文/梦里诗书

  其实这部电影平心而论还是一部能让发出欢笑的电影，相比赵奕欢上一部的烂片《校花诡异事件》，总算为她在演艺圈挽回了点名声，一流的剧本，二流的演员，三流的导演是我个人认为对对这部电影比较精准的定义，但细细品来又有一种难以言说的缺憾，其实这也是中国电影烂片的一个通病，当电影缺少了什么，虽难以言说，但这个什么是由导演和演员共同组成的。

        当很多中国电影怨声载道高呼着中国电影票房不景气的时候，但几乎这些所谓的电影人却重来没有从自已的身上去寻找原因，一部比着一部烂，搞坏了中国市场还不算，还走向了国际，《富春山居图》余波未散，一场《大明猩》又搅乱了中国电影市场，紧接着又是一部《不肯去观音》，当我们看完这些电影，真的只能把目前的联合拍摄于烂片画上等号，由今天的这部《爱爱囧事》我想与大家所探讨的是中国电影缺少了什么，其实当我看完这部电影感叹剧本本身还是好的故事还是好的，毁就毁在了导演和演员身上，浮夸，恶搞，不注重逻辑，没有深意，这样一部电影在电影过后除了记得当时呵呵的笑了几声，实在记不得这部电影讲述了些什么，正要是纯粹的烂片就算了，中等的电影还能抓住主题谈些什么，最要命的就是这种中下等的电影，我能感觉到导演希望通过这部电影表达着一些社会现象，述说着一些正能量的东西，但我抓不住这部电影的点，什么都想表达一点，给我的映像却是什么也没表达出来，这就是很多中国电影的一个症结所在，另一个缺憾就是一总假的流露，浮夸做作，电影中的很多场景都让我感觉这些人是在拍戏，你可能会说对呀，他们不是在拍戏是干什么，但我想反问如果你作为一名观众一场电影的感觉就是让你知道这些人在拍戏那么这还算是一部电影吗？电影过于随意性，不注重整个电影逻辑上发展的框架，试问一下一个亿万级的男主被两次偶然撞车却几无大碍的概率是多大，我们不会要求一部电影有多么真实，就像我们看白宫被炸，星球被毁，猩猩统治地球一样，我们需要的是一个至少能在电影逻辑上说的过去的原因，而不是把整个电影的发展都放在巧遇与偶然之上，当一部电影充斥着空虚，做作时，这部电影对我而言是一部没有灵魂的电影，是一部犹如行尸走肉的电影。

       中国电影缺少了什么，一种电影人沉得下，入得戏的心态，一种务实的态度，我们不缺乏漂亮美丽的演员，不缺乏技术，更不缺乏资金，缺少的真的只是一个态度。

黄昏里一盏明灯:他们在岛屿写作
文 / 蒋斐然

“是谁传下这诗人的行业，黄昏里挂起一盏灯”。

在这文学阅读日益衰退的年代，《他们在岛屿写作》挂起了黄昏里的明灯。

我们不禁感叹，台湾啊台湾，台湾啊台湾。看似被政治力搅和得乌烟瘴气的台湾，看似民风日下乐娱表浅的台湾，却从不叫人真正失望，因为在这个岛屿的某个角落，某个时刻，总是不期涌现这样那样充满力量的的影音创作与文学记忆，无法被乱流冲走，无法被历史埋汰，让人重新坚信美好的存在。这个市井与纷争的小岛，像极了春秋战国时期的中国，乱力之下有自由，自由之下放百花。

他们在岛屿写作。他们是谁？“他们”指向的是一个漂浮游移却隐然成形的时代群体，既有历史时间的距离，又有美学感性上的回眸。“岛屿”作为一种历史地理的指称，潜藏了在地思考的逃逸路径，跳脱省级，无关统独，抛却了僵硬的国族符号，抛却泛政治化的情感动员。而“在岛屿写作”则形构出一种当下此刻的书写进行式，贯穿过去与未来，以写作的创造性能量，标记岛屿之浮光掠影，“岛屿写作”，让岛屿不先于写作而存在，让“写作”无法离开岛屿而成立。

六位文学大家，来自四面八方，出生地殊异，成长地殊异，但都在岛屿写作，都在书写岛屿，都在以文学书写作为逃逸陈规范式的路径。值得思考的是，其中的几位作家都是从大陆过去台湾的。余光中曾这样描述他所经历的地方：大陆是母亲，台湾是妻子。何以母地的生子都绽放在他乡的爱情里，而后又缱绻于怀乡的诗情里。不论时事，搁浅政治，但省两地的人文落差，便叫人戚戚。

《他们在岛屿写作：文学大师系列电影》创造了文学纪录片的一个奇迹，成为去年台湾一个重要的文化事件，让人唏嘘之余感到欣慰——还好，文学还在；还好，读者还在。这套影片的奇迹在于，它以非凡的诚意打动了六位文豪的联袂出镜，以纪录片的预算制作出了电影规格的影像，以文学电影的姿态站上了公映院线，以低调的妆容赢得了高调的票房和口碑。虽非商业片，却敢于挑战观众的口味，不得不敬佩，作为发行方和制作方的目宿媒体确实具有过人的胆识和先天下之忧而忧的人文情怀。但谁也没有想到，在这样速食消费的年代，悠长缓慢的诗歌又唤起了人们心底对文学的柔软记忆，真诚朴质的影像挖掘了字里行间的乐趣，拉近了观众与诗人的距离，抵抗了阅读衰退的忧虑，这表明不管时代怎么变，人性最初的那份纯洁与美好是不会消褪的。

你看到诗人的生活，看到他们作为一个人是如何存在，然后你突然就读懂了他们的诗。比如，我看《化城再来人》时非常惊讶，或许之前听说过在武昌街摆书摊的周梦蝶，但并不知悉他原来人如其诗，早已老僧入定，生活作诗仿如修行。再如余光中先生的诗应该为大陆观众所耳熟能详，但在纪录片《逍遥游》中，我才完全地尝到了乡愁的滋味，也才明白之前脑海里的余光中并不是真正的他，他的诗我也并非真的懂。这不就是纪录片的意义所在吗，带领观众进入和理解一个未知的世界。

《他们在岛屿写作》成功了，在台湾，第一次有这样的纪录片能够在院线联映五周之久，怀揣着所谓的传说中的“纪录”与“文学”两大票房毒药，却眼睁睁地火爆了市场，成为一种奇特的现象。不论是文艺界还是非文艺界，都不断有仁人志士站出来鼎力相荐。张艾嘉为首映站台，马英九看后将预告片投上FACEBOOK大力夸赞，又有多少民众一看完片子，就涌起一股满满的冲动，奔向书店购买诗集。也就是说，人们又开始读诗了。这难道不是最大的奇迹吗？

