真探》第一季的结尾，侦探拉斯特追踪杀人凶犯来到阴森可怖的黑暗之地，眼前突然出现了一个巨大黑洞的幻象。硕大的黑洞是悲剧命运的象征，它吞噬毁灭着一切，也把芸芸众生卷入不可知的黑暗的深渊。

熟悉戏剧史的人，都知道黑洞是悲剧美学的代表符号。戏剧大师曹禺在谈到《雷雨》这一现代悲剧杰作的创作起源时，就曾说：“《雷雨》里，宇宙像一口残酷的井，黑暗的坑.。”这里所说的井和坑，和黑洞的形状是高度相似的，亦是代表了宇宙间的残酷命运。

当然，戏剧特别是话剧是相对小众的艺术，在浓缩的时间和空间内集中探讨命学的悲剧哲学也较为方便。而电视剧向来被称为通俗和大众文艺的代表，要在缓缓展开的影像间，追寻和拷问命沉重的命运哲思，而又不失影像本身的观赏性和叙事性，这就得颇费一番匠心了。

更何况，在《真探》的剧集中，命运的形上之思，还得和罪案悬疑这类流行文化元素结合在一起。形式与内容的二难平衡，更成为考验编剧艺术的试金石了。

细究之下，广受好评的《真探》第一季，其实仍出现了艺术形式与内容间的小小裂隙。尽管编剧大力渲染了一桩连环杀人案中的宗教色彩，试图使这一叙事形式，能够最大程度地彰显出内在的哲学思考，但终究还是略显单薄了些。为了提升作品的思想深度，只能赋予主人公之一拉斯特以另类的角色功能，他是一名侦探，同时热衷于理性的思考，经常喋喋不休于各种玄妙的宗教哲学理论，特别是命运哲学的话题。而其本身失败、落魄、痛苦的人生经历，更成为这种命运探讨的现实注解。那个在剧终前展现在拉斯特面前的大黑洞，则直接将哲学思考诉诸于形象化的呈现，拉升了《真探》区别于一般罪案剧的美学层次，也创造了不俗的观影口碑。

可问题是，拉斯特像极了旁白般不合时宜的哲学化唠叨，直击人心的黑洞影像，第一季是否有“文胜于质”的形式主义倾向？又或者说，命运悲剧的主题，是不是一定要表露的如此直白和外溢呢？

与第一季的高口碑相比，紧随而至的《真探》第二季，却在欧美和大陆主流影视评分网站遭遇了“滑铁卢”。有人说，第一季是神作，给予一个凶案故事以哲学的高赋能；第二季则纯粹是工业化的影像生产，而且在罪案悬疑的完成度上还并不高。也有人说，第一节中的警探，马蒂世俗圆滑，拉斯特忧郁敏思，个性十分鲜明，而第二季采取了模糊化的主角设置，三个警探，均略显平庸。当然，争议最大的还是结尾的处理。第一季末，马蒂和拉斯特组合完美擒凶，虽然凶杀案背后的政治宗教势力依然没有完全清除，但主角光环耀眼，剧终的影像里有光明闪现，也颇为暖心；到了第二季，三个警探和一名黑帮大佬组成的四大主角，三人暴死，幸存的女警探也被迫流亡南美，结局过于黑暗和压抑。

与几乎众口一词的观影体验相比，我更关心的话题则是，《真探》第二季从剧情上说完全是另起炉灶，那么，它是否和第一季已没有任何隐性的联系？若真是如此，再打“《真探》”的招牌，岂不太过勉强了吗？

回看第一季，又认真分析了第二季的影像叙事后，我认为，两季之间，在主题上仍有着难以隔断的“血缘”，指向了同一个“真”字，第一季是哲理之真，故哲学的表达是外向的、理念的，甚至是过满过溢的。第二季更多是现实境遇的真实，它聚焦的话题，仍是残酷的命运、选择的困境、存在的意义，但其呈现的方式却是内敛的、节制的甚至过于凝重。

