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我真的好懒的，不太想写，就想看，电脑硬盘不够用了，下载的片子看完了，不写点字，怎么下载新片，看新的电影呢。

喜欢看电影的，都是喜欢做梦的人，所以有人说电影是拍给30岁以下的人看的，所以说我29岁，电影永远都是拍给我看的。一场电影一场梦，掠食城市让我做了一个什么梦呢。

千年以后地球是个什么样子的梦，地球由繁到简的梦。

又一次感叹，做电影的，想象力可真丰富啊，把地球当成玩具来玩了啊，把整个伦敦搞成了一辆超大型号的装甲车，工程学上能成立啊，千年以后能成立？

前半部分都演的居无定所的人群，在一辆辆车里过生活，我觉得导演的思路可能是受到那种车的启发，什么车呢，就是可以住的那种车，我去，名字想不起来了，会不会得老年痴呆症了。电影里不过是更大型的，机械设备更齐全，而且，武器是车上最重要的装备，每一辆车可以说想当于一座城镇，小车城之间还能和平共处，并进行贸易，小车城害怕大车城，大车城的代表就是伦敦车，因为伦敦车太大了，要运行需要太多的能量，所以会吃掉一个一个的小车城，哇，奇思妙想哦。

千年以后，地球退化了，人类穿的衣服也复古了，武器好像也退化了，设计出来的最先进的武器，比起二战时候的原子弹，好像都差远了，只有建筑工程学看起来是进步了，可以载动一座城市的车，怎么想都是比现在的建筑工程要进步。

还有生物化学也进步了，竟然能改装人，半人半机械生物可以制造出来，也比现代科学要进步得多，能不能实现啊？

电影演绎的哲学追求，好像还和现代一样啊，反掠食之战，自由之战，千年以后能不能有点新鲜的哲学思想呢。

电影都是这样的啦，演历史是为了映射现代，演未来也是为了映射现代，无论物质还是文明都是一步一步发展的，千年以后，鬼才知道会发展到什么地步，看看电影开心开心得了，不去纠结别的了。

女主角脸上的刀疤没有怎么影响到她的美丽，倒是去买卖人口市场营救她的她妈妈的朋友，那位亚洲女性造型要不要那么夸张，头型也太搞笑了，为什么亚洲的小眼睛女人在美欧电影里那么有市场，奇怪。

是比较大众化的正能量电影，对于这种电影我好像都说不出啥来，我还是更喜欢看精神病类型的电影。

盗用必究。

贝特朗·波尼洛的电影总是带着一种简单与复杂并行的张力。青春片、惊悚片、剧情片、政治片，它们同时是很多东西。阶级、种族、后殖民、社会与青春、对法国身份的质询是枝蔓中的主干。他从不给你看一棵树，而是通过叶片、枝条、树干的某个瞬间来揭示树的全貌。一个角色的行动就是这个角色的全部，在具体而微的行动中，情感和意义自现。

前半段是一群巴黎青年周密部署的恐怖行动，人物不具姓名，因为他们只是整体的一环。波尼洛用作曲家的敏锐来剪辑和调度。每个角色的情感与意图在一连串的闪回中浮现。有时只闪回几分钟甚至几秒钟，以呼应其他角色的作为，重新锚定一个时刻，在动态中揭示个体行为与整体行动的关联。后半段是藏身奢侈品商场等待迟迟不来的猎杀。到处是设计师品牌，恐怖分子徜徉其间，玩玩具、试装、化妆、泡澡、上床、卡拉OK。电视前一秒用来娱乐，将现实挡在外面，下一秒用来看新闻，现实被重新引入，而最后也正是这电视向他们宣布了死讯。波尼洛故意隐瞒信息，但又给出恰到好处的信息，这让观影变成巧妙的游戏。《夜行盛宴》让人同时想起布列松的《很可能是魔鬼》和罗梅罗的《活死人黎明》，多么牛逼的事。