若说以上是电影之于文学的奇迹，是电影为文学的普世化和复兴作出了贡献，那么反过来，其实文学也同样滋养了电影。《化城再来人》和《如雾起时》的导演陈传兴说，文学总能给电影注入大量新鲜的内容。文学电影的类型在亚洲尚未流行，在世界范围内，其实BBC早已拍摄过很多系列的作家纪录片，美国的大学也设有文学电影的课程。但在整个大中华地区，《他们在岛屿写作》是第一个做这件事的人，若这一波电影的佳绩能兴起整个文学电影类型在亚洲的发展和崛起，那就丰富了我们的电影市场和电影创作，不论对影人还是对观众，都是打开了一个多元化的出口。从纪录片的意义上说，也是对纪录电影创作现状提供了一种激活的可能性。当然这需要所有人的协助和推广，而我们，正是在做这样一件事。

在宝岛，有人在努力的保留纯文学的火种。而中国大陆，也曾像这个岛屿一样，经受过动乱对文学的摧残，如今却少有人以主动的姿态践行对文学的热爱。但我相信，这里同样潜藏着一大批坚定的文学青年，而台湾文学正是他们成长路上的重要养分，只是在这样的时代背景和社会风气下，他们选择了隐藏这份欲说还休的炽热。此番在HAFF能够一瞥这些文学大师在银幕上巨大的身影，必定会振奋这群长久遭边缘化的文青的心。而那些许久未拾书卷的人，或也会在看完这一系列的电影之后，重新回归读者的身份。另一方面，也是给大陆电影单一乏味的商业趋同提供一种反思，为食之无味的观影市场注入一剂新鲜的青草味。这里的观众已坐在黑暗的影厅里等候许久，等待着在大荧幕上看到不一样的电影，等待着在从电影里找回久违的感动，等待着恢复封存多年的文艺味蕾。

《两地》分属的风景

《他们在岛屿写作》展现出的是影像威力下的时代感性。

六部电影有叙事结构上的繁复，有影音调度上的别出心裁，更有美学与伦理上的巧妙幽微。有别于传统“作家身影”的拍法，六部纪录片的每一部片都有两个创作心灵的呼应与頡抗，一个是使用文字的作者，一个是使用影像的导演，彼此之间的微妙张力，让影像不再是文字的二次表述，让文字跳脱怀旧氛围，重新展现当代感性。

《两地》，台北和北京，台湾和大陆。此片在构思上颇有深意的地方在于，导演杨力州在片中彻头彻尾地将“两”的概念诠释到底。他将林海音的女儿去北京探寻母亲旧地的过程拍下来，与早前林先生自己去北京寻访的影像并置，两次的镜位和路线都很相似，甚至女儿和母亲都问了一些一样的话，由此两两相望的感觉就浮现了，暗示着代代相传，也暗示着两地纽带不断。配乐师柯智豪为了呼应“两”的概念，将俄系与欧陆两大乐种的旋律和节奏调配在一起，但其实所有场景的主旋律又都暗藏着《送别》的音符，因为它是此片音乐的主轴。剪辑上也频繁地展现出两两对立的撞击。比如说，叙事说到了林海音先生因为刊登了风迟的文章而被免职时，画面首先是当年“文学须服务于政治”的宣导片最后会场鼓掌的一幕，紧接上的就是严肃沉重的字幕，告知观众，在这个掌声底下，林海音被免职，在这个掌声底下，风迟被判三年六个月的徒刑。像这样的例子比比皆是。另值一提的是，《两地》中有大量的动画。动画部分并不疏离出戏，它是精致温馨的，因为原画取自于林海音最喜欢的关维兴水彩大师的插画《城南旧事》，而京剧的实现方式又让人感受到这个在老北京发生的故事。我看完动画的感觉是，跟林先生的世界又近了一步。《两地》也采用了不少稍显矫情的特效渲染手法，比如翻页的老报纸配上动态的新闻报道，这些是刻意、煽情而炽热的，而纪录是淡然、诚实而冷静的。导演也意识到了这一点，所以有意时不时地曝露一些“穿帮”镜头，或是让摄像机入镜，或是保留一些晃动不已的画面，为的是将观众从故事中推出去，回归纪录的客观姿态。

《化城再来人》的一天

《化城再来人》时长163分钟，六部中最长的一部，以我浅见，也是最有深度的一部，也可以说是最靠近电影的。它的叙事定点有如《尤利西斯》，一整部纪录片讲述的是周梦蝶的一天的回忆，但叙事线条并不单一，其中叠合了回忆的多重时间点，显示出周公本身性格的复杂性。第一次看这部纪录片的时候，令人印象最深的是周公的声音，他一直在不紧不慢却又用力地嚼着他的诗和尺牍，仿佛诵读也是一种修行。

周公的诗中呈现的是一种不纯粹的语言，旧诗，禅诗或偈语，全部糅杂在一起，而《化城再来人》将这些不纯粹凝结在一起的纽带就是周公的声音，包括它的质感，快慢，节奏等等。而声音就是时间的另一个指标。我们听着周公的念白，就真真切切地体会了他那句“只有时间嚼着时间的反刍的微响”。导演陈传兴说，“周公平常说话经常陷入一种独白的境况，即便与人对话，对面的人于他而言也只是回声墙。而念诗的时候却大不一样，念诗的时候是他与他的诗对话，你观察他特写的脸，感觉声音在他好似山脉的一起一伏的肌肤上流动。”这本身就是一种梵文的心境，这种诵读是一种非人间的与神对话。除了周公的声音之外，潜伏在影片始终的另一个重要的声音就是水流的声音，当然是隐喻时间的纵向宽度，对于周公这样一日如一生的文人来讲，这水流声又添无限禅意。

完整看过此片的人绝不会忘记开头和结尾呼应的江面，那过去的江面要去向哪里，谁都无解，就像时间要流向怎样的未来，我们都无从知道。为了反应周公这样的犹疑而不确定的生活在在台北城里的“悉达多”，导演甚至将周梦蝶的淡水河比作印度的恒河，拍摄了两地的画面混剪在一起，有意让人分不清到底是淡水还是恒河。

全片的叙事非常从容，毫无夸张矫饰之处，但阅毕周公的印象已如烙印般深铭心中，那样的气质不只是“入定”或是“出世”可以简单形容，他可以随时对外界打开，也可以随时关闭。陈传兴将周公比作漏斗，外界的事物可以经过他的身体，然后完完全全地流过去，不留下一点残余。而《化城再来人》最出色的地方在于，他没有只顾着刻画周公这种外界既定的佛者文人形象，它呈现出了一个真实的人内心的矛盾，对男女情感的期待和纠葛，对宗教的坚定与不坚定，对人生取向的来回摆荡。比如周公谈三毛那段，我看到是觉得惊异又觉得真实。再如谈到周公去电影社看电影时，投影在斑驳墙上的影片是卡尔?德莱叶的《吸血鬼》（1932），那一幕讲述的正是一个男人救赎了女人，这样细腻的安排归功于导演对周公复杂性格准确而敏锐的捕捉。这其实是非常难的事情，因为周公不是剧本里被塑造出来的人物，而是创作团队在有限的时间里新认识的活生生的人。

