详细资料
人物生平
肖恩曾就读于克罗伊登艺术学院与纽卡斯尔大学，1973年获哈佛大学研究生奖学金，1983年获古根汉姆奖金；2003年荣获波士顿麻省理工大学和都柏林爱尔兰国立大学的荣誉学位。斯库利现任普林斯顿大学客座艺术教授、慕尼黑造型艺术学院教授；并在纽约切尔西艺术设计学院、伦敦金匠艺术设计学院、纽约帕森学院任教。
肖恩在艺术方面亦有重要著述，他与爱尔兰著名戏剧家塞谬尔.贝克特和U2乐团主唱Bono建立了深厚友谊。Bono曾经形容肖恩为“灵魂的瓦工”，他说：“我很幸运能与肖恩.斯库利的作品生活在一起。它们无庸置疑是音乐的、富有诗意的。”
《BackandFronts》1981年
他的作品被150家重要公共博物馆收藏，其中包括：纽约当代美术馆（MoMA）、伦敦泰特美术馆、华盛顿国家美术馆、马德里雷纳索菲亚博物馆、纽约古根汉姆博物馆、墨西哥现代美术馆、澳大利亚国家美术馆、英国文化协会、日本名古屋市立美术馆、巴黎蓬皮杜艺术中心、美国德州福斯沃斯博物馆、华盛顿菲利普陈列馆、伦敦维多利亚阿尔伯特博物馆、悉尼Power当代艺术中心、华盛顿史密斯美术馆、洛杉矶艺术博物馆、都柏林爱尔兰现代艺术博物馆、委内瑞拉加拉斯当代艺术博物馆、休斯顿美术馆、和澳大利亚堪培拉国家美术馆等等。
学生时代，肖恩·斯库利主要创作肖像等具象绘画，从二十世纪七十年代开始慢慢转向抽象。“因为抽象更加普世化。”与其具体地介绍某种事物“在中国是什么样，在伦敦是什么样，在莫斯科是什么样”，他更希望找到一种放之四海而皆准的，普世共通的真实。因此，就要超越形象的限制。
1970年，肖恩·斯库利到摩洛哥旅行，被当地的景象吸引。那里所有的一切都是几何图案的，从屋子、床、椅子，到树木、天边的界限，都是几何图案的。但这又有别于工业生产方式影响下的标准化几何形状，也与蒙德里安硬板板的直角线条完全不同。肖恩·斯库利被这种富有韵律的，有序又有流动性的图案吸引住了。
《FigureInARoom》1967年
他曾出版过众多图录和著作，并被翻译成多国语言，包括2006年出版的《肖恩·斯库利选录著作：抗拒与坚持》。
艺术主张
不过斯库利的艺术之路并非从抽象起步。学生时代，肖恩·斯库利主要创作肖像等具象绘画。斯库利说他当时已经创作了很多美丽的素描和油画作品。但是从20世纪70年代开始慢慢转向了抽象，“我觉得抽象艺术有一种催眠性的魅力。它让我觉得没有包袱，因为我是一个很有包袱的人。”继而，从网格再到采用条纹、条带和油漆块状颜料，富有韵律的矩形色块成为其创作的一大特色，斯库利成为当前世界抽象艺术的代表人物之一，他的创作被称为“蕴藏着真相一般的爆炸性力量”。
《Grid》1973年
与此同时亚洲文化对斯库利的影响也很大，他对禅学、老子《道德经》和理论物理学都很有研究，35年来他一直练习空手道，感受其蕴涵的哲学思维的影响。他很喜欢中国画的感觉，“它的样子看起来很谦逊，但是实则非常有力量。我试图创造出非常简单的事物但同时赋予其深切的情感，并且我认为对我而言这样才能创作出最有深度、最动人的作品。”
上世纪70年代，斯库利开始创作网格式的绘画作品，对他而言这仿佛是场“越狱”，摆脱了其早期生活和具象绘画的禁锢。不过这些网格绘画中仍有具象感，还是能透露出城市具象的蛛丝马迹。但在后来的作品中，他放弃了这种肖像感，采用条纹、条带和油漆块状颜料，探索色彩中情感穿透力的潜能。
《NightandDay》2012年
作品及风格
《FloatingPaintingRedWhite》1995年