拒绝就人物动机给出清晰的解释，波尼洛似乎要与其他政治电影划清界限。然而他又在人物含蓄跳跃的对话中给出了答案。其中一个恐怖分子讲述自己的一篇政论文时说，社会的崩坏总是紧接暴力的重建，然后是文艺复兴。如果这是政治电影，它讲的是回避的政治。青年说什么不重要，重要的是所有人务必听到青年的声音。

演员实在太过强大，强大到我看着他们的眼睛都有点震撼。这样的演员带来的剧集，不看可惜。

知道女主是因为前段时间的《恶行》，她在这一部里演的是一个年老色衰但又心有不甘的stupid woman. 既让人恨铁不成钢，又隐约有些难过。

由于是真实事件改编，对于结局早就知道了。但是剧集里的结局，在倒数第二集的回忆里才知道，早就注定了。

一个是永远不会满足，永远心生贪婪的女人。没有道德底线，为达目的不择手段，却不得不承认能把身边的一些乡村男子吃的透透的。所以她即使得逞。即使当时喜欢的死去活来，最终的结局还是会厌倦。并不认为她最后一刻的放弃是良心发现，只是因为不敢背负这么大的罪责罢了。说到底，考虑的人只有自己，从未变过。如果真的成功了，她会如何？她会更加凄惨。这其实是一次命运对她特别的眷顾了。

一个是内心邪恶，毫无人性，并且随性残忍的人。在监狱里的Matt仿佛变身为一个social king，如此的charming，让狱警把他当成好伙伴，让女人为他痴狂。可看到了他的过去，看到了他越狱后的举动才知道一个真正的他。害死他的是自己的毫无节制以及自私残忍。死不足惜。

另一个明明有着聪慧的头脑，漂亮的皮囊，当时的一时失足也充分地悔恨了。而这一次也明明几乎要逃脱，却败给了内心的优柔寡断，或者说，“善良”？从未想过要抛弃同伴，最终被同伴抛弃。

一个监狱里的“一出好戏”，看到的是年老后不甘的悲哀，监狱里的所谓“人性”其实是假象。我忘不掉，Tilly在外面遇到一个英俊潇洒的男人，有些渴望，有些落寞地看着他，不，应该说是紧盯着他。男人回首，冲她微笑致敬。她的那个眼神，真是难忘。

首先吐槽一下译名：片名本身很妙，Motherhood去掉一个字变成Otherhood，但是这片名翻译得也太差了吧，我差点就不想点开了，还是因为预告自动播放觉得还不错才看的。港版的翻译就很妙：《母乜关系》。在广东话“母乜”和“冇乜”，就是“没有什么关系”的意思，从母亲变成了没有什么关系的人。

这故事很简单，老生常谈，剧情开头就能看到结局，短评里也有人说“婆婆妈妈家长里短的”，但是我还是很没出息地看哭了。对于我来说，一个故事的好坏与否，不取决于是否有让我意料不到拍手称赞的情节，而是能不能让我共鸣/related的情感。这个故事刻画了三种不同的母子相处的关系，我想我们多多少少都能在其中看到自己作为母（父）亲/儿子（女儿）的影子。颓废作家的妈妈是最常见的一种，强烈的控制欲，喜欢插手干扰儿子的生活，看不顺眼儿子的女朋友就从中作梗，让他跟自己看中的女孩子相亲，甚至从窗翻入儿子的公寓如无人之境。同志儿子的妈妈就恰恰相反，过于以自我为中心，凡事只在乎自己的感受，没有考虑自己的言行对儿子和朋友带来的负面影响。黑人妈妈相对来说是三人里面平衡把握得最好的，但她却是最压抑自己的，事事把儿子和丈夫放第一位，自己在后面。她的儿子记不住母亲节，甚至想不起十件有关于她的事，不知道她喜欢跳舞，看见她的新造型不能接受，对于他来说，他只把他妈妈当成他的“妈妈”这个身份，而没有把她当成一个完整独立的人看待。

