话说1990年，拍了一大堆成功商业片的青年导演小徐（39岁）、和他尿一壶的好基友动作指导东仔（37岁）请来了他们的偶像，邵氏电影时代的武侠片宗师级导演胡金铨（58岁）和过气歌神老许（42岁），决定拍一部空前绝后的牛片——根据金庸小说改编的电影《笑傲江湖》。可是电影拍了一半，小徐和老胡就闹掰了。其中原因大概是创作上的分歧，小徐是监制，又拿着投资方的钱，从一开始便对胡金铨的导演工作横加干预，不断将自己对《笑傲江湖》的创意注入到影片中去。老胡家族属於汉八旗的蓝旗，祖父胡景桂是翰林，曾出任清朝监察院御史，自幼在家习古文，深爱绘画，喜看国剧中的武戏。对中国的传统文化自然是有很深的造诣。我目为中国武侠片第一的李安作品《卧虎藏龙》据说就是深受他的风格影响。胡金铨本来对这部电影的定位是：“用古朴的浪漫风格，以诗意的影像展现中国的儒学和道学。”本人作为读过小说原著的文学爱好者，对这一定位深以为是。然而出生在越南、学习在美国的小徐却希望在这部电影里加入更多喜剧、讽刺甚至艳情等商业原素，并且拍出超牛逼的动作效果，这样才更能吸引观众眼球。两人互不相让，最终胡导憾然告退，由小徐、东仔接棒拍完。这两个小孩儿把原来的设定推倒了自以为是地重拍，结果呈现在我们眼前的就是：既有叶童洗澡、张敏舌吻喂药、袁洁莹和叶童搞蕾丝边儿、张学友玩阴险玩的很搞笑这些垃圾段落又有程小东毫无节制的大段武戏。独孤九剑的设计固然经典，但是除此之外的东西在今天看来大多是无聊，尤其最后连他妈的枪战都出来了！这些也就算了，最关键故事被讲得乱七八糟；情节的架构让人摸不着头脑；人物塑造极其失败，大多脸谱化。多亏许冠杰等一批好演员在细节上的用心（例如刚去世的午马先生），否则就真成烂片了。小徐自以为是的文戏大多成了下脚料，东仔的武戏又总在关键时候冒出来破坏情绪。据说最终上映时胡金铨的镜头剩余不到十个——也恰恰是整部电影最精髓的几个镜头。譬如刚开始大队人马在山涧中行走、曲刘二人的小舟从此逝、苗家的竹林深处等，这些景都是老胡在台湾精心挑选的。对此，老胡的义兄李翰祥公开宣告：“宁可饿死，也不跟徐克合作！”从此可以看得出这部电影是拧巴的，而且我们有理由推测胡金铨的版本会是一部经典。当然这个态度也与我对《笑傲江湖》这本书的理解有关，大概七年前我曾写过一篇《笑傲江湖》的读后感，其实“江湖”一词就出自《庄子》，而所谓“笑傲”就是道家洒脱超然、自在无为的人生态度，书中的风清扬、曲洋、刘正风等人就是此间的代表。对于这些东西是需用静的、超然、大气的态度来表现，所以我完全理解胡金铨那几个镜头所传达出的意境。老徐的风格显然太浮躁，躁而且糙，这些东西用在黄飞鸿、或者怪力乱神的电影上边或许不会影响，甚至还能出彩。但是在《笑傲江湖》这个故事上就不合适。说白了，徐克并不擅长处理这样的题材，至少当时还不懂这样深层的中国文化。同样是致偶像，乔治卢卡斯、斯皮尔伯格、福特科波拉砸大价钱给没片拍的老头儿黑泽明拍出了《影武者》、《乱》这样的经典。当年的小徐为什么就不能有这样的胸怀呢？一年之后，小徐拍出了《黄飞鸿》和翻拍自胡金铨原作的《新龙门客栈》；东仔拍出了《倩女幽魂》。几年之后老胡在一次手术中离世，那时候小徐已经被称为徐老怪了。可以清晰地看出徐克后期的作品已经摒弃了自己早期追求浮夸、新奇的念头，例如《刀》、《顺流逆流》、《散打》、《七剑》等片，平实、真切又不失大气，是真正的经典作品。武术指导也换成了刘家良、袁八爷、洪金宝这样硬桥硬马的风格。程小东那种飞来飞去、动不动就把人撕两半的东西大家早已看厌，见怪不怪，目前多见于抗日神剧。可叹小徐当初怎么就那么年轻！不禁想起了片中的一句对白：“年轻人，小心风头出得多，连头都没了。”这句小徐自己写的话真成了最好的讽刺。所以我说，这部电影只能算半部的经典，而这半部也多亏了胡金铨最初对电影的定位，当然还有黄霑那首空前绝后的《笑傲江湖》，整部电影最经典最点题的也是放歌舟中、“小舟从此逝,江海寄余生”那一段。来到2014年2月初，连续下了三天的雪，蜗居室中的大龄单身伪文艺男青年小许（27岁差俩月）在一个冰冷的雪夜，下了盘速冻水饺、就着榨菜喝着小酒，看着下载的2G多高清dvd版本，重温这部十几年前看过的印象模糊的电影，于是就有了以上的吐槽。

本来只想写个短评，但字数超了一点点…

看了331分钟的导演剪辑版，后期节奏略有失控超出了本人的注意力集中极限，昏昏欲睡。但整体来说还是非常震撼。前两部分的虚拟拍摄片段处理极其后现代，艺术感从黑白的画面里一次次迸发而出，时空重新解构，人物和历史都极强符号化，不得不感叹这是天才型的艺术家导演才能制作出的呈现效果。

最后一部分的拍摄片段，尤其是同时几个毛出现之后，写实的程度则重了很多。令人印象深刻的隐喻太多，斯大林的面具（后来劳动说是因为找不到像的？？）亚当的禁果、代表生殖的青蛙、驯化野猪剃毛等等。这是一种探索性的实验，剧本来自于张先痴先生的自传和个人意志。从一个社会科学学习者的视角来说这种处理会造成真实全面性的折损，但也不可否认这是本土纪录片一种难以抑制的冲动性生长。徐童的《赤脚医生》已经是一种艺术化尝试，《痴》则更彻底，摇晃的毛像张力无穷。

或许本土纪录片导演在表达的过程中，真的不必再受制于纪实镜头的枷锁努力，压抑自己艺术情节的冲动，都宣泄出来吧！社会在慢慢接受。

【写在最前面：为剧中那些让我感触的角色和情感留下一些记录】

1、二伯和女儿：有人憧憬新生，也有人活在二十五年前，从未走出来过

这部剧我2019年春天看过一次，最近又重温了一遍。三年过去，我发现对二伯这个角色有了一些改观。三年前看这部剧的时候，悲天悯人地觉得二伯命运悲惨，是我心目中演绎得最好的忧郁的中年人。而现在，我的一些人生观发生了改变，对二伯的感受从同情变成了“如果一个人只会沉湎于痛苦的回忆，便会像他那样，余下几十年的人生一事无成”。

