这部电影之所以成为烂片，各位主创还是要把锅背清楚的，演员演的、导演导的，各有各自的烂。 先说演员。作为ab和阮经天的颜粉，直的无法做到滤镜厚到忽略糟糕的演技。ab不光是无表情呀，就连肢体都很僵硬，台词毫无感情，无话可说。阮虽然是影帝，但是他的台词真的不敢恭维。 ...  (展开)

这篇影评可能有剧透 I think this is how the last company meeting should go: The briefcase remains unopened while Christopher is out looking for Madeline with Evelyn; Everything goes south with the important documents as it did in the movie; The Robin family goes back to the me...  (展开)

黄昏里一盏明灯:他们在岛屿写作
文 / 蒋斐然

“是谁传下这诗人的行业，黄昏里挂起一盏灯”。

在这文学阅读日益衰退的年代，《他们在岛屿写作》挂起了黄昏里的明灯。

我们不禁感叹，台湾啊台湾，台湾啊台湾。看似被政治力搅和得乌烟瘴气的台湾，看似民风日下乐娱表浅的台湾，却从不叫人真正失望，因为在这个岛屿的某个角落，某个时刻，总是不期涌现这样那样充满力量的的影音创作与文学记忆，无法被乱流冲走，无法被历史埋汰，让人重新坚信美好的存在。这个市井与纷争的小岛，像极了春秋战国时期的中国，乱力之下有自由，自由之下放百花。

他们在岛屿写作。他们是谁？“他们”指向的是一个漂浮游移却隐然成形的时代群体，既有历史时间的距离，又有美学感性上的回眸。“岛屿”作为一种历史地理的指称，潜藏了在地思考的逃逸路径，跳脱省级，无关统独，抛却了僵硬的国族符号，抛却泛政治化的情感动员。而“在岛屿写作”则形构出一种当下此刻的书写进行式，贯穿过去与未来，以写作的创造性能量，标记岛屿之浮光掠影，“岛屿写作”，让岛屿不先于写作而存在，让“写作”无法离开岛屿而成立。

六位文学大家，来自四面八方，出生地殊异，成长地殊异，但都在岛屿写作，都在书写岛屿，都在以文学书写作为逃逸陈规范式的路径。值得思考的是，其中的几位作家都是从大陆过去台湾的。余光中曾这样描述他所经历的地方：大陆是母亲，台湾是妻子。何以母地的生子都绽放在他乡的爱情里，而后又缱绻于怀乡的诗情里。不论时事，搁浅政治，但省两地的人文落差，便叫人戚戚。

《他们在岛屿写作：文学大师系列电影》创造了文学纪录片的一个奇迹，成为去年台湾一个重要的文化事件，让人唏嘘之余感到欣慰——还好，文学还在；还好，读者还在。这套影片的奇迹在于，它以非凡的诚意打动了六位文豪的联袂出镜，以纪录片的预算制作出了电影规格的影像，以文学电影的姿态站上了公映院线，以低调的妆容赢得了高调的票房和口碑。虽非商业片，却敢于挑战观众的口味，不得不敬佩，作为发行方和制作方的目宿媒体确实具有过人的胆识和先天下之忧而忧的人文情怀。但谁也没有想到，在这样速食消费的年代，悠长缓慢的诗歌又唤起了人们心底对文学的柔软记忆，真诚朴质的影像挖掘了字里行间的乐趣，拉近了观众与诗人的距离，抵抗了阅读衰退的忧虑，这表明不管时代怎么变，人性最初的那份纯洁与美好是不会消褪的。

你看到诗人的生活，看到他们作为一个人是如何存在，然后你突然就读懂了他们的诗。比如，我看《化城再来人》时非常惊讶，或许之前听说过在武昌街摆书摊的周梦蝶，但并不知悉他原来人如其诗，早已老僧入定，生活作诗仿如修行。再如余光中先生的诗应该为大陆观众所耳熟能详，但在纪录片《逍遥游》中，我才完全地尝到了乡愁的滋味，也才明白之前脑海里的余光中并不是真正的他，他的诗我也并非真的懂。这不就是纪录片的意义所在吗，带领观众进入和理解一个未知的世界。

