对于刘天王和梁影帝的演技孰高孰低，我这里暂且按下不表，先说说2013年TVB一档访谈节目《最佳男主角》中嘉宾梁家辉在回忆两人当初跑龙套的演戏经历。
    当时两人都是TVB训练班的同班同学，每天上学最大的期望就是看当天的黑板自己的名字前是否有记号，因为有记号就代表可以上剧组拍一些路人甲的戏份，幸运的话还会有对白可以念。
    当天两位新人班的愣头青都很幸运，不但自己的名字前有记号，而且还可以上剧组拿剧本念对白。对于当时还没出道的两位，无异于是中了头奖的待遇，而且这个电视剧的男主角还是当时这两位的偶像周润发。发哥当时对于还是训练班的新人，甚至与整个演艺圈的艺人都是神一般的存在，想想一个初出茅庐的新人能够在自己的第一部戏里跟发哥有交集，即使这个交集是路人甲，是毫不起眼的存在，也已经足够让他们激动好一会了。
    当时他们接到的角色是做发哥的随从，而发哥在戏中是一名赌场老大龙哥，家辉哥和刘德华饰演的是发哥的打手甲乙。两个人的台词只是跟着老大巡场，然后说一句“是，龙哥！”两人都觉得虽然是跑龙套，但是毕竟机会难得，这是自己第一次亮相在镜头前，所以都对于这个一闪而过的角色下了功夫研究。两人也各自设计了两种不同的演绎方式，我们可以从这里看到两人今后各自发展轨迹不同的端倪。
    刘德华设计的角色觉得自己跟在大哥后面一定不能输了气势，要有型一点，所以他选择把帽子压低，然后给自己叼了一个牙签，要给人一种有型有款的感觉。
    而梁家辉就从角色上分析，这是一名打手，跟的主人是一名赌场老大，所以四周会危机四伏，要时刻保持机警。他给自己设计的动作就是把手插进西装里随时准备拔枪保护老大。
    我没有办法去判断当初两人的动作设计孰优孰劣。但是家辉哥对于一个角色的分析，是从自身与其他角色的联系着手，从而反推自己该如何表演。而刘德华的设计仅仅从自身出发，偶像包袱从此时已经开始背上了。
    当然两人日后的道路虽然各有不同，但都成绩斐然，一个以演技著称，如其所愿成为一名演员；一个则是全面开花，如其所愿成为一名巨星。演员和明星看似都是演艺圈工种，但是背后所包含的技术含量是差之毫厘谬以千里，演员的本质是演什么就必须要像什么，真正做到此点不但需要极其丰富的个人经历，同时要有转化成信息通过光影传达给观众，这个需要敏感的情感体验能力以及技巧；而明星，用今天的话来说就是一个超级IP，打造一个IP需要的是敏感的市场触觉、精准的营销方式以及持之以恒的个人魅力。由此可以看出明星和演员并不是简单的合二为一，他是背后资源的精力分配，所以能够做到明星与演员合二为一，放眼整个华语娱乐圈做到的并不多，在我看来张国荣算一个，但刘德华并不算入其中。虽然天王的商业价值毋庸置疑，但是好演员这个行当，单单仅凭努力并不能成就，他背后所承载的除了汗水更重要还有天赋，天王刘的演戏质量忽高忽低，要碰到特别理解他的导演才能演得好，这种不能叫好演员。一个能够持续稳定地输出，不断地创造高峰，突破自己的演员才能算在一个行当里的佼佼者，很明显天王刘至今都没有达到这条规则，自然他不能称得上一个合格的好演员。
    在这部典型双雄火拼的类型片里，观众不是期待一个力压另一个，而是要看到针锋相对、旗鼓相当的火花。可惜在这里我们完全看不到，每次看到天王用他颀长的身躯卖力的演着动作戏，或者用他万年不变的正义脸念着台词的时候，总会在心里默默地想到一句话“赶紧去选特首吧，别演戏啦！”。而梁家辉每一次的演出都可以给观众惊喜，从初出茅庐的《火火烧圆明园》中道光皇帝的懦弱与无奈到《东成西就》中段皇爷的脱线搞笑以及到现在这部《黑金》腹黑斗狠同时又有情有义的大哥周朝先，他都用自己的作品去诠释什么是一个真正的好演员，就是来之则演，演之则精！其戏路之广，戏品之精就好像一个精准的流水线虽然可能会出次品但一定会持之以恒地出现精品和佳作。
    说点题外话，以刘德华这种级数的大腕在他50多岁的年纪都能够拍到《富春山居图》这样的神片，还说他是一名演员未免有点违心，如果说他想利用自己的影响力去开发华语电影的类型片，我可以认同，但他选片的眼光和拍片的质量说实话真的不能苟同。
    中国人有句古话叫做三岁定八十，其实也可以推广到这两人的发展轨迹中，家辉哥的演技已经通过他不懈的努力让我们看到、爽到、开心到。而天王，只能说希望你能够继续做的开心，做的长久吧。
    