剧中二伯最先出现是在家庭聚会高朋满座时的落寞独酌。再到后来，相比其他三个家庭的热闹团圆，他和女儿Meimei两人相依为命。其他兄弟姐妹有自己的事业，他呢，平时就是接女儿上下学，好像没什么正经事。

但他又是很孝顺的二儿子，父亲葬礼之后，亲生兄弟姐妹四人，只有他陪伴外甥（四妹的遗子）一起整理父亲的遗物。从这个细节可以看出他平常和父亲感情蛮深的。（很后面的几集通过旁人的交谈细节可以证实出他是父亲最爱最信任的孩子）

二伯总是沉默寡言，神情恍惚，常常要借助安眠药来入睡。他在剧里台词向来不多。常见的几幕场景便是他独自坐在沙发上发呆、独自坐在床边看画册、独自坐在椅子上继续发呆……确实是一个忧郁的中年人，但这次再加上一个标签，一个因为过度沉湎于二十五年爱妻自杀而一直走不出来的丈夫。

相比之下，二伯的女儿Meimei才是这个家的大人。一个十几岁的中学生，做事果敢，当机立断，很有主意。二伯误杀了大哥之后，Meimei的戏份相当出彩。返回凶杀现场擦掉父亲的指纹，拆监控硬盘，安排父亲服下安眠药制造不在场证明，藏手枪，被发现之后将计就计，用同情心换取一个无脑帮手帮她丢手枪，还成功地设计诬陷对方是凶手。一连串行径下来，让人拍案叫绝。

记得当时看这部剧时还有弹幕，一堆人怀疑十几岁的人能做成这些事吗？固然是有编剧杜撰的成分所在，但看看历史上的真实案件，聪慧狠心的未成年比比皆是。因此Meimei这个角色并没有让我觉得不合理。最重要的一点，她很爱她爸，她可以为父亲做任何事，即使是有悖律法道德的事。她爱父亲，这就足以解释一切了。孩子的爱是这个世界上最纯粹的东西。

二伯也有一点良心吧，女儿陷害无辜的人入狱，他也想过去自首。Meimei说，爸你出事了，那我一个人怎么活下去。可是二伯还是决定去自首，但就在他出门的那一刻，Meimei选择了上吊自杀，偏偏是和前妻一样的方式。二伯救下Meimei之后，内心大恸，决定为了女儿就这么成为罪人活下去。（但我觉得Meimei自杀这个冲击性的情节应该早点出现，不然实在解释不通二伯在大哥死后两个月内都不去自首任凭事件发酵的不负责任行为）

后来父女俩逃到了HK，那几天应该是剧中父女最开心的日子，Meimei给自己和爸爸换了新的手机卡，去新的学校念书，用另一种语言和陌生人交谈，她说，I know tofu is my father’s favorite. 在山上看港城夜景，她开心地问，爸爸，我们在这座城市定居好吗。Meimei天真地以为这一切都是新生活的开始。但其实有的人一直停留在二十几年前，不曾走出来过。

记忆中的大哥说出了真相，他说二伯应该放下一切，不应该再追究前妻的死。就是因为他一直沉湎于第一任爱妻，才会导致第二任妻子，也就是Meimei的亲生母亲和他离婚。就是因为沦陷痛苦的回忆，二伯才会从当初事业有成的才俊青年变成一蹶不振的落魄中年人，失去事业和寄托，如同行尸走肉般地活着。

这一幕和大哥的对戏当中，二伯贡献了本剧当中最多的台词。作为一个观众，这让我觉得更心痛了。只有说起回忆，二伯才会有这么多可以付以交谈的话语，才会唤起心中的强烈情感。要知道在其它场合，他总是少言寡语、沉静平和的呀。

我曾经说二伯和海边的曼彻斯特那位主人公很像。有些回忆会折磨人一辈子，无法释怀。有些往事我们可以不和解，但大家都是平凡人，不是喝露水度日的。成天以泪洗面，生活还过吗，对别人公平吗。我们要学会遗忘。这对于坚强地活下去来说，很重要。

2、Vegas：既可以板正不妥协，也可以为了爱的人放弃原则

Vegas是塑造得很出彩的一个角色。这一切得从Vegas的家庭说起。

Vegas的父亲是家中最小的孩子，Vegas从小认了大伯做干爹，但是却和二伯最亲。Vegas父亲由于是幺儿，家里的期望和事业更多寄托长子次子身上，因此他向来都没怎么背负压力，没什么事业心，也没什么长进。他的哥哥得按照家里安排违心娶一个不爱的人，他可不用，他可以自由婚恋，拿着股份潇洒度日。Vegas父母不务正业，喜欢享乐和Casino（从他们给小孩取名Vegas和Macau也能看出来），弟弟Macau头脑简单性格没什么棱角甚至有点没心没肺，比较讨父母欢心。因此，耿直诚实、书呆子气的Vegas在这个家格格不入，他也不屑与他们一同为伍。在父母和弟弟兴致勃勃地准备新年度假的时候，他也能非常煞风景地来一句，“别订我的票，我要在家复习功课。”

家族聚会上，Vegas当着所有人的面拆穿父母的低劣谎言，让父母陷入下不来台的境地。二伯开两句玩笑话岔开尴尬局面。回到家后的Vegas被父母斥骂一顿，一气之下他跑去二伯家，和二伯倾述自己的忿忿不平。二伯性子沉静平和还带着书卷气的忧郁，比自家父母靠谱多了。也就二伯的话他还愿意听。稍微得到开解之后，他赖着睡沙发，二伯也给他拿来毯子，可见这离家出走被二伯收留的事迹还挺稀松平常，二伯的家就是他的庇护所。

在二伯陷入长兄被杀的伤悲、差点站立不住的时候，Vegas第一个出来撑住二伯。他担心二伯的心情低落郁郁寡欢，给二伯送早餐，劝慰他。他还坦诚道如果换成自己的亲弟Macau死掉，他可能都不会这么难过。（哇太狠了Vegas）

一切的细节都表明，二伯是Vegas最在乎最担忧的人，甚至可以说是他的信仰。

Vegas那么正直的一个人，在看到确凿的二伯凶手证据之后，本来人都到警局要上交了，思量之下竟然又在最后一刻带着证据落荒而逃。他去二伯家质问二伯为什么，Vegas说“告诉我理由，我想理解你”。二伯不说原因，他又哭着甩下一句，“我要去说出真相！”结果……Vegas并没去警局，回到家中对着书上的条律发呆，问弟弟Macau，“如果我们爱的人犯了错误，我们要帮他吗？”

可是这问题问Macau有用吗，一个满脑子轻松享乐没有负担的人，怎么会思考这么严肃遥远的问题呢。Macau不以为然地说，帮啊。Vegas生气质问，怎么可以因为我们爱他就帮他，这样世界不就乱套了吗？Macau敷衍地总结，“那就如果是我，我帮，如果换成你，你就不帮。”