《他们在岛屿写作》成功了，在台湾，第一次有这样的纪录片能够在院线联映五周之久，怀揣着所谓的传说中的“纪录”与“文学”两大票房毒药，却眼睁睁地火爆了市场，成为一种奇特的现象。不论是文艺界还是非文艺界，都不断有仁人志士站出来鼎力相荐。张艾嘉为首映站台，马英九看后将预告片投上FACEBOOK大力夸赞，又有多少民众一看完片子，就涌起一股满满的冲动，奔向书店购买诗集。也就是说，人们又开始读诗了。这难道不是最大的奇迹吗？

若说以上是电影之于文学的奇迹，是电影为文学的普世化和复兴作出了贡献，那么反过来，其实文学也同样滋养了电影。《化城再来人》和《如雾起时》的导演陈传兴说，文学总能给电影注入大量新鲜的内容。文学电影的类型在亚洲尚未流行，在世界范围内，其实BBC早已拍摄过很多系列的作家纪录片，美国的大学也设有文学电影的课程。但在整个大中华地区，《他们在岛屿写作》是第一个做这件事的人，若这一波电影的佳绩能兴起整个文学电影类型在亚洲的发展和崛起，那就丰富了我们的电影市场和电影创作，不论对影人还是对观众，都是打开了一个多元化的出口。从纪录片的意义上说，也是对纪录电影创作现状提供了一种激活的可能性。当然这需要所有人的协助和推广，而我们，正是在做这样一件事。

在宝岛，有人在努力的保留纯文学的火种。而中国大陆，也曾像这个岛屿一样，经受过动乱对文学的摧残，如今却少有人以主动的姿态践行对文学的热爱。但我相信，这里同样潜藏着一大批坚定的文学青年，而台湾文学正是他们成长路上的重要养分，只是在这样的时代背景和社会风气下，他们选择了隐藏这份欲说还休的炽热。此番在HAFF能够一瞥这些文学大师在银幕上巨大的身影，必定会振奋这群长久遭边缘化的文青的心。而那些许久未拾书卷的人，或也会在看完这一系列的电影之后，重新回归读者的身份。另一方面，也是给大陆电影单一乏味的商业趋同提供一种反思，为食之无味的观影市场注入一剂新鲜的青草味。这里的观众已坐在黑暗的影厅里等候许久，等待着在大荧幕上看到不一样的电影，等待着在从电影里找回久违的感动，等待着恢复封存多年的文艺味蕾。

《两地》分属的风景

《他们在岛屿写作》展现出的是影像威力下的时代感性。

六部电影有叙事结构上的繁复，有影音调度上的别出心裁，更有美学与伦理上的巧妙幽微。有别于传统“作家身影”的拍法，六部纪录片的每一部片都有两个创作心灵的呼应与頡抗，一个是使用文字的作者，一个是使用影像的导演，彼此之间的微妙张力，让影像不再是文字的二次表述，让文字跳脱怀旧氛围，重新展现当代感性。

