懒猫Garfield6
他们或许见惯了生死，但仍保持对生命的热爱和敬畏。
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他们或许见惯了生死，但仍保持对生命的热爱和敬畏。 日期信息参见： https://www.douban.com/doubanapp/dispatch/review/12476546?dt_dapp=1 一、各科室名册（管理层，神经外科，胸外科，普外科，妇产科，急诊科，其他科室） 二、医护人员档案（99s：教授们的进阶之路，管理层及各科室教授，研修医，住院医，实习医生，实习生，护士） 三、患者诊疗记录（神经外科，胸外科，普外肝胆胰外科，普外小儿外科，妇产科，急诊科） 附 恐龙山脊小伙伴们的欢乐日常 -------------目录分割线-------------- （画*的人物未出现过） 管理层：周忠秀（理事长），周全（院长） 神经外科：蔡颂华（教授），闵基俊（教授，脑中心科长），金民锡（教授），龙锡民（住院医第4年，住总），安治雄（住院医第3年），徐善彬（住院医第3年），黄在心（护士长） 胸外科：金俊莞（教授， 胸外科科长），千明泰（教授，客服部主任），朴镇宇*（教授），都载学（住院医第4年，住总），苏贤怡（门诊护士） 普外科：李翊俊（肝胆胰外科教授），安正源（小儿外科教授），权顺正（教授，移植外科科长），黄裴镇（教授），李智勋（教授）， 李智英*（ 小儿外科教授），钟世赫（研修医），张冬天（住院医第3年，住总），宋秀彬（病房护士长），李容夏（病房护士），金在焕（病房护士），具海澄（肝胆胰外科门诊护士），韩贤熙（小儿外科门诊护士），金泰亨，咸德珠（器官移植协调员） 妇产科：杨硕亨（教授），秋敏荷（住院医第2年），明恩媛（住院医第2年），韩成珠（产房护士），尹美真（门诊护士），金英珠（护理实习生），申莫琳（护理实习生） 急诊科：奉光贤（教授），裴俊熙（研修医），鲜于熙秀（护士） 其他科室：潘子旭*（教授），全俊宇*（教授），南智敏（PICU护士），金美爱*（病理科），延泰仁（影像外科医生），玉江南（麻醉科医生） 实习医生：林昌珉，崔成英 实习生：张润福，张弘道 太虐心了，心疼晓薇，太懦弱了，现实中可没人那么傻，宝珠太恶心，自私，把自己的爱建立在别人的痛苦上，现实当中要是女人假怀孕，不能生育，要被甩了，别被电视剧洗脑了。最后晓薇还是不能和志强在一起，命运多舛啊！我看得很揪心，有一个网友的评论是他强烈预测到最后晓薇会跳江，我的心如刀割一样，不能和相爱的人在一起，也不能养育自己的亲生儿子，唉！ 太虐心了，心疼晓薇，太懦弱了，现实中可没人那么傻，宝珠太恶心，自私，把自己的爱建立在别人的痛苦上，现实当中要是女人假怀孕，不能生育，要被甩了，别被电视剧洗脑了。最后晓薇还是不能和志强在一起，命运多舛啊！我看得很揪心，有一个网友的评论是他强烈预测到最后晓薇会跳江，我的心如刀割一样，不能和相爱的人在一起，也不能养育自己的亲生儿子，唉！ 一个半小时的电影，我已经花费了三分之一的时间，可即使已经看了半个小时，我依旧不知他们在演什么。怎么怎么的就这样了，怎么怎么的就那样了，最后问自己，到底发生了什么事情，这些人在干啥呀。电影一开始就采用了两个时代的跨越式拍摄，但是前后脱节，剧情两段式，感觉没有很好地衔接上，还以为在看两部电影。 可能也是对主角的不 一个半小时的电影，我已经花费了三分之一的时间，可即使已经看了半个小时，我依旧不知他们在演什么。怎么怎么的就这样了，怎么怎么的就那样了，最后问自己，到底发生了什么事情，这些人在干啥呀。电影一开始就采用了两个时代的跨越式拍摄，但是前后脱节，剧情两段式，感觉没有很好地衔接上，还以为在看两部电影。 可能也是对主角的不认可，张默，张国立之子，打人事件、吸毒事件，让我对这个长得很颓的男人不抱好感，怎么老爸长得那么憨厚，他那一脸就没什么正气，所以不排除有角色排斥心理导致的没耐心。 坦白说，我最开始决定看这个剧其实就是冲着郭京飞去的。 做为TF老boys组合里的颜值担当，郭京飞有一种又搞笑又臭美的气质。 虽然不知道他本人内心里对自己的看法，但是每次总觉得上一秒他一耍帅，下一秒就会出糗。 前阶段因为看了雷佳音的《超时空同居》被彻底点燃，然后花了三天的时间把《和平饭店》从头到尾撸了一遍，虽然剧情有点拖，但雷佳音和李光洁真的深深刺入我的心了 坦白说，我最开始决定看这个剧其实就是冲着郭京飞去的。 做为TF老boys组合里的颜值担当，郭京飞有一种又搞笑又臭美的气质。 虽然不知道他本人内心里对自己的看法，但是每次总觉得上一秒他一耍帅，下一秒就会出糗。 前阶段因为看了雷佳音的《超时空同居》被彻底点燃，然后花了三天的时间把《和平饭店》从头到尾撸了一遍，虽然剧情有点拖，但雷佳音和李光洁真的深深刺入我的心了。 【容我吐槽一句，大家都说雷佳音头大，为什么我觉得李光洁的头围也不小啊！是只有我一个人有这样的错觉么？】 然后我心想俩老TF我都看了，就找找郭京飞吧，然后就找到了这部戏。 这部戏的前两集挺难看的，一来是大部分的戏份都给了女主和她那个演技堪比陈学冬的弟弟，二来是……郭京飞真的是一出场就自带笑点，不，应该是槽点。 一开口就说自己来自硅谷，美国麻省理工毕业啥啥啥的，然后下一秒我就想吐槽说，国内的IT男都很少穿西装，国外的不知道穿不穿，但你那衬衫袖子太长了，你自己没发现么？ 紧接着郭京飞就带着一脸骚浪贱，满脸写着【老娘我最帅，全场都看我】。 其实郭京飞的贱挺高级的，就是不是那种让你看了觉得猥琐和恶心的贱。 这点如果你在剧里看到了潘斌龙出现，且穿着西装革履演精英你就一定明白我的感受。 郭京飞的贱不烦人，而且不知道是不是我的错觉，我去看了我胖菲和冯叔叔主演的《二代妖精》，全程就记住了郭京飞的猫妖，妈呀！太猫了！太妖了！ 简直都能演猫妖传去了~~ 当然，成也萧何败萧何，黄渤曾经说过，演喜剧的人不好转型，因为只要你一出来，不论演啥大家都觉得你是在搞笑，这种既定印象其实挺残酷的。 所以前半程我真的没办法入戏，就看着郭京飞装逼一样的出场，然后逗比一样的奔跑，最后傻逼一样的跳到车里。 嗯，真的，后来我自动在脑内PS，把他出场那段的头换成了黄晓明、邓超、或者其他谁谁谁~~ 然后把好笑部分的脸换成他自己。 总之呢，这剧的情节讲的挺糟心，因为看海报就知道是爱情戏。女主是一个脸上有红色胎记但是长得很好看，且大大咧咧，没事儿爱装强大的主，然后在相亲里化妆戴假发遇到了郭京飞，后来又在生活当中，在公司里遇到了郭京飞，还成了同事。 郭京飞觉得女主和相亲对象就是一个人，但是女主则一直极力隐瞒，甚至最后还上演出了分身术。 你如果单纯看这样的桥段，是不是还觉得挺有看头的？ 但是如果这里面还插入了她有一个骗子老爹，动不动玩消失，还有一个所有表情都在努力写着【你看我像鹿晗么？】说话和读台词一样完全无演技的弟弟，以及一个乱七八糟的老妈，还有公司老总动不动就中二，且还和女主的对头勾搭成奸等等一系列的情节之后，你大概会和我一样觉得，【唉呀妈呀,这都什么乱七八糟的？】 是的，配角太抢戏，是这个剧最大的问题。 我承认现在很多戏都在拖，但是你们能不能让男女主好好建立一下人物关系，带一些矛盾，然后你们这些七大姑八大姨再登场啊！ 我们看剧，是来看男女主恋爱的，不是看这些配角的！！！！ 我国的国产剧可不可以在男女主身上想一些桥段，而不要总是靠给配角加戏来带动男女主啊！！ 就和《人民的名义》里，看到郑前父子就快进一样，我几乎是看到女主的弟弟也在快进，中途也觉得张歆艺扮演的这个女主其实挺值得爱的，内心自卑，然后假装强大。 目标确定，不达成誓不罢休，手都断了，还在拼了命争取，那段其实很像做销售的人啊！ 而且真的是遇到事情几乎都是正向思考，不抱怨。 撑到了第五集高潮才来，张歆艺崩溃了，喝多了找人去告别，然后告白的对象是郭京飞的表哥，然后郭京飞还很神奇的在现场目睹了~~~ 哈哈哈，看到这里，我真的忍不住发出了猪一样的笑声，这才是郭京飞该有的小样儿啊。 然后，表哥开车，女主在后座抱着郭京飞，醉梦里把他当做告白对象，一遍一遍甜言蜜语逼逼，还要给他生猴子，噗~~~ 郭京飞的小脸，红一阵白一阵的。 导演还不死心，女主喝醉告白被拒也就算了，清醒的时候又去告白，我草！又被拒了，然后是真的哭了，尤其她说，没关系，你忘不了你的女友也没关系，我乐意在这里等。 妈呀！！我都快哭了。！这种梨花带雨的桥段，好不好死不死的又被郭京飞目睹。 嗯！目睹，你说他是不是很闲？这么经典的镜头，你不目睹你怎么爱上女主？ 你不爱上女主你怎么做备胎？ 哈哈~~~~姨母的笑声.GIF 然后按照常规桥段就是女主先后受到了各种打击和委屈，包括方案被否，团队被砍，亲爹又离家出走什么的，而每次郭京飞都能现身出来。。【是现身不是献身】，甚至还不惜借着被女主亲爹骗走了钱的理由，住到人家家里去。 啊！