我觉得这是我们常常犯的一个毛病，我们很习惯把身边亲近的人套进一个身份去对待：“父亲”，“母亲”，“男朋友”，然后我们会忘了设身处地在站在他们的角度想事情，会忘了他们也是一个完整独立的人，也有自己的生活和喜怒哀乐的感受，然后我们就会对父母做出不回电话不回短信长时间不联系这种事情，又或者是对他们提出一些强人所难很作很任性的要求，因为我们觉得他们是“爸爸”，“妈妈”，“男朋友”，所以这样做是ok的，我们把他们对我们的爱，对我们的付出当成理所当然的一件事情，因为他们爱我们，他们跟我们的关系很牢固，所以我们没有必要费尽心思去维护这段关系。其实你想想如果你用这样子的态度去对待其他人，比如你的同事，你的上司，你第一次约会的对象，是不是很过分？但是因为他们是我们的父母，我们就觉得okay with it，但是我们对陌生人都没有这么刻薄，我们亲近的人是不是值得我们对他们再好一点？

这篇影评想到哪里写到哪里，只是一些凌乱无序的感想，所以行文很跳脱，请见谅。

好期待啊！花戎快播啊花戎快播啊，这都已经多久了，快播啊，花戎你快播吧，这都已经过去了多久了，快播啊！快播啊！你个老六，你到底什么时候播呀？花戎你告诉我你到底什么时候才可以播出啊？花戎你是难产了吗？你怎么还不播？我都要等不及了，你快播吧。你明明说好9月17号播。现在都已经9月21了。你到底什么时候才能播啊！花戎你快播吧

2022年了居然还能看到这种片子实属罕见，先婚后爱的甜土俗故事，霉国海军陆战队征兵宣传片，进口的工业糖精流水线产物，居然还拼凑了两个多小时。

首先，男女主都不太好看减一星（Sofia Carson还是专心唱歌吧），两人演技贼差劲减一星，片中私货夹带再减一星。剩下的两星给电影的幕后人员。剧情嘛，简单说说：

急需用钱的缘分让一男一女在机缘巧合之下相遇了。男主是一名负债累累的海军陆战队成员，女主是患有糖尿病却买不起药的歌手。两人为得到马润的特殊津贴而假结婚，约好每月的津贴一人一半，男主先去伊拉克服役着，等他回国后两人就离婚。不过无论是古今还是中外，假结婚这东西总是无比悬妙，假着假着就成真了。在伊拉克期间，男主被炸伤双腿，需要回国休养，为不引起怀疑不得不住到女主家。数月以来同在一个屋檐下，二人渐渐产生了真挚的感情，克服了些许困难后终成眷属。

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看完书，来看的电影。说实在，初中学课文的时候，断章取义，觉得虎妞很坏，同情祥子。看了书和电影，对360°大转变。她是彪悍，使诡计，但她心还是善良的。她是好吃，但也不算懒做，家务还是做的吧。而且她敢爱敢恨，果断。不要说旧社会，就是现在，也有很多人不敢为爱也好，为性也好，这么豁得出去。冲破封建制度的新女性啊！

祥子，个人觉得除了时代的悲剧外，最根本的还是他性格的懦弱，一根筋，偏执，好面子。没有接受良好的教育，光卖力气不动脑筋。看完小说，对祥子的同情全部消失，倒是有一种恨铁不成钢的感觉。可能我真的太没良心，太坏了。

所以以前学课文，一般都是取小说的其中一个章节，这样对于判断人物性格，分析人物命运，熟悉时代背景真的很可能会断章取义。以前学过的课文，要是现在可以找到原著看一看，真的角度全都不同了。但是，也可能不会抱着纯粹的心去喜欢一个人物，憎恨一个人物了。

下午在外媒关于《双子杀手》的报道和评论中读到一句话：Too much realism is the natural enemy of illusion.——这句话可谓一针飙血，直指问题核心，也勾起了我探讨这个议题的欲望。