《两地》，台北和北京，台湾和大陆。此片在构思上颇有深意的地方在于，导演杨力州在片中彻头彻尾地将“两”的概念诠释到底。他将林海音的女儿去北京探寻母亲旧地的过程拍下来，与早前林先生自己去北京寻访的影像并置，两次的镜位和路线都很相似，甚至女儿和母亲都问了一些一样的话，由此两两相望的感觉就浮现了，暗示着代代相传，也暗示着两地纽带不断。配乐师柯智豪为了呼应“两”的概念，将俄系与欧陆两大乐种的旋律和节奏调配在一起，但其实所有场景的主旋律又都暗藏着《送别》的音符，因为它是此片音乐的主轴。剪辑上也频繁地展现出两两对立的撞击。比如说，叙事说到了林海音先生因为刊登了风迟的文章而被免职时，画面首先是当年“文学须服务于政治”的宣导片最后会场鼓掌的一幕，紧接上的就是严肃沉重的字幕，告知观众，在这个掌声底下，林海音被免职，在这个掌声底下，风迟被判三年六个月的徒刑。像这样的例子比比皆是。另值一提的是，《两地》中有大量的动画。动画部分并不疏离出戏，它是精致温馨的，因为原画取自于林海音最喜欢的关维兴水彩大师的插画《城南旧事》，而京剧的实现方式又让人感受到这个在老北京发生的故事。我看完动画的感觉是，跟林先生的世界又近了一步。《两地》也采用了不少稍显矫情的特效渲染手法，比如翻页的老报纸配上动态的新闻报道，这些是刻意、煽情而炽热的，而纪录是淡然、诚实而冷静的。导演也意识到了这一点，所以有意时不时地曝露一些“穿帮”镜头，或是让摄像机入镜，或是保留一些晃动不已的画面，为的是将观众从故事中推出去，回归纪录的客观姿态。

《化城再来人》的一天

《化城再来人》时长163分钟，六部中最长的一部，以我浅见，也是最有深度的一部，也可以说是最靠近电影的。它的叙事定点有如《尤利西斯》，一整部纪录片讲述的是周梦蝶的一天的回忆，但叙事线条并不单一，其中叠合了回忆的多重时间点，显示出周公本身性格的复杂性。第一次看这部纪录片的时候，令人印象最深的是周公的声音，他一直在不紧不慢却又用力地嚼着他的诗和尺牍，仿佛诵读也是一种修行。

周公的诗中呈现的是一种不纯粹的语言，旧诗，禅诗或偈语，全部糅杂在一起，而《化城再来人》将这些不纯粹凝结在一起的纽带就是周公的声音，包括它的质感，快慢，节奏等等。而声音就是时间的另一个指标。我们听着周公的念白，就真真切切地体会了他那句“只有时间嚼着时间的反刍的微响”。导演陈传兴说，“周公平常说话经常陷入一种独白的境况，即便与人对话，对面的人于他而言也只是回声墙。而念诗的时候却大不一样，念诗的时候是他与他的诗对话，你观察他特写的脸，感觉声音在他好似山脉的一起一伏的肌肤上流动。”这本身就是一种梵文的心境，这种诵读是一种非人间的与神对话。除了周公的声音之外，潜伏在影片始终的另一个重要的声音就是水流的声音，当然是隐喻时间的纵向宽度，对于周公这样一日如一生的文人来讲，这水流声又添无限禅意。

完整看过此片的人绝不会忘记开头和结尾呼应的江面，那过去的江面要去向哪里，谁都无解，就像时间要流向怎样的未来，我们都无从知道。为了反应周公这样的犹疑而不确定的生活在在台北城里的“悉达多”，导演甚至将周梦蝶的淡水河比作印度的恒河，拍摄了两地的画面混剪在一起，有意让人分不清到底是淡水还是恒河。

全片的叙事非常从容，毫无夸张矫饰之处，但阅毕周公的印象已如烙印般深铭心中，那样的气质不只是“入定”或是“出世”可以简单形容，他可以随时对外界打开，也可以随时关闭。陈传兴将周公比作漏斗，外界的事物可以经过他的身体，然后完完全全地流过去，不留下一点残余。而《化城再来人》最出色的地方在于，他没有只顾着刻画周公这种外界既定的佛者文人形象，它呈现出了一个真实的人内心的矛盾，对男女情感的期待和纠葛，对宗教的坚定与不坚定，对人生取向的来回摆荡。比如周公谈三毛那段，我看到是觉得惊异又觉得真实。再如谈到周公去电影社看电影时，投影在斑驳墙上的影片是卡尔?德莱叶的《吸血鬼》（1932），那一幕讲述的正是一个男人救赎了女人，这样细腻的安排归功于导演对周公复杂性格准确而敏锐的捕捉。这其实是非常难的事情，因为周公不是剧本里被塑造出来的人物，而是创作团队在有限的时间里新认识的活生生的人。