这段明明韩剧拍出来应该是甜蜜清新啥啥啥的，，，导演愣是一点都没沾，拍成了结婚十年彼此埋怨的戏码。 好在那些女主脆弱的时刻，郭京飞挺身而出的桥段都还比较帅。 什么为你点亮旋转木马啥的，为安慰方案被枪毙，和你一起撕撕纸，从头开始之类的。 然后高潮来了！！！ 女主的暗恋、告白对象，居然去帮了女主的死对头，郭京飞在现场当时就绷不住了，出来就壁咚女主，还撂下一句，我知道你喜欢他，但是也不能被他迷得失去了你的专业能力，请顾忌一下现场还有我！！ 妈呀，这是生生吃醋的节奏啊！！ 当然，按照设定，女主那么二怎么可能感受到。 而且冲着之前埋下的伏笔，女主一面以相亲对象的身份和郭京飞约会，一面又以公司同事的身份和郭京飞交往，最后不知道郭京飞会不会陷入自我精分的戏份。 郭京飞的演技其实挺有趣的，有时候还会自己加词儿，在戏里皮一下，别以为我听不出你嘲笑自己的皮肤粗糙都是坑，以及个头太矮，没有女主暗恋对象高啥啥啥的，不是自己的临场发挥加的词儿。他应该是里面表演状态最松弛的演员了吧！那个弟弟你学学好么！ 据说好演员迟早会等到一个属于他自己的角色，这个角色会让观众忘记他是他，会让观众记得他是角色本身，之后他再是他。 也许郭京飞自己内心里是自己的王子，但每次看他耍帅的甩头发的小动作，都很想笑，看他一笑露出一个小虎牙，也觉得他应该会遇到一个他们彼此成就的角色。 期待这个备胎早日上位啊！ 握爪。 電影主要模仿前苏联70年代拍的《解放》，學得還是挺到位的：人家拍了5部，我們拍了9部，而且把人家的航拍長鏡頭也學過來了，下面簡單介紹一下： 影片共有9部，分為：《鏖戰魯西南》、《挺進大別山》、《遼瀋戰役》、《淮海戰役》、《平津戰役》、《大戰寧滬杭》、《南線大追殲》、《解放大西北》、《席捲大西南》。共拍了10年 電影主要模仿前苏联70年代拍的《解放》，學得還是挺到位的：人家拍了5部，我們拍了9部，而且把人家的航拍長鏡頭也學過來了，下面簡單介紹一下： 影片共有9部，分為：《鏖戰魯西南》、《挺進大別山》、《遼瀋戰役》、《淮海戰役》、《平津戰役》、《大戰寧滬杭》、《南線大追殲》、《解放大西北》、《席捲大西南》。共拍了10年——1990-1999。 首先我們的學習對象就錯了，我們學的是70年代的苏联電影，當時改革開放已經十幾二十年了，苏联也已解體，所以影片從拍攝手法到思想觀念都很落後。片中用大量片段表現領導人怎麼運籌帷幄，歌頌領導人的偉大功績，具體到最重要的戰爭場面，很水，像放煙火。而且立意也沒有人家深刻。 前苏联電影《解放》，描述的是衛國戰爭，從库尔斯克會戰到攻佔柏林，是抵禦外侮保衛祖國的反侵略戰爭，炮火硝煙中女護士流露出對戰爭的厭惡，到今天看來都很深刻，體現出戰爭的殘酷。而大決戰系列拍的是第二次國共內戰，是中華民族內部的手足相殘，用歌頌的方式去表現，於情於理都不合適。戰爭本身是一種災難，不存在什麼正義或者非正義，何況是內戰，打贏了右怎麼樣呢？戰爭造成的損失和傷亡部也得讓全體中國人名來埋單嗎？不能讓類似的事情再次發生，這纔是後人應該記住的，而不是沉浸在前人的所謂輝煌戰績中不能自拔。 《中國人民解放軍戰史簡編》記載：在整個解放戰爭中，國軍傷亡171.1萬，被俘458.7萬，投誠63.4萬，起義84.7萬，改編29.3萬。合計807.1萬。投誠、俘虜和擊斃旅級或少將以上高級將領1686名。我軍陣亡26萬，失蹤和被俘19萬，負傷85萬，合計130萬，包含支前民兵。 電影對戰爭的殘酷性表現得不夠，通篇我沒有看到一個一槍爆頭、鮮血飛濺或者殘肢斷臂滿天飛的鏡頭，就連拼刺刀的鏡頭都是回避的。片中充滿了濃厚的革命樂觀主義，給人們造成了一種錯覺：我們的軍隊英勇無敵，只要衝鋒号一響，憑著一腔熱血，直接A過去，就能獲得勝利是的。現在只要一有什麼新聞，網上就有人叫囂著打這個打那個的，就是這些電影給慣得。 當然影片也不是一無是處：《鏖戰魯西南》、《挺進大別山》、《大戰寧滬杭》，算系列中拍得不錯的，首先電影時長控制在兩個小時，比較有戲劇張力，而且有一定的人文情懷： 《鏖戰魯西南》中，劉伯承問警衛員天氣情況，要求他正確回答，表現出我們已經不再是游擊隊，而是正規軍了，隊伍要打勝仗，就要不斷學習、不斷進步，軍隊的高級指揮員在打了勝仗的情況下，也不能忘了獲取新的知識，戰爭勝利後，烈士下葬，釘釘子那一下又一下的聲響，好像是在告訴觀眾：戰爭是殘酷的，是會死很多人的，不是RTS遊戲。 《挺進大別山》中，劉伯承有一句臺詞應該被人所記住：“老百姓不是命中注定要跟我們走的。”當老鄉告訴他邨裏有軍隊剛砍了兩棵棗樹修工事的時候，他立刻反應過來，是敵人，因為我們的軍隊不會砍樹。這並不是表明我們的戰士覺悟多高，而是因為軍紀嚴明，警衛連長剛剛因為拿了店鋪裏的一匹布、一袋麪被槍決，沒有人敢犯法。 最好的是《大戰寧滬杭》，影片用歷史膠片和老兵回憶的方式推進劇情，可以說是小人物戲份最重的一部。解放上海時，我們因為要保護市區，不能用重武器，導致部隊傷亡很大，於是戰士們想不通，提出了“到底是要資產階級的大樓還是要無產階級的生命”這種要人命的問題時，27軍軍長說的那段話，現在的當權者也應該好好聽聽： “你們問我為啥不開炮？問我是要資產階級的大樓還是要無產階級的生命？好，我現在問問你們：如果旁邊的房子裏住著你們老婆孩子、父母雙清，一顆炮彈落下來會是什麼樣的後果？你們敢下開炮的命令嗎？你們大家都低頭看看，心口上寫的什麼？中國人民解放軍，解放軍是解放人民的。誰說大樓是資產階級的？明天就是無產階級的，上海就是我們的家。400萬父老鄉親兄弟姐妹，都是我們的親人。”他們會拿老百性當親人嗎？ 5班最後一個戰士在彈雨中倒下，此時，一聲嬰兒的啼哭忽然響起，一個新生命降生了，上海也快要解放了，一個新的時代就要到來了，似乎也帶一點兒宗教意味。 最後一部是《席捲大西南》，影片最大的進步就是同期收音，著重表現劉鄧之間的友情，鄧小平和鐵路專家商議成渝鐵路的建設，預示著戰爭應該結束了，“中華名族的血流得夠多了”，片中唯一一句有分量的臺詞。 1998年，美國斯皮尔伯格拍出了經典主旋律戰爭電影《拯救大兵瑞恩》，而我們81廠的主旋律電影卻繼承了20多年前落後的拍攝手法和思想觀念，絲毫沒有意識到我們已經是正規軍，不再是游擊隊了。 2007年，馮小剛拍《集結号》，找81廠做特效，被拒絕，他們認為片中解放軍不夠正面，最後特效是韓國人做的，做得很棒，可以說81廠錯過了難得的一次轉型機會。 主旋律電影一定要有人文情懷，這樣纔有人看，像《愛國者》、《光榮戰役》、《拯救大兵瑞恩》、《風語者》，都是不錯的主旋律電影—。我們也不指望內地能拍出像《現代啓示錄》、《黑鷹墜落》那樣帶有反思的主旋律電影了，《集結號》勉強算一部吧，但有一個現實是要面對的：美國的主旋律電影是拍給世界人民看的，中國的主旋律電影自己人都懶得看。 “彈棉花呦彈棉花，半斤棉彈成了八兩八，舊棉花彈成了新棉花，彈好了棉被那個姑娘要出嫁。”81廠這床舊棉花，因為沒有人能彈，沒有人敢彈，最終成了爛棉花，被歷史所淘汰。 德云社这一帮人演起来好自然啊，就像生活在你身边的人一样，都好有梗，怂萌的糖糖我最喜欢啦，但不得不说张鹤伦演的也太好了吧，我觉得他把人物塑造的很成功。栾怼怼说话的腔调很有味道，是那种传统的帅气中又带了一点蔫坏的感觉。翔子小眼八叉的，嘿，还挺耐看的。高老板真的是中老年的感觉啊。希望能一直拍下去，最期待的是能看到团综！ 德云社这一帮人演起来好自然啊，就像生活在你身边的人一样，都好有梗，怂萌的糖糖我最喜欢啦，但不得不说张鹤伦演的也太好了吧，我觉得他把人物塑造的很成功。栾怼怼说话的腔调很有味道，是那种传统的帅气中又带了一点蔫坏的感觉。翔子小眼八叉的，嘿，还挺耐看的。高老板真的是中老年的感觉啊。希望能一直拍下去，最期待的是能看到团综！ 要不是我有看了就不想弃的毛病我也不想花这时间来看 总体来说很多方面都踩着我雷点 1.全员演技five可以拉黑 女主低配陈乔恩只知道瞪眼睛夸大表情 男主白瞎了一张不错的脸，演戏毫无苏感和美感 男二感觉把角色活生生演成了病娇 唯一只有喜鹊精灵古怪 2.水 看剧大忌一言不合就回忆，这年头除了这么多剧集4 要不是我有看了就不想弃的毛病我也不想花这时间来看 总体来说很多方面都踩着我雷点 1.全员演技five可以拉黑 女主低配陈乔恩只知道瞪眼睛夸大表情 男主白瞎了一张不错的脸，演戏毫无苏感和美感 男二感觉把角色活生生演成了病娇 唯一只有喜鹊精灵古怪 2.水 看剧大忌一言不合就回忆，这年头除了这么多剧集40+的需要水外，现在剧集20+的都想水了？ 3.剧情过时 作为一个一段时间沉迷橙光游戏的爱好者来说，曾经一度我觉得剧情真好看，然而到剧里才知道多么尴尬，台词尴尬动不动蠢女人的钟无寐，动不动野蛮人太霸道的林洛景，这是什么霸道王爷爱上我的小说？ 终于看完了，可以向下一个剧看去了 这部内地电影，是根据港片《生命因爱动听》的架构改编的，编剧是关信辉，原著是基于真人真事改编的，看过《生命因爱动听》（关信辉执导），再看《下一站再爱你》，就感受到两个导演的水准差距不小，当然，演员的表现也有一定的差距。