且看第二季里的四个主角，警探维克鲁尔，酗酒、暴烈，还是个黑警。他理想的丧失源于前妻的被强暴，为此，他错误的复仇，走上一条不归路，亦痛苦地纠缠于于儿子的身世之谜与监护权之争。年轻的巡警保罗被人诽谤遭停职，他受制于从军时一段不光彩的屠杀行动，有同性恋倾向，却又与一名女子相恋，在人生低谷期成了一名准爸爸。还有一名叫贝德拉丝的女警，父亲是一名宗教领袖却遗弃了她们母女，妹妹又从事色情主播，家庭关系破碎，又曾有性方方面的记忆阴影，外表女强人，内心却异常敏感脆弱……

因为调查一桩溶人眼珠的离奇杀人案，这三个都处于生活困境中的失败小警察聚在了一起。同时，被此案牵连的，还有当地一名雄心勃勃的黑帮大佬弗兰克。底层起步，奋斗多年，他好不容漂白，跻身上流社会，却因市政府高层人物的被杀，而遭遇事业的断崖，众叛亲离之下，变得几乎一无所有。这桩凶杀事涉多年前的一桩罪恶阴谋，又关联着警界高层的腐败、政治的丑闻、黑帮的火并，它如同第一季末所出现的那个黑洞一样，疯狂地吞噬着卷入其中的所有人。

随着浮华背后的黑暗一点点显露，四名主人公试图追寻凶案真相，却加速而自身命运悲剧的来临。保罗被枪杀于孩子出生的前夜；弗兰克试图以强者之姿向命运反击，却在沙漠中死于宵小之手；改变了维克鲁尔人生轨迹的那场复仇，被荒诞地证明只是一次错杀，维克鲁尔本人亦被诬陷为杀警的凶手，带着污名死于追捕。唯一幸存的贝德拉丝带着记录了一切真相的证据流亡于委内瑞拉……

没有开挂的主角，没有大团圆的结局，只有比真实更加残酷的命运之花的重重凋谢，应该说，《真探》第二季的叙事风格是写实的，是沉郁，甚至真切到给人以压抑的痛楚。而这种真实的探针，拨开了剧情所设定的新兴工业城市高速发展背后的腐朽与糜烂，粉碎了我们关于英雄、枭雄的种种幻想，以多数人和总体性的失败，指向了命运不可逆转、不可抗拒的残酷，以及人在失败命运前面真切到绝望的虚妄反抗。

整个第二季，你甚至找不到一句带有哲学色彩的玄谈，也很难发现第一季中所刻意渲染的超现实氛围，只有硬汉风格的冰冷影像带来拳拳到位的重击，带血地锤砸出有关命运悲剧性的主题。很多人都不适于这种久违了的真实的惨烈，我以为，在一个鸡汤过剩、煽情过度的年代，恰恰是这类叙写总体性失败的真实，能给人更加痛切的沉思吧。

更何况，第二季的最后一幕，不也还带着鲁迅在《药》结尾所留的那花圈似的温暖么？骚动的南美街头，正在进行新年祈福的活动，贝德拉丝带着稚子，也带着命运悲剧的全部真相，穿过欢庆的人群，走向远方……

还有几个小时，2022年奥斯卡就要拉开帷幕了，玛吉·吉伦哈尔导演的长片处女作《暗处的女儿》在拿下包括威尼斯、金球等多项提名及荣誉后，又获得奥斯卡三项提名：最佳改编剧本（玛吉）、最佳女主角（奥利维娅·科尔曼）、最佳女配角（杰西·巴克利）。