此片的剪辑非常尊重时间上的连贯性，未有打动干戈，自然而有力，体现了纪录片剪辑最好的状态。尤其开头周公起床、吃面、上厕所、洗澡那一长段，几乎没有话语也没有配乐，非常漫长，但周公的生活状态和精神世界已赫然显现，因为时间在他身上本身就走得比较慢。同样周公所有讲话的速度和长时间的停顿也被充分地尊重，包括他偶尔瞬间入定而长久静白的沉默，动人深刻。

《逍遥游》是一出自由的纪录剧

《逍遥游》的特色在于有一个完整的剧本，陈怀恩导演是电影出身，拍摄的时候就有分镜了，因而系统性非常强，当然也有精心雕琢之感。片子定位在余光中四十岁左右“你不知道你是谁，你幻灭”的人生阶段的议题上，进而引出诗人一生不停地自我争论，与自我对话的主题。

由于是年轻余光中，所以有大量搬演的部分，用以再现余先生当年读书写诗的场景，是六部纪录片中编剧搬演最多的一部。除了搬演部分的编剧，他们也有让年轻的台大诗社成员热烈讨论余光中的诗这般的情景预设。所以这部纪录片其实采用的是比较剧情片的构思和制作方法，包括预设主题，到实现方式，都有许多企划的痕迹在里头，也就是说，是纪录内容在跟着主创走，而不是主创跟着纪录内容走。但这样的高控制力的企划对于观众来说还是有效的，观者能很好的进入故事，进入到导演预期的情绪里。旁白声音挑选和剪辑节奏都精心设计。比如《沙浮投海》这首诗是由万芳来朗读的，沙浮尸一个女诗人，这是一个女诗人投海自杀的故事，所以由一个悲伤的女低音来朗读就仿佛第一人称演绎了这首诗的故事。全片影像风格唯美写意，旁白的交错与视觉搭配，就已经奏出一曲漂亮的诗歌。

《如雾起时》是一曲哀歌

《如雾起时》拍郑愁予，同样出自陈传兴导演之手，但与《化城再来人》是完全不同的调性。我觉得《如雾起时》是一曲哀歌，它的气质是比较沉重的，是围绕着诗与历史展开的。比如他采用了大量客观性陈述的旁白，选取了一个低沉的女音代表一个第三人的角度，一个在故事之外的全知全能的角度，讲述一些关于诗人的事实。

全片的架构清晰可见，前半部分比较男人戏，有很多史料影像，回顾诗坛文坛的几次论争，而后郑愁予结婚成家，影像转到了非常有生活气息的家的空间里，转到了美国的宁静薄雾里，转到了郑先生夫人和其他几位女性知识分子的视角里。这种性别视角的转移与时间线性的发展相吻合，不知不觉中也就完成了影片气氛的转变。另外一个转变是相对于主人公的镜头机位的转变。开片访问郑愁予的一幕是在小河边的一个推轨镜头，镜头一直处在诗人的背后方，随着叙事的展开，机位慢慢地转到传主的正面，观众对郑愁予的认识也慢慢加深。

陈传兴对很多意象和动作都有非常主观而深层的解读，但全片的影像还是采取了一种比较遥远的观望姿态，并未作过多注脚。在《如雾起时》里，他更多的是在呈现一种诗的历史，所以前半段使用了大量史料报章，蓝星旧刊等过去的实物来目击历史。后半段是郑愁予在美国的工作和生活，于是出现了毕业证书，学位证书，荣誉证书等见证物。这些统统被端端正正地放大在镜头前，诉说诗与历史的关系，因为历史说到底是以一桩桩的事件来标记的。