不得不承认，关信辉执导的福音电影，拿捏得真的可以，期待关导即将上映的新片《热血合唱团》！ 这部内地电影，是根据港片《生命因爱动听》的架构改编的，编剧是关信辉，原著是基于真人真事改编的，看过《生命因爱动听》（关信辉执导），再看《下一站再爱你》，就感受到两个导演的水准差距不小，当然，演员的表现也有一定的差距。不得不承认，关信辉执导的福音电影，拿捏得真的可以，期待关导即将上映的新片《热血合唱团》！ 第一次忍不住在剧才刚播就下评论。本来心血来潮打开豆瓣只是想看看大家对于两位母亲的看法。她们的故事有太多可以深挖之处。这部剧虽然走的是轻松温情路线，但一开始却有着想写实的野心。 很多人对童年李尖尖的双标仅仅理解为她是个颜控。其实颜控的难道不是下结论的人自己吗？是你们个人对孩子们的颜值作出了比较。但对于李尖尖来说 第一次忍不住在剧才刚播就下评论。本来心血来潮打开豆瓣只是想看看大家对于两位母亲的看法。她们的故事有太多可以深挖之处。这部剧虽然走的是轻松温情路线，但一开始却有着想写实的野心。 很多人对童年李尖尖的双标仅仅理解为她是个颜控。其实颜控的难道不是下结论的人自己吗？是你们个人对孩子们的颜值作出了比较。但对于李尖尖来说，她对贺子秋一开始的厌恶难道不是出于抗拒他母亲有可能取代自己母亲的位置而产生的吗？就算小贺子秋长得比小凌霄帅一万倍，小李尖尖也不可能一开始就愿意接受他和他的母亲啊。 那两位母亲也是，毫无疑问她们性格中都有软弱和自私的一面，但现实中太多家庭就是由如此成员组成。可能还包括很多痛骂她们的观众，骂得越狠的，往往越缺乏同理心，自己面对现实困难的时候同样更容易倾向于先怪责别人原谅自己。 看过一篇评论说开篇对于两位母亲的行为动机挖得太少。我觉得这个评论同样是欲加之罪。大部分观众并不是以一个看“都很好”的心态打开此剧的，一开始夫妻争吵场面已经很多了，过多用墨在这种纠葛上会损失大批年轻观众。但个人认为这个伏笔会在后面续上。对于父母的理解和最后放下心结应该是大哥小哥长大以后去解决的课题。 让我忍不住想写几个字的，是打开豆瓣以后居然发现这剧开创了一个奇葩的评论潮，一堆人在喊不要走感情线。我都惊呆了。这不是一部家庭伦理剧吗？家庭剧不走感情线？什么是家人，兄弟姐妹父母夫妻儿女都是家人，怎么突然间夫妻关系竟被排斥在家人的列表当中了？ 青梅竹马的感情不都是小时候当兄妹，长大再突然发现有了不一样的情愫？更何况看预告他们中间是分开了一段时间的，重逢后还一度有了生疏和隔阂。这种感情变化实在再正常不过了。难道这些反对感情线的观众人生中都是一见钟情，如果开始没有想法后面产生想法就是耍流氓？2020年的观众已经开始从反对演员本人谈恋爱升级到反对他们扮演的角色谈恋爱了吗？真的是绝了。 另一方面，却有很多人磕李爸凌爸CP，大哥小哥CP，是不是可以预见将来的电视剧只需要男演员，不再需要女演员了？强行把请回答1988拍成摩登家庭可还行。 另外很多人在质疑导演和编剧的功力，合理质疑也很正常，只是为什么仅凭质疑就可以打出分数了？难道这竟然是个预判分？ 既然如此，让我也任性一次吧。 ————————————————————— 看到凌霄，贺子秋从国外回来，发现奇葩评论大部分还是那些 1. 抄袭某韩剧，某日剧，为什么不完全抄按照某韩剧某日剧那样那样拍 ——那到底是希望抄袭还是不希望抄袭呢？首先说抄袭又没有作出任何对比铁证，到底情节有多少雷同，反正就是抄袭了。但接着又要求按照里面的情节一样的处理。呃，这意思是怪编剧为什么要写不一样的人生故事，为什么不能所有的故事按照别的片子一模一样的拍一遍，然后才更好按头抄袭吗？即使想抄，在光速发展的时代相差了20年的背景，再拍那种慢节奏的人际关系也是不切实际的。30年前家家户户可以饭后围在榕树下聊天乘凉，20年前可以拿个热水壶搬张椅子坐在湖边嗑瓜子，到了今天，还有多少城市可以拍出这种光景还能不被人吐槽的？连邻居们的家长里短都只能在一个小饭馆里进行了。 2. 编剧和导演的另一部片子烂尾了，这一部也大概要烂尾，快跑！跑不跑再说，但先顺手一星 —— 我完全可以理解弃剧的人，但无法理解打低分的人。虽然只根据一部剧就判整个剧组死刑有点过于冲动，但每个人的时间都是宝贵的，为了防雷不看未尝不是明智之举。只是如果一个学生考砸一次，不用改卷就自动给以后每一张试卷打零分，这种老师不是误人子弟是什么？确定这种逻辑还能拿到教师证吗？我是没怎么看大家说烂尾的那部剧 — 无论是剧情还是演技从开片就不怎么吸引我 — 但这不妨碍我认为以家人之名这部剧到目前为止都还很吸引我。正如正午阳光也拍过我看不下去的剧，于妈也拍过我从头追到尾的剧。当然由于铺天盖地的风评，我也担心这部剧会烂尾。但我看十集就只能打看过的十集的分，没办法看第一集就去操心最后十集的剧情甚至杞人忧天提前下定义。不然我不就等于自动扮演围观李凌两家故事又不带上帝视角，不明真相却喜欢指手画脚的居委会大妈的角色了吗？当然如果真的烂尾了，自然也应该收获一个相对应的分数。 3. 编剧对女性角色不友好 —— 这一点可能是我最想聊的。其实一开始这种错觉不过只是因为刚出场的女性角色更多，但这剧里的男性角色就都没问题了吗？凌爸一天到晚忙，对家庭疏于照顾，遇到问题总爱逃避，对家人缺乏沟通了解。学校男老师跟明月妈妈一样，都是只偏爱成绩好的学生。凌霄舅舅跟他外婆家女性三代都是一个模子出来的自私自利。赵华光就更不用说了，全剧头号渣人。甚至凌霄长大以后都开始被观众骂了。 所以苛刻或双标的也许恰恰是观众，剧情只展现了众生百态，他/她们都有可恨的时候，也有可怜的时候，有善良的时候，也有无奈的时候，还有大快人心的时候（居委会大妈开水赶跑赵华光）。一个鲜活的人通常都不是片面纯粹的好或者不好，大多都被生活烫得满身伤痕，一面伪装着保护自己，一面势利的计较着别人，一面躲在暗角里舔自己的伤。 即使是凌霄母亲这样好像没做过任何一件好事的角色，编剧也通过她母亲和兄弟展现了她的原生家庭，也通过了居委会大妈的蜚短流长表现了同为成年女性对她的理解，虽然对于孩子的意外认为她责无旁贷，但对于她在濒临崩溃边缘抛夫弃子却是一个体谅的态度， “一个人只有把自己过好了，才有能力对别人好。” 这方面她们作为邻居比她家人更能理解她。无它，谁的生活都不容易。 如果最后承受骂声的还是女性居多，那我只想说其实是这个社会对女性依旧是更加的不宽容。 4. 靠两个哥哥无限宠来吸粉未成年少女，但过了这个年纪已经没办法被吸引到 —— 看到这种评论我是失笑的。这剧表现了这么多社会问题，成长问题，如果真的已经是个社会人，但又对其他的置若罔闻，着眼点还只是“想要两个同款哥哥”，实在很难猜出评论者的年龄。我个人反而觉得，对于没有经历过背井离乡，以及毕业离别的观众，其实要了解和接受后面重逢的剧情是有一定难度的。然而现实是即使哥哥们没有离开9年，他们大学毕业以后，如果各自恋爱工作成立家庭，逐渐疏远也是个必然结果。这也就是为什么编剧让妹妹和大哥相爱而不是小哥的原因，只有这样他们才有可能最后在同一个户口本里，才能切题的成为真正意义上的一家人。（收养寄养的还能算是儿子，邻居家的儿子可不是儿子）不然这剧拍到各自上不同的大学就要结束了，再拍下去就是分离。李爸是个重情义的人，他跟亲妹妹的联系，也就是逢年过节的一通电话了。 5. 凌霄人设崩了，他就是个白眼狼 —— 这个没什么好说的，还是回到第二条。如果后面编剧没有把这故事编圆再骂也不迟。李尖尖，凌爸，李爸都没有怪他，更没有对他或者子秋进行过任何道德绑架，这样骂过他的只有他外婆家女性三代，他舅舅和居委会的邻居们。既然官方在剧中都提前进行了回应，我再说就多余了。 ————————————————————— 看到庄北对明月一见钟情，我就知道糟了。其实我觉得庄北喜欢明月还是可以理解的，两人气质比较相近，但那一刻明月的造型也没有什么让人一见钟情的说服力啊，当然更没有说服力的是从小拍戏阅帅哥无数的唐灿居然会对庄北一见钟情。其实真的想说，人与人之间也是可以日久生情的。如果这群人一直等到25岁+都可以不恋爱的，把暗恋进行到天昏地暗，实在也都不是一见钟情的主吧。能看的出来庄北和明月的对话是在为后面庄北怂恿子秋追尖尖留下伏笔，本来庄北看不懂这个三人内耗两人的走向之前未必会这么冒失，但以为凌霄另有所爱，才水到渠成的去“点醒”贺子秋。庄北这个人物在此剧中既是预言家又是女巫，所有分析都头头是道，验人毒药解药都用到一个人身上了，本来子秋出国减轻李爸负担是正理，但结果却导致子秋九年国外困苦交加，但换一个角度，的确李爸省下来的钱把面馆越做越大了，也请上人帮忙了，最后子秋还练就一身本领回来，也不是坏事。同样误导子秋对妹妹的感情必然又让子秋承受了人生中第一次失恋，但他如果从此能打开了这个开关，正视自己除了亲情以外的感情需求，对身边的异性开始关注起来，也未尝不是一件坏事。 