此片的剪辑非常尊重时间上的连贯性，未有打动干戈，自然而有力，体现了纪录片剪辑最好的状态。尤其开头周公起床、吃面、上厕所、洗澡那一长段，几乎没有话语也没有配乐，非常漫长，但周公的生活状态和精神世界已赫然显现，因为时间在他身上本身就走得比较慢。同样周公所有讲话的速度和长时间的停顿也被充分地尊重，包括他偶尔瞬间入定而长久静白的沉默，动人深刻。

《逍遥游》是一出自由的纪录剧

《逍遥游》的特色在于有一个完整的剧本，陈怀恩导演是电影出身，拍摄的时候就有分镜了，因而系统性非常强，当然也有精心雕琢之感。片子定位在余光中四十岁左右“你不知道你是谁，你幻灭”的人生阶段的议题上，进而引出诗人一生不停地自我争论，与自我对话的主题。

由于是年轻余光中，所以有大量搬演的部分，用以再现余先生当年读书写诗的场景，是六部纪录片中编剧搬演最多的一部。除了搬演部分的编剧，他们也有让年轻的台大诗社成员热烈讨论余光中的诗这般的情景预设。所以这部纪录片其实采用的是比较剧情片的构思和制作方法，包括预设主题，到实现方式，都有许多企划的痕迹在里头，也就是说，是纪录内容在跟着主创走，而不是主创跟着纪录内容走。但这样的高控制力的企划对于观众来说还是有效的，观者能很好的进入故事，进入到导演预期的情绪里。旁白声音挑选和剪辑节奏都精心设计。比如《沙浮投海》这首诗是由万芳来朗读的，沙浮尸一个女诗人，这是一个女诗人投海自杀的故事，所以由一个悲伤的女低音来朗读就仿佛第一人称演绎了这首诗的故事。全片影像风格唯美写意，旁白的交错与视觉搭配，就已经奏出一曲漂亮的诗歌。

《如雾起时》是一曲哀歌

《如雾起时》拍郑愁予，同样出自陈传兴导演之手，但与《化城再来人》是完全不同的调性。我觉得《如雾起时》是一曲哀歌，它的气质是比较沉重的，是围绕着诗与历史展开的。比如他采用了大量客观性陈述的旁白，选取了一个低沉的女音代表一个第三人的角度，一个在故事之外的全知全能的角度，讲述一些关于诗人的事实。

全片的架构清晰可见，前半部分比较男人戏，有很多史料影像，回顾诗坛文坛的几次论争，而后郑愁予结婚成家，影像转到了非常有生活气息的家的空间里，转到了美国的宁静薄雾里，转到了郑先生夫人和其他几位女性知识分子的视角里。这种性别视角的转移与时间线性的发展相吻合，不知不觉中也就完成了影片气氛的转变。另外一个转变是相对于主人公的镜头机位的转变。开片访问郑愁予的一幕是在小河边的一个推轨镜头，镜头一直处在诗人的背后方，随着叙事的展开，机位慢慢地转到传主的正面，观众对郑愁予的认识也慢慢加深。

陈传兴对很多意象和动作都有非常主观而深层的解读，但全片的影像还是采取了一种比较遥远的观望姿态，并未作过多注脚。在《如雾起时》里，他更多的是在呈现一种诗的历史，所以前半段使用了大量史料报章，蓝星旧刊等过去的实物来目击历史。后半段是郑愁予在美国的工作和生活，于是出现了毕业证书，学位证书，荣誉证书等见证物。这些统统被端端正正地放大在镜头前，诉说诗与历史的关系，因为历史说到底是以一桩桩的事件来标记的。

影片前前后后充满了呼应和对照，比如美国1970年爆发的反越战学潮的新闻影片和保钓行动的影像都对照了台湾50年代八二三炮战前后肃杀和动荡以及六七十年代中国的文化大革命的激进。陈导有意识地在用各种方法加重片子的严肃气氛，呼应那个时代的沉重。比如全片处处有字幕（侧标），有的是史实，有的是观点，有的在黑幕时出现，有的甚至就打在人物脸上。而这些侧标字数多，速度快，观众根本来不及读完，而导演就是有意为之，有意让你负荷过重，从而体会那种硬质的沉重。但有时，你不得不承认，陈导因为将其丰厚的艺术电影的涵养都呈现在画面里，其中的深意和过多的隐喻并非一般观众能够消化领悟。

《寻找背海的人》是现实主义的浪漫纪录

林靖杰导演的《寻找背海的人》是极具现代性和艺术性的一部纪录片。王文兴本身是现代主义风格的作家，因此影片呼应这种形式上的对接是非常恰当的。

《寻找背海的人》有非常细密的线索和严密的架构，也有很多创举和巧思，属于比较非传统的纪录片。因为王文兴是小说家，为了将小说的故事诉诸视觉，林导干脆将《家变》改编成了一个十足现代性的舞台剧呈现在片中。另一个构思是“牢房”，王文兴将其每日写作的那间房比作牢房，林靖杰就拍摄了他在牢房里的真实写作过程。这对于作家本身来说是不易的，要做到放松地在摄影机的监视下工作。对于导演来说也是不易的，因为其间需要大量的磨合和沟通。最后呈现出来的那种真实的状态是令人动容的，当你看到作家握着笔竿不断地敲打着桌面和稿纸的时候，你也能感受到他正在敲打自己的灵魂。再如此片的动画，明显区别于其他几部片中的动画，实验性很强，像《草原底盛夏》有着超现实的调性，《背海的人》和《星雨楼随想》则有着十分先锋的气质，单独拿出来看，都已经是很棒的作品，所以整个片子的完成度也就显得非常高。配乐非常吻合王文兴的文学气质，有苦涩沉闷的味道在里头，尤其是动画的配合，充盈着机械主义的幽默和残酷在里头。

这六部电影虽然出自不同的导演之手，风格各异，但在整体上竟然也呈现出了巧妙的统一性。影像画质都很相近于5D Mark II的风格，都采用了读诗和念白的手法，也都围绕着作家本身展开叙事，配乐几乎一致地采用了无调性的现代弦乐，非常贴合诗文的气质。这一套非常高质素的文学纪录电影，值得每一位电影观众和文学读者细细咀嚼和珍藏。

《朝向一首诗的完成》是个未完成的朝向

《朝向一首诗的完成》取名于杨牧《一首诗的完成》，但杨牧认为，从泛义来讲，写诗并没有完成，何不加上“朝向”二字，于是有了“朝向一首诗的完成”。此片是温知仪导演的，是六部片中唯一一部由女性执导的片子，十足的女性色彩，手法比较阴柔。这当然也是女性导演的一个特色和优点。

影像部分印象比较深的是介绍反越战的《十二星象练习曲》这首诗时搭配了现代舞和越战资料重叠的画面，非常柔美和实验，我觉得这是男性导演绝对不会采用的手法。影片有加入搬演的部分，由一个小孩子来演绎杨牧小时候在花莲的时光，也有像《两地》一样，采用动画来诠释杨牧的诗歌，也做了很多跟杨牧先生有关的人的访谈，这些都是纪录片常用的实现方式。诵诗部分请来了很多其他诗人和学生分别念诗，寓意杨老师的诗影响了世世代代的人，但影片是以杨牧先生自己朗诵自己的诗作为影片的开篇和结尾，听来叫人非常感动。这部片子跟其他五部片子一样，很好的一点在于，他们把重心放在诗人本身上，而并非单单在他的诗作上，于是整个片子就很贴近诗人本身的气质。

A Beacon in the Dusk: The Inspired Island

Jiang Feiran

“Who left the profession of writing poetry, hanging up a beacon in the dusk”.