影片前前后后充满了呼应和对照，比如美国1970年爆发的反越战学潮的新闻影片和保钓行动的影像都对照了台湾50年代八二三炮战前后肃杀和动荡以及六七十年代中国的文化大革命的激进。陈导有意识地在用各种方法加重片子的严肃气氛，呼应那个时代的沉重。比如全片处处有字幕（侧标），有的是史实，有的是观点，有的在黑幕时出现，有的甚至就打在人物脸上。而这些侧标字数多，速度快，观众根本来不及读完，而导演就是有意为之，有意让你负荷过重，从而体会那种硬质的沉重。但有时，你不得不承认，陈导因为将其丰厚的艺术电影的涵养都呈现在画面里，其中的深意和过多的隐喻并非一般观众能够消化领悟。

《寻找背海的人》是现实主义的浪漫纪录

林靖杰导演的《寻找背海的人》是极具现代性和艺术性的一部纪录片。王文兴本身是现代主义风格的作家，因此影片呼应这种形式上的对接是非常恰当的。

《寻找背海的人》有非常细密的线索和严密的架构，也有很多创举和巧思，属于比较非传统的纪录片。因为王文兴是小说家，为了将小说的故事诉诸视觉，林导干脆将《家变》改编成了一个十足现代性的舞台剧呈现在片中。另一个构思是“牢房”，王文兴将其每日写作的那间房比作牢房，林靖杰就拍摄了他在牢房里的真实写作过程。这对于作家本身来说是不易的，要做到放松地在摄影机的监视下工作。对于导演来说也是不易的，因为其间需要大量的磨合和沟通。最后呈现出来的那种真实的状态是令人动容的，当你看到作家握着笔竿不断地敲打着桌面和稿纸的时候，你也能感受到他正在敲打自己的灵魂。再如此片的动画，明显区别于其他几部片中的动画，实验性很强，像《草原底盛夏》有着超现实的调性，《背海的人》和《星雨楼随想》则有着十分先锋的气质，单独拿出来看，都已经是很棒的作品，所以整个片子的完成度也就显得非常高。配乐非常吻合王文兴的文学气质，有苦涩沉闷的味道在里头，尤其是动画的配合，充盈着机械主义的幽默和残酷在里头。

这六部电影虽然出自不同的导演之手，风格各异，但在整体上竟然也呈现出了巧妙的统一性。影像画质都很相近于5D Mark II的风格，都采用了读诗和念白的手法，也都围绕着作家本身展开叙事，配乐几乎一致地采用了无调性的现代弦乐，非常贴合诗文的气质。这一套非常高质素的文学纪录电影，值得每一位电影观众和文学读者细细咀嚼和珍藏。

《朝向一首诗的完成》是个未完成的朝向

《朝向一首诗的完成》取名于杨牧《一首诗的完成》，但杨牧认为，从泛义来讲，写诗并没有完成，何不加上“朝向”二字，于是有了“朝向一首诗的完成”。此片是温知仪导演的，是六部片中唯一一部由女性执导的片子，十足的女性色彩，手法比较阴柔。这当然也是女性导演的一个特色和优点。

影像部分印象比较深的是介绍反越战的《十二星象练习曲》这首诗时搭配了现代舞和越战资料重叠的画面，非常柔美和实验，我觉得这是男性导演绝对不会采用的手法。影片有加入搬演的部分，由一个小孩子来演绎杨牧小时候在花莲的时光，也有像《两地》一样，采用动画来诠释杨牧的诗歌，也做了很多跟杨牧先生有关的人的访谈，这些都是纪录片常用的实现方式。诵诗部分请来了很多其他诗人和学生分别念诗，寓意杨老师的诗影响了世世代代的人，但影片是以杨牧先生自己朗诵自己的诗作为影片的开篇和结尾，听来叫人非常感动。这部片子跟其他五部片子一样，很好的一点在于，他们把重心放在诗人本身上，而并非单单在他的诗作上，于是整个片子就很贴近诗人本身的气质。

A Beacon in the Dusk: The Inspired Island

Jiang Feiran

“Who left the profession of writing poetry, hanging up a beacon in the dusk”.