在友人的推荐下，看了这部电影，起先以为只是一部讲述同性恋故事的情节故事，可看过之后能回味的东西却不仅仅是两个人的爱情。当时最震撼的一句话就是Aaron说，“白色和彩色是不能混在一起的”，生活中的我们被太多东西束缚着，克制着自己想要追求的东西，当你真正做的时候也许会发现，其实结果并没有我们想象的那么糟，就像剧中的Christian一样，在与Aaron接触之后开始不那么迷恋性所带来的暂时的欢愉，而发现生活其实还有很多事情值得我们去做，帮助别人，与人交谈等等；Aaron也在爱情的信念中勇敢地面对教会的批判，追寻自己的幸福。

一生的意义有可能只是在等待那个改变你的人~~

也只有真正的史学家，才会花费十一年的时间来撰写一个秦淮名妓的传记，如陈公寅恪。也只有真正的零余者，才会花费两小时的工夫来观看一个秦淮名妓的电影，像我。香港拍的《董小宛》和同年内地拍的《桃花扇》意思有相同之处。夏梦与高远，冯喆和王丹凤简直是天设地设的两对搭子。王饰演李香君一派江姐范，港片里的李香君像在学相声里的歪唱，拿捧哏的马士英阮大铖左梦庚黄得功砸挂。别看是同一齣。只是有三人得颐养天年，冯喆，可叹！

两个家族打架，一家打输了，被迫将一间房割让给强者。强者很高兴，让自己家族里的人住进了那间房。房间里的原住民只好萎缩在一角，看着强者们在自己家里大装修，从此在自己的房间里也不能理直气壮的呼吸。五十年后，曾经弱小的家族终于将自己家的房间夺了回来，将强人们赶了回去。强人们很郁闷，在这个房间里出生的强人更是奇怪：这里不是自己家族的地盘吗？
几十年后，这些在这个房间里出生的强人们回来了，看看在房间里生活的这些人，说：当初我们在这里生活得很幸福，这里就是我们家嘛。房间里的居民们听起来好亲切。

这篇影评可能有剧透 从默片时代的滑稽追逐到《速度与激情》，need for speed一直是最能体现电影“运动影像”特质的主题之一。聚焦1966年勒芒耐力赛的《极速车王》是此类型下的最新选手，如片名所示，它充斥着对速度的极致还原和对造车过程的精细刻画。底特律的工厂流水线和摩德纳的作坊，勒芒夜雾...  (展开)

断断续续，看完杨凡的泪王子。直到临近电影尾声关颖和朱旋那一个浅尝辄止却暧昧十足的吻吻下去之前，我还在天真的以为杨凡终于想好好地讲一个正常的男女情事了。可显然不是。

貌似取自台湾“白色恐怖”时期的大历史背景，貌似想狠狠地玩上一把深沉，终究却还是摆脱不了江郎才尽的厄运。这部泪王子，可以说，从头到尾一直都很“稳”，是因为平淡的像水，终究掩饰不了导演内心的躁动，太想诉说那种表面安逸下的惶恐，却在一个又一个的场景描绘里成为了不会讲故事的鸡肋。直到临近影片结束，为了自圆其说，仓促地给予观影者强迫性地暗示，即便如此，我们也无法将一个个僵硬的人物联系起来。与其说杨凡在讲故事，还不如理解成杨凡依旧固执地在自己的唯美主义里沉沦。

让我们来看看眼前的这位孙太太朱旋，在镜头前极尽扭捏姿态，在杨凡刻意营造的生活气息里显得这般的不相称，丈夫因通牒罪名被捕，而我所看到的只是在两句很嗲地“汉生，汉生”映衬下极度僵直的表情，在这个女人的脸上，我丝毫没有读出那种生死离别之际的决绝与无奈。本应是深陷丈夫遭人陷害，心系寄人篱下子女的落魄女人，却俨然成为了一个只会整日略施粉黛，摇曳身姿的浪荡女人，这是何等的差强人意。杨凡依然桃色，女人一定要风骚，即便不符合角色需要，一个拨弄花瓶的小手势，一件齐腰的鲜绿上衣，一种拿杯喝水的小忧郁都要足够勾人。杨凡喜欢玩穿越，安排孙汉生死后的出场却也不足为其，但杨凡终究是保守了，这场床戏真是本人觉得最无意义的一场床戏，本是寄托孙太太对于丈夫死后的哀思，却硬生生地成为了杨凡对于自己电影尺度的一种怀念和对自己欲说还休的一种暗示。

有人这样说过杨凡的电影，群魔乱舞下的纯真。大凡有大师风范的人在拍电影之初总有极大成的作品出来，那时的他们敢想，敢说故事，电影的颗粒重，有时很土，很生活。一旦有了自己的风格，就有点作，有点沉沦。基本上，从游园惊梦开始，杨凡就开始流于形式，不再知道怎么讲故事。过去，杨凡总是喜欢去刻意描绘男人的身体，基本从桃色开始，杨凡开始把摄影机的镜头对准了女人的唇，女人的波。