可是看到评分掉下8分，我还是觉得很遗憾。就像乘风破浪的姐姐一样，为什么从一开始群嘲杜华到最后还是不断以杜华标准评分选歌成团，还是最后的观众评分标准决定了一切。笑到最后的必然是杜华们 — “看吧我就知道会这样。” 导演组在过程中所有的尝试和努力就这样被漠视了。自从开播以来，关注的热点讨论的重心都是最后三兄妹有没有爱情线，宋威龙演技是不是依然不过关，这个剧组是不是必然拍出烂尾剧，国产剧是不是没有爱情不能活，编剧是不是对女性保持极大恶意。但是对于全剧用了心的地方，除了肯定谭张的演技，小哥李爸全剧性格零瑕疵担当，其他值得肯定的努力却少见有人关注。比如播到了20集还是极少注水成分，虽然偶有回忆，但更多的是穿插了一些没有播过的回忆片段，丰富了彼此从不接受到接受，从娃娃亲到认定此生唯一的过程，甚至包括两兄弟在国外经历，还有其他不待见的亲戚的境遇，都埋了很多伏笔慢慢的交代给观众。每个人都性格分明，身上都带着原生家庭的烙印，相处时有矛盾有冲突，但都彼此关心着对方，到最后随着对彼此经历了解的加深互相理解，与自我和那些放不下的过去达成和解。观众一边说我们不要甜宠剧，但只要剧中出现任何矛盾冲突，都迫不及待的选边站，恨不得快意恩仇老死不相往来，那最后不是落到甜宠剧又是什么？当然最好全世界每个人都是子秋李爸，但如果真的拍成这样，是不是又要被吐槽为玛丽苏和圣母剧了？ 自上个月接连上映了《蛇岛狂蟒》《地底怪物》《罗布泊神秘事件》等几部宣传环境保护的网络电影之后。 这个月开始了有关人工智能的系列——《朱雀战纪》和《理发之王》。 自上个月接连上映了《蛇岛狂蟒》《地底怪物》《罗布泊神秘事件》等几部宣传环境保护的网络电影之后。 这个月开始了有关人工智能的系列——《朱雀战纪》和《理发之王》。 8月31日，电视剧《一剪芳华》在正版视频平台上线。该剧由刘佩琦、张晨光、陈佩斯等多位戏骨级的演员担任配角，张昊唯、盖玥希两位青年演员担纲主演，讲的则是清末民初一群裁缝的故事。这部剧的核心意旨是“中国传统服饰文化”。基于目前已经播出的内容来讲，该剧的剧本非常扎实，有《大宅门》气质。而剧作在导演和演员等层面上，欠打磨。 先聊剧本 8月31日，电视剧《一剪芳华》在正版视频平台上线。该剧由刘佩琦、张晨光、陈佩斯等多位戏骨级的演员担任配角，张昊唯、盖玥希两位青年演员担纲主演，讲的则是清末民初一群裁缝的故事。这部剧的核心意旨是“中国传统服饰文化”。基于目前已经播出的内容来讲，该剧的剧本非常扎实，有《大宅门》气质。而剧作在导演和演员等层面上，欠打磨。 先聊剧本。《一剪芳华》能够清楚地看出编剧的叙事野心。“野心”二字，不太好听，应该叫精气神追求才好。这部《一剪芳华》表面上讲的是清末民初的裁缝故事，讲的是旗袍文化和更多的中国传统服饰文化内容。但是，剧作真正的精气神儿，则是中国传统文化的，是儒学正道的，讲的还是人，是信义和正气的故事。 类似的电视剧作品，则可对应到《大宅门》当中去。《大宅门》看似讲中医药，和中医药内容上的清末民初故事，但最终想要讲的核心精神，依旧是中国士人的信义与正气精神。《大宅门》是从医药讲中国人的高贵气质。而《一剪芳华》则是从旗袍服饰层面讲中国人的高贵气质。《一剪芳华》编剧郑万隆老先生，是有非常明确的文化叙事“野心”的。 而这种“野心”，在该剧的开局内容当中，呈现得非常明确。桥段内容当中，赋予了正面角色很多高贵的品格，尤其是重信义、守承诺等等。从艺先从德，是这部电视剧的重要核心意旨。也是该剧当中正派角色们坚守的高贵品质之一。郑万隆老编剧试图通过自己这部剧当中的“真正的中国人”，去找寻一种传统文化脉络当中的精气神儿。 正因如此，在《一剪芳华》具体的桥段创作当中，是很讲求戏剧本身的内在张力的。这种张力，表面台词部分，是不声不响的。而若是真懂剧的人，能够从剧本台词当中，看到喷薄的戏剧张力出来。编剧真正创作的，并非台词，而是潜台词。这也正是中国文化博大精深的地方。这样的剧本，是挑导演和演员的，一般水平的导演和演员，无法驾驭。 电视剧《一剪芳华》邀请刘佩琦、张晨光、陈佩斯等老一代演员的思路，是对的。这部剧，需要这些优秀的演员去做前情铺垫工作。但是，在具体的拍摄和青年演员们的表演上，戏的味道出来得太少了。目前来讲，已经上线的剧情当中，基本上每一场戏，都是欠打磨的。如果让更为高明的导演上手，可能会出现意想不到的效果。 这样的剧本，戏的味道很重要，甚至于应该走偏向话剧的风格才好。直白一点对应，就是走《大宅门》的路数才对。高宝昌导演的这部《大宅门》，最重要的特点就是拿韵。千万不要觉得角色人物们不好好说话，相反，他们就是在自己的时代当中好好说话的，就是那样说话的，就是要有板有眼说话的。也只有这种拿韵，才能把角色和桥段的神韵呈现出来。反观这部《一剪芳华》，拍摄层面上，缺少了拿韵的意识。 显然，导演是按照一般影视剧的拍摄方式进行调度和演员要求的。这是非常四不像的一种拍摄方式。为什么这么说呢？因为剧本本身，就没有一般剧本的样子，就不是寻常表演方式可以驾驭的。编剧的剧本态度，已经决定了导演的拍摄方式。《一剪芳华》目前的拍摄，硬是把一个拿韵的剧本，按照一般的影视剧方式拍摄，就出现了各种桥段细节上的塌方。甚至于第二集最后的剧情，那个认干爹的桥段，气势上都拿不住了。 气势上一散，国人的这种守信诺、重情义的精气神儿也就乱了，甚至于就不对了。这就好比是拿着嘻哈的演唱方式去霍霍京剧一样了。高明的艺术，已经不重内容，而重内容之上的表达方式与方法。所以，我认为，电视剧《一剪芳华》拍摄上的方法论，是错误的。说轻一点讲，就是，值得商榷的。 因为导演的意识问题，造成演员们的拍摄，也没有把真正的潜台词味道演出来。该剧当中，很多桥段，太白了，根本不能这么演啊。比如说，第二集当中，师弟见师兄的桥段，师弟念师父的组训，师兄承受不住。这个桥段，太有国人的精气神了。你从艺不从德，就听不得这样的组训。咱们很多同志一听“三俗”二字，就抓狂，同理。两位戏骨级的演员，去呈现这种抓狂，其实有很多表演方法。但是，最终导演选择的是非常直白地摸着头，表示自己痛苦。 太白了，这就不是戏的味道了。桥段的具体拍摄，是考验导演智慧的。我们很多时候苛责演员的表演，但殊不知，每个桥段，优秀的演员可能都会提供不同的几种表演方式，最终选择哪一个，那是导演的权力啊。在《一剪芳华》当中，我能够看到编剧的独具匠心，但看拍摄和表演，真的是流水线作业一般。这是很大的遗憾。（文/马庆云） 看到结局人偶被修复的那一刻真的很心酸，父母宁愿向假的人偶相处，自己却只能生活阴暗的地下室，女主其实后面也是真心对他好，只是他杀了女主的前男友，导致女主有点恐惧他，最后刺了他，逃离了他，看到空荡荡的房子，真的很想女主留下来陪伴他，照顾他，不用再会地下室去了。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。 看到结局人偶被修复的那一刻真的很心酸，父母宁愿向假的人偶相处，自己却只能生活阴暗的地下室，女主其实后面也是真心对他好，只是他杀了女主的前男友，导致女主有点恐惧他，最后刺了他，逃离了他，看到空荡荡的房子，真的很想女主留下来陪伴他，照顾他，不用再会地下室去了。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。 演员演的都很好。 首先从名字说起 唐山大地震起初我还以为是灾难纪实片充满敬畏的去看看，前三集都很好不错，一家子其乐融融的非常不错，给后面发生地震做对比铺垫。发生地震后元妮找小登，嗯都没啥毛病，让我感受到了地震的可怕。后面一直找小灯嗯也都没啥毛病一个失去了女儿的妈妈都会这么做。可是！！！越到后面我越看不懂，我觉得不应该讲讲唐山大地震人民任何重建任何生活任何应对困难。可是 演员演的都很好。 首先从名字说起 唐山大地震起初我还以为是灾难纪实片充满敬畏的去看看，前三集都很好不错，一家子其乐融融的非常不错，给后面发生地震做对比铺垫。发生地震后元妮找小登，嗯都没啥毛病，让我感受到了地震的可怕。后面一直找小灯嗯也都没啥毛病一个失去了女儿的妈妈都会这么做。可是！！！越到后面我越看不懂，我觉得不应该讲讲唐山大地震人民任何重建任何生活任何应对困难。可是我错了。整部剧都是再讲元妮找小登，小凳如何犯病。这部剧就是讲这个了。从这个方面入手，嗯可以。 剧情的发展 拖沓拖沓拖沓 煽情煽情煽情。整部剧就围绕这两点展开。像臭袜子一样死拉。煽情是不是过分了点，过分的煽情只会让人觉得恶心作假 人物 小登，不说了重度心理疾病，发生地震后提防任何人没有任何改变。养父母给了那么多换来的是养母死前一声妈，养父死后一句可有可无的悔悟。居然没有一点改变。我怀疑要不要去精神病医院看看。心理阴影走不出来就是心理疾病乃至是精神病，不要说什么心理阴影太深就是电视剧里的扯淡。自私，猜忌怀疑。 小达，中度心理疾病。 元妮，中度心理疾病。 