电影品质没话说。不夸张 忠实记录 提出问题。比同时代的电影 死去活来 夸张过度强。那个电影夸张到失真

毕竟本片有优秀的小说打底。导演也生活经历。老电影无论好坏都种忠实的记录了时代。这才是真正能充当纪录片的素材。包括那时的所有衣食住行和生活百态

对于电影反应的种种现象背景，有一些像是画面定格不动了。所以现在人看了会心一笑但是也早已无奈接受不觉得是一个问题。三十多年了。住宾馆甭管什么时候住的，反正肯定到第二天某时总是按一天收费。而且只要开了房间就算马上走肯定要交钱。虽然不爽也没人会呼天抢地的质疑了。这不都是常识么

对于陈焕生而言最大的冲击是农业社会到商业社会之间的巨大冲突。所以他什么都理解不了。不合理的理解不了，合理的也理解不了。就像报销这件事，没有票据空口白话本来就不能报销。这个口子一开，随便谁报白条都能报钱。但是他理解不了。他还理解不了没有直接出身体劳动的事情怎么就能拿钱呢，而且还是拿那么多钱。他一生在田间地头劳动顶多卖卖副食，也要自己花力气做。他怎么会理解这样的奖赏呢。又怎么会理解这个不出体力的劳动成果能创造多少效益。

另外，电影里说路费被扣除了。这事不对啊。办公事路费本来就应该报销，怎么能从人家奖金里扣呢，这太抠太欺负人了吧，这才真是不合理啊。

陈焕生对能省的四分钱都很在意可是出外的每一件物资和买卖都很昂贵。一顶帽子居然要三块钱。这八十年代的物价我是不懂了，怎么一顶帽子比住一晚上店钱还要贵比汽车费还要贵。难不成也是物资短缺造成的？

我一看主角很面熟原来果然是电视剧秋潮里的父亲。这样沧桑的脸才适合演这样的角色。现在是找不出这样的演员了。

最后，就是采个购么要不要到了出卖色相这一步啊。

还有，原来八十年代这种超级大杂间的旅馆是可以出现在高档宾馆里面的而且里面竟然可以同时住那么多人.....

整个片子太阴暗了，医生从8岁跟随母亲第一次来到这座老房子时就开始羡慕有钱人的生活，想要有一天住进这座老房子，成为它的主人。所以从小励志进入上流社会，后来成为一名医生，为有钱人治病。

剧中房子的三个主人：战后被烧伤的哥哥，单身的妹妹，和年迈的母亲，三个人分别对医生说：这是我的房子，请你离开！医生感到绝望，可是又不愿放弃，一定要实现自己成为房子男主人的愿望。所以他从一开始就计划好，为女仆治病为由接近这一家人，后来跟女主聊起自己的童年，可惜人家对医生没有任何印象。为老妈妈治病想要博得好感，受邀参加家族聚会，医生以为自己已经踏入上流社会，可惜在场宾客完全无视他的存在，还说从没听女主人提过他的名字，其中一位宾客说“哦，你跟我们一样是被邀请来做客的”显得特别做作。医生故意对单身女主人献殷勤，甚至求婚，殊不知他所谓的爱都给了这座庄园，而并不是爱女主。希望通过婚姻的方式成为一家之主，入住这座古宅。最后被女主人拒绝后杀死女主人。

女仆贝蒂只是个孩子，太天真，看不出医生的阴谋，听到医生说自己要和女主结婚时竟然还提卡洛琳高兴。最终医生拿着一串钥匙的一幕说明他真正成为了这座古宅的主人，只可惜物是人非，破旧的古宅已经失去了昔日的华丽光彩。努力了二十年，最终拿到了房子的钥匙却变成杀人的魔鬼。

本來想找一部燒腦片看的，因為恐怖遊輪給我留下了非常好的印象，而且特別禁得住琢磨和推敲，越品越有味。所以，看介紹據說是燒腦片，於是就興奮地來看。特別細心地關注每一個細節，生怕自己看不懂。

電影最後幾分鐘才把真相模凌兩可地公布出來，當我看到這個結局的時候，我有種被騙了的感覺。燒腦片不是為燒腦而燒腦的，燒腦片應該是編劇思維縝密，給我們講一個特別有深意的故事。而不是像這部電影那樣，成心把劇情倒著放，這樣子來成心讓觀眾不容易看懂，我認為這是非常低級的燒腦辦法。成心把劇情剪碎，一半倒著放，一半弄成黑白色正著放，有什麼價值可言呢？