This generation witnesses a gradual decline in reading literature, The Inspired Island hangs up a beacon in the dusk.

We cannot help sighing with emotion: Taiwan, oh Taiwan; Taiwan, oh Taiwan. Taiwan, which seems to have been polluted with a foul atmosphere by political power and filled with a decaying folk custom and a superficial entertainment circle, never truly disappoints people, for at a certain moment from a certain corner of this island, there would always unexpectedly spring up some powerful video or audio creations and literary memories never washed away by turbulence or weeded out by history, bring back people’s belief in the existence of beauty. This island, with its marketplace culture and disputes, resembles the old China during the Spring and Autumn Period, showing in the turbulence freedom, under which bloomed all flowers.

They are writing in the Island. Who are they? “They” refers to drifting but invisibly formed generation group, which boasts not only a historical distance, but also an aesthetic and emotional back-glance. “Island”, a historical and geographical nominatum, conceals an escaping path of thoughts regardless of provincial class, unification or independence and discards the rigid national symbol and politicalized emotion movements. And “writing in the Island” forms a current proceeding of writing what connects the past and the future, skimming over the surface of the Island with the creative energy of writing. “Island & writing” makes “Island” exist not prior to “writing” and “writing” unable to exist without “Island”.

Six literary giants, coming from various backgrounds with different birthplaces and places where they grew up, are all writing in the Island, writing the Island, and escaping from the stereotyped forms by writing. What is worth thinking about is that some of them all came to Taiwan from China’s mainland. Yu Kwang-chung, one of the six, once described the places where he experienced his life: China’s mainland is the mother, while Taiwan is the wife. How come that children born in the mother’s land are blooming in the love of a place away from home, and then deeply attached to the nostalgic poetry? Regardless of the current events and the politics, only the cultural divergence between the two places could already make people sorrowful.

The Inspired Island: Series of Eminent Writers from Taiwan is a miracle of literary documentaries, making itself an important cultural event last year in Taiwan and bringing delight to sighing people—it is well enough that literature and readers are still here. This miraculous documentary aroused the feelings of six literary giants with extraordinary sincerity, made the image with the form of films by using the budget of a documentary, released to the public with a literary attitude and won a high box-office and a great reputation with a plain appearance. Though not a commercial film, it delivered the courage to challenge audience’s taste, which irresistibly generates our admiration for Fisfisa Media, the issuer and the producer, for its super courage and selfless humanistic feelings. However, it is out of all people’s expectation that it this age of fast food consumption, long and slow poetry has re-aroused people’s tender memories for literature, and sincere and simple images have excavated the interest among the words and between the lines, shortened the distance between the audience and poets, and resisted the worry of reading decline. This indicates that in whatever way the times changes, the original purity and beauty of human nature would remain unfading.

You would suddenly understand their poems by observing poets’ life and their ways of existence as a human. For instance, I felt rather surprised when watching The Coming of Tulku. Perhaps I had already heard about Chou Meng-tieh who had a bookstall at Wuchang Street, but I did not know that he was just like his poems, regarding life and versifying as cultivating himself, very calm and without worldly passions. Also, the poems of Yu Kwang-chung must be very familiar to readers in China’s mainland, while it was in The Untrammeled Traveler that I came to fully sense the nostalgic feeling and came to realize that the Yu Kwang-chung existing in my mind before was not the real him and that I never truly understood his poems. And this is where the significance of documentaries—leading people into and then to understand an unknown world— can be found.