千百年来，西方绘画是一门在二维画布上创造三维错觉的艺术，一般意义上的自然主义和现实主义是西方绘画的传统。但是，除了少量运用Trompe-l'?il技法的静物画是追求以假乱真调戏观众，绝大多数绘画都不追求百分之百地复刻物理现实，它们追求的是从观众视角的心理现实。

我们说伦勃朗的肖像画栩栩如生，简直把人画活了，不是指他画的纤毫毕现，连画中人的每一个毛孔都仿佛在呼吸。事实上，他很少使用如此细腻的手法，他大量使用粗砺和厚涂的笔触，根本就看不到任何毛孔。当观众在一个布展和打光都很专业的博物馆里看到他的作品时，却明显地有一种画中人随时要从画布上走下来的心理真实感，这种高潮迭起的审美体验就是观众需要的。

这种心理真实感的营造，是通过光影色彩的巧妙调配、人物情绪和场景戏剧性的悉心刻画综合而成的，而不是通过追求物理上与现实的精确相似性来达到的。事实上，一幅看上去跟照片一模一样的画登不上大雅之堂，你不过是技巧高超地抄袭了一张照片罢了。西方当代艺术中的照相现实主义，也不是复刻照片，恰恰它是超越了照片的真实感，衍生出一番新的审美趣味才得以成立。（当然了，有些中国艺术家追求画得跟真的一样，只能另当别论。）

一言以蔽之：非不能也，是不为也。以达芬奇或者伦勃朗所掌握的天才技法，他们完全可以把一幅肖像画到百分百高保真的程度，但是他们没有这么做，正因为如此，他们是伟大的艺术家，而不是平庸的画匠。他们懂得艺术的真谛和取悦观众的秘密。这一点，恐怕正是李安导演所陷入的误区，他从不懈追求心理真实转向了极端追求物理真实，并将其视之为一种革命性的创新，一味地指望观众来适应这种全新的观影方式，却丝毫意识不到脱离了心理真实的视觉革命，或许只是在缘木求鱼。

对于《双子杀手》的视觉呈现，具体分四条来讨论。

第一，对于片中大量的非动作场景，镜头所呈现出的高度物理真实严重缺少心理真实感，那些日常场景带给观众的感受，与我们的日常感受不符。比如说，我们走进一个房间，在快速扫视之后目光会被某个显眼的物品所吸引，从而自动忽视了其他物品，而不会是像在本片中，由于背景里有大量的物品是清晰可见的，观众的注意力就容易被分散（特别是在没有对白的片刻或者对于英语听力不错的观众），但实际上这些物品并不存在电影语言上的指示性；类似地，当我们跟一个人面对面交谈时，我们的主要注意力就是对方的眼睛和嘴巴，而纤毫毕现的电影却让观众会注意到特写镜头里演员脸上的毛孔甚至睫毛的根数，这些琐碎的细节信息跟电影有什么关系呢？观众掌握了这些信息有什么意义呢？这就回到了一开始说的伦勃朗的肖像画，观众进电影院是欣赏演员的表演，不是观看毛孔的呼吸。正是因为心理真实感不存在，观众看到这样高度物理真实的场景并不会有身临其境感，反而觉得它“太假了”。这正是标题那句话的含义。如果物理真实就可以带来身临其境感，古希腊剧场里的演员为什么要戴上面具呢？电影片场的演员为什么要额外扑粉化妆呢？艺术中的现实主义与现实不能直接划等号。

