顺。田纳西?威廉斯在拍摄过程中享有较高的话语权，然而由于两大主演安娜?玛格纳妮与伯特?兰卡斯特是第一次合作，个性不同使得在拍摄内景戏时发生了不少冲突。田纳西?威廉斯在从好莱坞写给他外公的信中提到：“安娜?玛格纳妮与伯特?兰卡斯特昨天在现场发生了他们的第一次冲突，起因是安娜指挥着场面而伯特不喜欢这样。”根据他的描述，兰卡斯特离开了摄影棚，而拍摄在激烈地协商后才得以继续。威廉斯表达了他想留下来当调解人直到影片杀青的意愿，但他必须飞到纽约帮助伊利亚?卡赞为舞台剧《热铁皮屋顶上的猫》项目选角。“我只能盼望并祈祷导演丹尼尔?曼能维持他俩之间的和平直到完成影片。”

在《玫瑰纹身》的银幕改编过程中，威廉斯不得不为通过审查而对剧本作少量修改。为了应对海斯法典办公室的审查，编剧做了一个显著的变化便是去掉了萨拉菲娜确信前夫不忠后与阿尔瓦诺发生一夜情的情节，变成阿尔瓦诺喝醉了卧倒在萨拉菲娜家中的客厅；此外，为了防止 “风化军团 ”(the Legion of Decency) 【天主教电影审查组织】可能造成的麻烦，又对剧本作出了两处改动：一是删减了萨拉菲娜对圣母不满的台词，二是改变了对神父的人物设定。原作中将神父塑造成有些霸道、没有同情心的形象，萨拉菲娜的家庭医生请求神父对她予以更多的理解。而电影隐去了医生的话，对神父的形象也变得更加正面。田纳西?威廉斯似乎很喜欢在剧本中贴近现实地去表现小乡村的神父，他们显得既像父亲又有浓厚的家长作风。而类似对乡村教会神职人员的现实化描写到了十多年后才出现在了银幕上——可参见大卫?里恩《雷恩的女儿》(Ryan’s Daughter,1970)中特瑞沃?霍华德扮演的乡村牧师形象。

电影上映之后，影评人如同当初戏剧上演时的剧评人一样，对威廉斯这部糅杂着闹剧与悲剧的作品感到心神不安。安德鲁?萨里斯便是这种观点的典型。他认为安娜?玛格纳妮用她卓越的表演“瞬时间将戏剧性的场面撕成了碎片”，创造出崭新的喜剧风格。同时他又认为，“威廉斯在构思中将（悲剧与喜剧）分得很清楚，但除非他有一个像卡赞那样的导演能把台词排练精准，否则他的剧本就有退化之虞。丹尼尔?曼在电影媒介领域相对而言是个新手，尽管他的导演展现出了些许希望，但在训练演员培养一致的创作观念方面他还显得比较稚嫩。”

丹尼尔?曼在拍摄这部影片之前已是相当成功的百老汇戏剧导演。他先后导演了威廉?英奇戏剧作品《兰闺春怨》(又名《回来吧，小希巴》Come Back,Little Sheba)的舞台剧版和电影版，夺得托尼奖的同时也将雪莉?布思(Shirley Booth)推向了奥斯卡影后的宝座。《玫瑰纹身》是他第三部电影作品，同时他也是舞台剧版的导演。戏剧导演转做电影导演的例子在古典好莱坞时期不胜枚举，然而他们对电影媒介形式的经验不足，常常需要找一位懂得电影视听手段、资历深厚摄影师来协助执导影片。而这部影片的摄影指导便是美国著名华人摄影师黄宗霑（James Wong Howe）。

“低调布光大师”

黄宗霑于1922年进入好莱坞，在拍摄本片之前就已四次提名奥斯卡最佳摄影奖。他合作过的大导演诸如霍华德?霍克斯、萨缪尔?富勒等人，并与制片人哈尔?B?瓦利斯从二十世纪三十年代起开始合作。本片是他与导演丹尼尔?曼的第二次合作（上一次是《兰闺春怨》），目的就是协助电影拍摄经验不足的导演完成影片。

摄制组选择在弗罗里达州的基韦斯特（Key West）进行拍摄，原因是这里比故事原来设定的“新奥尔良至莫比尔之间的墨西哥湾海岸”阳光要来得充足。由于整个故事的大多数场景局限在了萨拉菲娜的家中，为了不使画面单调沉闷，黄宗霑精心选择了低调布光(low-key lighting)的照明方式，因此被业界称作“低调黄”(“low-key”Howe)。比如罗莎带着她的男朋友杰克回家见到母亲萨拉菲娜那场戏，当两人刚走进屋子里时是一段浪漫的爱情场面，光线打在两位年轻演员的脸部轮廓上，营造梦幻的感觉；而当他们突然意识到屋子里还有人时，通过合理的光区设置，两人的形象迅速变成了剪影，萨拉菲娜一个人寂寥地隐藏在阴影之中。