是啊，如果这个世界如Macau所说，那么简单就能解决问题，该多好。

Vegas自打从从警局逃回去，就应该明白自己的选择了，只是内心还在迷茫，想求一个答案。可是即使二伯不告诉他答案，即使有人告诉他，那你不要帮，他还是选择包庇二伯。

所以我觉得Vegas这个角色塑造得很好，一个人既可以拥有板正不妥协的性格，也可以同时为了自己在乎的人放弃规则和原则。这才是矛盾又真实的人性啊。

（题外话：Vegas父亲是四兄弟姐妹中活得最通透的一个，一开始这个角色让人觉得没出息，但到后面他亲自把Vegas藏起来的证据潇洒地丢进垃圾车，儿子惊异地问他，这么重要的证据，就这么扔了吗？Vegas父亲可一点都没纠结：死的人是我哥，杀的人是我哥，藏的人是我儿子，我想怎么做就怎么做。突然觉得，这人设从头到尾都很成立。太妙了。）

3、Pasorn家的四个儿子：出生顺序对于人格形成的影响

三女儿Pasorn家的四个儿子角色鲜明，性格迥异，细节演绎得很到位，跃然剧里。就算是关掉屏幕闭上眼，也能很快说出他们分别是怎么样的人。很适合用来对照心理学家阿德勒的研究：出生顺序对于人格形成的影响。

长子Yee十足信任母亲，睿智聪明勇敢，有责任有担当，甚至不顾父亲的反对、不顾自己的安危，也要亲自对峙坏人，一直都是母亲坚强的后盾。所以在后来发现母亲隐瞒真相之后，他的信念一度崩塌，是这个家所有人当中心里受伤最严重的一个。最小的弟弟被诬陷成凶手或者帮凶的时候，他也是最信任弟弟的第一人，用尽办法去搜查证据来证明家人的清白。

二子Earn一直跟着妈妈做事业，沉稳客观，独当一面，是妈妈的得力助手。但他对母亲就不像大哥那么信任了，更多的是尊重、有一定距离、持有自己的判断。他甚至是四兄弟当中最置身事外的一个。有一幕非常明显，当其他三兄弟拥抱母亲给她力量的时候，他一个人远远看着，大哥喊他，他才上前加入这个抱抱的行列。这并不是说他冷血无情，因为他也选择为了母亲隐藏证据。但与此同时，他也会冷静得如同无关的人一样，问母亲，“是你做的吗？”也会在弟弟陷入困境时，沉着地劝母亲去自首。

三子Dao很早就混娱乐圈了，在粉丝记者工作人员面前向来都是表现出专业一流、温柔随和、有求必应的爱豆形象。不过他也不是无可挑剔的神，他也会因为众人对母亲的诋毁而在镜头前失态。完了之后还要在ig 道歉。（非常标准的泰国小爱豆了）（写到这里突然发现这个角色最乏善可陈，也可能我对他印象最浅？）

幺儿Toey就有意思了。这个演员演得蛮好。以至于我对他在本剧中坏的一面印象深刻，阴影也很深刻（直到后来看了他在另一部剧演的纯情少年，我才对演员本人改观）本剧中，Toey年少、无知、容易被骗、一腔热血可惜没什么大脑。唯一的小聪明全都用在不正当的心思上了。不过，别的不说，他还是挺爱妈妈的，有人欺负妈妈，他第一个就要上来干一架。这个角色很多面。当警察揭穿Toey的不齿行径之后，Pasorn女士对自己的小儿子感到相当震惊，她对自己老公说，“我养了Toey十八年，竟然不知道他是这样的人。”

太真实了这句台词。我相信如果父母知道了自己小孩的过往经历，别说完全了解，就如同他们的朋友了解的程度，父母们也会一样感到震惊万分的。大部分父母反而是最看不清自己小孩真面目的人。

4、Pasorn 和Chris Chen: 性格迥异的两个大女人，有着同样的名字“母亲”

Pasorn和Chris Chen，两位都是大女人的性格，换一部剧的话，当都市剧或者宫斗剧的大女主，绰绰有余。但她们同时也都是一些宗族文化的牺牲者。在此先不展开，只说她们作为母亲的身份。

如果不看家中三女、得不到股份的身份，Pasorn其实挺幸福的。自己是个受人景仰的事业女性，还有前途斐然的老公和四个帅气的儿子，可谓家庭圆满。

Pasorn从小不被公正对待（主要因为家族重男轻女），这样的性格多少在轮到自己当母亲的时候能够映射出来。任何一个父母都不可能完全把爱公平地分给每个孩子。

这么几集下来，要说Pasorn最爱哪个儿子，还真不好说。但对她对二儿子，是有些疏忽和觉得理所当然的。Pasorn第一幕出现的场景是这样的，一直以来都是得力助手的二儿子管了一个新项目，二儿子迫不及得地想和妈妈分享成果，想获得妈妈的鼓励和表扬，但妈妈却打断了他的话。那一刻，二儿子脸上表出现了一些失落，但他依然扮演着尽责的身份，亲自开车送妈妈回家。我总觉得爱是相互的，有人不在乎你的感受，你很难源源不断地供应那份爱。

Pasorn对于小儿子是不理解，“养了十八年，不知道他是那样的人”但是依然爱这个儿子。Pasorn前面几集一直咬紧不松口，除了老公没对任何人说出事实真相（也伤了大儿子和二儿子的心），但小儿子一被人诬陷入狱，她却愿意为了救他而谎称自己是杀人凶手。小儿子被人扣押着入狱，Pasorn在外头痛哭流涕，哭喊着小儿子的名字却抓不住他的手，我相信没有人不为这份母爱动容。这一幕是Pasorn全剧最情绪化演技最放的一幕。（但我感觉也不能说她最爱的就是小儿子，换成别的儿子，她应该也会这么做吧）（也可能确实最爱小儿子）

再来看看Chris Chen，剧中的穿搭明艳耀眼，吊带高跟花裙子，怎么夺目怎么来。这一看就是腥风血雨会来事的狠角色。且不说她的那些坏女人行径了，作为母亲，她很合格。她是真的爱儿子，从儿子反过来对她的那些表现也能看出来。Pete给妈妈设置了专门的来电铃声，这样Chris一女士听这个搞笑欢快的歌曲就能知道是她最爱的儿子打来了。

在Chris人生中那几个重要的时刻，Pete都改变了她的命运。被丈夫一家赶出家门的时候，儿子哭个不停，Chris才有了留下来的机会；Chris在盛怒之下举起手枪要扣动扳机的那一瞬间，是儿子的铃声救了她。她清醒过来，没有老公又有什么关系，她还有一个最爱的儿子啊。