第二，对于片中的运动场景，存在的问题是类似于第一条的。人类的眼睛天生就无法看清高速运动中的物体，我们一直也就是这么在看世界，那么你把远处一列高速行驶的火车上的乘客都让观众看清的意义是什么？无效的镜头语言，只能沦为抖机灵式的奇技淫巧。还有摩托车追逐那场戏，我相信很多观众都领略过无数好莱坞大片里惊险刺激的此类场景，其中高速飞驰的惊险感，很大程度上就是靠视效上的运动模糊（motion blur）配合音效上的各种嗖嗖嗖来营造的，结果到了《双子杀手》里，观众看到了全程运动清晰的一场追车戏，我们像交警调用慢镜头监控录像一样把过程看得清清楚楚，就差认定谁是交通肇事者啦，可是惊险感还剩多少呢？技术进步固然可以超前并引领观众，但观众作为具有特定生理构成的一种生物，也注定了技术必须要以人为本。否则的话，干嘛不大胆创新地用人眼看不到的非可见光来拍电影？或者用蜜蜂的复眼视角来拍电影？技术上都可以实现的嘛，可是这些跟人有什么关系呢？

第三，对于片中的打斗场景，镜头所呈现出的高度物理真实不一定要符合心理真实，毕竟观众都明白动作戏是假的，是与日常生活经验有距离的（平时围观旁人打架我们看不清每拳每脚）。那么可以将其理解为一种艺术上的全新视觉语法（比如当年《黑客帝国》里惊艳观众的360度旋转场景），但此处仍然存在一个问题：观众一定要把动作场面的一招一式都看清吗？比如张艺谋在《英雄》里玩慢放式的武打动作拆解，想传递的是片中角色的武学和哲学理念，那么李安导演你的意图是什么呢？本片中几场打斗戏本身谈不上多精彩，如果看清一招一式对审美不构成额外的增益，不会让大脑中更多的神经元产生兴奋，那么它就再次沦为奇技淫巧。反过来想，诚然有不少粗制滥造的动作电影里的打斗场面确实糊观众一脸，但仍然有不少优秀的动作电影做到了在24帧的条件下让观众看得赏心悦目，最经典的例子当属《七武士》，黑泽明采用了多机位摄影加镜头时间上的部分重合。如果24帧已经存在解决方案，为什么一定要换成120帧呢？就算帧数确实应该与时俱进地增加，为什么一加就是120帧呢？如果说当年的24帧是囿于条件的武断选择，那120帧经过了科学论证吗？更何况你拿出的最终产品并没有什么惊世骇俗的效果。

第四，目前对于120帧的运用还存在一个明显的短板，就是摄影机没有相对应的技术更新。我想很多看过120帧的观众应该注意到了，演员的一举一动常常存在一种不正常的微小卡顿感，在日常一般性的动作中尤其明显。按说提高帧数就是用来解决卡顿问题的，但却造成了新的卡顿：这是因为虽然帧数更多让演员的动作更连贯，但是摄影机却没能保证同步的连贯，当摄影师操纵的摄影机不是沿着某个方向精准地匀速移动，或者在移动过程中产生了任何微小的抖动，就会造成画面的卡顿。在《比利林恩》里，由于好歹剧情丰富、画面色彩鲜艳，我还能比较多地忽视这种卡顿，但在《双子杀手》里，由于剧情老套无聊、画面暗哑无光，这种频繁存在的卡顿就加剧了我的出戏。因为它“太假了”。

最后想说的，也是我在看过《比利林恩》之后就说过的，我绝不是技术上的保守主义者，相反，我无比乐见为电影带来革命的新技术。症结在于，李安导演执着的这个新技术并没有带来什么开天辟地的新革命，至少两次答卷都不令人满意，甚至是问题多多。在我看来，他很可能犯了一个方向性的错误，观众所追求的绝不是把什么细节都看得清清楚楚。否则的话，我也可以立个flag，开发一种新技术，不仅能让观众看清演员脸上的毛孔，而且连毛孔里的螨虫都能看清，那绝对是一个更加接近物理真实的视界，但它却跟观众的心理真实渐行渐远。希望李安导演不要在迷途上越走越远。