首次执导就能取得这样的成绩，不得不让人刮目相看，说不定以后大家提起吉伦哈尔，脑海里第一个浮现的脸庞是玛吉而不是杰克了。

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作为2020年最热门网络名词之一，“小镇做题家”以个人化的方式曲折地将城乡结构问题带回了公共讨论空间。在此背景下，《杀马特我爱你》因其极富关怀性和反思性的左派眼光收获了大众的广泛赞誉并不令人觉得惊讶。它使得许多出身小镇、侥幸走出小镇的青年人自然地反思起了自己依赖着哪些 privilege 才得以逃离原有的阶级身份，并在对成长的追忆中发出“此身虽在堪惊”式的感叹。就如同杜鲁门·卡波特在撰写其名作《冷血》的过程中，随着对一桩灭门惨案的深入调查，渐渐感受到自己和凶手之一佩里冥冥中共享着同样的命运，他评论说：“佩里就像是我同屋长大的兄弟，我从前门出去了，而他从后门出去了。”

由于在编排和剪辑过程中始终尽量让创作者隐形，将话语权交还给杀马特群体本身，同时也像李一凡自己在采访中谈及的那样，筹备期间逐渐放弃了对所谓“第一现场”的执着，采用了大量从杀马特青年手里购买收集来的照片和视频，《杀马特我爱你》的成片和一些精心算计以迎合社会热点的伪现实主义爆款电影有着泾渭之别。电影以一种几乎是不留痕迹的方式跨越了亚文化研究的局限性，将矛头指向更深处的权力与经济结构。同时，杀马特群体生于特定的城乡结构，遭遇到消费文化的风潮而被赋形，作为现代性重要表征的自我认同问题潜藏于城乡二元制的主题之下，让杀马特群体体现出了更加广阔的意涵与价值。

在电影里众多被采访者赤诚的自白中，除了中西部乡镇的贫瘠，流水线工厂对工人残酷的异化外，让人尤为注意的，是频频被提及的“同类相认”的瞬间。比如回忆自己如何初识杀马特，感到心有灵犀（虽然我和她不是很熟，但那种性格的气氛我能够感觉得到）；如何进入到溜冰场这一杀马特活动场所（不管认不认识，只要发型是这样……虽然我不会溜冰，但也会跟着他们跑），成为杀马特后的交友理念（我搞杀马特，他也搞杀马特，我觉得我们两个的性格，追求的东西是一样的，聊天可以聊出个人的一段历史，叫我们玩杀马特的和一个平头的人来聊，是无法沟通的），以及对杀马特的总结性概括（杀马特是因为我们的发型是一样的，我们相当于同类一样）等等。

生于农村家庭，无法获得良好的教育资源——抑或说教育本就是一种对他们进行筛选、将其淘汰的社会机制；在家庭负累和工厂剥削之下被迫放弃自我实现的梦想；爱情在现实面前也频频触礁……杀马特群体大多都有着类似的生命经验和成长创伤，很容易理解彼此在缄默之下的生存困境（玩杀马特的话，我感觉就是每个人都有一点伤感）。如北大中文系教授邵燕君在《中国当代青春文化中的犬儒主义》一文中提及的，在一个拼爹的时代，80、90后大多数人其实无爹可拼。“80后的父母大多数是50后——青年下乡、中年下岗的一代。他们承担着社会主义最沉重的债务，子女又赶上了资本主义最残酷的原始积累期。所以有人说，80后是‘穷逼’的一代生下的‘苦逼’的一代。”

原本注定埋没，即使被视为异类也要活出自我，正是这种来自生命深处的不甘才使得杀马特们活的那么有力（我的人生要我来做主才行，哪怕是错的；玩杀马特的时候，感觉我全身都不一样了，自己会颤抖），这样的描述可以原封不动地拿来形容性少数群体。利用消费符号对身体的夸张改造，杀马特个体反抗着工人灰色调的沉闷生活，同时也得以快速确认和识别自己的同类，这几乎与酷儿群体中的变装文化异曲同工。LGBT人群受制于传统的二元制性别文化，一如杀马特群体在城乡夹缝中经历着自我的压抑和迷失。