类似的例子在影片中还有很多，不胜枚举。黄宗霑着力用阴影来表达人物的精神状态的同时，也擅长使用自然光来为影片增色。由于影片是实景拍摄，主场景——萨拉菲娜的家场地面积过小使得照明工作比较困难，不得不将光打在地板上以反射到演员身上。而外景的空旷、明亮与内景的幽闭、黑暗形成了鲜明的对比。随着剧情的发展，外部世界的光亮逐渐渗透到萨拉菲娜阴沉的屋子里。当男主角阿尔瓦诺第一次来到萨拉菲娜的家中时，他打开了一扇百叶窗，窗外的阳光瞬时间就照到了萨拉菲娜的身上，成为主人公命运的转折点。黄宗霑努力使一个场景与人物都受到限制与束缚的影片呈现出更多细节，也让女主演玛格纳妮的表演更具有说服力。

纵观20世纪40年代至60年代的美国影坛，戏剧界的优秀作品一再被改编成电影，这与当时美国社会的文化环境不无关系。田纳西?威廉斯、阿瑟?米勒、威廉?英奇、爱德华?阿尔比等一批剧作家的作品使得美国戏剧创作似乎处在第一个黄金时代的边缘。当时美国的电影消费者以中老年、社会中上层观众为主，对作为精英文化的戏剧有着较高的接受度。然而随着战后婴儿潮年轻一代的崛起，新一代电影观众在电视、漫画等流行文化的影响下对电影的需求和口味趋向大众化、泛娱乐化；加上大制片厂制度的解体、新好莱坞的崛起，剧作家对电影的影响力日趋式微。而田纳西?威廉斯作为戏剧作者进入好莱坞的代表性人物，其作品的影响力最为广泛，也为我们观察古典好莱坞时期的电影文化提供了一扇窗口。

这篇剧评可能有剧透 月歌行，出乎意料的好看。 本来以为是很烂俗的仙界情情爱爱，轮回转世，虽然大体还是这样的结构，但具体内容，每个人物都是不太一样的。 仙界，不再是从前所谓众生的守护者，有自己的私欲，邪恶阴暗的一面。 妖族，不光是凶残也有柔软的一面，慠狠是狠毒，为自己的孩子付出了一...  (展开)

这篇影评可能有剧透 克隆人的技术已经成熟，也就是说克隆人在技术上是完全可以实现的。关于克隆人的伦理和道德争议已久，克隆人引发的人权问题是争论不休的核心议题。不过不好意思，《克隆人》并没有纠结于这个问题。 由于是单线叙事，就用五句话概括剧情： 1、博士在一个科研机构研究将人体记忆提...  (展开)