看看泪王子里的关颖，一个寂寞的富家太太。她的出场我算是惊艳了，算对了杨凡的路子，红红的唇，富贵的腰肢，高高的盘发，偌大的珍珠项链，迷离的眼神。由于杨凡这次对故事的深度要求太低，让这个原本与孙汉生和孙太太有着千丝万缕联系的富贵女人也跟着一起流于形式起来，她的几乎每一次的出场只是一种导演寂寞的宣泄，似乎也宣泄出了杨凡的内心：“我拍的不是电影，是寂寞。”她抚摸丝绸的瞬间是美的，她对于将军的呢侬是美的，即便是她让人摸不着头脑的自杀也是惊艳到美的。看看那一袭低胸蓝裙，还有那一条美丽的红绫。穿堂而过的风尘，还有那此刻一泄的青丝。

这一次的杨凡，基本把视角锁定在两个绝美的女人身上，看看威尼斯电影节上的照片，不难看出期间的暧昧。而电影一开场的范植伟，面上疤痕，左脚微跛，眼神凶煞，一看就浑身是戏，可是，即便如此，尽管我们再怎么纠结，还是没有找到任何的出口，不知道他存在的任何有价值的意义。而褪去青涩的张孝全，表演也只能算是中规中距，只让我记住了通牒被带走时回眸的那一个眼神而已。

而电影唯一的一处亮点，却是孙汉生的小女儿小周陪着自己的“王子”踏过的那一片金黄金黄的草场，看看，多么的喧宾夺主。而此时，我正在下载妖街皇后，还是让我们记住那个曾今的杨凡吧

去看《七月与安生》的时候是稍微带着点害羞的心情的，初中时候就很喜欢这部短篇，偷偷看完安妮宝贝所有的书，总有把握不好情绪被别人视为矫情的时刻。十几年后再面对这样一部少女电影，生怕它会痛杀早被更新过的神经。 于是完全没想到，在主角说出“我恨过你，但我也只有你”...  (展开)

    在看过为数不多的中国独立电影里，能够令人耳目一新的作品几可称为凤毛麟角，一方面，在中国现实文化语境下，所谓“独立”电影，多数意味着没有龙标、无法进入院线放映、呈“地下”态势的影片，而此类影片的选材，多半与当下主流意识形态差距甚大；另一方面，相对于美国从美学到定义完全不同的“独立制作”而言，中国独立电影非但在意识形态上与主流电影关系疏离，在具体的影音美学上，也有相当大的差距。关于中国独立电影的“粗糙”、“投机”、“原生态”的评价不绝于耳，相信除了制作成本有限之外，制约成品质感的因素更有创作者本身对待作品的态度，技术发展无疑可以弥补影像上的观感，而一部作品本身的素质，还是应该置于与院线电影（不是大片）同样的观赏标准（非止就表层影像而言）之下来判断。《唐皇游地府》（2012）作为导演李珞的第三部长片，构思与创意，与观众惯常所见的带“独立”标签的影片有所不同，怪诞的表层影像与富含讽喻意味的叙事内核默契地疏离，这种疏离背后潜藏着一位电影作者的思考，关乎形式，亦不忘兼顾内容。