美国变装文化的领军人物鲁保罗·安德尔·查尔斯曾说：“我们生来赤裸，余下的皆为变装（we’re born naked and the rest is drag）。”社会要求LGBT群体穿得“像个男人/像个女人”，同样也无时无刻不在要求工人群体穿得“像个工人”，把身体作为唯一的反抗舞台，只因被边缘化、被排斥的人群除身体外一无所有，也因为身体是社会规训最直接的作用场所。

在此不必赘述大家耳熟能详的凝视理论，但必须提到的是，通过艳丽的造型和穿着，杀马特群体以极端的姿态将自己主动放置在了被凝视者的位置上，这一在通常境遇中被操控、被贬斥的身份对他们而言却有着独特的积极意义（就算别人骂自己两句，也有人跟自己说话；别人的关注是那种异类的关注，但还是看得到你），因为主流文化出于各种目的不遗余力地抹消着杀马特们作为农村新生代的形象，对他们的挣扎视而不见。这和上世纪的酷儿运动通过显眼的装扮在公共场所中凸显自己的存在，捍卫自己的可见度一样，说到底并没有什么幽微复杂的东西，所谓物不平则鸣，都来自人心中最基本的想要被爱和被关注的欲望。

上世纪五六十年代，酷儿运动与第二波女权运动，黑人民权运动汇流成声势浩大的身份政治运动，其最重要的特征之一就是不同于传统党派政治的去中心化和去等级化。杀马特群体是这样（只要是玩杀马特，都是我们的家人；在家里人身上找不到的东西，能在他们身上找到），同时也正是去中心化的拍摄理念成就了《杀马特我爱你》的独特性，这或许不能简单地归置为一种巧合。

注：括号内的话均引用自《杀马特我爱你》片中被采访者的叙述

本文为第五届深焦华语影评大赛初选参赛作品

这是导演的首部电影作品，体量不大，悬疑类型片。影片的一些瑕疵不需赘述，影片主要缺憾在于女主的人物塑造上。类型片一个重要的指标就是人物要有一个明确的行为诉求需要去完成。影片在女主静雯的诉求和动机处理上，表现略有欠缺。静雯自从住进庄园，一连串的离奇事件，使她面临着前所未有的压力：丈夫诡异行踪，女儿不再亲近她，记忆碎片不断闪现困扰……这么多情绪夹杂之下，人是几近崩溃的，但影片在女主内在情感发展的描写上所用的笔墨太少。与女儿的嫌隙，对丈夫的怀疑，对身世的疑惑，本都是铺垫压力感的地方，却用力甚少。而且作为女主，在情节推进中并没有主动影响力，都是被动的从一个地方换到另一个地方，从这个人换到另一个人。女儿不是她救的，财宝不是她找的，坏人不是她惩治的，丈夫不是她帮到的……总之女主的功能就是被惊吓，然后让观众看到。整个故事还是不错的，很完整，逻辑上也没问题。可以一看，三星半四星。

不像古装剧，化妆服装道具成本摆在那，现代剧最大的优势就是低成本，主要靠剧情和矛盾冲突来发展和延续。和其它甜甜的网络剧一样，这部致我们甜甜的小美满也是布满了甜点，虽然也有矛盾，让我能够追完的最大理由就是剧情有新颖性，虽然一如既往没有逃脱女主傻白甜角色的桎梏，但看到后面，会发现女主很可爱，只有在爱情上显得比较白痴，但人还是很聪明的，男主还是学霸人设，只不过这个高冷学霸和其他网剧中的学霸略有不同，太会撩了我的天，以至于让女主一度以为他谈过恋爱…