最後，主角用欺騙自己的方式，用歪曲事實真相的方式，幹掉自己想幹掉的人。就是這種立意直接把影片變成了垃圾。因為，我們從電影的一開頭，就看到主角不停地尋找事實的真相，他對於自己確認的事情，是那樣堅定和頑強地恪守著。正是他的這種腳踏實地追求真理，為找到真正兇手為著公平和正義的信念，打動了觀眾，並且一直深信著他通過自己的不懈努力，一定會讓真相大白於天下。即使是因為他自己記憶的弱點，被奸人所蒙蔽，我們也願意看到他雖輸給了困難，卻沒有放棄自己追求真相追求正義的內心。可作者偏偏在主角的內心上做文章，把他變成一個歪曲事實真相的人，然後又忘掉自己歪曲了真相，又變成了一個尋找真理的人。主人公的靈魂已經丟掉了，我們這些觀眾為什麼還要認真地關注主人公的心願是否達成呢？主人公都放棄了事實的真相，我們觀眾還會替他那麼關注事實的真相嗎？

就像主人公那樣沒有骨氣地丟掉了真相一樣，編劇在這部片子的結尾也沒想留著編劇的節操。編劇用模凌兩可的對話，並沒有清楚地向我們陳述故事的真相究竟是什麼，因為他的本意就是不想說清楚，讓觀眾去猜去辯論而爭不出個所以然，這樣他的目的就達到了。到底有沒有第二個兇手，到底誰是第二個兇手，我們不得而知，我們只有一位信不過的警察的一面之詞，誰也沒有給我們真正的真相，最後連主角自己都是信不過的。

所以，誰也是信不過的，誰也沒有真相，導演和編劇當然也信不過，他們也什麼都沒有。

觀影下來，我覺得自己開始在用放大鏡仔細地端詳一塊美玉。看到結局以後，我發現我是用一整晚在垃圾堆裡翻來翻去。結果什麼也沒找到，扔掉放大鏡也能看出這是一坨垃圾。

改编张爱玲小说一直是华语影视圈的一大热点，但同时又是世纪难题。说热点是因为张爱玲在华人文学世界里的“巨星地位”（王德威语）。放眼整个二十世纪，找不出任何一位严肃-纯文学作家如张爱玲般能在两岸三地享有如此卓然的名声。以李安版《色戒》为例，当年公映后在全球华人文化圈、知识分子圈、媒体圈、普通大众层面、主流意识形态层面引发的海啸般反响，迄今都难有匹敌者。说世纪难题，是因为张爱玲小说独特的语言魅力给视觉影像化带来了巨大的迷障。

也许是因为张爱玲挚友宋琪夫妇信任的缘故（张的小说改编权属于宋家），许鞍华是目前为止改编张爱玲小说次数最多的导演。《倾城之恋》与《半生缘》是旧作，《第一炉香》是亟待拍摄的作品。《半生缘》是张爱玲影视化作品中评价还属尚可的电影，影片入围东京国际电影节主竞赛单元，入选了香港电影评论学会的年度电影推荐行列，女主演吴倩莲还获得了学会的最佳女演员奖以及香港电影金像奖最佳女主角的提名。豆瓣网站对《半生缘》也有相当不错的7.7分评价。可是这些世俗奖项层面带有一定鼓励性质的肯定并不能掩盖影片存在的巨大缺陷，而这些缺陷既是小说天然的改编难点造成的，也是创作者对小说、对张爱玲美学的认识偏差、认识盲点以及自身力有不逮所致。

如许鞍华本人所说，相对张爱玲的其他小说，改编《半生缘》是一个在视觉化层面难度降低不少的取巧选择，“我觉得这个故事比较适合我来拍，因为它比较朴素，不用靠一些很玄妙的visual或者imagery来表现效果，而是在人物关系上体现，我想会比较容易拍”（《许鞍华说许鞍华》，后文引用许鞍华的话皆出自此书）。小说《半生缘》是《十八春》的“转世”，发表于1949年的《十八春》受时局限制，有着一些并非出自张爱玲本意的意识形态表述。张爱玲离开中国大陆后，将《十八春》作了去意识形态化的处理（语言风格并未改变，主要角色最后的结局有重大改变），使之变成了《半生缘》。脍炙人口的著名金句“世钧，我们回不去了”并未出现在《十八春》中，而是来自《半生缘》。这本小说在张爱玲的创作生涯中有着分水岭的意味，盛年时期华丽苍凉的“张腔”，渐渐调整为平淡、含蓄、深沉、渐进自然的晚期风格。《十八春》/《半生缘》是过渡时期的代表作。这既来自海明威的影响（张是海明威《老人与海》的第一位中文译者），又源自张对以《海上花列传》为代表的中国旧小说的痴迷。