This generation witnesses a gradual decline in reading literature, The Inspired Island hangs up a beacon in the dusk.

We cannot help sighing with emotion: Taiwan, oh Taiwan; Taiwan, oh Taiwan. Taiwan, which seems to have been polluted with a foul atmosphere by political power and filled with a decaying folk custom and a superficial entertainment circle, never truly disappoints people, for at a certain moment from a certain corner of this island, there would always unexpectedly spring up some powerful video or audio creations and literary memories never washed away by turbulence or weeded out by history, bring back people’s belief in the existence of beauty. This island, with its marketplace culture and disputes, resembles the old China during the Spring and Autumn Period, showing in the turbulence freedom, under which bloomed all flowers.

They are writing in the Island. Who are they? “They” refers to drifting but invisibly formed generation group, which boasts not only a historical distance, but also an aesthetic and emotional back-glance. “Island”, a historical and geographical nominatum, conceals an escaping path of thoughts regardless of provincial class, unification or independence and discards the rigid national symbol and politicalized emotion movements. And “writing in the Island” forms a current proceeding of writing what connects the past and the future, skimming over the surface of the Island with the creative energy of writing. “Island & writing” makes “Island” exist not prior to “writing” and “writing” unable to exist without “Island”.

Six literary giants, coming from various backgrounds with different birthplaces and places where they grew up, are all writing in the Island, writing the Island, and escaping from the stereotyped forms by writing. What is worth thinking about is that some of them all came to Taiwan from China’s mainland. Yu Kwang-chung, one of the six, once described the places where he experienced his life: China’s mainland is the mother, while Taiwan is the wife. How come that children born in the mother’s land are blooming in the love of a place away from home, and then deeply attached to the nostalgic poetry? Regardless of the current events and the politics, only the cultural divergence between the two places could already make people sorrowful.

The Inspired Island: Series of Eminent Writers from Taiwan is a miracle of literary documentaries, making itself an important cultural event last year in Taiwan and bringing delight to sighing people—it is well enough that literature and readers are still here. This miraculous documentary aroused the feelings of six literary giants with extraordinary sincerity, made the image with the form of films by using the budget of a documentary, released to the public with a literary attitude and won a high box-office and a great reputation with a plain appearance. Though not a commercial film, it delivered the courage to challenge audience’s taste, which irresistibly generates our admiration for Fisfisa Media, the issuer and the producer, for its super courage and selfless humanistic feelings. However, it is out of all people’s expectation that it this age of fast food consumption, long and slow poetry has re-aroused people’s tender memories for literature, and sincere and simple images have excavated the interest among the words and between the lines, shortened the distance between the audience and poets, and resisted the worry of reading decline. This indicates that in whatever way the times changes, the original purity and beauty of human nature would remain unfading.

You would suddenly understand their poems by observing poets’ life and their ways of existence as a human. For instance, I felt rather surprised when watching The Coming of Tulku. Perhaps I had already heard about Chou Meng-tieh who had a bookstall at Wuchang Street, but I did not know that he was just like his poems, regarding life and versifying as cultivating himself, very calm and without worldly passions. Also, the poems of Yu Kwang-chung must be very familiar to readers in China’s mainland, while it was in The Untrammeled Traveler that I came to fully sense the nostalgic feeling and came to realize that the Yu Kwang-chung existing in my mind before was not the real him and that I never truly understood his poems. And this is where the significance of documentaries—leading people into and then to understand an unknown world— can be found.

The Inspired Island was a great success. In Taiwan, it was the first time for this kind of documentaries to be shown in cinemas for five continuing weeks. With so-called two poisons for box-office, “documentary” and “literature”, it became surprisingly hot in the market, marking a miraculous phenomenon. People with lofty ideals showed their great recommendation in succession, no matter from the literary and art circles or not. Sylvia Chang, an actress, showed her support by attending the first run; Ma Ying-jeou, the Taiwan Leader, posted the prevue onto the FACEBOOK after watching it and revealed great appreciation; many other people, after watching it, all flooded to bookstores for collections of poems with enormous passion. In other words, people begin to read poems again. Isn’t that the biggest miracle?

If the aforementioned is the miracle brought to literature by films or the contributions made to literature’s popularization and rejuvenation by films, the following could be regarded as the nourishment that literature has in turn provided for films. Chen Chuanxing, the director of The Coming of Tulku and Port of Mists, said that literature could always inject abundant fresh content into films. Viewing worldwide, we may see that BBC has produced many series of documentaries for writers, and there are also courses on literature films in American universities, but literature films are still not popular in Asia. In the whole Great China, The Inspired Island was the initiator of that. If this achievement can generate the development and expenditure of literature films in Asia, it would enrich our film market and film creation, opening a diversified exit for both filmmakers and the audience. Viewing from the significance of documentaries, it would also be stimulus for the current creation of documentary films. That surely needs all people’s support and promotion, and this is what we are exactly doing.

In Taiwan, some people are striving to keep the kindling of pure literature, while in China’s mainland, where literature once experienced similar damages due to turbulences, there are few people initiatively practicing love for literature. But I believe that there also incubate a multitude of literary youths, and Taiwan literature is the very nutrition during their growth. It is just that under this background and social morality, they choose to conceal the fervor of keeping what they are eager to express. This time, a glance of the greatness of these literary giants on the screen during the HAFF would surely inspire those literary youths who have long been undergoing marginalization. Also, those who have not read for long would probably win back their identity of being a reader after seeing this series of films. On the other hand, it also provides an introspection for the dull, stuffy and commercialized films from China’s mainland, bringing the tasteless film-seeing market fresh energy. The audience here have long been waiting in the dark video halls for showing up of “different” films on the screens, for the long-awaited touching affection from films, and for the recovery of artistic taste that has been sealed up for years.

The Separated Sceneries of Home in Two Cities

What The Inspired Island reveals is the emotion of times under the power of images.

The six films boast complexity in narrative structures, uniqueness in video or audio adjustments and wit and profoundness in aesthetics and ethnics. Unlike traditional filmmaking of “writer’s silhouette”, each of the six films has two creation souls echoing and clashing with each other. One is the author who uses words, and the other is the director who uses images, both of whom show subtle tension between each other, making images not just the second expression of words and words jump out of the nostalgic atmosphere and display the modern emotions.