如果你想充实和打发时间的话，这部剧是一个不错的选择

呆萌（Diamond）是一条童年时期一度患上抑郁症的拉布拉多犬，后来辗转来到建筑师张佳晶的身边。

原本个性冷漠的张佳晶，逐渐被呆萌“融化”了。在照顾呆萌的过程中，张佳晶完成了他人生中最重要的建筑作品，也是给呆萌的礼物——宠物酒店犬舍。

在犬舍漫长的设计和施工过程中，张佳晶许下了一个承诺，犬舍建成之后，要带呆萌去看一看。

于是，在呆萌步入老年之时，张佳晶驱车1400公里，带它前往阿那亚海边的犬舍酒店。这是第一次，也可能也是最后一次……

纪录片《犬舍》由OUOFilms出品，记录了建筑师张佳晶设计犬舍的思路和他带着呆萌上路的历程。

最早是接触《禁区》这首歌，黄龄唱得非常棒，氛围营造也很棒。

电影却非常令人失望……为什么那个人老觉得别人要杀他（以至于有神经病的嫌疑），开头也没有任何迹象强调他不孕不育......仇乐和谢天佑的戏份明明是很重要的一part，却被拍的非常凌乱，感觉被挤压了。

当然亮点还是有，丈夫杀妻骗保那里颜色和动作设计的很有意思，任达华的演绎也挺有意思的。色调的设计也很明显，暖色调与暗色调的运用（但是被害妄想症的时候镜头也太夸张了）。霍建华的演技也突破了以往的印象，希望华哥今后的戏路可以更为宽阔，斯文变态还挺适合他的（谢天佑），仇乐前期搞笑、总是小痞子样也挺带感。希望可以碰到更好的剧本。

总体来说这电影特别生硬，不乏亮点，但没有融成一个故事。整部电影还不如推广曲给人yy的电影有意思......