整部剧概括起来就是 三个精神病人任何犯病 任何治病 任何在犯病 现在的八点档国产家庭剧，好像都是一个套路出来的：出于某种原因（例如不孕不育、经济问题、七年之痒什么鬼的），丈夫出轨另寻新欢，妻子为了家庭的和谐，不仅不对丈夫辱骂殴打，还要忍气吞声包容渣男，还要用爱感化他，还要再与第三者谈个判，最后渣男备受感动，浪子回头，回归家庭，大家皆大欢喜。仿佛浪子这东西，是一件绝世稀有的珍珠宝石，不回头，那是要怪妻子没有经营好婚姻，一旦回了头，更是妻子十二万分的荣幸 现在的八点档国产家庭剧，好像都是一个套路出来的：出于某种原因（例如不孕不育、经济问题、七年之痒什么鬼的），丈夫出轨另寻新欢，妻子为了家庭的和谐，不仅不对丈夫辱骂殴打，还要忍气吞声包容渣男，还要用爱感化他，还要再与第三者谈个判，最后渣男备受感动，浪子回头，回归家庭，大家皆大欢喜。仿佛浪子这东西，是一件绝世稀有的珍珠宝石，不回头，那是要怪妻子没有经营好婚姻，一旦回了头，更是妻子十二万分的荣幸，需要忙不迭地包容他原谅他，与他重归于好，否则就是蛇蝎毒妇斤斤计较小肚鸡肠。似乎女人必须要“退一步海阔天空”、“家庭为重”，才是值得称赞的贤妻良母。但是阿郎说过：人不能做错事，否则一辈子也翻不了身。阿郎曾经是个浪得不能再浪的浪子，抽烟喝酒烫头，出轨滥交打老婆，飙摩托车撞死人，最后浪到大牢里头去了。老婆波波对他死了心，跟着爸妈移民去了美国。阿郎出狱之后痛改前非，干苦力开大车养活自己和儿子，没想到过了十年，又遇见了波波。阿郎想尽办法要跟波波重归于好，可惜对方已经有了新男友，并不愿意接受阿郎。阿郎为了证明自己已经脱胎换骨、可以承担起家庭的责任，重回摩托车赛场比赛，因为意外事故死在了终点线。 浪子没有得到原谅，反而不明不白地死在了赛车场上。这样的故事，才是人生的常态。从前年纪还小的时候，看这部电影，总是心有不甘。为什么波波不愿意和改过自新的阿郎重修旧好？为什么阿郎执意不顾自己身体状况去赛场？后来长大一点仿佛隐约明白，阿郎是注定要死的。不单单因为当年的浪子需要一个壮烈的死亡。在奋斗中轰然死去，是十年后的阿郎唯一一个得到原谅和救赎的机会。阿郎在犯错十年后成为了一个多余的人：曾经的爱人事业有成，有了温文尔雅的绅士做新的伴侣；孩子需要完整的家庭与良好的教育——这部电影没有像许多俗套的片子一样刻意抹黑前任的新爱人是口蜜腹剑的伪君子，而是将波波的新爱人塑造成一个虽有一番犹豫和挣扎却依旧爱波波、并愿意接受波波儿子的好男人——孩子和母亲的新家庭彼此需要，阿郎的地位十分尴尬，他曾经只是波波年少时混乱记忆中的一根刺，现在却又成为了波波和儿子坦荡新生活中的一个路障。不管阿郎是渣土车司机还是老当益壮的赛车手，可以肯定的是，他都不会被波波所接受，她只会原谅死去的阿郎，却不会跟活着的阿郎在一起。阿郎最后的拼搏，总也带着必死的决心在里头：活着赢了，多少能向心爱的人证明自己；死去呢？死去也是赢了，赢在帮爱人拔掉了一根不合时宜的路障。 浪子回头金不换的剧情都是假的，只能放在八点档的剧情里骗骗无聊的主妇。然而当我们看见不得不死的阿郎决绝地跨上摩托车时，也会不由自主地流下眼泪，好像那个不管不顾走上赎罪的绝路的人，就是我们自己似的。我们在这种时候想起自己，想起我们或多或少做过的错事，我们也需要一个从没得到过的原谅，只不过，我们没有办法做到像阿郎一样从容赴死，只能在心里把自己代入电影，哭得泪流满面。 非常童话天真的电影，奔着RDJ主演和荷兰弟配音去看的。第一幕的公主设定还挺讨厌的，一个人突然闯到你家里面打扰你的生活还趾高气昂要求你去救人，那句“女王已经危在旦夕但你却在这里救一只松鼠？”让人感觉到微妙的不爽，但原本坚定不救人的多力特一下就被鹦鹉给说服了，原因是如果不救女王动物们就无家可归了，他原本以为是他自己死后庄园才会被回收，而造成那么大bug的原因是他当初让猴子审的合同。所以这个医生真 非常童话天真的电影，奔着RDJ主演和荷兰弟配音去看的。第一幕的公主设定还挺讨厌的，一个人突然闯到你家里面打扰你的生活还趾高气昂要求你去救人，那句“女王已经危在旦夕但你却在这里救一只松鼠？”让人感觉到微妙的不爽，但原本坚定不救人的多力特一下就被鹦鹉给说服了，原因是如果不救女王动物们就无家可归了，他原本以为是他自己死后庄园才会被回收，而造成那么大bug的原因是他当初让猴子审的合同。所以这个医生真的喜欢他的动物吗？连收留他和动物们的家园都如此草率对待，令人不免疑惑。第二幕转场到了女王的寝宫，原本像是社交恐惧症在角落里瑟瑟发抖不想见人的主角突然就正常了？然后，反派角色一出现了，是主角之前的同学，一直非常嫉妒羡慕主角。利用各种动物诊断完女王的医生主角立马决定要去神秘岛找解药救人，反派在主角出发后阴险地派人去击杀他，让他有去无回。就这明目张胆派一大艘船去劫杀，王室里最后出现的将军一点反应都没有？小弟子的出现也挺突兀的，为了追随主角，他直接放弃了当猎人的家庭成员们，毫不犹豫地选择了“同”一个世界的多力特。 第三幕在船上，一阵惊险刺激的海战，最后以召唤鲸鱼加速离开结束。医生把自己的性命交给了一个瑟瑟发抖的娇羞猩猩，差点魂丧大海，但很奇怪的是他的弟子飞过去拉住绳子，最后力气不敌绳子断裂，按道理来说绳子往下掉了这么多，他应该是在海底很深的地方，本来应该不可能自己扶起来，早就死掉了，但是毫无逻辑的又爬上了船。这里只能说是主角光环，既然绳子的设计都没有什么作用，拉不拉得住你都能自己爬出来，那还有什么意义？ 最后一幕是和龙进行交谈。和动物能够无障碍交流的，可以当做是日积月累的学习观察得出来的，但是龙在故事里面一直是一个传说中的生物，他几乎从来没有见过，第一次见面就直接学会了龙的语言，是不是金手指开的太大了一些？如果说他是从他妻子的手账里面学会的，之前的情节里也提到过他的妻子，就是在前往神秘岛的路上死掉的，所以根本不可能把记载了如何和龙沟通的方法写在手账本上，所以并不成立。等等一系列为了推动剧情发展而设计的脚本，希望更逻辑自洽一些，不要因为是面向儿童的作品就草率对待。 当然如果无脑看的话，还是可以继续看下去的一个有趣的冒险奇幻童话片。 (?￣ ? ￣?)目录
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里面的众小孩仿佛就是一众各怀能力的战士
各自帮着主人公逃离他梦魇般的担忧
看完它
你大概会再度搜索你的记忆
是否也有 像小尼古拉的浪漫
里面的众小孩仿佛就是一众各怀能力的战士
各自帮着主人公逃离他梦魇般的担忧
看完它
你大概会再度搜索你的记忆
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电影把诸位人物性格尽可能多地呈现出复杂性，日本宪兵队少佐是一个让人难忘的形象，也给人带来哲学的思考：
对于东亚列国来说，古代中国的文化和精神如师如父，而在明治维新后迅速成长的日本，与古老衰落的中国之间角色迅速转换。而对于喜爱中国古诗词的少佐来说
电影把诸位人物性格尽可能多地呈现出复杂性，日本宪兵队少佐是一个让人难忘的形象，也给人带来哲学的思考：
对于东亚列国来说，古代中国的文化和精神如师如父，而在明治维新后迅速成长的日本，与古老衰落的中国之间角色迅速转换。而对于喜爱中国古诗词的少佐来说，执行命令侵略中国，内心的复杂几乎可以比拟为弑父。再加上最后他以类似父亲的角色，刀砍李锦荣为他完成成人仪式，这又是一个轮回：我们完蛋了，你们的明月就在天边。
而在情节上，计划袭击宪兵队那一场，刘黑仔买通喂狗人、把墙壁炸开的莽撞理想主义，还有最终放弃时的颤抖感，设置这些对推动剧情没有太大帮助的细微情节，放在这种需要明辨大是大非的电影里已经非常可贵了。
还有一点就是，虽然看年轻男孩耍流氓打架很过瘾，不过还是要承认，彭于晏演戏真的用力过猛。但是谁让人家长得可爱呢，所以看见他咬牙憋气时候，你不会生气，只会在心里高呼：老公加油！8638468
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HAFF
文 / 蒋斐然
“是谁传下这诗人的行业，黄昏里挂起一盏灯”。
在这文学阅读日益衰退的年代，《他们在岛屿写作》挂起了黄昏里的明灯。
我们不禁感叹，台湾啊台湾，台湾啊台湾。看似被政治力搅和得乌烟瘴气的台湾，看似民风日下乐娱表浅的台湾，却从不叫人真正失望，因为在这个岛屿的某个角落，某个时刻，总是不期涌现这样那样充满力量的的影
文 / 蒋斐然
“是谁传下这诗人的行业，黄昏里挂起一盏灯”。
在这文学阅读日益衰退的年代，《他们在岛屿写作》挂起了黄昏里的明灯。
我们不禁感叹，台湾啊台湾，台湾啊台湾。看似被政治力搅和得乌烟瘴气的台湾，看似民风日下乐娱表浅的台湾，却从不叫人真正失望，因为在这个岛屿的某个角落，某个时刻，总是不期涌现这样那样充满力量的的影音创作与文学记忆，无法被乱流冲走，无法被历史埋汰，让人重新坚信美好的存在。这个市井与纷争的小岛，像极了春秋战国时期的中国，乱力之下有自由，自由之下放百花。