Chris做错过很多事，甚至可以为了儿子篡改遗产，全剧没看出她有多后悔自己的作为。但在最后Pete指责她的时候，Chris才开始痛哭。

Chris不是个好人，但是个好妈妈。

女主演技还是一如既往的木 瞪眼睛?? 太尴尬了 男主颜值没有苍兰诀好看 演技也不怎么好 唉弃剧了 希望陈钰琪演技能进步点 可惜了这颜值 明明赵敏演的很好啊很灵气 后面的剧怎么一部不如一部 男主也是 就苍兰诀可以 之前的剧也不行浪费了颜值啊可惜??他俩的待播剧我以后不看了 挺失望的 这部剧剧情不是很好看演技也不行

［这是《认同与国际关系》的课程论文，鉴于老师是武术爱好者，我也是，加上功夫电影的民族性，本文的主题应运而生。鉴于本文着意提倡的是徐大导演《黄飞鸿》中的民族主义叙事方式（反思的，多面向的），因此放在《黄飞鸿》的影评下。］摘　要：功夫电影作为华语电影的一个重要的类型片，从其诞生早期就开始从20世纪初“体育强国”思想中汲取养料，将以“东亚病夫”为代表的民族认同话语内含的冲突结构作为电影表达的惯用主题。但随着华人文化圈政治氛围的转变和经济的发展，这种民族认同话语逐渐被淡化。到了21世纪，更受到来自内部和外部异质话语的双重挑战，面临被重构的可能性。关键词：功夫电影 东亚病夫 自我东方化 民族主义表达古老的中国功夫之所以至今能有广泛的影响力，同它与现代电影艺术的结合是分不开的。功夫电影是华语影坛最具国际影响的类型片。而在众多功夫电影中，那些以近代中国为背景的“国恨家仇”故事，也成为最常用主题之一。而且，功夫电影作为承载近现代中国民族认同话语的一个重要文本，不仅显示出中国民族主义是近代殖民危机产物的历史语境，还忠实记录了不同时代背景下华人对民族主义态度的变化。通过查阅文献和检索数据库，笔者发现，对功夫片和民族主义相关主题的研究主要可以归纳为三类。第一类是对近代中国人将体育竞技与民族主义情绪表达联系在一起的现象（“东亚病夫”心结）的分析，主要有两条路径：国内过去的研究大多将原因归结西方列强的殖民侵略和压迫，代表性的著作有高翠编著的《从“东亚病夫”到体育强国》；但近年来一些台湾学者开始尝试从“身体史”研究的角度和重读文本的方法，重新回顾这种与身体相关的民族主义认同的发展脉络，比较系统的研究有台湾政治大学副教授杨瑞松先生探源“东亚病夫”概念的相关论文与专著，以及东海大学黄金麟教授对“身体史”的一些研究著作。第二类是对众多功夫电影剧情架构、文化内涵以及市场反应的评论。这类文献多见于不同时期国内各种期刊杂志，观点也或褒或贬，不一而足，但在研究功夫电影的社会影响方面，可以算作是第一手资料。第三类是将功夫电影与民族主义叙事联系起来的学术性研究。国内在这个主题上的系统性研究相对还比较缺乏，较丰富的是对一部或同一系列电影中民族主义的表达方式的研究，这一主题也散见于一些功夫电影发展史的专著中，如贾磊磊《中国武侠电影史》等都有涉猎，相关译著也有一些，例如英国学者里昂?汉特的《功夫偶像》。综上所述，虽然关于功夫片和电影中民族主义叙事的研究国内已经有比较丰富的资料来源和基础研究，但将这两者联系起来，旨在理清20世纪华语功夫电影中民族主义叙事的发展脉络、探究背后变化动因的研究还是相对薄弱的。本文旨在对这个问题进行一些尝试性的探索。一、危言：“东亚病夫”、“体育救国”与中国民族主义功夫片最重要的表现手段——传统中国功夫，之所以能够从平凡的民间技艺跃升为“国术”甚至是整个民族精神的寄托，与20世纪初兴起的“体育救国”思想是分不开的，而“东亚病夫”这个概念则在这个过程中被反复言说并成为后来功夫片叙事中的一个重要民族认同话语。“东亚病夫”一词现在常被视作列强对中国人身体普遍孱弱的侮辱。西方称中国为“病夫”据信在国内最早见于1896年上海英文报纸《字林西报》所转载的政论，但在这篇政论中 “病夫”（Sick Man）仅仅是对甲午战败的清王朝积弊丛生、欲振乏力现象的一种客观描述。事实上中国人用“病夫”一词甚至更早：严复在1895年3月发表的《原强》中就用“今之中国，非犹是病夫也耶”来比喻变法的迫切性和从根本入手的必要性。因此“病夫”最初并非源于西方列强的侮辱，而是在民族存亡之秋一种忠言逆耳的大声疾呼。但随着维新变法运动的失败，一些知识分子感到要救亡不仅要变法，还要开启民智民力；同时由于社会达尔文主义的传播，剪除国民“劣根性”、与白人争夺种族优势的呼声也逐渐高涨。而“病夫”作为一种所指范畴不明确的日常语言，易作扩大解释。由是，“东亚病夫”的意涵在20世纪初逐渐发生了改变。1903年，流亡日本的梁启超发表《尚武论》一文，开始从卫生习惯、传统道德等方面反思，发出“呜呼！其人皆为病夫，其国安得不为病国也！”的悲叹。 到了陈天华的《警世钟》里，开始出现“外洋人不骂为东方病夫，就骂为野蛮贱种”这种将“东亚病夫”界定为外人耻笑辱骂中国人的用语的描述，配合上前述把“病夫”比喻转化为针对中国人体质羸弱的形容用法的流行，使中国人逐渐将“东亚病夫”理解成西方人对中国人“挂在嘴边的嘲讽之语”。为了改变受辱的“东亚病夫”状态，不少人开始仿效日本维新中鼓励尚武精神的做法，将体育作为救国的重要方策之一。梁启超在1904年出版的《中国之武士道》一书中就明确表达了学习日本尚武强国的观点。 于是，中国开始出现一些旨在强种救国的的武术团体，其中民间比较重要团体的有1910年创立的“精武体操会”，官方的武术团体则有1928年建立的“中央国术馆。然而，民间武术团体的资金和影响力有限，官方的团体不仅困于内部门派纷争，还缺乏足够的政治支持，因而在中国“体育救国”的思想最后仅流于空谈。但是，“东亚病夫”概念的变化并导致“体育救国”思想的产生的过程完整地体现了一个国家“自我东方化”的过程，是中国民族主义在外来侵略压力下产生的一个侧面。20世纪初的中国知识分子们通过对原始文本碎片有意无意的扩大解释和剪切组合，臆想了与国家同样受辱的、孱弱的中国人群像，然后意图用相应的耻辱感激励全民族奋发的精神，实现对西方世界的反抗。虽然“体育救国”在现实的政治实践中失败了，但这种要在身体上战胜东西方列强的思维方式却遗留在中国的各种小说、传奇等社会记忆之中，这也成为后来功夫电影中民族主义表达的源头。二、形成：李小龙电影中复仇式的民族主义叙事1930年国民党当局以有伤风化为由禁拍武侠片后，上海一部分电影制作者开始向香港转移。1937年抗战爆发、1946年国共内战爆发和1949年共和国成立，分别造成了三波大陆电影制作人才、资金向香港的迁移。