对改编者来说，《半生缘》最大的好处是有着强烈的牵动人心的情节，小说悲剧性的爱情强度源自时间对生命与情感的改造力量。小说的人物性格也比较鲜明，这对选角来说算是个便捷法门。许鞍华明确意识到时间命题对于这本小说的重要性，“误会，无奈，时间过去的感觉，这个小说realise得最好”。可是对时间命题的实现，许鞍华的完成效果可以说是非常糟糕。田壮壮曾经是意图改编《半生缘》的导演之一，不过他的想法是改编成电视剧。这个想法比较保险，以情节架构为特色的长篇小说确实适合改电视剧，但这并非等于完全不能改电影。《理智与情感》、《漫长的告别》、《教父》、《闪灵》、《海上花列传》、《芙蓉镇》这些长篇小说改编成电影后都很成功。电影《半生缘》让人丝毫感觉不到不可逆的时间对于爱情的毁灭性摧毁力量，根本的一点是因为电影时长的短促。126分钟的容量根本无法容纳世钧-曼桢、翠芝-叔惠、豫瑾-曼璐这几个人物组合几经沧桑、恍若隔世的巨量情感震荡。影片越到后面越是急促，以至于有走过场的感觉。“张迷”无限憧憬的世钧与曼桢重逢场景，味同嚼蜡。最无法理解的是，为何连一点铺垫都没有就让这两人重逢了，且用的还是客观视点，更是削弱了情感强度。

时长的短促严重削弱了爱情的悲剧感，而影片后段出现走过场效果还源自小说本身的一些改编难度。张爱玲小说的一大特色是堪比旧俄作家的出神入化的内心描写技巧。人物看似有众多不合理的行为逻辑，但一经张爱玲的文字描绘，不合理徒然转为合理，转为悲剧意味的人性深度的可能性揭示，用夏志清的话来说，“张爱玲一方面有乔叟式享受人生乐趣的襟怀，可是在观察人生处境这方面，她的态度又是老辣的、带有悲剧感的”（《中国现代小说史》）。这其实是语言意象迷津之外，张爱玲小说改编的另一大超级难题。如果把这些内心宇宙中乾坤扭动、壮阔幽深的波澜震荡全部删去，其人物便是只有视觉化的表面一脔。关锦鹏改编《红玫瑰与白玫瑰》，苦于无法处理这个问题，干脆将张的文字直接搬上银幕，效果只能说见仁见智。许鞍华全盘放弃了原小说的内心描写，空有人物动作与行为，又限于时长无法铺排足够有效的情节，当然是越到高潮处越有走过场的效果。

对于张爱玲一些珍贵罕见的特质，许鞍华还存在着一些认识盲点。如评论界早已指出的那样，《半生缘》并非张爱玲的原创作品，而是因袭于美国作家马宽德（J.P.Marquand）的《普汉先生》（H.M. Pulham, Esquire）。全书四角恋情的结构，以及上海-南京的两地往返空间，完全来自《普汉先生》。但仔细比较这两本小说后，不难发现《半生缘》依然是有着独属于张爱玲的美学格调与人生观照。在张爱玲最精彩的小说中，存在着一种可概括为“陨落式”的人物，《金锁记》里的曹七巧、《倾城之恋》里的白流苏与范柳原、《第一炉香》里的葛薇龙、《封锁》里的吕宗桢和吴翠远、《红玫瑰与白玫瑰》里的振保，无不如此。这种陨落很多时候看似意外，但却是人性无力抵御人生无情悲剧悖论的结果。在张爱玲早期的小说中这种陨落还是过程性的，到晚期风格的《色戒》，王佳芝临到刺杀高潮的悬崖大撒手，就转化为瞬间的、偶然的、短暂的，也即波德莱尔定义的现代性。这种陨落，也即独属于张爱玲的“美丽苍凉的手势”，是人性深度的见证与测试，是“对于人生热情的荒谬与无聊的一种非个人化的深刻悲哀”（夏志清语），是一起张爱玲式的美学事件。