写于去年深秋。。。呵

处处异乡 何处故乡

今年香港影展期间，某天我对同事说，我可能会离开北京回家乡去，然后她问我，你看《客途秋恨》了吗？
2013年第二届香港影展以“异乡情怀”为主题，所选影片皆拍摄自上世纪八十年代《中英联合声明》签订至九七回归之间，这并非巧合。彼时的香港，理论上将要走的道路已定，但香港人却不知道自己要去向何方，对殖民地时代的缅怀，对未来命运的迷惘，不仅促发了一波移民潮，也催生了大量以移民、离乡、归省为主题的电影。
影展开幕式上，策展人陈可辛导演说，现在的港片可能不会再拍出“异乡情怀”这样的主题了，在他们那一代，很多导演都有这种“异乡情怀”，许鞍华的母亲有日本血统，徐克导演是越南华侨，而陈可辛自己则来自泰国华侨家庭。那个主题属于那个时代。
我所知的离乡大概有两种。一种是被迫的，战乱饥荒天灾人祸，比如生活在眷村的老一辈人；就今天而言，离乡多是自发的，目的只有一个，为了故乡所无法满足的更好的生活——或者说想象中更好的生活。
影片《八两金》里，猴子（洪金宝）告诉表妹（张艾嘉），香港是世界上最大的唐人街。的确，香港就像一艘“巨轮”，搭载着岛上所有的人一起漂泊，有的人上船了就以此为乡，有的人只是路过，靠岸便下了。而在今天，不止香港充满异乡客，异乡可能是北上广，是港澳台，是美国欧洲加拿大。有区别，又没有区别。
与此对应，故乡也不再是一个地理位置，当人口流动成为常态，故乡也越来越演变为一个难以名状的概念。我想那应该是一个让人有安全感的地方。在异乡过得艰难不如意，更容易产生孤独无依的漂泊感，此时故乡便成为避风港，但是真正返乡后又难免会发现，隔阂早已产生，你离开了故乡，故乡也不会在原地等你，所以呢？留下还是再次离开？《客途秋恨》中陆小芬扮演的母亲，带着女儿晓恩（张曼玉）回到阔别二十多年的日本，却已不能适应那里的生活，而一直住在乡下的哥哥，也要卖掉老房子举家搬去东京与儿孙同住了。归省在对故土旧梦的留恋与对异乡十五层高楼住宅的炫耀中挣扎，就像漂泊者的内心般，一生纠结。
另一方面，倘若移民或离乡得到的是一个happy ending，故乡的模样便更模糊、更具象征性了，百年之后，异乡又成为了子孙的故乡。如果影片一开始，晓恩毕业后获得了在BBC的工作机会，她还会从英国回到香港吗？
我看见生于长于安和桥北的宋冬野在微博上说，“并不是每个人面对故乡变成破砖烂瓦时都能不掉一滴眼泪”，也读过梁文道写的“许多人来了，然后又走了，过客而已，香港不在他们身上留下一抹痕迹。”
对于晓恩而言，有妈妈在的香港也不是故乡，故乡是澳门的老宅院，是院子里的秋千，是婆婆塞到手中的牛肉干，是躺椅上爷爷的怀抱，还有爷爷手里的旧蒲扇。是的，故乡就像那些再也回不去的旧时光，因为朦胧伤感，才显得更美。
如果说异乡是一种情怀，故乡又何尝不是呢？

《叶问2》上映的时候，网上流行一个说法，说甄子丹负责叶问，某位青年演员负责2。看过片子以后感觉差不多如此。这次《关云长》让我再次想起了这句话。这一次，甄子丹负责打，姜文负责演。有此二人，除去“打”和“演”以外的所谓感情戏问题、历史问题、三国题材的突破问题都不重要了。对影评人来说这是坏事，但对观众来说这是好事。

对观众群来说，五关是哪五关，六将都是谁，这太不重要了。可能还不如曹操对关羽非比寻常的感情有意思。人们对关羽的印象，比具体斩了谁更深的，就是“能打”这两个字。关羽是“武圣”、“军神”，这职称听起来比赵云的“常胜将军”要威武得多，虽然实质上不如人家的实惠。这么一来，关羽不但得能打，还得打得威风凛凛、杀气腾腾，至于为什么打、胜败如何，先放在一边。

对于这一点，甄子丹是个最好的保证。

甄子丹擅长将多种格斗技融入到打戏之中，使打斗场面丰富新颖，痛快淋漓。他的打戏，脱离了中国古装动作戏的军体拳、杂技、音效库三个阶段，真正以“打”为核心，即便是在演绎关羽这样一个忠义当头的角色时，也能在每一招表现出你不弄死我我就弄死你的决心，和我弄不死你就得被你弄死的觉悟。

第一场武戏，关羽演出了“温酒斩华雄”的加强版“热饭斩颜良”，马快刀急，只一刀痛快见分晓，落地还打出一个KOEI风格的冲击波，十分合年轻观众的胃口。

东岭太守孔秀，心气胆手脚眼，一杆大枪几轮巷战打得十分过瘾。在这里我们能看到漂亮的镜头运用。对于绝大多数的电影院人群，比起高技术含量的《老男孩》的巷战长镜头，人们更爱看这个。

与王植那一场，是甄子丹武行价值的充分证明。他能凭一己之力救活任何一个角色，即便是嗓音奇怪、喜欢拗造型、角色设定也莫名其妙的王学兵。在这一段里，场面空旷开阔，我们能看到多次爽快的俯拍；在这些镜头里，关王刀的运用能得到最好的表现，我相信这也是导演最舍不得滥用的镜头。

除了耍大刀，关老爷在本片中还玩了枪战和二刀流，可惜表现一般。此外则是毫无新意的客栈戏和看似有创意的关门打戏，这两段浪费了甄子丹的武行才华。与其拍这个，还不如让他在劈颜良的时候多飞一会儿，一边飞一边讲剩下的故事，都讲完了再落地。但又一想，颜良不配，庞德的话还行。