Home in Two Cities refers to Taipei and Beijing, and Taiwan and China’s mainland. This film delivers profound meaning in its meditation that Yang Li-chou, its director, made a complete interpretation of the concept of “two” throughout the film. He photographed the process of Lin Haiyin’s daughter’s visiting her mother’s former site in Beijing and then co-arranged the image of the earlier visit of Ms. Lin herself. The two shoots were quite similar in both camera locations and routes, even the daughter and the mother both asked some same questions, as a result of which the feeling of the two shoots’ echoing emerged, suggesting the transmission from generation to generation and the strong connection between the two places. In order to echo with the concept of “two”, Ke Zhihao, the background music controller, mixed the melodies and rhythms of Russian and continental music, while the themes of all scenes conceal the note of Seeing Off, which is the principal axis of the music of this film. Also, collisions are frequently seen in the editing of the film. For example, when it came to the narration that Lin Haiyin was deposed for publishing Fengchi’s article, the frame was at first the applauding scene in the meeting place of the guiding video of “literature should serve the politics” in those days. What followed was solemn and serious subtitles informing people that it was behind these applauds that Lin Haiyin got deposed, and it was behind these applauds that Fengchi was sentenced to three and a half years. Examples like this can be found everywhere. Another point worth mentioning is that Home in Two Cities possesses many animations, which are exquisite and comfortable and not isolated from the film, for the original painting was taken from My Memories of Old Beijing, Lin Haiyin’s favorite illustration by watercolor master Guan Weixing, while at the same time, the realizing approach of Peking Opera can make people truly feel this story that happened in old Beijing. I felt I was closer to Ms. Lin’s world after watching the animations. Besides, Home in Two Cities has adopted quite a few such slightly affected depicting approaches with special effects as matching dynamic news report to the page turning of old newspapers. This is deliberate, sensational and fiery, while documentaries are indifferent, honest and calm. Having realized this, the director deliberately revealed some “goof” scenes now and then, either showing the camera in the scene or keeping some shaking scenes, the purpose of which is to push the audience out of the story and back to the objective attitude of the documentary.





The Man behind the Book is a romantic record of realism

The Man behind the Book directed by Lin Jingjie is a documentary with both modernity and artistry. Because Wang Wenxing is a writer of modernism, so the film is very appropriate to echo this form.

The film has the detailed clues and rigorous framework, and of course, there are a lot of initiative and ingenuity, making the film a non-traditional documentary. In order to transform the novel into a visual story, the director simply adapted 《Festen》into a modern drama presented in the film because Wang Wenxing is a novelist. Another idea is a "cell", Wang Wenxing compared the room where he writes everyday to the cell, and Lin Jingjie shot the writing process of him in the cell. To be honest, being relaxed in front of the camera is quite hard for the writer. And it’s same for the director, since it needs a lot of communication. The scene of writing presented finally is touching, when we see the writer holding the pen beat the desktop and the manuscript, we can feel that he is beating his own soul. As to the animation in this film, it is significantly different from several other film animation, It is experimental. 《The summer at the foot of the grassland》is realistic,《Find the man back to the sea》 and 《Capriccio at Star Rain House》 just like a pioneer. Take them apart, they are all great work, so the whole film is of high quility. The soundtrack suits the literature temperament of Wang Wenxing, it has the sense of dreariment, with the animation, it impresses us with the humor and cruel of mechanical materialism.

Although this six films are directed by the six different directors, vary from style, they have something common on the whole. First, Image quality is similar to the style of 5D Mark II. Then, they all read poets or narration, they all tell a story about writers. Besides, they all use modern string music as the soundtrack, fitting the temperament of poem. These high quality literature documentary films deserve every movie audiences and literature readers experience.

Towards the Completion of a Poem is not a completed toward.

It is named from the work《The finish of poem》by Yang Mu. In his opinion, in terms of pan-righteous, writing the poem has no end, in other words, never completed, so why not add" towards "to the title, so we see this name. This film is directed by the WEN Zhiyi, the only woman in the six directors of these films, the film is relatively feminine. This, of course, is the feature and advantage of the female director.

What impressed me most is the introduction to the poem 《twelve astrological Etude》 about anti-Vietnam War. The introduction mixs the modern dance with the picture of Vietnam War ,it’s full of soft and experimental, I think this is the approach what male directors will never adopted. The film has the scene of performance, a child interpretated the childhood of Yang Mu in Hualien. The film also use the animation to explain the poem by Yang mu like the film Home in Two Cities, and lots of interview of the people related to the Yang mu as well, these are the common approaches of documentaries. A plenty of poets and students read the poems in the film, meaning that Yang's poems affect generations of people, but the director let Yang Mu read his own poems as the opening and the end of the movie, making us moved. The film focus on the poets rather than the poems they write, just like the other five movies, and that’s good. Thus the whole film is close to the poet's own temperament.

         注意：有剧透，不想看到请绕路
         从电影刚开场的那个小孩子以及他的不幸经历，再到第一个人死亡，我的第一念头就是，这个很像韩国的鬼片《老师的恩惠》啊。
         好吧，接着看，前面几个死亡故事的叙述相对后面来说还是可以的，注意，只是相对后面部分，从郭富城坐在凳子上冥想，我就不知所以了，其实一个很简单的小孩子痛苦童年经历导致心理变态而杀人的故事，不知道怎么就被故弄玄虚成这样，按我来看，导致了该叙述的叙述不好，整理看来讲个故事都讲不好。很多情节都前后不衔接，要怕侦探片，讲个故事的本领还是有待提高吧。两个警察之间的恩怨最后就没了 ，那你提它干什么，只是为了给人一个假象，那个警察也可能？太白痴了吧；让摩托车追着郭富城那么死命的跑，真的就是为了警告啊，我开始还真的没有相信啊，但是它是真的，让我不能理解，那这样你就不要在一个晚上安排两件交通事故，要刻意误导观众是可以的，但是要向柯南学习一下。。。。。。
         影片期间还有几处笑点，好吧我承认我笑点有点低，但是觉得这些笑点的设置有点不伦不类了；音效太跌宕了，几乎要让我心脏蹦出来，如果没有音效，可能会是一部喜剧也说不定。。。。。。；郭富城演的还是可以的，至少看前半部分的时候，还可以找到他要刻画的人物的影子，但是我想说的是，你是侦探啊，有必要一个人在你面前自杀你吓到向后反弹一米然后转身跪倒么？
         要说是烂片，那还是算不上的，节奏还是比较紧凑的，只是后面比较无语，好吧，我又说但是了，大家还是自己看吧。。。。。。

前几日“‘摘星星的妈妈’回家了”刷爆网络，随着神舟十三号载人飞船返回舱在东风着陆场成功着陆，神舟十三号载人飞行任务取得圆满成功。 从古人的九天揽月、蟾宫折桂，到如今的神舟十三次迭代发展，从古至今，人们都始终怀揣着一颗太空梦。 太空旅行、星际运输、火星移民........  (展开)

这部剧安迪线又臭又长，还给电话专员老谭酸菜加戏加的没眼看。如果加戏合理也算，加的简直安迪如同大号巨婴，任何小事情都要向谭汇报，独立自主女强人人设崩妈不认。既然这戏安迪如此依赖谭，谭如此宠溺安迪，干脆在一起好嘛？！不就是有遗传精神病，代孕结扎也不是很难啊？！...  (展开)