经典转换的电影语法
    《唐皇游地府》改编自《西游记》，取了其中的第九、十、十一回内容，而这三回，在“大闹天宫”之后，又在“西天取经”之前，讲述龙王与术士袁守诚赌约，违反天条，被魏征所斩，阴魂不散，引发阻挡魏征失败的唐太宗夜游地府，见识光怪陆离的世界。这一段承前启后，正是唐太宗的一趟地府旅程，才有了后来的水陆大会与玄奘西行。选择这样的一段故事，显然是导演李珞有意为之，按照李珞的说法，之所以看上这一段几乎可以在小说中独立成篇的故事是因为看到了“反映了权力、财富和道德在中国社会里的复杂关系” ，这亦是属于大部分国内独立制作所感兴趣的立足点，在相当有限的制作成本之下，坚持关注当代中国社会的表象运作与内在权力，是一个颇为正常也份属讨巧的选择。而影片放弃了直接取材现实社会，采用剧情片形式重构古典小说，本身就是一次对既有“独立电影”刻板印象的颠覆。
    同时，这部建立在名著改编基础上的电影又完全跳脱了对原著的依赖性与“忠实原著”的被动姿态，直接将场景设置在当代中国，甚至明确在当代武汉，片中人物，虽然还是李世民、龙王、魏征、判官，但环境是当代的武汉商场、住宅、郊区，人的基本面貌就是当下的武汉人衣食住行模样。这是出生于武汉的导演李珞对武汉的一次城市空间的影像改造。影片在开头以小人书形式溶进情境，明确宣示这是一个古典的故事，但事实上，它发生在现代。这是《唐皇游地府》最突出的标识之一，片中李世民开会，直接就在一个类似大会议室的地方，然后由李文等武汉本地艺术家扮演的一干人等坐着议事，这一场景是典型的对原著的“去忠实化”呈现，与整部影片的基调相得益彰。魏征受召时正躺在家中躺椅上，后景是正在阳台上忙碌的妻子，整个镜头直接拍出了武汉作为一座正在或已经向大都会转型的城市空间一景，这是千篇一律的商品房中千篇一律的一个房间，与《西游记》或是古典小说的氛围相去甚远。这某种程度上也对被改编的原著场景产生了颇具后现代色彩的间离效果，其形式恰似以现代场景呈现莎士比亚的《无事生非》，而置于中国当下文化生态，《唐皇游地府》的意义与上世纪二十年代的同名电影（余清泉，1927）及七十年代台湾地区的《李世民游地府》（金陵仁，1978）等同题材作品不可同日而语。
    在李珞的影片中，全程采用黑白摄影，以现代的自然景致（并非单指自然风景，而是由不加刻意修饰的现代人室内生活空间构成）来呈示本属唐朝的故事。在拍摄龙宫的戏份时，李珞直接将镜头放在了水晶灯四周乱闪的夜总会里，昏暗的背景与漂浮的灯光，替代了传统影视认知上的水晶宫，创造出一个“李珞式”的摩登水晶宫场景；李世民下到阴间，来到武汉市内的商场集群，霓虹灯闪烁，在桥上李世民见到不夜天景象，被导演处理成了光怪陆离的阴府场景，亦在表层影像上积极主动且高姿态地回应了既有的同类古装电影作品，以一种似是而非的感性方式来进行作者化改造。导演本人对此如此陈述：“那个（地府）就在武汉的光谷步行街拍的，确实很光怪陆离，很像地府，你看到那些人，确实跟鬼一样的，当然谁也没去过地府，中国的地府和西方的基督教里的地狱又不太一样，我们可能更加接近世俗的某一方面。我就凭我主观的感受拍的。” 此中，武汉的城市空间塑形被导演用来构成他的“现代唐朝”想象，这种想象包含世俗生活（甚至宫廷空间）的异变，同时亦涵盖了对于神话场景中的“阴/阳”区隔的场景。由于目前涉及中国现当代题材的中国大陆电影中限于政策无法出现真正的鬼神，遑论地府，作为一部没有龙标的影片，《唐皇游地府》以古典小说叙事框架结构出属于当代的城市影像，并将“地府”场景以现世城市空间的一部分加以展示，且在表现李世民所游“地府”的桥段中，“有几个地府的镜头，李珞是在武汉东湖旁几个烂尾楼里拍的，那块地方后来被一个CS实战基地用了，当时在拍时，正好有客人在玩儿。 ‘我尽量不影响他们，管理员也希望我们赶紧拍完走人，因为玩家们打得很激烈，很快就要占领那个房子了。’……电影里看到这几个镜头，环境声里传来一声声枪响。”
    这种处理一定程度上贴合了列斐伏尔所谓“进入城市的权利”的关于城乡关系与都市生活的言说语境中，这种自觉性暧昧不明的展示，除了拍摄条件因素之外，创作者本身对于当代城市空间的看法，也被一种源于当下中国城乡差际生态的集体无意识所规定。“空间不仅仅是被阻止和建立起来的，他还是由群体，以及这个群体的要求、伦理和美学，也就是意识形态来塑造成型并加以调整的” ，与当代中国主流商业电影以《大闹天宫》、《捉妖记》等为首的票房大片来比较，《唐皇游地府》取材同样高于现实，但其意识形态或曰空间的影像政治乃是与现实相关的。影片中所在多见的固定机位与看似简陋的现实场景，都在在提醒观众，于经典故事之外，开展着与现代人生活息息相关的主题叙事，正如唐皇去往地府的路，原来是一条高峰时段公交车的拥挤道路，观众需要自行提炼由经典文本来，到世俗现实中去的整个过程的关联性。从表层影像来看，《唐皇游地府》的影像质感比一些独立纪录片略好，但也高不太多，导演李珞坦陈本来是用彩色拍的，后来由于追求小人书质感及涉及历史的距离感而改成黑白，无论如何，总体来说影片的影像表达堪称朴素，而叙事层面，除了需要观众脑补经典形象到银幕上的现实人形中之外，更提供了一个借“游地府”之名审视当下的入口，在此过程中观众不仅观赏唐皇，更将自己化身为现实的唐皇，来审视自我的生活的物质与精神环境。片中李世民的扮演者李文亦是武汉的一位当代艺术家，同时是教美术的老师，其在片尾的饭局上即兴说的话，是将“李世民”身份完全剥离而返回到“李文”的真实身份，这一段被置于整个故事的末尾，颇有跳出整体的间离意味，但事实上，李文即兴所说的话，与整部影片所呈示的地府里各色风物有相当大的关联。影片三分之一都是纪录镜头，而这些立足真实的镜头被纳入了影片的神话叙事体系中去，成为剧情片的有机组成部分，借叙事来呈示世间百态的意图呼之欲出。最后一段话，具有相当浓厚的总结意味，但并非正式作结，因为这一段从内容到形式都非常随性，若以“古典”的电影感知观念来观察，十分游离，这与上世纪八十年代中国“第五代”导演的影片中设置的种种“游离情节” 有所不同，其功能上部分承担了打破主流商业电影全知全能叙事模式、进而承载表层叙事所未能承载的文化内义的功能，但结构上并未能算作影片有机组成部分，鉴于这一段落拍摄实践上的随机性及其事实上构成的对整部影片叙事体系的游离，其可以算作是对这部本身即具备游离性格的剧情片的二度间离，来呈示其作为一部无法在院线上映的“地下”或“独立”标签电影本身的定位及其突破的决心。