内战结束后，大陆和台湾都有较严格的电影制作和审查制度，相较而言港英当局的审查要宽松得多。加上广东本来就是武术之乡，各类南派拳术在民间流传极广，而且不乏黄飞鸿、方世玉、洪熙官等近代英豪的传奇故事，香港成为功夫电影制作中心可谓是“天时地利人和”。功夫片 正式成为一个独立的电影类型的标志是1949年胡鹏导演、关德兴主演的《黄飞鸿传》的上映。《黄飞鸿传》不仅开创了从1949到1994年间长达77部的电影系列，其中一些基本元素更被后来的功夫电影所广泛继承和反复再现：硬桥硬马的真实武打、自强不息的民族精神、谦虚守礼的传统道德……但在这一时期，民族主义叙事仍然不是功夫电影的常见主题，民族情感在片中仍然处于一个非“彰显”的阶段。上一部分所论述的那种“自我东方化”的民族认同话语与功夫电影明确结合并造成广泛的社会影响，是从李小龙在香港拍摄的三部电影 开始的。李小龙影片在香港的火爆，既有其自身功夫精湛和电影拍摄手法革新的因素，也有三部影片共同反映出的高昂民族主义情绪的因素，尤其是《精武门》完美地将“复仇”这个传统武侠片的主题与民族冲突结合在了一起，陈真打破“东亚病夫”的匾额和踢飞“华人与狗不得入内”的标牌，更成为华语电影的经典镜头。就影片结构来讲，《精武门》的前半段——从陈真归家参加葬礼，到忍受日本人的上门侮辱——是一个民族仇恨的积聚过程；而后半段则是仇恨的激烈释放过程，一是陈真带着“东亚病夫”牌匾主动上门搦战并击溃众多日本空手道门徒，并发出“中国人不是东亚病夫”的宣言，二是后来他凭着巧妙的易容术潜进日本道馆，击杀俄国大力士和日本空手道馆主，正面肯定了中国人的智慧和武力，完全粉碎“东亚病夫”的侮辱，同时将全片的民族复仇情绪推到了极点，也塑造了陈真这个虚幻的银幕 英雄形象。通观这个叙事结构，日本空手道馆作为侵略者代表的加害者形象分明，而陈真的愤怒、反抗与最终的胜利则，正是前述近代史上“东亚病夫”概念转移和“体育强国”思想内所隐含的反抗逻辑的银幕体现。有评论说，这部电影展现了一种“好战的”中国特性：“永恒的、本质主义的与理想化的……绝对的民族主义者与种族主义者；强烈地反日本”。 可以说，《精武门》借用了“东亚病夫”这个的民族主义符号，套用了“复仇”这个传统江湖故事的剧情，再树立起日本这个中国近代史上最大的侵略者作为民族主义情绪发泄的“他者”，将陈真幻化成智勇双全的中华民族的银幕代言人，从而在取得巨大商业成功的同时也为后来的功夫电影的民族主义叙事确立了一个标准参照物。值得注意的是，这种电影中的民族认同话语表达并不是单向的，而是当时香港社会集体认同缺失的一种反映。这是“李小龙电影”流行的时代背景。由于内战结束后两岸对峙的局面，上世纪六七十年代的海外华人社会普遍存在着“左”与“右”的对立，尤其是香港社会，还存在着左右两派与港英当局的“三足鼎立”。当时的香港，一面是经济高速发展，同时，左右两派也争斗不断，港英当局采用高压手段进行统治，政府内部腐败严重。这一时期，香港的各种社会运动风起云涌 ，而大陆的“文化大革命”和台湾的“戒严”也令生存在意识形态夹缝中的香港和海外华人群体感到空前的压抑和归属感的丧失。在现实中遭遇身份认同危机的人们转而在虚构的影像世界寻求身份的确证，而《精武门》这部电影恰恰就为这种在现实中无处安放的民族情感提供了一个虚拟的发泄渠道。这是《精武门》成功的外部因素。以《精武门》为代表的李小龙式的民族主义叙事仅仅是功夫电影与民族认同华语结合的一个开端。随着时代的变迁，这种民族主义表达也在悄然发生着变化。三、淡化：徐克黄飞鸿系列中包容式的民族主义叙事徐克是80年代香港新武侠电影的领军人物，导演的武侠电影富于想象力和创造力。而徐氏功夫电影的代表作首推他与功夫巨星李连杰合作的前三部黄飞鸿系列 。作为90年代拍摄的新黄飞鸿系列，对近代中国这个不变的时代背景，徐克一反李小龙电影中的那种华洋抽象对立的简单世界观，而选择了一种更宏大的广角镜头，力图将一个清末社会全景式地呈现在观众眼前，徐克的世界观因此也在另一种意义上显得更为庞杂和矛盾：以舞狮、粤剧等为代表的中国传统文化之美与迷信愚昧的白莲教的同时存在，中国人里既有投靠洋人拐卖同胞的帮会头目和欺行霸市的京城恶霸，也有孙文、陆浩东这样的革命志士。影片中对清朝官员形象的处理也不是“脸谱化”的，虽然顽固不化但也有保境安民、反抗洋人的一面；同样，影片中的洋人也并不全部是穷凶极恶的侵略者，第一部中有勇于替黄飞鸿作证洗脱罪名的神父；第三部中的俄罗斯杀手虽然狂妄地认定中国必定要遭受异国统治，但他对十三姨的感情也显示了他尚存人性。总之，百姓、官员、洋人——徐克镜头下的清末中国社会，似乎每种人都有两个面孔，这种对背景人物群像多元化的处理，使得传统功夫片中以身体侮辱为主的“东亚病夫”的话语言说难以成为系列的主题。而且整个系列也反映出导演对国民劣根性、革命者的对外依附性、学习西方和维护传统之间的张力等等众多的问题的思考。这些多元价值观的有序的掺杂不仅让影片呈现一种万花筒般的精彩，也让不同观众能够各取所需。徐克全景式的叙事在凸显微观历史的复杂性的同时，也在某种程度上淡化了李小龙电影中昂扬的民族主义激情。徐克镜头下的黄飞鸿是个徘徊在中西之间的矛盾混合体：黄本人是个遵守伦常的旧派人物，是功夫和中医两大传统技艺的继承者，但他的爱人十三姨却有着留洋背景；黄在十三姨的影响下被迫接触诸多西方的生活方式和先进科技时，既表现出接受的一面（有时会戴墨镜、礼帽），也有不理解的一面（对学英语、照相等表现得不耐烦），在遭受打击时甚至也会偶尔露出排斥的一面（在宝芝林被烧毁时愤怒地命令不准再使用“洋玩意儿”）。不同于李小龙塑造的那个情绪化的、反抗的、能安慰华人失落民族认同感的陈真形象，徐克对黄飞鸿的设定让他显得更为富有历史的真实感。然而在面对无法抑制的列强蚕食和现代科技对传统的破坏时，黄飞鸿也表现出身为一介平民和一名传统继承者的无奈——他不是李小龙式的中华民族的暴力能力在银幕上的代表，而是在高速现代化/西化的中国社会中仍然顽强生存着的优秀传统文化，以及与之相伴的自强精神。这种民族主义表达的变化，应该与90年代初香港、台湾和大陆社会经济发展和两岸政治空气的缓和有着内在的联系。当华人所代表着的东方社会与西方社会的实力差距逐渐缩小时，“东亚病夫”式民族认同话语和复仇式的民族主义情绪宣泄失去了外部市场，徐克更加包容的民族主义叙事手法，对近代屈辱史采取一种更富沧桑感的、略带忧伤的史诗化 处理，显得更贴合当时的社会思潮和公众的心理需求。