在《半生缘》中，同样存在着这样的陨落式人物。曼璐使计让祝鸿才强奸曼桢，这是典型的人性陨落，张爱玲在这个段落，出色的使用大段的心理描绘，残忍又真实地描绘出曼璐渐渐滋生出来的对曼桢的恨。最终这种恨战胜了爱，使得曼璐作出看似不可思议却尽在情理的举动。而在电影中，梅艳芳扮演的曼璐，我们完全看不到她善恶交织的人性多面。曼璐的这种陨落式举动，在没有任何可比文学化心理描写的条件下，变成了无法理喻的行为。不止于此，小说中比曼璐陨落更“胜”一筹的，是曼桢的陨落──心甘情愿嫁给祝鸿才。这是小说中最震撼、刺激的情节之一。张爱玲依然给足了真实到鲜血淋漓的心理描写，电影则依然是只有行动，实际却看不出这种转变的必要。没有读过原著的观众只有莫名。

影片对于小说情节的一些改动也有幼稚之处。比如世钧见到曼桢和豫瑾一起换灯泡而产生误会、曼桢偷听到世钧母亲议论曼璐的舞女身份，这些偶然性的巧合情节是TVB电视剧的常用技巧，放在电影里有过于戏剧化的随意游戏之感。许鞍华在访谈里还有这么一段话，“那本书用很多笔墨描写老人家的心情，他们怎样控制年轻男女的命运，他们的心理、生活细节等，这些观众就一定没兴趣看，所以可以删去小说内容三分之一。”这段话足以显示创作者对张爱玲整体创作美学的膈膜与生疏。老人的戏份看似多余，其实牵涉到整部小说戏剧架构的核心冲突。不过这个问题不仅存在于许鞍华，确实有不少批评家忽视了这部小说严肃性的一面而将之等同于言情小说。像是司马新就曾表示，曼桢和世钧的分离是一出夸大的戏剧式故事，与张爱玲在别的小说中惯用的手法大相径庭。

曼桢与世钧的分离看似夸大，偶然，但实际有其必然性。必然性表现古中国父权-宗法社会巨大的吞噬力。曼桢的性格独立、自主、坚韧，世钧的性格温吞、懦弱、呆滞。曼桢不愿意与世钧草草结婚的根本原因，是不想世钧继承其父亲的家业，继而变成与他父亲一样的那个守旧、自私、贪婪、封建的人。曼桢更希望世钧能独立地干出一番事业，走出旧式家庭的束缚，与她一起携手共创二人的未来。而世钧对此始终无法下定决心。叔惠与翠芝的半世因缘终究不得其所，也是如此。出身贫寒的叔惠，畏于旧式宗法家庭的威严，终究没有勇气挑明真相，与来自旧家庭的翠芝一起追逐人生。而曼璐对曼桢的迫害，成立的一个重要因素，也即是曼璐母亲囿于守旧的认识，默认了这段惨事的发生（曼璐甚至可以视为年轻版的曹七巧）。新旧世代人物因为价值体系不同而产生的不可调和的本质化冲突，是这本小说区别于普通言情小说的地方。

如果我们完全忽略了贯穿于整部小说的这个核心冲突因素，那么当然很容易就将小说的缺陷理解为夸大与离奇。创作者当然可以将老人的戏份删去，但是旧式宗法家庭的那种无形、有形的吞噬力在电影中是绝不容消除殆尽的。很明显的是，许鞍华没有意识到这一点的重要性。

时间主题的淡化、陨落式人物的缺席、新旧世代的本质化冲突的忽视，这几个原小说最珍贵品质的错误化改编，决定了电影版《半生缘》的离题万千、不知所云。我们当然还可以讨论选角、演员表演、美术布景、时代气氛这些技术元素的得失。许鞍华也确实不擅长拍摄爱情戏，即便是影片开场部分，也缺乏一些应有的爱情气氛。这与黎明、吴倩亮组合的化学反应并不强烈有关，也与场面调度有关。以世钧回去捡曼桢掉落的手套为结尾也并不高明，失落与重拾的隐喻在此显得情感重量不够，视觉层面也没有表现力度。以电影化手法而言，最佳选择似乎应该是闪回到当初三人一起吃饭的场景──最美好的拥有无限可能性的开始。但这一切都不过是外在表面化的问题。另外像是演员口音无法统一之类细节，根本不是决定性的问题。侯孝贤的《海上花》，演员口音也无法统一，但并不影响影片的空前成就。