超本色表演的角色虚化效果
    所谓“超本色表演”，是相对于“本色表演”而言的。纵然斯坦尼斯拉夫斯基很早就提出“角色不过是演员自身的畸变”，而“一个普通人要成为一名演员，最应该解决的首要问题，是解放自身的素质” 更是本色表演的基础，甚至还有“畸变本色”的自我改造过程，但在《唐皇游地府》中的表演，虽然相当程度上是利用非职业演员们的自我气质来进行操作，但与传统意义上建立在专业训练基础上的“本色表演”有所不同，“本色表演”挖掘演员本身性格特征，目的还是为了建立影片本身的角色塑形。而《唐皇游地府》中的表演模式，是一种近乎《我是路人甲》的“本色”状态，意即强调演员本身的固有状态（没有表演训练过程或抛开训练背景），来呈示一种镜头下的自然、朴实与本真。
    从《唐皇游地府》中龙王与袁守诚打赌的戏份，已经可以看出，两人虽是针锋相对，但其实互相之间对手戏的味道并不浓烈，很多时候，只是令观众觉得两人在念台词而已。其后李世民、魏征、阎王、判官等莫不如是，魏征在家收到征召一场戏，是最显然的以现实生活休闲状态来代替情节剧的紧绷模式的表演方法，或者说这场戏体现的是一种抛弃了表演的表演，魏征在家休息的场景，与现实中千万人家午后休息的场景并无二致，若说这是用dv直接偷拍下来的演员生活场景，亦绝无问题。
    而饰演李世民的李文，在片中的表现，则稍微自然一点，作为李世民这个角色在片中所承担的功能，他需要表现出的帝王风范，被现代背景所消解，这个看上去既像黑帮头目又如私营业主的“皇帝”虽然也紧锁眉头，作出忧虑状，但本质上是一种非专业的“超本色”演出，这种表演在上世纪欧美的一些现实主义电影实践中曾经采用，属于电影语言及观念革新的一部分，在《唐皇游地府》中的表演，则更接近一些实际上具有相当完整剧情的中国独立记录片中主人公的状态，但有所不同的是，《唐皇游地府》是一部立足于完备叙事逻辑的剧情片，在这样的情况下以“超本色”来进行角色塑造，本身即是对影片自身的抽离，这种抽离造成的后果是令本该在银幕上吸引观众达成代入的表演反而加速了观众对角色的认同，尤其是当影片改编自家喻户晓的经典文本的情形之下，对于影片游离的表演的迅速警觉将令观众忽视角色本身的魅力，因为无法在习惯的影视表演范式下观赏角色的行为，这种关注力便会转嫁至影片的故事本身以及影像层面的另类奇观化。角色被不断虚化，正在行走的，是李世民、龙王或袁守诚，其实无关紧要，因为演员本身的姿态仪装并未提供与角色本身关联的明显特质。这样的情形在香港电影新浪潮阶段曾经出现过，在上世纪七十年代末八十年代初，许鞍华的《投奔怒海》、于仁泰的《墙内墙外》甚至谭家明的《烈火青春》中都曾出现过相当极端的“超本色表演”案例，但其基础是所选用的演员本身乃是经过专业训练或具备相当成熟的电影表演经验的，其“超本色”的模式基本上还是在专业表演基础上对表演自身的“缩略”处理。而《唐皇游地府》则是真正的完成了一种对“本色表演”的自然飞跃。
    如此，《唐皇游地府》的“独立电影“姿态，以现代空间替代神话场景、用平实镜语呈现名著故事的处理以及对于电影表演的（无奈或有意）的“超本色”塑造，这几个因素所共同呈现的效果便是令“地府”成为影片最突出的影像表意与内涵能指，而“唐皇”则成为书桌后一个平凡的人影，他可以是你身边的张三李四，也可以是其他你所不认识的任何人，一个在通常剧情电影中加魅化色彩浓厚的主角，在《唐皇游地府》中彻底解除明星光环与角色魅力，成为普罗大众，角色亦因此变成情节中的注脚，其本身反而显得无足轻重。这是影片的表演生态所带来的直接效果，虽然并不一定是导演所有意为之，但客观上达成了影片处于当下中国电影生产与市场语境中的独特效果。
诸多评论皆明确指出《唐皇游地府》是一则寓言，其所指显然是当下的中国社会，这亦是面对包括《唐皇游地府》在内的中国独立电影时，评论者惯常采用的论调。而导演在接受采访时所面对针对影片的各种问题，其言说方式与效果本身亦不能与商业电影导演相比，许多地方显得模棱两可、似是而非，这亦是对影片解读中的一大困难。《唐皇游地府》作为一部在当下份属现象级的独立制作，其演员表演模式（或许还称不上模式）本身亦同导演面对公众的姿态一样，有一点暧昧不清的感觉，因其引发的多义性解读可能，亦是同类影片所较难达成的。在同属独立剧情片的《南风》（郑阔、孙扬，2012）中，亦可见到类似端倪，现代电影所期许打破固有情节剧节奏来实现的表演上的惊喜，在这类影片中部分达到，但总体而言，角色/表演依旧是为整体表意服务。作为一则被公认的“寓言”，《唐皇游地府》当仁不让承担了这样的任务，虚化了人物，凸显了一个震人心魄的“地府”，来完成处于“地下”状态的电影叙事美学意义建构。