The Inspired Island was a great success. In Taiwan, it was the first time for this kind of documentaries to be shown in cinemas for five continuing weeks. With so-called two poisons for box-office, “documentary” and “literature”, it became surprisingly hot in the market, marking a miraculous phenomenon. People with lofty ideals showed their great recommendation in succession, no matter from the literary and art circles or not. Sylvia Chang, an actress, showed her support by attending the first run; Ma Ying-jeou, the Taiwan Leader, posted the prevue onto the FACEBOOK after watching it and revealed great appreciation; many other people, after watching it, all flooded to bookstores for collections of poems with enormous passion. In other words, people begin to read poems again. Isn’t that the biggest miracle?

If the aforementioned is the miracle brought to literature by films or the contributions made to literature’s popularization and rejuvenation by films, the following could be regarded as the nourishment that literature has in turn provided for films. Chen Chuanxing, the director of The Coming of Tulku and Port of Mists, said that literature could always inject abundant fresh content into films. Viewing worldwide, we may see that BBC has produced many series of documentaries for writers, and there are also courses on literature films in American universities, but literature films are still not popular in Asia. In the whole Great China, The Inspired Island was the initiator of that. If this achievement can generate the development and expenditure of literature films in Asia, it would enrich our film market and film creation, opening a diversified exit for both filmmakers and the audience. Viewing from the significance of documentaries, it would also be stimulus for the current creation of documentary films. That surely needs all people’s support and promotion, and this is what we are exactly doing.

In Taiwan, some people are striving to keep the kindling of pure literature, while in China’s mainland, where literature once experienced similar damages due to turbulences, there are few people initiatively practicing love for literature. But I believe that there also incubate a multitude of literary youths, and Taiwan literature is the very nutrition during their growth. It is just that under this background and social morality, they choose to conceal the fervor of keeping what they are eager to express. This time, a glance of the greatness of these literary giants on the screen during the HAFF would surely inspire those literary youths who have long been undergoing marginalization. Also, those who have not read for long would probably win back their identity of being a reader after seeing this series of films. On the other hand, it also provides an introspection for the dull, stuffy and commercialized films from China’s mainland, bringing the tasteless film-seeing market fresh energy. The audience here have long been waiting in the dark video halls for showing up of “different” films on the screens, for the long-awaited touching affection from films, and for the recovery of artistic taste that has been sealed up for years.

The Separated Sceneries of Home in Two Cities

What The Inspired Island reveals is the emotion of times under the power of images.

The six films boast complexity in narrative structures, uniqueness in video or audio adjustments and wit and profoundness in aesthetics and ethnics. Unlike traditional filmmaking of “writer’s silhouette”, each of the six films has two creation souls echoing and clashing with each other. One is the author who uses words, and the other is the director who uses images, both of whom show subtle tension between each other, making images not just the second expression of words and words jump out of the nostalgic atmosphere and display the modern emotions.

Home in Two Cities refers to Taipei and Beijing, and Taiwan and China’s mainland. This film delivers profound meaning in its meditation that Yang Li-chou, its director, made a complete interpretation of the concept of “two” throughout the film. He photographed the process of Lin Haiyin’s daughter’s visiting her mother’s former site in Beijing and then co-arranged the image of the earlier visit of Ms. Lin herself. The two shoots were quite similar in both camera locations and routes, even the daughter and the mother both asked some same questions, as a result of which the feeling of the two shoots’ echoing emerged, suggesting the transmission from generation to generation and the strong connection between the two places. In order to echo with the concept of “two”, Ke Zhihao, the background music controller, mixed the melodies and rhythms of Russian and continental music, while the themes of all scenes conceal the note of Seeing Off, which is the principal axis of the music of this film. Also, collisions are frequently seen in the editing of the film. For example, when it came to the narration that Lin Haiyin was deposed for publishing Fengchi’s article, the frame was at first the applauding scene in the meeting place of the guiding video of “literature should serve the politics” in those days. What followed was solemn and serious subtitles informing people that it was behind these applauds that Lin Haiyin got deposed, and it was behind these applauds that Fengchi was sentenced to three and a half years. Examples like this can be found everywhere. Another point worth mentioning is that Home in Two Cities possesses many animations, which are exquisite and comfortable and not isolated from the film, for the original painting was taken from My Memories of Old Beijing, Lin Haiyin’s favorite illustration by watercolor master Guan Weixing, while at the same time, the realizing approach of Peking Opera can make people truly feel this story that happened in old Beijing. I felt I was closer to Ms. Lin’s world after watching the animations. Besides, Home in Two Cities has adopted quite a few such slightly affected depicting approaches with special effects as matching dynamic news report to the page turning of old newspapers. This is deliberate, sensational and fiery, while documentaries are indifferent, honest and calm. Having realized this, the director deliberately revealed some “goof” scenes now and then, either showing the camera in the scene or keeping some shaking scenes, the purpose of which is to push the audience out of the story and back to the objective attitude of the documentary.