他们在岛屿写作。他们是谁？“他们”指向的是一个漂浮游移却隐然成形的时代群体，既有历史时间的距离，又有美学感性上的回眸。“岛屿”作为一种历史地理的指称，潜藏了在地思考的逃逸路径，跳脱省级，无关统独，抛却了僵硬的国族符号，抛却泛政治化的情感动员。而“在岛屿写作”则形构出一种当下此刻的书写进行式，贯穿过去与未来，以写作的创造性能量，标记岛屿之浮光掠影，“岛屿写作”，让岛屿不先于写作而存在，让“写作”无法离开岛屿而成立。
六位文学大家，来自四面八方，出生地殊异，成长地殊异，但都在岛屿写作，都在书写岛屿，都在以文学书写作为逃逸陈规范式的路径。值得思考的是，其中的几位作家都是从大陆过去台湾的。余光中曾这样描述他所经历的地方：大陆是母亲，台湾是妻子。何以母地的生子都绽放在他乡的爱情里，而后又缱绻于怀乡的诗情里。不论时事，搁浅政治，但省两地的人文落差，便叫人戚戚。
《他们在岛屿写作：文学大师系列电影》创造了文学纪录片的一个奇迹，成为去年台湾一个重要的文化事件，让人唏嘘之余感到欣慰——还好，文学还在；还好，读者还在。这套影片的奇迹在于，它以非凡的诚意打动了六位文豪的联袂出镜，以纪录片的预算制作出了电影规格的影像，以文学电影的姿态站上了公映院线，以低调的妆容赢得了高调的票房和口碑。虽非商业片，却敢于挑战观众的口味，不得不敬佩，作为发行方和制作方的目宿媒体确实具有过人的胆识和先天下之忧而忧的人文情怀。但谁也没有想到，在这样速食消费的年代，悠长缓慢的诗歌又唤起了人们心底对文学的柔软记忆，真诚朴质的影像挖掘了字里行间的乐趣，拉近了观众与诗人的距离，抵抗了阅读衰退的忧虑，这表明不管时代怎么变，人性最初的那份纯洁与美好是不会消褪的。
你看到诗人的生活，看到他们作为一个人是如何存在，然后你突然就读懂了他们的诗。比如，我看《化城再来人》时非常惊讶，或许之前听说过在武昌街摆书摊的周梦蝶，但并不知悉他原来人如其诗，早已老僧入定，生活作诗仿如修行。再如余光中先生的诗应该为大陆观众所耳熟能详，但在纪录片《逍遥游》中，我才完全地尝到了乡愁的滋味，也才明白之前脑海里的余光中并不是真正的他，他的诗我也并非真的懂。这不就是纪录片的意义所在吗，带领观众进入和理解一个未知的世界。
《他们在岛屿写作》成功了，在台湾，第一次有这样的纪录片能够在院线联映五周之久，怀揣着所谓的传说中的“纪录”与“文学”两大票房毒药，却眼睁睁地火爆了市场，成为一种奇特的现象。不论是文艺界还是非文艺界，都不断有仁人志士站出来鼎力相荐。张艾嘉为首映站台，马英九看后将预告片投上FACEBOOK大力夸赞，又有多少民众一看完片子，就涌起一股满满的冲动，奔向书店购买诗集。也就是说，人们又开始读诗了。这难道不是最大的奇迹吗？
若说以上是电影之于文学的奇迹，是电影为文学的普世化和复兴作出了贡献，那么反过来，其实文学也同样滋养了电影。《化城再来人》和《如雾起时》的导演陈传兴说，文学总能给电影注入大量新鲜的内容。文学电影的类型在亚洲尚未流行，在世界范围内，其实BBC早已拍摄过很多系列的作家纪录片，美国的大学也设有文学电影的课程。但在整个大中华地区，《他们在岛屿写作》是第一个做这件事的人，若这一波电影的佳绩能兴起整个文学电影类型在亚洲的发展和崛起，那就丰富了我们的电影市场和电影创作，不论对影人还是对观众，都是打开了一个多元化的出口。从纪录片的意义上说，也是对纪录电影创作现状提供了一种激活的可能性。当然这需要所有人的协助和推广，而我们，正是在做这样一件事。
在宝岛，有人在努力的保留纯文学的火种。而中国大陆，也曾像这个岛屿一样，经受过动乱对文学的摧残，如今却少有人以主动的姿态践行对文学的热爱。但我相信，这里同样潜藏着一大批坚定的文学青年，而台湾文学正是他们成长路上的重要养分，只是在这样的时代背景和社会风气下，他们选择了隐藏这份欲说还休的炽热。此番在HAFF能够一瞥这些文学大师在银幕上巨大的身影，必定会振奋这群长久遭边缘化的文青的心。而那些许久未拾书卷的人，或也会在看完这一系列的电影之后，重新回归读者的身份。另一方面，也是给大陆电影单一乏味的商业趋同提供一种反思，为食之无味的观影市场注入一剂新鲜的青草味。这里的观众已坐在黑暗的影厅里等候许久，等待着在大荧幕上看到不一样的电影，等待着在从电影里找回久违的感动，等待着恢复封存多年的文艺味蕾。
《两地》分属的风景
《他们在岛屿写作》展现出的是影像威力下的时代感性。
六部电影有叙事结构上的繁复，有影音调度上的别出心裁，更有美学与伦理上的巧妙幽微。有别于传统“作家身影”的拍法，六部纪录片的每一部片都有两个创作心灵的呼应与頡抗，一个是使用文字的作者，一个是使用影像的导演，彼此之间的微妙张力，让影像不再是文字的二次表述，让文字跳脱怀旧氛围，重新展现当代感性。
《两地》，台北和北京，台湾和大陆。此片在构思上颇有深意的地方在于，导演杨力州在片中彻头彻尾地将“两”的概念诠释到底。他将林海音的女儿去北京探寻母亲旧地的过程拍下来，与早前林先生自己去北京寻访的影像并置，两次的镜位和路线都很相似，甚至女儿和母亲都问了一些一样的话，由此两两相望的感觉就浮现了，暗示着代代相传，也暗示着两地纽带不断。配乐师柯智豪为了呼应“两”的概念，将俄系与欧陆两大乐种的旋律和节奏调配在一起，但其实所有场景的主旋律又都暗藏着《送别》的音符，因为它是此片音乐的主轴。剪辑上也频繁地展现出两两对立的撞击。比如说，叙事说到了林海音先生因为刊登了风迟的文章而被免职时，画面首先是当年“文学须服务于政治”的宣导片最后会场鼓掌的一幕，紧接上的就是严肃沉重的字幕，告知观众，在这个掌声底下，林海音被免职，在这个掌声底下，风迟被判三年六个月的徒刑。像这样的例子比比皆是。另值一提的是，《两地》中有大量的动画。动画部分并不疏离出戏，它是精致温馨的，因为原画取自于林海音最喜欢的关维兴水彩大师的插画《城南旧事》，而京剧的实现方式又让人感受到这个在老北京发生的故事。我看完动画的感觉是，跟林先生的世界又近了一步。《两地》也采用了不少稍显矫情的特效渲染手法，比如翻页的老报纸配上动态的新闻报道，这些是刻意、煽情而炽热的，而纪录是淡然、诚实而冷静的。导演也意识到了这一点，所以有意时不时地曝露一些“穿帮”镜头，或是让摄像机入镜，或是保留一些晃动不已的画面，为的是将观众从故事中推出去，回归纪录的客观姿态。
《化城再来人》的一天
《化城再来人》时长163分钟，六部中最长的一部，以我浅见，也是最有深度的一部，也可以说是最靠近电影的。它的叙事定点有如《尤利西斯》，一整部纪录片讲述的是周梦蝶的一天的回忆，但叙事线条并不单一，其中叠合了回忆的多重时间点，显示出周公本身性格的复杂性。第一次看这部纪录片的时候，令人印象最深的是周公的声音，他一直在不紧不慢却又用力地嚼着他的诗和尺牍，仿佛诵读也是一种修行。
周公的诗中呈现的是一种不纯粹的语言，旧诗，禅诗或偈语，全部糅杂在一起，而《化城再来人》将这些不纯粹凝结在一起的纽带就是周公的声音，包括它的质感，快慢，节奏等等。而声音就是时间的另一个指标。我们听着周公的念白，就真真切切地体会了他那句“只有时间嚼着时间的反刍的微响”。导演陈传兴说，“周公平常说话经常陷入一种独白的境况，即便与人对话，对面的人于他而言也只是回声墙。而念诗的时候却大不一样，念诗的时候是他与他的诗对话，你观察他特写的脸，感觉声音在他好似山脉的一起一伏的肌肤上流动。”这本身就是一种梵文的心境，这种诵读是一种非人间的与神对话。除了周公的声音之外，潜伏在影片始终的另一个重要的声音就是水流的声音，当然是隐喻时间的纵向宽度，对于周公这样一日如一生的文人来讲，这水流声又添无限禅意。
完整看过此片的人绝不会忘记开头和结尾呼应的江面，那过去的江面要去向哪里，谁都无解，就像时间要流向怎样的未来，我们都无从知道。为了反应周公这样的犹疑而不确定的生活在在台北城里的“悉达多”，导演甚至将周梦蝶的淡水河比作印度的恒河，拍摄了两地的画面混剪在一起，有意让人分不清到底是淡水还是恒河。
全片的叙事非常从容，毫无夸张矫饰之处，但阅毕周公的印象已如烙印般深铭心中，那样的气质不只是“入定”或是“出世”可以简单形容，他可以随时对外界打开，也可以随时关闭。陈传兴将周公比作漏斗，外界的事物可以经过他的身体，然后完完全全地流过去，不留下一点残余。而《化城再来人》最出色的地方在于，他没有只顾着刻画周公这种外界既定的佛者文人形象，它呈现出了一个真实的人内心的矛盾，对男女情感的期待和纠葛，对宗教的坚定与不坚定，对人生取向的来回摆荡。比如周公谈三毛那段，我看到是觉得惊异又觉得真实。再如谈到周公去电影社看电影时，投影在斑驳墙上的影片是卡尔?德莱叶的《吸血鬼》（1932），那一幕讲述的正是一个男人救赎了女人，这样细腻的安排归功于导演对周公复杂性格准确而敏锐的捕捉。这其实是非常难的事情，因为周公不是剧本里被塑造出来的人物，而是创作团队在有限的时间里新认识的活生生的人。