结语
    作为一部相对较具知名度的独立电影，《唐皇游地府》受到包括网友在内的观众热议兼热捧在情理之中，对于片头片末的“小人书”设定，很令笔者想起上世纪八十年代风行的剧照连环画，即是以电影剧照作为连环画主体出版，而今时今日《唐皇游地府》中所展示的关于电影本身的连环画从质感上自然比从前要进步得多，而这种戏谑式的表达方式，一方面浓缩了影片所要表达的内容，另一方面亦将视角跳脱出足以用全知全能方式审视影片本身的高度，这亦是导演李珞自我投射的结果，在接受访问时他曾如此表示：“至于小人书，我觉得这种电影连环画相比其他的漫画书有很强的电影感，因为它的画面就是影片的截图。还有一个原因是纯粹私人的，这一类的小人书在七八十年代的中国很流行。小时候经常看，还是（现在仍然）觉得这是一种很特别的‘看’和‘读’电影的方式，所以在电影里运用了这种形式。” 这样的说法本身信息量就相当有限，因为他并未说清楚，究竟为何采用了这样的拍摄方法。当然，导演也并不能完全满足评论者要求，来阐释演员选用的“玄机”，而只能说是一群朋友一起拍了这部电影。基于《唐皇游地府》是一部同人式的、非商业片的作品，关于影片的空间与表演探讨，本身具有一定的局限性，因应影片放映与接受互动过程的复杂性，这种论述势必会被迫作出调适。然而有一点不变的是，从客观上来说，影片重构了武汉城市与名著背景，令其发散出介于现代与历史、真实与虚幻之间的丰富表意功能，另一方面通过对表演功能的弱化（当然不一定是有意的），达成了对于影片角色本身相对于“地府”能指背景而言的虚置，亦令被认为是讽喻性强烈的背景得到强化。
    当然在当代电影观众视野中，从影院观影或私人观影无论哪个角度来切入，作为一部成本极小、野心颇大的“独立制作”，《唐皇游地府》本身所言说的东西其实并不太重要，大家关注的，还是基于作品形式上的趣味性，以及由这样一种表演方式所带来的角色“代出”感，以及也许并没有那么容易被感知的对于日常空间的痛切感知，这是无论如何挖掘影片意义也不能令观众放弃的直观感受。《唐皇游地府》在当下相对可贵的一点在于，它引起了讨论，亦明确了想要表达的态度，纵然这是属于我们习惯见到的固定模式商业电影以外的惊喜或收获，或者其实只是一种惊奇。从笔者本人来说，希望这样脱离了无病呻吟趣味的制作，能够多一些更多一些。


《贵州大学学报》

有关天才的故事似乎大多令人心碎，无论是《海上钢琴师》的寂寥与冷冽，还是《查理和巧克力工厂》的孤傲与决绝。尽管偶尔也会有《美丽心灵》或《心灵捕手》那样的温暖片刻，但更多的时候，我们只能旁观着天才们独自承担起天赋和才华带来的敏感、脆弱、孤独，与凡俗世界的格格不...  (展开)

还是一如既往的碎碎念，还是一如既往的对中产阶级的嘲讽，还是对 J.D. 塞林格的无限致敬，81岁的伍迪艾伦联手亚马逊触不及防地推出了这部背景放在 1960 年代的美国，非常伍迪艾伦，也非常亚马逊，而且里面我们也终于看到最近难得正常的麦粒 Miley Cyrus。 A fugitive is eatin...  (展开)

文/梦里诗书

一腔热血的功夫，并无从掩饰电影的尴尬，固然作为动作电影将功夫放在首位无可厚非，但《超级保镖》千疮百孔糜烂的剧情，不仅满是套路的粗制滥造，那演技台词更只是令人如坐针毡，所谓的英雄不过犹如一个从八十年代而来的保镖。