如果说70年代初的观众能够从李小龙电影的民族主义叙事中找到确认民族认同归属感的激情，90年代初的观众则能从徐克黄飞鸿系列中唤回对民族历史的遥远记忆，并从包容的民族主义叙事中对纯粹的“东亚病夫”式的民族认同话语进行一定的反思。四、重构？新时代背景下功夫电影中民族主义表达的变数进入21世纪，随着中国大陆连续十几年的稳定经济发展，华人社会变得更加强大自信。功夫电影从90年代末经历了一段时间的创作低潮后，随着甄子丹等新老功夫演员的活跃，又重新焕发了生机。而且随着中外交流的逐步增多，功夫电影这一传统的华语电影类型也开始迈出走向世界的步伐，如好莱坞大片《黑客帝国》大量借助中国功夫增强表现力，华裔导演李安拍出了《卧虎藏龙》这样奥斯卡获奖武侠片，还出现了大量借用中国元素的动画片《功夫熊猫》等。这个多元化的新时代对于长期潜藏在功夫片惯用主题中的民族认同话语而言，也存在着更多的变数。其一是个人主义和后殖民主义对民族主义叙事方式的挑战。叶问系列是近年来最成功的对传统功夫电影的演绎。但不同于以往的功夫电影，在剧情安排上，导演叶伟信对两部叶问电影都采用了两段式的结构：第一部分主要是叶问的居家生活和他与其他中国武师之间的较量，第二部分才是叶问与东洋西洋对手间的搏杀。而且，甄子丹所诠释的叶问是个谦和、护家、爱老婆的传统中国男子形象，武术仅仅作为他早年的兴趣爱好（第一部）和中年养家糊口的工具（第二部）而存在，并不是有意识作为一种实现正义目的的工具（在陈真和黄飞鸿处均是如此）而存在的。而叶问之所以会出手挑战东西方拳师，在第一部中，一半是不忍朋友被杀，一半是日本人的强逼下；在第二部中，也是出于对同道中人被活活打死的义愤，还有对中国武术被侮辱的不平。这里虽然重新引入了被徐克淡化掉的“东亚病夫”概念，但银幕英雄反抗的原因却更加个人化了，与李小龙主动的、明显与所受伤害不对称的民族主义复仇不同，叶问的反抗更加被动，也更加有限度，而且其战斗目标也不是实现民族整体而更多的是主角个体的正义。还有个值得一提的细节：《叶问2》的后半段在描述洪震南与叶问先后同西洋拳王进行“龙卷风”搏斗时，本来是非常传统的复仇式民族主义叙事方式，但导演却背离“惯例”的剧情发展，在结尾处安排了一段叶问的讲话，居然把这一传统的、复仇式的、黄种对白种的反“东亚病夫”式的胜利，扭转为呼吁种族平等、相互尊重与理解的西式人权宣言 ，并得到了英籍观众的鼓掌欢呼，使之前渲染起来的民族情绪消失殆尽。这种剧情处理所体现出的对英国殖民统治的暧昧态度，折射出日前在香港社会，后殖民主义的怀旧情感已经成为一种流行的思潮。 这种个人主义的和后殖民主义的表达方式，是传统功夫电影叙事逻辑在当前时代发展的最新形态，也对传统的民族认同话语形成了有力的挑战。其二是全球化背景下与西方的再遭遇和文化误读的挑战。如前所述，《黑客帝国》、《卧虎藏龙》和《功夫熊猫》是这些年来融入了中国功夫元素后取得成功的3部典型的好莱坞电影。除《卧虎藏龙》外，其余两部均在华语文化圈取得了不俗的成绩，但《卧虎藏龙》的票房在北美地区却是一路高歌。探究产生这种现象的原因，《黑客帝国》和《功夫熊猫》两部影片仅仅是借用了中国功夫的元素作为一种推进剧情的“道具”，但剧情讲述的依然是纯粹美式的超级英雄科幻片和励志卡通片，这种西方内核与东方外表的简单拼合，在让中国观众在享受西方大片的时候找到了熟悉事物的同时，也让西方观众发现了能满足他们对“东方”想象的“异国情调的（exotic）”之物，其结果自然是皆大欢喜。但对于《卧虎藏龙》这部由华裔导演李安执导的作品而言，由于李安致力于还原一个外观上尽可能真实的清代社会（事实上他这一点做得确实比国内大多数导演要好），并用最武侠的动作演绎这个武侠故事（袁和平的武术指导），但却在剧本上选用了一个西化的角度去诠释夫妻、师徒、父子这几对中国传统伦理关系 。西方观众可能会简单地走进这个充满了“东方”式想象的武侠世界，但对于华语文化圈的观众而言，被完美的武侠外表所引入的却是一场纯粹西式的文化命题讨论，就容易产生一种“熟悉的陌生感”，就难免会感到困惑和诉诸排斥。功夫电影的好莱坞化所反映出来的功夫元素“零碎化”和功夫内涵被替换的现象，正是西方对东方文化误读的结果，也是最原初意义上的“东方主义”特点。当功夫电影中的民族认同话语正面遭遇强势的好莱坞电影对其解构和重构的挑战时应如何做出应变，也是需要深省的。总而言之，以洋人对华人身体侮辱为标靶的功夫电影中的传统民族主义叙事，在半个世纪的时代变迁中不断发生演变，到了21世纪初，更是遭到了内部个人主义和后殖民主义话语，和外部西方主义话语的再次挑战。同之前的民族主义叙事形态的变化一样，现在的变化也在很大程度上体现了当代中国社会中人们认同观念的变化。功夫电影中民族主义这一主题是会继续发展、被重构还是逐渐消失，还要看更广泛的社会层面上华人民族认同变化的趋势。参考资料：I. 专著：1.［英］里昂?汉特：《功夫偶像：从李小龙到〈卧虎藏龙〉》，北京：北京大学出版社，2010年版2.蹇河沿：《中国电影观念史》，昆明：云南大学出版社，2010年版II. 论文1.杨瑞松：《想像民族耻辱：近代中国思想文化史上的“东亚病夫”》，载于《国立政治大学历史学报》，第23期2.蔡振丰：《中国近代武士道理念的检讨》，载于《台湾东亚文明研究学刊》，2010年12月3.谭畅：《百年霍元甲的真实与影像》，载于《小康》，2010年12期4.吴匀：《通俗叙事与喻象符号——〈黄飞鸿〉电影中“国家形象”的考察》，载于《当代电影》，2009年第1期5.列孚：《徐克“黄飞鸿”系列研究》，载于《当代电影》，1997年3月6.唐宏峰：《叶问2：民族激情的被观看与被化解》，载于《中国报道》，2010年第6期7.符鹏：《香港功夫电影中的民族主义书写——以电影〈叶问〉系列为例》，载于《艺术评论》，2010年第7期8.华静：《文化差异、文化误读与误读的创造性价值——兼析动画片〈花木兰〉与〈功夫熊猫〉的中美文化差异与误读现象》，载于《兰州学刊》，2010年第1期9.傅睿纯：《一次继承与变革的武侠片试验——评〈卧虎藏龙〉》，载于《北京电影学院学报》，2001年第2期III.影片：1.《精武门》，罗维，香港，19722.《黄飞鸿》，徐克，香港，19913.《黄飞鸿：男儿当自强》，徐克，香港，19924.《黄飞鸿：狮王争霸》，徐克，香港，19935.《叶问》，叶伟信，香港，20086.《叶问2》，叶伟信，香港，20107.《黑客帝国》，安迪?沃卓斯基/拉里?沃卓斯基，美国，19998.《卧虎藏龙》，李安，香港/台湾/美国，20009.《功夫熊猫》，马克?奥斯本/约翰?斯蒂文森，美国，2008