此片的剪辑非常尊重时间上的连贯性，未有打动干戈，自然而有力，体现了纪录片剪辑最好的状态。尤其开头周公起床、吃面、上厕所、洗澡那一长段，几乎没有话语也没有配乐，非常漫长，但周公的生活状态和精神世界已赫然显现，因为时间在他身上本身就走得比较慢。同样周公所有讲话的速度和长时间的停顿也被充分地尊重，包括他偶尔瞬间入定而长久静白的沉默，动人深刻。
《逍遥游》是一出自由的纪录剧
《逍遥游》的特色在于有一个完整的剧本，陈怀恩导演是电影出身，拍摄的时候就有分镜了，因而系统性非常强，当然也有精心雕琢之感。片子定位在余光中四十岁左右“你不知道你是谁，你幻灭”的人生阶段的议题上，进而引出诗人一生不停地自我争论，与自我对话的主题。
由于是年轻余光中，所以有大量搬演的部分，用以再现余先生当年读书写诗的场景，是六部纪录片中编剧搬演最多的一部。除了搬演部分的编剧，他们也有让年轻的台大诗社成员热烈讨论余光中的诗这般的情景预设。所以这部纪录片其实采用的是比较剧情片的构思和制作方法，包括预设主题，到实现方式，都有许多企划的痕迹在里头，也就是说，是纪录内容在跟着主创走，而不是主创跟着纪录内容走。但这样的高控制力的企划对于观众来说还是有效的，观者能很好的进入故事，进入到导演预期的情绪里。旁白声音挑选和剪辑节奏都精心设计。比如《沙浮投海》这首诗是由万芳来朗读的，沙浮尸一个女诗人，这是一个女诗人投海自杀的故事，所以由一个悲伤的女低音来朗读就仿佛第一人称演绎了这首诗的故事。全片影像风格唯美写意，旁白的交错与视觉搭配，就已经奏出一曲漂亮的诗歌。
《如雾起时》是一曲哀歌
《如雾起时》拍郑愁予，同样出自陈传兴导演之手，但与《化城再来人》是完全不同的调性。我觉得《如雾起时》是一曲哀歌，它的气质是比较沉重的，是围绕着诗与历史展开的。比如他采用了大量客观性陈述的旁白，选取了一个低沉的女音代表一个第三人的角度，一个在故事之外的全知全能的角度，讲述一些关于诗人的事实。
全片的架构清晰可见，前半部分比较男人戏，有很多史料影像，回顾诗坛文坛的几次论争，而后郑愁予结婚成家，影像转到了非常有生活气息的家的空间里，转到了美国的宁静薄雾里，转到了郑先生夫人和其他几位女性知识分子的视角里。这种性别视角的转移与时间线性的发展相吻合，不知不觉中也就完成了影片气氛的转变。另外一个转变是相对于主人公的镜头机位的转变。开片访问郑愁予的一幕是在小河边的一个推轨镜头，镜头一直处在诗人的背后方，随着叙事的展开，机位慢慢地转到传主的正面，观众对郑愁予的认识也慢慢加深。
陈传兴对很多意象和动作都有非常主观而深层的解读，但全片的影像还是采取了一种比较遥远的观望姿态，并未作过多注脚。在《如雾起时》里，他更多的是在呈现一种诗的历史，所以前半段使用了大量史料报章，蓝星旧刊等过去的实物来目击历史。后半段是郑愁予在美国的工作和生活，于是出现了毕业证书，学位证书，荣誉证书等见证物。这些统统被端端正正地放大在镜头前，诉说诗与历史的关系，因为历史说到底是以一桩桩的事件来标记的。
影片前前后后充满了呼应和对照，比如美国1970年爆发的反越战学潮的新闻影片和保钓行动的影像都对照了台湾50年代八二三炮战前后肃杀和动荡以及六七十年代中国的文化大革命的激进。陈导有意识地在用各种方法加重片子的严肃气氛，呼应那个时代的沉重。比如全片处处有字幕（侧标），有的是史实，有的是观点，有的在黑幕时出现，有的甚至就打在人物脸上。而这些侧标字数多，速度快，观众根本来不及读完，而导演就是有意为之，有意让你负荷过重，从而体会那种硬质的沉重。但有时，你不得不承认，陈导因为将其丰厚的艺术电影的涵养都呈现在画面里，其中的深意和过多的隐喻并非一般观众能够消化领悟。
《寻找背海的人》是现实主义的浪漫纪录
林靖杰导演的《寻找背海的人》是极具现代性和艺术性的一部纪录片。王文兴本身是现代主义风格的作家，因此影片呼应这种形式上的对接是非常恰当的。
《寻找背海的人》有非常细密的线索和严密的架构，也有很多创举和巧思，属于比较非传统的纪录片。因为王文兴是小说家，为了将小说的故事诉诸视觉，林导干脆将《家变》改编成了一个十足现代性的舞台剧呈现在片中。另一个构思是“牢房”，王文兴将其每日写作的那间房比作牢房，林靖杰就拍摄了他在牢房里的真实写作过程。这对于作家本身来说是不易的，要做到放松地在摄影机的监视下工作。对于导演来说也是不易的，因为其间需要大量的磨合和沟通。最后呈现出来的那种真实的状态是令人动容的，当你看到作家握着笔竿不断地敲打着桌面和稿纸的时候，你也能感受到他正在敲打自己的灵魂。再如此片的动画，明显区别于其他几部片中的动画，实验性很强，像《草原底盛夏》有着超现实的调性，《背海的人》和《星雨楼随想》则有着十分先锋的气质，单独拿出来看，都已经是很棒的作品，所以整个片子的完成度也就显得非常高。配乐非常吻合王文兴的文学气质，有苦涩沉闷的味道在里头，尤其是动画的配合，充盈着机械主义的幽默和残酷在里头。
这六部电影虽然出自不同的导演之手，风格各异，但在整体上竟然也呈现出了巧妙的统一性。影像画质都很相近于5D Mark II的风格，都采用了读诗和念白的手法，也都围绕着作家本身展开叙事，配乐几乎一致地采用了无调性的现代弦乐，非常贴合诗文的气质。这一套非常高质素的文学纪录电影，值得每一位电影观众和文学读者细细咀嚼和珍藏。
《朝向一首诗的完成》是个未完成的朝向
《朝向一首诗的完成》取名于杨牧《一首诗的完成》，但杨牧认为，从泛义来讲，写诗并没有完成，何不加上“朝向”二字，于是有了“朝向一首诗的完成”。此片是温知仪导演的，是六部片中唯一一部由女性执导的片子，十足的女性色彩，手法比较阴柔。这当然也是女性导演的一个特色和优点。
影像部分印象比较深的是介绍反越战的《十二星象练习曲》这首诗时搭配了现代舞和越战资料重叠的画面，非常柔美和实验，我觉得这是男性导演绝对不会采用的手法。影片有加入搬演的部分，由一个小孩子来演绎杨牧小时候在花莲的时光，也有像《两地》一样，采用动画来诠释杨牧的诗歌，也做了很多跟杨牧先生有关的人的访谈，这些都是纪录片常用的实现方式。诵诗部分请来了很多其他诗人和学生分别念诗，寓意杨老师的诗影响了世世代代的人，但影片是以杨牧先生自己朗诵自己的诗作为影片的开篇和结尾，听来叫人非常感动。这部片子跟其他五部片子一样，很好的一点在于，他们把重心放在诗人本身上，而并非单单在他的诗作上，于是整个片子就很贴近诗人本身的气质。
A Beacon in the Dusk: The Inspired Island
Jiang Feiran
“Who left the profession of writing poetry, hanging up a beacon in the dusk”.
This generation witnesses a gradual decline in reading literature, The Inspired Island hangs up a beacon in the dusk.
We cannot help sighing with emotion: Taiwan, oh Taiwan; Taiwan, oh Taiwan. Taiwan, which seems to have been polluted with a foul atmosphere by political power and filled with a decaying folk custom and a superficial entertainment circle, never truly disappoints people, for at a certain moment from a certain corner of this island, there would always unexpectedly spring up some powerful video or audio creations and literary memories never washed away by turbulence or weeded out by history, bring back people’s belief in the existence of beauty. This island, with its marketplace culture and disputes, resembles the old China during the Spring and Autumn Period, showing in the turbulence freedom, under which bloomed all flowers.