《超级保镖》所给人的是一种香港八十年代功夫片的感觉，而在今日仍能看到这样一部作品确是令人惊诧的，因为这种已然在过往泛滥成灾，近乎被淘汰的套路剧情，居然还能在今日被沿用拍成电影，那为了保护富家女与恶势力间的缠斗，所突显英雄主义的刻意，使电影情对感的填充是如此的廉价，功夫宣兵夺主于剧情的构思，所见只是一个武者的英雄臆想。


岳松或许是一名优秀的武术家，其功夫戏码也是《超级保镖》聊胜于无的亮点所在，但敢于自编自导自演的勇气，却无从在这样一场电影中得到认可，作为导演编剧其将一部电影想的太过简单，更何况一个优秀功夫演员需要的不仅是一身能打的功夫，更对演技有着必备的苛求，看着电影中带着一副墨迹自以风流倜傥的演绎，实则只是让人无所适从，毫不夸张的说这部电影在一个半小时的时长里未有一个人物不充斥着矫揉虚假的造作。



这不是一个观众看着一辆火车从远处驶来便会惊叫连连的时代，功夫作为动作电影的一项必备元素其实从来不曾落寞，但必而被淘汰的正如那功夫电影泛滥成灾时代的逝去，灵魂的匮乏是无从挽救的。

本人是冲着海报去看的，冲着海报上的3女捆绑，结果事实就是：海报与电影内容严重不符，根本没有什么捆绑的戏码，就是简单的绑个人，跟海报根本不搭边，感觉被电影宣传严重的欺骗了！对SM有兴趣的人，对捆绑有兴趣的人，可以直接放弃了，连个擦边都不擦！
剧情本身，前期稍微吓人，且吓人的有点做作；后期就是简单的平铺直叙了，至于悬疑，看到一半基本就可猜到谜底了；至于性感的卖点，也就那么一点点一点点而已，简直就是再简单不过的片子。
特别是最后女主的哭戏，哭的太假了，哭的让人想笑，只能说：导演岛的太烂，演员演的太烂，不满意！