《霸王别姬》：里外不是人文_唱唱反调买戏曲的帐五月的上海城一个消息传得沸沸扬扬，中国第一部3D全景声戏曲片《霸王别姬》被恭恭敬敬地请入了爆米花集散地。与此同时，五六月间年轻人话题间的另一个高频词汇——上海电影节也在如火如荼地紧张准备中，不少人翻到豆瓣活动以为是经典重映单元的张国荣版《霸王别姬》提前预热，兴致勃勃地前去买票，结果到了影院看到黑脸的西楚霸王和与哥哥扮相差太远的虞姬，一脸愤恨地跑出来——这什么鬼。此外，不光是被“欺骗”的上海电影节关注者，就连百来条豆瓣短评都还在大方地扔出五星，9.2的高分大部分借的都是哥哥与陈先生的光，只有区区十分之一说的是这部体制内大作戏曲片《霸王别姬》。这无疑是一场不大不小的误会，但仔细一想，却也是因误会而帮了闲。抛出来的问题让我们借一步思考：现今的戏曲电影对于年轻人来说是“什么鬼”？而对于老年戏迷来说，这场声势浩大的“形式活动”到底是变革还是胡闹？先来看看另一方截然不同的反应。时针拨到去年的五月，该片在好莱坞杜比剧院放映时的确遭到了西方观众的礼遇。阵容上来说是豪华的，老戏骨尚长荣扮演西楚霸王，上海京剧院梅派青衣史依弘扮演虞姬。技术上也是下了狠功夫，特效人员名单一长串，声效和武戏的配合符合现代人的观影习惯。该片在国际3D先进影像协会获得了创意艺术奖中现场音乐表演类“金卢米埃尔”奖。对于京剧这种属于幻想中的古典中国艺术，西方人的确是由衷喜爱的。身为国人，对于他国的赞赏自然产生一种盲目的自豪感，但又转念一想，竟是有些不太舒服，这个本就该给中国人看的“拍摄京剧经典大戏电影工程”首批试点剧目一年后才仅在上海进行点映，这又意味着什么？去西方遛了个大奖回来，“闹”也是闹够了，可否称之为“胡闹”呢？如果抱着东方主义的观点，说戏曲片到国外去哗众取宠倒有些不讲道理了。人家首先是中国独有的电影类型，和中国电影的发展可以说是相互对应的，并形成了独属于自己的一套电影美学系统。但戏曲片作为一种相当特殊的电影类型，就拿戏曲片曾经风靡的年代也都是戏迷广泛存在的年代来说，它的发展绝对要依赖“戏曲”而非“电影”。到了戏迷日渐减少的今天，戏曲片的发展已经停滞多年了，其电影美学还停留在上个世纪八十年代。戏曲片的出路令人担忧，《霸王别姬》将京剧经典曲目与最先进的电影技术相融合，它的诞生确实有其“挽救”中华民族传统文化的意思，所以这种曲线救“传统”的试水之作起码从文化意义上来说还是应当买账的。当然，这帐是买给戏曲的。电影的面子给不给抱着一种复杂的心态，笔者买票前去一看究竟。上海影城巨幅海报入眼的就有三张之多，当然这和政府支持不无关系，比之其他主旋律电影，55元的影票也不算太磕碜。领完3D眼镜进入电影院后，一种庄严的仪式感油然而生，接下来陆陆续续入场的大多是老爷老太太，年轻人零星几个参杂在老年观众之间，买票之前就有迹象表明，星期天上午的这场后半部分座位不能选择，大概是已被老年大学班级或者某个戏曲爱好协会包场。观影之时偶然听见几人跟唱，不少戏迷确实乐在其中，但这种乐的情绪多少是因“电影”的缘故呢。以笔者拙见，“电影”的面子不给也罢，京剧《霸王别姬》的当代电影化呈现实属意料之中。这场戏做得中规中矩，于一个戏迷来说并无多少创新之处，对于一个没有怎么接触过戏曲的影迷来说可以称之为一场灾难了。这里还需要结合戏曲来谈，两方的融合势必要牺牲一点最尖锐的矛盾，具体说来就是，以艺术为核心的舞台与以市场为核心的电影之间的矛盾。不可否认，运用最新科技所达到的电影化的手法也确实对戏曲颇有益处。因为舞台空间局限，演员长期采取以至于形成风格的横向平移走步方式，亦因能产生空间纵深感的俯拍以及3D效果变得更加多样化。环绕声效的妙用体现在“四面楚歌”一场，布景简练而有意味，云雾缭绕，人物被山谷与枯树包围，楚歌在此时一唱响，危险茫然的氛围弥漫在整个影院，仿佛从一个黑洞中反射出来霸王这边孤军无援的悲哀。但戏曲有完整的美学体系，尽管总体来说原曲目依旧散发着迷人的魅力，但为适应电影化的娱乐理念，戏曲还是多少做出了让步。对于苛刻的戏迷来说，电影化对舞台美学以及戏曲程式所造成的破坏也许会引起一丝不快。最为直观的不同是由电影剪辑带来的，以幕为单位改成了以场景为单位，条理性有所缺失。其次，留白因电影背景舞台层次化的庞杂繁复亦失去了魅力，置景在此只充当了装人物的容器，这一切都是因其故意打造的视觉奇观而破坏了务虚之美。更为雷人的是，武生挥舞长剑时被技术处理后放慢了动作，辅以手中挥舞的刀剑如武侠片那般发出尖锐的摩擦声，因太过于真实而破坏了戏曲“虚拟”的美学。特别需要说明的一点是，以上列举的为了配合电影化所作出的“牺牲”，并非是创作者主观上的意愿。事实上恰恰相反，这些改变都是为了让戏曲的形式得到更为现代化的呈现，也就是我们常说的“都是为了你好”。可是电影就不一样了。如果说戏曲在电影化的过程中只是意外负伤的话，那么电影被戏曲抢去风头后就算是阵亡了。因为确确实实，除了外在特效施予的一点点“新鲜”之外，电影美学乏善可陈，甚至说是时代的倒退也完全不为过。确切点说，《霸王别姬》还是对戏曲过分忠实的记录，完完全全为戏曲服务而牺牲了自我。试举该曲目中最有看点的“舞剑”一段，这段可见史依弘的表演功力，十来分钟的舞一气呵成。“舞剑”最后的呈现是类似于现场直播的多机同拍之后混剪而成，正反打的切换只给了霸王寥寥几笔的关照，而整个场面调度流畅得过于机械化。虽然说这场戏的关注点显然是虞姬，但如果完完全全站在一个局外人角度，观众根本不可能在这个关键时刻对霸王与虞姬的关系做到更为密切的关注，这样过于偏重细节而忽视完整性的做法只能使下一场虞姬自刎的段落与这段脱节。其实就戏曲的部分牺牲，对于早已将《霸王别姬》曲目烂熟于心的老戏迷来说并不会反感到哪里去，但对于电影的巨大牺牲，大部分影迷也许就会产生一种疑问。戏曲片《霸王别姬》到底有没有经过电影化的慎重编排，但凡比较一下诸如文学、绘画等其他艺术，就会发现戏曲与电影已经在各方面已经相当接近了，譬如若想要表达戏曲中的写意，那么可以适当地辅以空镜头达成。然而《霸王别姬》中却没有这种思维，剪辑与运镜如此拙劣毫无技术可言，在“舞剑”一段中几乎所有电影语言都是为了衬托虞姬的舞功以及身段。 所有对戏曲程式的尊重都是为了表达对传统京剧的膜拜，那么电影的意义在哪里？如果单纯只是将电影作为记录的工具，那么影迷应该报以何种心态来看待这一“新鲜事物”？那些误打误撞进入《霸王别姬》放映厅的哥哥崇拜者会将之视为一场美好的误会吗？哥们，你想多了，这场“戏”压根就没有给电影面子。悬而未决的问题现在该到了回答问题的时候了。既然搞清楚了戏曲与电影在《霸王别姬》中的待遇问题，这场闹腾的“戏”对于京剧来说是幸还是不幸呢？《霸王别姬》确实做得冷静又克制，在保守的基础上迈出向高科技前进的小心一步，这一步的分量有些重。它一下子跨越了八十年代鼎盛时期的电影美学，而直接走进了立体触感的全新世界。但其宣传语打出的“吸引年轻观众享受传统文化”的噱头倒是可以被击毙了，这样一种简单粗暴的高科技效果既没有满足年轻人在观影之前就想要期待的视觉快感，反而由于不自然的剪辑与运镜多少损害了国粹魅力。不过对于中老年戏迷来说，听戏还是听戏，而不会是瞧电影。此次的《霸王别姬》只是一次经典重温，与以往规矩差不多，该嗑瓜子嗑瓜子，忘我之时哼上一曲也别有一番乐趣。(刊于《好戏》2015.6.9)转载请注明