斯库利的大型雕塑作品《中国堆砌》（长15.24米、宽6.1米、高3.66米），这是由几只黑色集装箱似的空钢壳组成。他此前的不少巨型石头雕塑都是现有油画的三维呈现，“我听说在中国代表天堂的颜色是黑色，我的作品中也有很多黑暗元素，可能比较默契。原本打算用中国的黑青石来制作，受场地承重所限，便改用中国制造的金属材料还原轮廓，我是一个‘投机者’。”
肖恩·斯库利对边界和边界融合似乎非常着迷，“边界”是他所有作品创作的主题。世界如何形成各种边界？如何划分为不同国家，国家如何划分为不同城市，城市又如何划分为不同建筑，这些边界都会对人际关系产生影响，包括群体和个人。“我一直都对边界很感兴趣，特别是这些边界如何凸显、隐藏它们的历史，或是特别动荡的形成过程，以及两个毫无关联的事物是如何联结在一起的。”
《WallofLightRabat》2012年
肖恩·斯库利希望通过艺术到达更好的世界，梦想有一个棕色的世界。“棕色的世界”是一种形象的表达，“我认为很多立场看起来很强硬，具有对立和冲突性，但它们同时也非常脆弱，不愿让步将成为它们致命的弱点。在我看来，在22世纪的新世界，我们都需要学会融合，学会接受不单纯的东西，不纯洁比纯洁更有意思，更有创造力。”
艺术与生活
1945年，肖恩·斯库利出生于爱尔兰都柏林，战后的童年，一切都尚待恢复。奶奶是虔诚的天主教徒，总带着他去临时搭建的教堂做弥撒，教堂的屋顶由金属板铺成，下雨时雨水打在屋顶上的噼啪声，好似千军万马，而神父依然在讲道，好像在出演哑剧。“在一片雨水的寂静声中，一切都十分美妙，我对艺术的爱应该就起源于那时。”家境贫寒，年少的斯库利要为全家人补袜子。“它对我很有意义，缝补的过程就如同填空、愈合。我的作品也是如此，通过不断重复各种符号，寻找一种普世性，一种任何人看到就能理解的绘画语言。”
在Cheim&Read画廊的个展现场
1975年肖恩·斯库利刚到美国，“当时对我这样的欧洲人来说是最艰难的时期，尤其对历史文化遗产的冲击非常大。当时的美国社会非常野蛮、暴力且充满危险。”他说，“但这种动荡不安又非常吸引我，我将它形容为“达尔文式你死我活”的状态，当时我就决定尽量将作品的风格变得简约。我将这段经历形容为“矿工般的生活”，矿工肩负着开采的任务，不断发掘，我也是如此，并以此让精神层面更加稳定。美国文化对我的创作产生了非常大的影响，我也有意让自己去受美国影响。美国人直率的表达方式、敢于尝试的精神，特别是美国艺术作品的大规模和简约的创作手法，我将之与欧洲人的细腻敏感相结合，并运用到自己的创作中。”
肖恩·斯库利曾有过一个儿子，但于1983年去世了，这对他的打击是非常惨痛的。从作品中也可以看出来，当时他的作品色调都变得很暗，往往都带有一种悲哀的气氛，一直持续了30多年。2014，他的作品中重新出现了绿色，众所周知，绿色代表着美好和希望。
斯库利相信在众多现代绘画语言中，选择去延续“抽象语言”是因为它可以同时表达所有的东西，斯库利上大学的时候曾经读到过一句话，“时间的发明就是阻止所有的事情同时发生。”而抽象绘画就是试图在同一时间去诉说所有的事情。在去掉了所有有指代性的文本后，让人用第一直觉交流，提供完全开放的空间，“孩子们尤其喜欢我的作品，他们觉得那很像乐高（LEGO）玩具，拼接在一起。”
说到一天的工作安排，他只笑笑说已经无法去衡量，“当我早起准备在工作室工作一天时，只要儿子走过来要求我陪他玩，我就能放下手头上所有的事情去陪他。”再问到斯库利他最满意的创作是什么，他毫不犹豫的说“儿子就是我最伟大的创作。”