《破风》有创新的地方，比如它发明“破风”这么一个中文新词——我闻所未闻（即自行车比赛里的domestique和lead-out man），比如它拍摄了不甚讨好内地观众的冷门体育运动题材，比如让运动员在前一秒蹦极抒胸臆下一秒自己打兴奋剂……电影前半段的颜色过于饱和明艳，就像自行车版的“看见台湾”（一部以直升飞机视角拍摄的台湾纪录片），垦丁佳鹅公路、太鲁阁国家公园，风景秀美，一看就不是内地出品，似乎还保留一丁点的制作良心。然而，随着感情线的铺陈，尤其是莫名其妙的两个男人喜欢一个没有表情毫无看点的女主角时，《破风》就开始抽风犯浑了。电影里也有其他女性角色，教练的女儿，后来不见了。奇怪的女记者，安插得无比拙劣。不负责任的妈妈，跑出来就是为了跟儿子喝酒（真的，就是喝酒噢！）。不是说，一部体育电影就不能有自行车手的情感世界，然而《破风》里的处理，实在是草率又粗暴。我反正没有看出来太多的真实，情感空洞，诉求虚假。有人说，你干嘛老揪着人家不放，作为一部体育电影它多么难得。好吧，为了堵你们的嘴。今年我还看过一部同样糟糕的体育题材电影，就是杰克主演的《铁拳》，里面有更多的个人感情和家庭生活，然而拖沓冗长，乏味至极。《破风》的比赛，基本靠解说。整部电影表现最好的演员，就是不放过任何重大场合的幕后解说员。竞技场面，前面还可以支撑观看，中间跨起国来就开始变成电视转播画面，结尾更是飞出来奇怪的立体大字，滑稽得令我一度想离场。为了引出自行车麦迪逊赛，电影不惜加了一段釜山的黑暗料理往事，韩国朋友的国际服务也真是辛苦。什么窦骁赌博欠债，说说而已。反正也是说说而已就一笔勾销了，当观众的，你干嘛那么认真。人们常说，体育比赛要有专业精神，如果一味用什么追梦道路上啊，爱情啊我要报复你之类的去写，往往生硬造作。《KANO》为了打棒球，铺垫了多少人情冷暖。韩国《国家代表》，主人公报名参赛的原因，看起来自私可笑且不高级，但是，它们却显得真实、合理。你会理解他们为何要打棒球，为何要参加跳台滑雪，因为只有这样的选择。很遗憾，《破风》在这方面就属于胡乱煽情狂打药。音乐一起，一针下去。音乐不断，高潮不断。彭于晏和窦骁一出来就很牛叉，崔始源，更牛叉。至于为何牛叉，他们如何变得更牛叉，不知道。我们只看到了泡妞，喝酒，撕老母，揍队友。这种掉渣天的高手交锋设定，通过比赛过程中的汗如雨下和凶险迭起得到了一定表现。然而，主人公真的遭遇过困难？那些天上掉下来的离谱问题，结果还都是瞎编自找的。哪怕不提《KANO》这些，比之林超贤自己的《激战》，《破风》哪怕用上了崔始源的“我想同你打番场”，电影依然没能制造任何的悬念。因为拖拖拉拉了两个小时，其实也没有人关心最后结果了。无论赛事如何，它并不会影响主人公的最终命运。当胜负已经变得不重要，谁还会去关心一部体育片里的爱情。差点忘了堪比《煎饼侠》里的职业狗仔了，当柳岩受困于大胸，彭于晏却因大胸爆火。猥琐的狗仔成全了《破风》的爱情，间接也让彭于晏牺牲了某个重要部位，然后什么奇情况都没有。一名专业运动员不因成绩而伟大，而是因为爱情。因为爱情，简单的生长，依然随时可以为你疯狂。因为爱情，《破风》令人失望。PS.请允许我推荐一部因为爱情而变得更好看的体育题材电影：日本的《百元之恋》（http://movie.douban.com/subject/25761178/）。

从开头的影像记录事实和女主的旁白都奠定这部电影的摄影风格和方式。

男主本来拍摄的恐怖片叫做作《一死在死》。从开头到死后都是在拿着摄影机，为了拍纪录片，身边人的生死都不顾，也导致了失去男朋友的女人开车逃走。到最后的死都是为了拍电影的追求。女主帮助他上传这段电影，这个可以从旁白看的出来