我爷爷现在正在看，我又不能换老人家的台，所以本人现在很痛苦。不谈剧情，因为现在才播了一集。那个年代跟我们现在不一样，有些地方看着让我很别扭:好像是男主之一吧发型是电发，不知道属于日式韩式还是欧...女军官眼妆很浓，嗯，还是红色的眼影，整体妆容很网红，看到就容易跳戏，嗯，眉毛是你们一字眉。

日本兵追我们中国士兵的时候，是为了突出那个日本军官？还单独给他好几个镜头？他一个人骑马在前面追，后面隔着一段距离是一堆日本兵跑步追击，双方互相射击，嗯...构图就是:日本兵→骑马军官←中国士兵[箭头是射击方向]这个日本军官就一移动的活靶子呀，毕竟他单独一人处于真空地段，不怕身后的猪队友开枪没准头突突了他?？觉得有点蠢????!

好吧，其实我就是来吐槽的，作为我爷爷的乖孙女，我可不会瞎换老人家的节目的，虽然我很蓝瘦，365个祝福送给我自己??

前两集女主霸凌人设真的恶心。

虽然这个人设很新颖，也可以美名其曰“保护朋友的山大王人设”。

但小时候花式欺负男主，这真不是开玩笑，也不是小孩子不懂事，真的会给人留下阴影的。长大了跟小时候的性格一模一样完全没改变，一点也不觉得有什么讨喜的，也不知道为啥男主会喜欢上。

被霸凌的人根本不可能会喜欢上霸凌者吧。这个感情就很怪异，又不是什么斯德哥尔摩。被霸凌如男主到大学都无法忘怀，反而女主还一直以为自己小时候对他很好？还一直心安理得地开开心心的长大？真的是憨批。

我甚至怀疑作者根本没体验过霸凌，能写出这样扭曲的爱情。

只能说男主真的超善良，即使欺负也是开个小玩笑。女主在澡堂没说出去，在更衣室也护着没让大家看到。

刚刚看到有人说女主性格分裂，我觉得说的真是太对了。虽然一个人是多面体，不是扁平化的，但女主一边天使过头各种高光时刻，一边性格恶劣各种做坏事真的很矛盾。

我想小说里这么写应该是很甜的（听说是搞笑风格，或许观感不一样）但是电视剧真的拍出校园暴力的感觉，用力过猛？？真是太可惜了本哥这么帅片尾曲也好听拍摄手法也不错，因为憨批女主变得没那么好看。

三刷

第一刷是上学期为了电影课音乐剧单元的课纲要求。因为带着刻板对于音乐剧的期待，我在刚看到影片中突然出现的音乐片段，极力的想要找出音乐片段和故事情节的连接，却也因此忽略了故事的内核。不知道是不是因为相对缓慢的节奏，我是在困意中半梦半醒的看完了。课上老师提到那个洞打开了主人公之间的联系，对于人类之间情感的渴望时，我还在想，还能这么理解吗？！

第二刷是三月份的一个下雨天，学校停课的第一周。感受到了，啊原来影片中的孤独感是这么一回事啊。也不觉得叙事过于的缓慢了。影片最后把楼下女子通过洞拉上去的时候甚至也收获一种对自己境遇的解脱。这个场景带给我的冲击远比第一刷时要大。从音乐片段的角度来说，这种非延续故事情节的片段在突然的同时，也从侧面给出了或许主人公对于离开压抑的渴望？两个月以前的我有更多想写的，但因为当时没有记录现在也忘了当时的自己想要唠叨的具体是什么了。

今天久违的又下雨了，和《洞》里的雨很像，于是又想着看一遍。我还困在家里，上着暑课。这一次主要关注的是情绪和人物关系。楼下女子的屋子仿佛外化了她的情绪。情绪是压抑的，灯光是昏暗的蓝色调。影片刚开始的她虽然孤寂但是坚强的。房间漏水时，她还会仔细的把翘起的强制贴好。还会想要用鸡蛋敷一下脸。而后来渐渐得，客厅已经被堆地乱七八糟的不成样子。再到之后，她自己挑拨地撕下了墙纸。一方面压抑到了影片的低谷，一方面却也可以理解为放下了她的防备。不用装着坚强，给了自己脆弱的机会？我觉得她是孤独的但不是冷漠的，对外界的声音有着渴望：在听到楼下/隔壁吵架时，也会想要偷听上几耳朵。她和楼上男子的关系，我觉得暧昧可能是有点的，挑拨也是有的，但是我到没有从爱情的角度去解读。或许他们的关系更像是封闭的人在对有人际关系的渴望的同时的自我封闭。在慢慢地试探不想伤了自己。伸出手帮助，和接过别人的援助都需要契机，时间，和勇气。在影片的最后，楼下女子得了病，此时的她无比的脆弱，而楼上男子在大喊无果后的哭泣也表现了他此时处于各种原因的无助与惋惜。而当女子再次醒来，他们之间的隔阂才算是真的打破了。那个洞从领地的侵犯，真正变成了连接的桥梁。而最后一个非音乐镜头选择了把相机稳定在离楼下女子比较远的位置，一半明一半暗的构图与打光给楼下女子的位置的重要性作出了对比，从屋子外化情感的角度来说，那个洞的确带给了她新的心境，是像那个温暖橘色灯光一样的心境。但其实如果把这一切单纯的想成是爱情的话，可能又是一个不同的解读了吧。结合当下不同的时机与经历，看这部片子的解读也会不同。而我当下看到那些或许有些唐突的音乐片段时，想到的就是，在压抑的生活和外表之下，或许内心是有着强烈的情感在涌动的，而那个能对ta表达这些的人，场景，时机却不是像幻想中来的热烈，真切和突然。