看完NINE，对意大利心驰神往，但是，最吸引人的应该还是片中七大风情万种的女星和周旋其中的Daniel Day-Lewis。

好莱坞的男星，都不好做，年过五十，仍然要求长相帅气，身材性感，歌舞俱佳，演技更不在话下。作为少数几个好莱坞双料影帝的Daniel Day-Lewis却就这么神奇地完成了影迷们对男主角的期望。虽然看着他在舞台架子跳来跳去真为他捏把汗，但还是他圆满地表演完整段。像他自己唱的一样，I want to be young， I want to be old，年轻的时候固然拥有激情，岁月却能带来智慧。但是，周旋于太多女人中间的男主角，还是面临着事业的失败和婚姻的破裂。

最喜欢的，便是男主角的正室，演过两小无猜和玫瑰人生的Marion Cotillard。她用法兰西的高贵优雅演绎了一个花心艺术家的妻子。这样的女子注定是哀怨的，作为导演的丈夫长期不在家不说，还绯闻不断。在她演唱第一首歌曲的时候，她挽起头发，穿着黑色的小礼服，安安静静地唱着歌，眼里闪着的泪光说明了她对丈夫的理解并关心，虽然还有些委屈。但是，被这个男人深深伤到之后，她下定决心离开，戳破这个男人的面具时，散下头发，边唱边舞，控诉丈夫的不是。不管哪一个形象，Marion Cotillard都证明着她的美丽和她特有的气质。

Nicole Kidman的表现有点出乎我的意料，第一次觉得她演戏演得真。其实不需要太用劲，她只要穿起晚礼服，在镜头前站着，转一个圈，头微侧，带着微笑，双手展开，就是颠倒众生。片中的女神，也许这就是她自己。

然后是Penélope Cruz，从海报都能看出她在剧中就是性感的代名词，再严重点说，叫香艳……

剧中，最令人记忆深刻的歌舞表演，不是来自主角，而是Stacy Fergusonnine的手鼓屋，带着黄沙，和她爆发力的嗓音，绝对撑得起她歌手的名声。

NINE的演员选角和角色定位都相当准确，Judi Dench不用说了，人家是老戏骨； Kate Hudson演时尚记者，虽然在歌舞方面可能不如其他前辈，但是由她来演，带着点美式女孩子的豪爽开放也是不错的； Sophia Loren虽容貌不及年轻的时候，但是她那张脸就是意大利的代名词。

而她们每一个人，几乎是出镜的第一个镜头，就说明了自己的角色定位，举手投足间把各自角色的人物特点表现得淋漓精致。



作为CHICAGO导演的新作，NINE的歌舞都相当出色，剧情也许不算有什么突破，但是整体来说，作为一部歌舞剧，还是值得推荐的。

纳尼的所有电影 结局总是有令人心满意足 剧情与前奏总是平平无奇 甚至不符合逻辑与无聊，但谁叫他非常讨喜 ，我非常喜欢他 所有他的电影 我只会给5星，此电影就想传递一个观点 并非所有有情人终成眷属 也并非没有爱情的人结婚不成幸福，他们三个人的大牺牲（心宽心大）成就了整...  (展开)

      安哲的这部电影意在探讨“边界”问题，实际上，他的好多电影也一直在表现这个概念，只是，这一次，是关键词，是被从各个角度强调的关键词。

     一、 空间的“边界”
影片中地理的边界是非常清晰的，甚至影片一开始就呈现了“公海上难民的尸体”这样的惊人场面，电视台的记者流连于希腊边境的“等待室”，试图解读国界的意义。国界，在《雾中风景》中是一条黑暗中河流，在《永恒与一日》中是边境铁丝网上悬挂的人。国界总是意义重大，多跨出一步，就是死亡。
记者在“雁足悬空”中体味这一步的意义，一道鲜明的分界线，将一座桥梁，一对夫妻，一条道路分成两半。

    二、 时间的“边界”
结束时，政治家失踪的时间被假定为1999年12月31日，这是一个时间的“边界”，下一个时刻，将要开启一个新的纪元，可是时间的边界有意义吗？新的时间是否意味着一个全新的局面将要开启？正如片中《世纪末的忧郁》所言：不管是用什么措辞，新的共同体的梦想，真的能实现吗？

    三、 人际的“边界”
人与人被什么阻隔和分开？除了时间和空间？被社会习俗，宗教信仰，性别，甚至是人心中的怯懦和猜忌。沟通的无效和不可能已经是被伯格曼无数次重复的话题，在安哲的电影中，则显示出了另外的风貌：相爱的陌生人无法相守，因为尽管有热情，却一个已为人妇，一个不过是过客。多年的夫妻对面不相认，因为太过熟悉，还是太过陌生？
    这极端亲密的关系却演化出极致的疏远。

    《鹳鸟的踟蹰》把这种种边界的形态编织在了一个“政治家失踪”的故事里，也采用了安哲的绝技“单频闪回”来连接两个时空，叙事和表意都很丰满丰富，算得上是一部精心之作。但也许是因为要说的东西太多，所以比起《雾中风景》的单纯和浑然，还是多了那么一点点刻意。

碟封上刘天王那张翠生生的俏脸扑面而来，若不加求证定会以为这片子是他主演的。但事实上，初涉影坛的刘天王不过是在这部众星云集的群戏中跑了个过场。刘天王本人似乎对这个“过场”颇为得意，多次表示“他这一代的演员中，只有他一个有机会和张彻合作”。
张彻，何许人也？“高山传天籁，独臂树雄风”他正是挖掘出无数巨星，屡开时代之先的武侠片大导演。这人好圈养小男生，门下共有六代弟子，个个成材。这部《上海滩十三太保》正是他晚年齐集众弟子奉上的大作。
照道理，这般人物，手下能人辈出，他要“开麦”怎么轮也轮不到一个外人。但世事无常、福祸难料。电影开拍伊始，原计划饰演学生的傅声因车祸离世。无奈之下，只能找同样高鼻大眼，脸颊有几分婴儿肥的刘天王顶替。
据刘天王回忆“张彻那时的身体状况已经不行了，常在片场打瞌睡。弟子们孝顺，怕惊扰了他，只得挪开机器，蹑手蹑脚的开工。”
不得不佩服这位老爷子，打着瞌睡都能掌控全局，拍出了的电影依旧保有如此强烈的个人风格，热血热到爆，偏心偏到肚脐眼。
——————————————————————————————

十三太保、一夫当道、浪子富翁，教头快刀，学生少爷、熊虎鹰豹、眼镜烟嘴、长枪难逃。
上海大亨沈刚夫，人称一夫当道，手下有十三太保，其中的“豹”是兄弟俩，所以十三太保实际上是十四个人。这其中有一部分人已经投靠了汪伪政府人。作为一部“三观”过硬的华语电影，我们将不可避免的鉴证一场十三太保之间的内耗。而引出这场内耗的正是一纸“汪伪政府与日本人签订的卖国密约”。