平心而论，甄子丹这一版关羽，是距离我心目中的关羽最远的。黑里不透红的面庞、本应由曹操出演的割须、与庄文强站在一起时尴尬的身高——最重要的是没有了关羽永远顶着的绿帽子（片尾倒也出现了）。有人管这个叫突破，我觉得这没必要，好就是好，不好就是不好，这个关羽的形象并不好，但这个片子有很多好的地方，没必要把不好的说成好的。

这些不好的地方，恰恰从反面证明了这点：有甄子丹，打戏有保证。这里有个矛盾：我们又爱看打戏，又不希望一部动作片全是打戏，因此就有了永远多余的女一号和永远差点什么的剧情。但这有什么呢，在寻找武戏与剧情的黄金分割点上，只要你有了甄子丹，无需下太多的功夫，因为你的任务有两个：娱乐大众和赚钱。高台教化和艺术创造则不在其列。

婚约没有了，只剩下摇摆而已。
 
相恋七年，在结婚的前一天，宣布跟你分手，宣布爱上了别人，宣布取消婚约。换做是我，我大概也会像顺佳一样，傻傻的笑着，不悲不喜，不哭泣。
 
因为人太悲伤的时候，往往没有眼泪要流，只剩下心里满满的沉重，狠狠的压着自己喘不过气来。只是顺佳的疯狂没有持续太久，在一个微微透着清凉的午后，她开始难过了，开始有知觉了，开始哭泣了。
 
人永远不会是一个一直坚强的动物，人在脆弱的时候，连呼吸都是轻轻的，心跳都是静静的。就若疯狂过后的顺佳，躺在床上整天整夜的，不知道时间，不知道吃饭，不知道自己活着，还有什么存在的价值。
 
直到一个男人的出现。他那么贴心，那么无微不至，他别无所求，只为心意尽力的照顾着。他们之间淡如水，他们没有爱情。
 
忽而让顺佳找到了存活的意义，原来，就算全世界都不要我，不怕，还有你来疼我。
 
即使在深夜三点
 
味觉也不会停息
 
城市刚刚尘埃落定
 
静的好像在等待一根针的坠落
 
滋味就是品尝时滋滋的味道
 
是稀软的土豆泥和坚挺的牛肉
 
他们翻滚喘息
 
整个城市就是床就是餐桌
 
用丝质的床单覆盖住
 
舌尖滚烫让我放纵味觉
 
城市在我们身体下面
 
此时
 
香山散发着香气
 
后海溢满过石桥
 
环线上的车流变成液体
 
随着二环三环四环
 
扩散开去
 
就算扩散到五环六环
 
扩散到我的发梢我的喉咙和我的耳根
 
也到不了终点
 
很美很美的小诗，很美很美的感情，很美很美的生活，很美很美的世界，不是吗？
 
顺佳笑了，她竟然爱上了他赐予的味道，她的全部的身心，都被这一丝浅浅的温暖征服了。
 
爱情，就这样悄悄的来了，不早不晚，不急不缓，不多不少，不来不去。
 
他们不曾相爱，后来却不得不爱。爱情，就是这样奇妙的东西。
 
其实，我们都一样，受爱情的伤，用眼泪学会成长。一起努力吧！

这篇影评可能有剧透 台词很做作，台湾腔太矫情，剧情装逼，人设崩塌。电影里的台湾腔真让人全程出戏，硬凹感特别严重。 林允太瘦了，美人鱼里还算水灵，可是到了一吻里怎么这么难看。奇葩的台词配上眉飞色舞非常智障的表情，难怪是原湘琴，整个一个山寨款。台词太差。 江直树的人设也很崩，直树人...  (展开)

银河映像之前的杜琪峰作品都苦惨的要命，类比《阿郎的故事》《赤脚小子》还有这部《爱的世界》，《赤脚小子》有个时代大背景，小人物的悲剧命运多少会让人唏嘘；《阿郎的故事》和《爱的世界》的悲剧性则煽情的厉害，也可以说是过度煽情，有的人叫好，但我不甚喜欢。《爱的世界》的悲剧简直活该，这种悲惨的太刻意了，比较不喜欢这种刻意的“亲情大过天”的设置，童星黄坤玄无论再怎么哭嚎，也难再打动我一丝一毫，小儿子更是讨厌，任性的一逼，所以没让我感觉可爱，刘松仁演的父亲更是成事不足败事有余的货，先不说挪用公款后借高利贷这种蠢事，就是还还高利贷的时候竟然和人家起冲突，不是找死吗？不为孩子考虑周全，后果无论多惨这不是自找的嘛？！！！