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看完整部电影后，一是三观受到很大冲击，能够原谅的太少太少了，这种情况不是冲动犯罪、就是离婚。二是总觉得在哪里看到过相似的影视剧，后来想起来手机发现出轨迹象，电梯偷拍等类似场景这不是韩剧：这周老婆要出墙的剧情吗？只是把它国产化改成电影了。这部片子让我想起了我的小学语文老师说过的一段话：天下文章一大抄。

假期又看了一遍《战长沙》，然后弹幕上反复提到《长沙保卫战》，出于对长沙会战的好奇，我点开了～

真是出乎我意料的好看！终于不是手撕鬼子，也不是那种主角光环巨明显的雷剧了！全剧一共讲了三次长沙会战，把战争刻画的特别细腻，历史还原度非常高，把湖南人民和国军拼死抗战描绘的淋漓尽致，张丰毅也是把一代名将薛岳将军的运筹帷幄演的入木三分（马上就变成他的影迷了，他的剧都想看！），看后真的对这样的一个民族英雄肃然起敬！（剧组也特别用心，有一个薛岳父亲去世的戏，还特意用了薛将军的画像，而且张丰毅和薛将军还挺像的）像这样的好剧真的应该多拍，让更多人了解到抗战，了解到抗战的正面战场打的多么不容易，有多少的国军将士牺牲！有多少优秀的抗日民族将领！

作为一名中国人不能只知道平型关大捷，台儿庄战役，而忽略了歼敌10万的艰苦卓绝的长沙会战，湖南人民和川军，湘军战士的付出，同样是后辈们不能忘记的！

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