黑帽子

影片开场，爱国志士高先生携神偷黑帽子盗取密约。镜头忠实的跟随着黑帽子的手，只见这只手潇洒的划过额头，顶了一下帽檐，露出帽下一张圆下脸，竟是中年发福的王羽。作为张彻大弟子，他理应打这个头阵。但见他一袭黑衣，大概是不会死！（张彻的片子看多了，总会发现一些规律。比如，在打斗中，穿白衣服的人总是很容易死。当然，不穿衣服的人更容易死。）果不其然，盗窃行动在没有流血牺牲的状态下轻而易举的完成了，高先生与黑帽子还在犯罪现场惺惺相惜了一阵。我说，咱们虽是正义之士，但毕竟是在行窃，有必要如此嚣张吗？

一夫当道

欲携密约逃出上海的高先生求助有一夫当道之称的沈刚夫。沈刚夫是由陈观泰饰演的，中年的陈观泰蓄起了小胡子，前呼后拥的，一出场便派头十足。他的手下腰间皆系着红裤带，这是帮会的制服，也是张彻电影中典型的人肉沙包装，穿成这样的几乎都死的很快。
果然，随着第一位变节的太保长枪小杨的登场，手下们被逐一推上了活人靶子的位置。其中有一位身材与高先生相似的，作为替身。脱下白衣，短暂的赤裸了一下上身。随即领了盒饭，成为本片中第一个牺牲的人。

长枪难逃

李修贤饰演的长枪小杨，一出场便匆匆忙忙的披上了白外套。可以料想到他悲催的结局。五分钟不到，就被一刀捅死，仅仅给了两个特写，干掉了一个龙套，面目模糊到几乎认不出那是李修贤。

眼镜烟嘴

高先生逃过了长枪小杨的狙击，被转移到宾馆，由正义的太保烟嘴保护。
烟嘴是由江生饰演的，还是那张无忧无虑的孩子脸，怎么看都不像是为了女人问题烦恼的。这个人物的设置很有趣，明明不吸烟，却从始至终叼着个长烟嘴，装逼装的相当低端。
眼镜是个裁缝，高先生离开了宾馆便躲避在他的裁缝铺子。这个角色是由王钟饰演的。王钟几乎没怎么变过样儿。还是早年那个愤怒的青年，正是从他的口中我们得知“十三太保武功有高有低，其中浪子、富翁、教头是沈刚夫的结义兄弟，学生和少爷是沈刚夫的弟子，其余的熊虎鹰豹则早已投靠了汪伪政府，最为神秘的便是快刀，没有人见他的真面目。”
眼镜和烟嘴这两个人物也都是一出场便穿白，尤其是眼镜，连围裙都选白色的穿，可想而知，追兵一到便光荣牺牲，连衣服都来不及脱。不过比起长枪小杨，他俩还算是幸运，一人有一段长约半分钟的死亡之舞。在“死亡之舞”这个方面，师傅的心总是偏的。

熊虎鹰豹

接下来登场的是反派“熊虎鹰豹”，其中熊为王青；虎为陆峰；鹰为陈星；大豹为戚冠军；小豹为尤少岚。除了豹子兄弟，余下的皆是张彻电影中惯用的反派演员。
王青诨名大口青，与王钟是兄弟俩，面部轮廓有几分相似，只是嘴生的实在不成比例，作不了主角，只能演反派。
陆峰就是《新白娘子传奇》中的那个茅山道士，他那双藏奸的小眼，给我的童年留下了挥之不去的阴影。
陈星五官生的都很突出，是典型的坏人脸。
几位反派基本上遵循了张彻电影的一贯宗旨，打得过就打，打不过就脱，脱干净了就死。
大概又是师傅的偏心，这其中，只有饰演大豹的戚冠军有段独立的死亡之舞，其余的都是挣扎一下就死了。

学生富豪

高先生离开了眼镜的裁缝铺子，下一站便是富翁的别墅，虎早早的得到了消息，埋伏在此。
饰演富翁的梁家仁，一出场便躺在女人堆中，左拥右抱，好不叫人羡慕。 只见他身着白衫，看来也是在劫难逃。温香在抱能几时，且重今宵，尽情享乐吧！
富翁有一个妹妹，是个不折不扣的红颜祸水。这种张彻电影中典型的淑女，除了会哭，会喊救命之外，别无所长。富翁为她分神，丧了性命，而和她相好的学生也为保护她与“虎”同归于尽。
学生，也就是刘天王临时顶包的角色。是电影中唯一有女朋友的角色，张彻贴心为他安排一段临死之前的浪漫回放。这一段拍的相当小清新，海浪、沙滩、脚部特写、白色匡威鞋。（话说，那个年代不是应该穿回力的吗？）


浪子少爷

学生临终前嘱托高先生去赌场找沈刚夫的另一名结义兄弟“浪子”。
浪子这个名号永远属于姜大卫，他在张彻的电影中不止一次的做过“浪子”，浪子燕青、江南浪子，还有这部影片中的“浪子叶不凡”。此时的姜大卫，一袭白布长衫，潇洒仍在。面部轮廓却早已圆润，不再是年少时那副混不吝的浪子相。但在张彻的电影中，他永远是浪子。镜头也亦如往昔般默默的追随。即便不再像年轻时那般瘦的离谱，张彻仍不会叫他脱光了衣服在血浆里打滚，他永远是整整齐齐，永远是那么的有尊严！
赌场一节拍的精彩异常。敌友之间不互相识，相互打量试探，真有几分“胡金铨客栈戏”的意思。
同时，这也是全片中最惨烈的一节，在这一节中死伤的太保最多。由李中一饰演的少爷与由姜大卫饰演浪子联手，干掉了熊与豹。而后浪子为了掩护高先生撤退而死。身负重伤的少爷，则继续护送高先生逃跑。


教头快刀

少爷护送高先生到了码头，此时十三太保中只剩下教头没有登场了。按常理推断，教头与快刀一战，将是本片最终的对决。
但这一战似乎无关正邪，快刀并不是“熊虎鹰豹”那样的走狗，他临阵倒戈，帮助教头杀光了追兵。
教头与快刀是十三太保中武功最高的两个（且慢！不是说“浪子富翁，教头快刀”吗？什么武功最高的教头与快刀排名反而在浪子富翁之后？）高手之间总难免为排名而争斗。可以说这一战这不过是要争一个。一场绝世高手间的终极对决即将展开。
教头是由狄龙饰演的。看架势就知道他一定会赢。因为这个教头的造型虽然奇怪（介乎于大力水手与超级玛丽之间），但他的整体色彩却是安全的深褐色。而由程天赐饰演的快刀项方则是一身丧气的“灭门白衣”，且打到一半便开始脱衣服。在这部电影中，每一个脱光上衣的人都得死，不会有例外。（后经友人指点“脱了都得死，脱不死的只有郭追”。）气氛就被这般高高的抬起，又轻轻的放下。这场终极对决打的真是一点悬念都没有！
最终快刀被钢管贯穿身体而亡。教头把住了这最后一关，目送高先生登上轮船，离开了上海。
——————————————————————————————