恐怖主义是眼下位于风口浪尖上的话题，每一个生活在恐怖主义阴影下的人都或多或少提心吊胆，担惊受怕。所以敢拍《英伦对决》的英国人还挺有种的，整个故事的基础是英国和爱尔兰几百年来的历史遗留问题，北爱尔兰究竟应该独立，还是继续留在英国，民粹主义者、日不落帝国主义政客、投机分子在这个无解议题的裹挟下兴风作浪，永无宁日。

本片英语片名直译为“外国人”，指的是成龙作为一个中国人，卷入了看似和他毫不相关的这场政治斗争。以一个外国人作为北爱事件主题电影的线索，本片在故事层面给观众带来了新的认知角度。

今年年初的《功夫瑜伽》里，成龙就已经开始走大龄英雄的路线，打斗的过程中安排了不少力不从心的情节，不过整体上还是武打明星的人设。《英伦对决》里的成龙挑战年纪更大的角色，扮演70岁的退役特种兵，腿脚不如年轻时灵便了，但是还有体力完成实战级别的搏击和战术化的野外格斗。做打星很难，突破自己的舒适区更难。

在导演马丁·坎贝尔劝说之下，成龙能接下这个角色，就说明他已经充分做好心理准备，不是作为打星，而是作为演员出现在影片中，虽然孤身一人与爱尔兰恐怖分子激战的戏份也不少，但是出现在观众眼前最多次的反而是一位失去亲人的孤寡老人花白的头发、深陷的眼窝和绝望的表情。

主动放弃让自己获得影坛地位的角色类型，对于成龙来说当然是一种勇气；同时也算是成龙在大银幕上给观众提供一个心理过渡的渠道，任何一个武打明星都不是神，都不可能在影视作品中打到耄耋之年，喜欢成龙的观众也应该接受他已经63岁这个事实了，如此高龄仍然愿意突破和创新，很值得珍惜。

可能只有马丁·坎贝尔这个段位的类型片导演能说服成龙了。这位导演堪称类型片领域的一代宗师，拍过两集007系列电影《黄金眼》《皇家赌场》，捧红两代007演员皮尔斯·布鲁斯南和丹尼尔·克雷格，号称“两次挽救了007”。皮尔斯·布鲁斯南在《黄金眼》之后22年再次和坎贝尔合作，与成龙演出对手戏。听着布鲁斯南在《英伦对决》里纯熟地道的口音，我才知道这位扮演英伦特工的儒雅男星的老家就在爱尔兰。

所谓导演这一行的高手，就是我绝对不担心你抓不住故事情绪的矛盾点，所以我就非常从容地拍，我也不用一些很刻意的手段，比如很出位的剪辑、很出格的音效，就可以成功创造紧张情绪。坎贝尔拍的作品节奏都很稳，影片开场就是一场爆破事故，导演没有使用音乐加强情绪的传递，因为在胸有成竹的坎贝尔看来，故事本身足够打动观众，一切其他不必要的因素通通舍弃；故事的格局要到影片中后段才能完全看清，影片大部分时间都能在剧情方面给观众传递新鲜感，该到一笔带过的时候坎贝尔也不含糊，没有冗余剧情，没有尿点。

该到加强剧情紧张感的地方，坎贝尔也不吝惜应有的电影形式主义。皮尔斯·布鲁斯南和同僚争吵的一场戏，揭示了二者投机分子的真实面目，坎贝尔把镜头推上去，给了两人半张脸的大特写，这是片中唯一一次用到如此极端的人脸镜头。故事中一场重要的恐袭戏，坎贝尔的剧组在未通知伦敦兰贝斯桥上行人的情况下爆破了一辆公交车，抢拍了爆破现场无辜吃瓜群众的真实反应。

《英伦对决》是一个非常好的样板，告诉我们不用特效、不耍花活，只靠一位武打片传奇人物的突破和坚持，只用最基本的镜头组合招式，也能做出一部质量上乘的类型片。

本该在两个月前就发的推荐，不过我想时间有断裂，热爱总不嫌晚，喜欢总要表达。喜欢大话西游电影的友友可以一看

毫无疑问这部小成本网大电影也是蹭了经典的热度，优缺点都非常明显，肯定不能跟院线电影比，制作穷特效差剧情紧凑，男女主感情线剪得突兀直接，但或许是一开头的一生所爱就勾起了对原作的情感，偏爱加上了滤镜成为点睛之笔，让我觉得这部电影还是可圈可点的。

用心讲故事就让人好感度满分。内容原创就很加分。作为周星驰大话西游的前传，它把原作核心点大话西游的宿命论抓住了，尝试解读致敬了周星驰埋下的几个伏笔，解释了至尊宝为什么不是孙悟空不是齐天大圣，因为人人都可以是齐天大圣。解释了为什么紫霞从芦苇荡醒来脑海里一直浮现一个能拔出紫青宝剑的意中人，为什么会说她的意中人会踩着七彩祥云来救她，为什么紫霞爱的人是至尊宝不是齐天大圣，回应了观世音菩萨对至尊宝所说的，前世因，今世果，原来他们的三世情缘早已开始。而这一世，至尊宝只是一个卖面条的，这一世，是至尊宝先动了心，爱上了紫霞，这一世，是紫霞负了至尊宝，所以下一世，轮到至尊宝负紫霞，第三世，两人才会在城头再相遇。

所以这一世的至尊宝才是紫霞一直在找的人，虽然他没有任何法力，但他仍愿意付出一切为紫霞找到她的点灯人。当至尊宝为了救即将烧尽的紫霞，从另一个角度再次诠释戴上金箍不能爱你，不戴金箍救不了你。

当观音菩萨告诉至尊宝齐天大圣只是一个名字，因缘际会皆会因为选择而发生改变。当紫霞最后用月光宝盒穿越回去，挽救与至尊宝的初相识，至尊宝在抢牛家小姐绣球的半空中回望离开的紫霞，仿佛时空重叠，紫霞在城墙上回望离开的孙悟空，说出那句“那个人好像狗啊”，当这些片段既合情理又能与经典相联系，这才是翻拍，这才是致敬经典（这部片子是有原著版权的）。

齐天大圣只是一个名字，每个人都可以是齐天大圣。

总而言之整个故事逻辑大致是通的，剧本质量过关，演员演技还算在线，一些星爷式的喜剧无厘头搞笑也不出戏，但不得不说一生所爱在我这里很加分，还有达叔带病出演还是吊打的演技。当然也有很多人觉得这也是一部狗尾续貂的大烂片，各花入各眼，小成本网大还要什么自行车呢？