大众流行说法，三流小说适合改编电影。其中一个原因，改编三流小说，可以改变小说原意，另开新枝。眼低手高的希区柯克最擅长此道。经典小说一般情况下，畏于定见，改编者无此勇气。而顺应原意，经典小说通常又有其媒介的不可取代性，即文字语言工具的自我指涉性过强，以致超越媒介沟通属性，无法转换成其他媒介符号。李安改编《色戒》，算是违逆原意，铺陈出女性借助身体欲望颠覆父权、家国革命的议题。但又囿于好莱坞语法，陷入庸俗弗洛伊德的法则。各有得失。

关于《半生缘》，前几年传出一则轶闻。张爱玲弃世前两个月，给宋琪的最后一封信中提到，王家卫写信来要改编《半生缘》。后来王家卫接受媒体采访，澄清原委，原来这是代替好友谭家明所写的信，要改编《半生缘》的是谭家明。王家卫认为《半生缘》是拍不了的，“对我来说，《东邪西毒》就是金庸版的《半生缘》，《花样年华》就是王家卫版的《半生缘》。你可以拍出张爱玲小说的精神气质来，要多拍‘神’而不要拍‘形’”。

许鞍华版《半生缘》就是个走过场的“形”。

（已刊于虹膜“邪论”专栏）

这种魔幻主题的真的是我的爱，非常喜欢这种主题，智孝是真的戏份少啊，可惜了！南志铉的角色感觉和奇怪的搭档里面的可以无缝衔接了，因为我也同时看无法抗拒的他，两边都有蔡钟协，两边的境遇也有点像，有点混乱了??虽然剧集比较短，有点意犹未尽，但是ost是真的好听，Alone已经循环播放多次啦！

看了评分，水军好多。这剧真是让人吐槽都想不出从哪开始，我组织一下语言。第一设定抄袭，水军居然还以此为傲？第二演技尴尬，台词撒币，有人拿这个和我是大哥大比，人家那是沙雕，你这是傻逼，还是有区别的吧。第三一次又一次的挑战我们的审美下限，画的妆都是什么玩意，里面的都是什么妖魔鬼怪。越想越生气??

前言

平日里写影评最怕遇到的，就是一部电影它片里片外都有“事儿”。刚走个《八佰》，又来个《夺冠》（原名《中国女排》）。

这样的电影要评起来很不容易，因为片内片外两种因素在影响电影的最终呈现。有的影评会选择只根据最终呈现来评价，这当然是没问题的。但要全面客观地了解一部电影，还是要知道两种因素都起了什么作用。

一、片外：历史的掣肘

《夺冠》最终呈现的一个最明显的大问题，是比较流水账。

流水账的第一个特点，与“流水”恰恰相反，它是割裂的。135分钟的片长，大约60分钟聚焦1981年中日大战，10分钟聚焦2008年中美大战，60分钟聚焦2016年中巴大战。只是它们中间缺乏有效的衔接（特别是1981与2008），大多以黑底白字的字幕串联。仿佛这三段大战是三个短片被硬凑在一起。

流水账的第二个特点，浮光掠影。各路人马跟走马灯似的登场，大多数没给人留下什么深刻印象。事实上，就连本片着力刻画的郎平和陈，也比较工具人。他们不是没感情，但缺乏能打动人的真情实感。反观《极速车王》，甚至是《绝杀慕尼黑》，你就能明白我说的是什么意思。

与其说《夺冠》是电影，倒更有点像电视纪录片的情景重现多了点台词。

造成这个局面，我认为主要是两个片外因素在起作用：

第一，本片是命题作文，命题的范围是1980-2016年的中国女排，时间长、人物多，只有135分钟呈现，那好像确实也没什么别的好办法。要是拍成电视剧，选择就多一些。

第二，本片触及了很多敏感事件，因此也遭遇了不少删改，也可能有的事件就直接回避掉了。电影中删改或回避的，我猜测至少有三处：

一是80年代老一辈女排人，从教练（袁）、陪打教练（陈）到女排队员，全都没提名字。

【详细】

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