83版的射雕看过两遍，但都年代久远，好像是小学时看的。最近是因为大爱chilam，又找了94版的看。
83版的一直是心中的经典，看过这部94版的，觉得一点也不逊色于83版，有些方面甚至更有超越。
尽管94版的射雕布景真的非常令人大跌眼镜，时隔11年，布景居然还这么明显的粗糙简陋，有的甚至还不及83版的真景，实在有点罪过，但我觉得94版的除了这个瑕疵外，其余都做的非常的好。（哦对了，还有94版的主题曲没有83版那么令人印象深刻，这也算是一个小缺憾吧）
印象中83版的感觉主题就是在说郭靖如何从个楞头傻小子凭着傻气和憨劲还有黄蓉的聪明一步步升级成盖世大英雄，侧重点是在描述武功如何增强上，而94版的对于郭靖的武功进步几乎都是轻描淡写的描述，更多的侧重于对人生意义的探讨、生存价值的探究、英雄主义的思考以及宽广的人生观世界观价值观包括爱国情怀的考量上，思想层面显得更为与时俱进。单就思想层面的探索和挖掘这一点上，我觉得94版的做的非常好，每一个人物在遭遇到不同的境遇时所作出的判断和反应，以及自我剖析，都很深刻和精辟。（83版的我看过得太久，好多细节记不清楚，也许说的有所偏颇，以上纯属个人主观反应）
在我印象中，83版的郭靖总是能很神奇的化险为夷，还经常阴差阳错的得到更多更好的东西，而94版里对郭靖的一路成长，描绘得要更加细致清楚些，我不由得感叹郭靖的好命，很多时候如果没有蓉儿和洪七公等前辈的相助，凭他单纯得一根筋的脑子，早就命不保矣。但一切都有因果，若不是因为郭靖对假扮成小叫花子的黄蓉的慷慨相助，也换不来黄蓉掏心掏肺的一片真情。
83版的演员们几乎都各自塑造了经典，尤其是黄日华和翁美玲，而94版的演员们，除了穆念慈感觉苍老及过于苦大仇深外，其余也一样非常棒。
当年chilam跟靓靓说要演郭靖，靓靓还很担心83版已成众人经典，他再演绎生怕口水比掌声更多，但chilam丝毫不畏惧，他对自己扮演郭靖很有信心，他说他就是郭靖这样认准了一个就绝不变心的人。现实里他与靓靓的故事做到了，电视剧里也一样做到了，我在chilam版的郭靖身上，看到了他当时说这些话的自信。由他来演绎郭靖，和黄日华版的风味不同，他的外貌显得更为呆萌可爱，而演技却也相当娴熟，将郭靖的一根筋性子和大忠大义的豪情表现得相当到位。让我看见了这样的郭靖，即使武功盖世，也依然会卖萌耍宝，也会遇到想不通的问题楞头楞脑钻牛角尖，也会为爱情和承诺陷入两难境地，显得层次更加分明，更加具有人间烟火味，原来武林大侠也是一个会有烦恼忧愁的普通人。不过94版的郭靖，我不喜欢的就是他对华筝的暧昧态度，没有83版的郭靖决绝，从一开始就表明立场不愿做金刀驸马。这里不知自己有没有记错，就记得印象中83版的郭靖始终是坚称只当华筝为妹妹，只爱黄蓉一个的，没有94版的郭靖这么犹豫，明知只爱黄蓉一人，却要为了曾经默认的承诺一而再再而三的反复承诺会娶华筝。这不仅对两个女人都很不公平，也更加显露出郭靖没有主见的性格。这位大侠如果不是成吉思汗逼死了他娘亲而逃亡中土不用再兑现和华筝成亲的承诺的话，没有了蓉儿，真的不知道他会怎么样呵~
翁美玲版的黄蓉之经典因多种因素早已深入人心，不过朱茵版的一样娇俏可爱，冰雪聪明，两相比较也不分伯仲，而朱茵的容貌似乎也要更加俏丽些。
柯镇恶和洪七公沿用了83版的演员，自然是表演一样十分出色，且我觉得洪七公在94版里的贪吃大度形象更加具体，柯镇恶的偏激但勇于承认错误的性格也诠释得更加清楚。
83版里秦煌版的老顽童胖乎乎圆滚滚的很可爱，94版里黎耀祥版的老顽童扮相年轻许多，也邋遢许多，不过却把老顽童爱玩的性格发挥得更加淋漓尽致。尤其是详细描述他又想学九阴真经又不想违背师命绞尽脑汁骗郭靖学以及回忆和瑛姑的那段情，充分体现了他“人生就是玩，玩就是人生”的处世态度。对于瑛姑，寻常人说他是不负责任，但在老顽童眼里，这也是玩的一部分，他的字典里根本就没有“负责任”这种说法，他能把世间任何事都当成是玩，也是个非常特立独行的武林高手。
我一直比较喜欢苗侨伟版的杨康，不仅是相貌堂堂，他的转变过程乃至结局都让人“哀其不幸，怒其不争”，罗嘉良比chilam大将近十岁，演的杨康从外形上和同岁的郭靖相比就老成太多，有些不适应。不过罗嘉良不愧为演技派，杨康的心狠手辣和对穆念慈的一片深情还是演的十分到位。但最后杨康被毒死的那段，罗嘉良版的从视觉上就比苗侨伟版的直接许多，中毒的死状之可怖，全没有苗侨伟版的含蓄，乃至穆念慈的悲伤也感觉没有了83版的那般凄婉。就这一部分，我个人还是更喜欢83版的，毕竟要温情许多，而且83版的杨康临死前还和郭靖有一长段对话，临死的杨康对之前所做的诸多恶事的悔恨，对穆念慈的想念等等我都觉得苗侨伟版的比罗嘉良的好。
83版的黄药师的东邪形象非常经典，那种不怒自威的眼神从曾江眼里看出来就有点不寒而栗，而骆应钧版的黄药师相对就温和许多，邪气少了许多。
83版的欧阳锋比94版的更加毒，94版的欧阳锋有时还讲些仁义，那种毒辣倒还是83版的更好。
再说欧阳克，94版的欧阳克形象比83版的更加风流倜傥，对黄蓉也是一往情深，桃花岛上那段他被黄蓉耍得团团转还是忍气吞声，倒也是94版的欧阳克可爱之处。
总的来说呢，83版的射雕始终是经典，94版的也相当不错，且94版的包惜弱和梅超风真的很美，非常养眼。

並不想給太差的評分主要就是因為這個護士與輝的短短兩場戲
感觸很深並不是因為甚麼別的
而是覺得有一種很深的帶入感

我不喜歡輝的老婆
因為她讓我覺得拆散護士的就是她

輝是一個很負責任的男人
他肯為了這個家庭放棄那麼多努力那麼多
但從頭到尾他也沒說上幾句話
那種深沈的責任感驅使他走向自己的前女友
那個依舊愛著他的女人

她會拒絕幫助他在我的角度看來完全沒有任何問題
你負了我 為甚麼我還要幫那個搶走你的女人生孩子呢
愛你是我的事
可我沒必要愛你的老婆孩子

每一個表情都傳神
每一句話都說到心頭痛

確實有一點不知所謂的片子卻在細節裏完勝了
這就是文藝片的功力吧
但是完全不能懂為甚麼要起過界男女這種名字
整個拉低全片水準的感覺

最終感受有兩點
1、女人不能只靠男人 不論婚前還是婚後抑或老了
因為你沒辦法確定自己的後半生會發生什麼
2、孩子 婚姻
如果沒有完全地把握能讓他過得好
就別生 別早早締結婚約
能力不到的時候你憑什麼給人承諾