画面一直穿插在媒体报道和网络中的视频，一面报道着对事件的发生，另一个则是这个事件的真实描述。也是用战争来隐喻这个世界，在战场上总会有人来记录这些发生，无论怎样记录下来，罪行都会变得冠冕堂皇。也至于片尾最后向我们问道这样的我们值得拯救吗

非常精彩的一部剧，当年却故意无视错过了，归功于韩式的剧名和土到掉渣的大陆的服装道具，剧名和服装真的应该好好反思一下，搞不懂堂堂一个中国风古装剧为什么要用速食没营养又没内涵的泡菜剧名字？中式武侠古风的名字不是明明更有力道？服装道具更不用说，是个人都知道中国近代发生了什么把ct文化都视为糟粕都扫出了，与其用中国官方所谓的古装戏服道具，还不如用你们南洋华人先祖福建广东农村地区过年的拜神戏服更真实更接近古代，剧是很好看不失新剧一贯的精彩风格还是依然有最吸引我的Chinese spirit，但片名和服装道具还请新传媒多斟酌考量，不要一昧走现在“流行”的韩国风格，韩国风格并不潮流，中国古风也并不土气

该片在两个半个小时的时长里没有一句废话，叙事流畅、步步反转，最后将这个残酷事实的真相抽丝剥茧地展现给观众。

表面上这是印度人权律师钱德鲁帮助社会底层百姓打赢官司、讨回公道的故事，实质揭露了在种姓制度下各阶层之间的残酷压迫。

这是一段被人遗忘的历史，是泰米尔土著居民被排斥在印度四大种姓之外、被称为“不可接触者”的残酷历史。钱德鲁站在法庭上为各位高高在上的大法官以及权贵勾结的警界联盟“讲述”这段历史。在真实的事件中，钱德鲁这场人权官司打了整整十年，漫长的取证和诉讼，最终赢来了胜利的曙光。

本片片名《杰伊·比姆》就是比姆万岁的意思，比姆是印度上世纪50年代贱民出身的伟大改革者，既是印度宪法之父又是印度第一位法律部部长。在当时的印度社会，种姓制度、司法体系和作为执法者的警察，共同编制成一张密不透风的网。这张网看似维持了社会的民主和自由，但却是有条件和相对的，他们心照不宣的压迫和奴役作为“不可接触者”的贱民。因此比姆曾说，只要一个人没有实现社会自由，法律所提供的自由对他就是没有用的。这句话深深影响了钱德鲁，他一生致力于为贱民阶层伸张正义，为印度种姓制度的废止做出了卓越的贡献。

古印度史诗《摩诃婆罗多》中就已经出现反对种姓制度、出身不能决定能力和阶层的论调。印度佛教的兴起更是诉诸一个人人平等、没有分别心的世界。但是人性幽微，当权者不肯放弃手中的特权，神解救不了世人，自由和平等需要法律的维持。在影片中，得到钱德鲁帮助的社会底层百姓献上花环，钱德鲁却躲开了，他说，“我是人，不是神，我不需要花环”。

非常有日本文艺片质感的片子，叙事靠情绪流推动，看到池松壮亮就想到了《夜空中总有最大密度的蓝》。

理解这种片上院线不为大众喜欢，但还是为这个分数可惜。它不是烂片，绝对不是，只是不适合下沉市场而已。

选角选对了就成功了一半，非常喜欢张鲁一在片子里的易碎感。“你陪我去柳川吧，就我和你。”他笑得温吞吞，好像很柔软又很累。

在柳川静水流深的河道中摇摇晃晃行进，冬日的阳光照得他像一只慵懒的老猫。兄弟俩在寂静的日本小城，什么都不做只是蜷在被炉里听游船行进的水流声，过桥时在漆黑中唱一支柳川的老歌谣，久未外出的灵魂好像就随他们去到了那里。

【详细】

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