至此，我似乎是写了一篇流水账，但请不要急着点“没用”。写成这样真不是我的问题，电影本身就是篇流水账，标准的“打怪过关”体。坏人就是山呼海啸般袭来，好人永远是无数次倒下又无数次站起来，最后力尽而亡。就像小时候看过的《圣斗士》，少年们为了女神而战，抛头颅洒热血，简单粗暴，但似乎只有这样的剧情才最“燃”最热血。
有趣的是，那位处于斗争核心的高先生。太保们一个个的死在他面前，他却能始终保持淡定。从头到尾“喜怒”不行于色。这种三无人士（无口、无心、无表）最萌，最适合做女神了。

由于本片聚集的张彻多代弟子，极方便观众纵向比对这座宏伟的肌肉森林。虽说第一二代弟子由于年龄问题几乎没怎么暴衫。但仍能从后几代弟子身上看出些端疑。
我发现，张彻对于肌肉的审美不同于竞技健美标准。他似乎更欣赏那种在肌肉上均匀的覆盖着一层脂肪的状态，这种状态说土些就是“一身骚肉”，这类身材似乎很难与性欲、性感脱开关系，这大概也热血电影也能吸引女性观众的一个小秘籍。

不针对演员、演技、颜值和最重要的版权说事情。 我没看新版，只看了某站的对比的视频 我就只针对这剧能让我反胃的低俗梗。 首先，吕布找这么老的人来演我没有任何意见，但是剧情竟然还是让吕布和貂蝉谈恋爱。 不知道别人怎么看，在我看来外貌上这已经是是爸爸辈和女儿辈在谈恋...  (展开)

好文让你更深入的理解这本经典影片 原贴 http://starbuster.mysinablog.com/index.php?op=ViewArticle&articleId=901537 可能打不开了，摘自GOOGLE缓存 本來覺得這篇太長，不太願意寫下來，看到那麼多對故事的誤解與質疑，終於還是下筆。神探有那麼難懂嗎？一切都在於你懂不...  (展开)

评国产电视剧卫子夫

这部国产连续剧《卫子夫》就是这般，打着历史正剧的旗号，却把历史篡改太多，还不符合常识，各种雷人情节，还有女主角的玛丽苏倾向，着实恶心了。
其实既然是电视剧艺术必然会有加工创造，适当的戏说历史改编加原创成分，大家都不会说什么，然而这部剧添油加醋得实在太过分了！非要扯出个男二号对女主不离不弃，拜托哦，这不是总裁文改编的偶像剧好吗！？或许就是个打着历史剧旗号的偶像剧吧，但怎么都不是现代偶像剧不该用就算在现代剧也用烂了的“两个高富帅争夺一个穷苦出身的（好姑娘）白莲花玛丽苏”这么个桥段啊！！

单纯是抛开这个桥段的低俗呕像特质不说、被众多现代剧已经用烂了也不说，就光从这剧情自身的角度来讲吧，那个男二号一边替皇帝办事、开口闭口对皇帝言听计从摆出一副“大好忠臣”的样子，一边垂涎着皇帝的老婆，跟皇帝明明是情敌嘛，这皇帝还是历史上果断英武的汉武帝，居然这么容得他对自己老婆yy还认他为头号忠臣，这。。。&%_)(*&省却想骂人的话，不想被破烂剧拉低了我的水平档次，就这么说吧，普通大众里的笨蛋都不会这么脑残的，何况是精明的汉武帝呢。其实都别说当事人男人本身怎能容忍了，就连旁观者看了都忍不住生气，这么个被人家女的拒绝了那么多次还死缠烂打多年不放的贱男，还故意给这女的丈夫打工以便接近人家老婆，这种伪君子真小人，如此龌龊，看了想作呕！居然被这部“神剧”给当成正面人物去刻画演绎了，呵呵呵！
倘若这剧情真要这么编写男二和男一号汉武帝争夺卫子夫皇后却还能在汉武帝身边呆那么久活那么长好好地相安无事，那也少了（很多其他剧里都会添加用以平衡的办法）卖腐元素啊！把男二和男一弄点基情，这个问题不是就圆润地解决了吗？？然而整个剧组的水平似乎真没民间腐女基友的那么高，居然半点都没有丢出卖腐卖萌还能引发观众好评的桥段，却独独突出了女主角的玛丽苏天雷气场。

再说另一面吧，这部剧的反派也是太扯了，居然是个不入流的民间道士，呵呵呵，而且还是个莫名其妙在打入了皇宫、有义女成为宠妃已经怀了皇帝龙子的大好时机，偏偏莫名其妙去毒死义女断送自个儿大好前程的这么一个脑抽道士。 这家伙难道作为本剧的反派大boss就这么点可笑的行为和智商吗？就算他没有“挟天子以令诸侯”的耐心，等不了小皇子长大，怎么都该知道那个宠妃义女对他一直是忠心耿耿的，是一枚他可以好好用的棋子吧？！有这么自断胳膊的还口口声声在下一盘很大的棋的智障布局者吗？

然后再说说这个宠妃，都不想说了，这货不就是一个典型的反派女配嘛，反派女配，谁不了解呢，不就是为了衬托女主的纯洁善良而找来的蛇蝎心肠的绿茶婊吗？哎哟怎么，这个李夫人居然是在历史上有着跟诗经佳句对应的“北方有佳人”的佳人啊，还有史书记载她在死后让汉武帝念念不忘、为其修建祠堂而追封其为皇后的姑娘？这怎么能行哟，不能演不能演！咱们这部剧可是《大汉贤后卫子夫》呢，怎能有第二个皇后、第二个获得汉武帝爱的女子呢？绝对不可以有！
于是就编她不仅是个蛇蝎心肠的毒妇而且还是那个反派恶道士的义女，接近汉武帝最初开始就是为了阴谋诡计，而后莫名其妙惨死在她自己的义父手下的这么一个反派女炮灰吧！ 嗯，看起来确实该为了咱们的贤后让道，这设置不亏。

最为讽刺的是——真的不太好意思提这层讽刺，很多观众和评论者们未必发觉到了——历史上真实的卫子夫皇后最后死的原因就是被巫蛊之术导致起的风波弄死的，也是被汉武帝给间接逼迫造成的， 就是在宫廷里爆发出巫蛊之灾的时候汉武帝怀疑皇后卫子夫也搞这个，于是大兴搜查的时候连皇后也没放过，导致卫子夫担惊受怕而自杀了。 可是这部剧呢，却偏要刻画反派也正好是搞巫蛊之术的，却被卫子夫和汉武帝恩爱联手给战胜了，汉武帝半点都没怀疑卫子夫反而十分机智勇敢地帮老婆打跑了邪魔外道，这不知道是剧组想替历史上的卫子夫打抱不平而矫枉过正了呢，还是这部剧根本就想给卫子夫塑造黑粉是来黑她的？！

综合来看，极度怀疑这个剧组的价值观以及基本的常识逻辑。这种状态下还能做出一部这种有头有尾道具也价值不菲的连续剧，实属不易了，可怜投资商投入的那些换来找骂的银子啊！