They are writing in the Island. Who are they? “They” refers to drifting but invisibly formed generation group, which boasts not only a historical distance, but also an aesthetic and emotional back-glance. “Island”, a historical and geographical nominatum, conceals an escaping path of thoughts regardless of provincial class, unification or independence and discards the rigid national symbol and politicalized emotion movements. And “writing in the Island” forms a current proceeding of writing what connects the past and the future, skimming over the surface of the Island with the creative energy of writing. “Island & writing” makes “Island” exist not prior to “writing” and “writing” unable to exist without “Island”.
Six literary giants, coming from various backgrounds with different birthplaces and places where they grew up, are all writing in the Island, writing the Island, and escaping from the stereotyped forms by writing. What is worth thinking about is that some of them all came to Taiwan from China’s mainland. Yu Kwang-chung, one of the six, once described the places where he experienced his life: China’s mainland is the mother, while Taiwan is the wife. How come that children born in the mother’s land are blooming in the love of a place away from home, and then deeply attached to the nostalgic poetry? Regardless of the current events and the politics, only the cultural divergence between the two places could already make people sorrowful.
The Inspired Island: Series of Eminent Writers from Taiwan is a miracle of literary documentaries, making itself an important cultural event last year in Taiwan and bringing delight to sighing people—it is well enough that literature and readers are still here. This miraculous documentary aroused the feelings of six literary giants with extraordinary sincerity, made the image with the form of films by using the budget of a documentary, released to the public with a literary attitude and won a high box-office and a great reputation with a plain appearance. Though not a commercial film, it delivered the courage to challenge audience’s taste, which irresistibly generates our admiration for Fisfisa Media, the issuer and the producer, for its super courage and selfless humanistic feelings. However, it is out of all people’s expectation that it this age of fast food consumption, long and slow poetry has re-aroused people’s tender memories for literature, and sincere and simple images have excavated the interest among the words and between the lines, shortened the distance between the audience and poets, and resisted the worry of reading decline. This indicates that in whatever way the times changes, the original purity and beauty of human nature would remain unfading.
You would suddenly understand their poems by observing poets’ life and their ways of existence as a human. For instance, I felt rather surprised when watching The Coming of Tulku. Perhaps I had already heard about Chou Meng-tieh who had a bookstall at Wuchang Street, but I did not know that he was just like his poems, regarding life and versifying as cultivating himself, very calm and without worldly passions. Also, the poems of Yu Kwang-chung must be very familiar to readers in China’s mainland, while it was in The Untrammeled Traveler that I came to fully sense the nostalgic feeling and came to realize that the Yu Kwang-chung existing in my mind before was not the real him and that I never truly understood his poems. And this is where the significance of documentaries—leading people into and then to understand an unknown world— can be found.
The Inspired Island was a great success. In Taiwan, it was the first time for this kind of documentaries to be shown in cinemas for five continuing weeks. With so-called two poisons for box-office, “documentary” and “literature”, it became surprisingly hot in the market, marking a miraculous phenomenon. People with lofty ideals showed their great recommendation in succession, no matter from the literary and art circles or not. Sylvia Chang, an actress, showed her support by attending the first run; Ma Ying-jeou, the Taiwan Leader, posted the prevue onto the FACEBOOK after watching it and revealed great appreciation; many other people, after watching it, all flooded to bookstores for collections of poems with enormous passion. In other words, people begin to read poems again. Isn’t that the biggest miracle?
If the aforementioned is the miracle brought to literature by films or the contributions made to literature’s popularization and rejuvenation by films, the following could be regarded as the nourishment that literature has in turn provided for films. Chen Chuanxing, the director of The Coming of Tulku and Port of Mists, said that literature could always inject abundant fresh content into films. Viewing worldwide, we may see that BBC has produced many series of documentaries for writers, and there are also courses on literature films in American universities, but literature films are still not popular in Asia. In the whole Great China, The Inspired Island was the initiator of that. If this achievement can generate the development and expenditure of literature films in Asia, it would enrich our film market and film creation, opening a diversified exit for both filmmakers and the audience. Viewing from the significance of documentaries, it would also be stimulus for the current creation of documentary films. That surely needs all people’s support and promotion, and this is what we are exactly doing.
In Taiwan, some people are striving to keep the kindling of pure literature, while in China’s mainland, where literature once experienced similar damages due to turbulences, there are few people initiatively practicing love for literature. But I believe that there also incubate a multitude of literary youths, and Taiwan literature is the very nutrition during their growth. It is just that under this background and social morality, they choose to conceal the fervor of keeping what they are eager to express. This time, a glance of the greatness of these literary giants on the screen during the HAFF would surely inspire those literary youths who have long been undergoing marginalization. Also, those who have not read for long would probably win back their identity of being a reader after seeing this series of films. On the other hand, it also provides an introspection for the dull, stuffy and commercialized films from China’s mainland, bringing the tasteless film-seeing market fresh energy. The audience here have long been waiting in the dark video halls for showing up of “different” films on the screens, for the long-awaited touching affection from films, and for the recovery of artistic taste that has been sealed up for years.
The Separated Sceneries of Home in Two Cities
What The Inspired Island reveals is the emotion of times under the power of images.
The six films boast complexity in narrative structures, uniqueness in video or audio adjustments and wit and profoundness in aesthetics and ethnics. Unlike traditional filmmaking of “writer’s silhouette”, each of the six films has two creation souls echoing and clashing with each other. One is the author who uses words, and the other is the director who uses images, both of whom show subtle tension between each other, making images not just the second expression of words and words jump out of the nostalgic atmosphere and display the modern emotions.
Home in Two Cities refers to Taipei and Beijing, and Taiwan and China’s mainland. This film delivers profound meaning in its meditation that Yang Li-chou, its director, made a complete interpretation of the concept of “two” throughout the film. He photographed the process of Lin Haiyin’s daughter’s visiting her mother’s former site in Beijing and then co-arranged the image of the earlier visit of Ms. Lin herself. The two shoots were quite similar in both camera locations and routes, even the daughter and the mother both asked some same questions, as a result of which the feeling of the two shoots’ echoing emerged, suggesting the transmission from generation to generation and the strong connection between the two places. In order to echo with the concept of “two”, Ke Zhihao, the background music controller, mixed the melodies and rhythms of Russian and continental music, while the themes of all scenes conceal the note of Seeing Off, which is the principal axis of the music of this film. Also, collisions are frequently seen in the editing of the film. For example, when it came to the narration that Lin Haiyin was deposed for publishing Fengchi’s article, the frame was at first the applauding scene in the meeting place of the guiding video of “literature should serve the politics” in those days. What followed was solemn and serious subtitles informing people that it was behind these applauds that Lin Haiyin got deposed, and it was behind these applauds that Fengchi was sentenced to three and a half years. Examples like this can be found everywhere. Another point worth mentioning is that Home in Two Cities possesses many animations, which are exquisite and comfortable and not isolated from the film, for the original painting was taken from My Memories of Old Beijing, Lin Haiyin’s favorite illustration by watercolor master Guan Weixing, while at the same time, the realizing approach of Peking Opera can make people truly feel this story that happened in old Beijing. I felt I was closer to Ms. Lin’s world after watching the animations. Besides, Home in Two Cities has adopted quite a few such slightly affected depicting approaches with special effects as matching dynamic news report to the page turning of old newspapers. This is deliberate, sensational and fiery, while documentaries are indifferent, honest and calm. Having realized this, the director deliberately revealed some “goof” scenes now and then, either showing the camera in the scene or keeping some shaking scenes, the purpose of which is to push the audience out of the story and back to the objective attitude of the documentary.
The Man behind the Book is a romantic record of realism
The Man behind the Book directed by Lin Jingjie is a documentary with both modernity and artistry. Because Wang Wenxing is a writer of modernism, so the film is very appropriate to echo this form.
The film has the detailed clues and rigorous framework, and of course, there are a lot of initiative and ingenuity, making the film a non-traditional documentary. In order to transform the novel into a visual story, the director simply adapted 《Festen》into a modern drama presented in the film because Wang Wenxing is a novelist. Another idea is a "cell", Wang Wenxing compared the room where he writes everyday to the cell, and Lin Jingjie shot the writing process of him in the cell. To be honest, being relaxed in front of the camera is quite hard for the writer. And it’s same for the director, since it needs a lot of communication. The scene of writing presented finally is touching, when we see the writer holding the pen beat the desktop and the manuscript, we can feel that he is beating his own soul. As to the animation in this film, it is significantly different from several other film animation, It is experimental. 《The summer at the foot of the grassland》is realistic,《Find the man back to the sea》 and 《Capriccio at Star Rain House》 just like a pioneer. Take them apart, they are all great work, so the whole film is of high quility. The soundtrack suits the literature temperament of Wang Wenxing, it has the sense of dreariment, with the animation, it impresses us with the humor and cruel of mechanical materialism.
Although this six films are directed by the six different directors, vary from style, they have something common on the whole. First, Image quality is similar to the style of 5D Mark II. Then, they all read poets or narration, they all tell a story about writers. Besides, they all use modern string music as the soundtrack, fitting the temperament of poem. These high quality literature documentary films deserve every movie audiences and literature readers experience.
Towards the Completion of a Poem is not a completed toward.
It is named from the work《The finish of poem》by Yang Mu. In his opinion, in terms of pan-righteous, writing the poem has no end, in other words, never completed, so why not add" towards "to the title, so we see this name. This film is directed by the WEN Zhiyi, the only woman in the six directors of these films, the film is relatively feminine. This, of course, is the feature and advantage of the female director.
What impressed me most is the introduction to the poem 《twelve astrological Etude》 about anti-Vietnam War. The introduction mixs the modern dance with the picture of Vietnam War ,it’s full of soft and experimental, I think this is the approach what male directors will never adopted. The film has the scene of performance, a child interpretated the childhood of Yang Mu in Hualien. The film also use the animation to explain the poem by Yang mu like the film Home in Two Cities, and lots of interview of the people related to the Yang mu as well, these are the common approaches of documentaries. A plenty of poets and students read the poems in the film, meaning that Yang's poems affect generations of people, but the director let Yang Mu read his own poems as the opening and the end of the movie, making us moved. The film focus on the poets rather than the poems they write, just like the other five movies, and that’s good. Thus the whole film is close to the poet's own temperament.557021675
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