The Man behind the Book is a romantic record of realism

The Man behind the Book directed by Lin Jingjie is a documentary with both modernity and artistry. Because Wang Wenxing is a writer of modernism, so the film is very appropriate to echo this form.

The film has the detailed clues and rigorous framework, and of course, there are a lot of initiative and ingenuity, making the film a non-traditional documentary. In order to transform the novel into a visual story, the director simply adapted 《Festen》into a modern drama presented in the film because Wang Wenxing is a novelist. Another idea is a "cell", Wang Wenxing compared the room where he writes everyday to the cell, and Lin Jingjie shot the writing process of him in the cell. To be honest, being relaxed in front of the camera is quite hard for the writer. And it’s same for the director, since it needs a lot of communication. The scene of writing presented finally is touching, when we see the writer holding the pen beat the desktop and the manuscript, we can feel that he is beating his own soul. As to the animation in this film, it is significantly different from several other film animation, It is experimental. 《The summer at the foot of the grassland》is realistic,《Find the man back to the sea》 and 《Capriccio at Star Rain House》 just like a pioneer. Take them apart, they are all great work, so the whole film is of high quility. The soundtrack suits the literature temperament of Wang Wenxing, it has the sense of dreariment, with the animation, it impresses us with the humor and cruel of mechanical materialism.

Although this six films are directed by the six different directors, vary from style, they have something common on the whole. First, Image quality is similar to the style of 5D Mark II. Then, they all read poets or narration, they all tell a story about writers. Besides, they all use modern string music as the soundtrack, fitting the temperament of poem. These high quality literature documentary films deserve every movie audiences and literature readers experience.

Towards the Completion of a Poem is not a completed toward.

It is named from the work《The finish of poem》by Yang Mu. In his opinion, in terms of pan-righteous, writing the poem has no end, in other words, never completed, so why not add" towards "to the title, so we see this name. This film is directed by the WEN Zhiyi, the only woman in the six directors of these films, the film is relatively feminine. This, of course, is the feature and advantage of the female director.

What impressed me most is the introduction to the poem 《twelve astrological Etude》 about anti-Vietnam War. The introduction mixs the modern dance with the picture of Vietnam War ,it’s full of soft and experimental, I think this is the approach what male directors will never adopted. The film has the scene of performance, a child interpretated the childhood of Yang Mu in Hualien. The film also use the animation to explain the poem by Yang mu like the film Home in Two Cities, and lots of interview of the people related to the Yang mu as well, these are the common approaches of documentaries. A plenty of poets and students read the poems in the film, meaning that Yang's poems affect generations of people, but the director let Yang Mu read his own poems as the opening and the end of the movie, making us moved. The film focus on the poets rather than the poems they write, just like the other five movies, and that’s good. Thus the whole film is close to the poet's own temperament.

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这篇影评可能有剧透 药王天棺，很拉风的名字，有药王，有天棺，好厉害，怎么也得像飞狐外传中的毒手药王设置的各种匪夷所思的毒术，然后也得有一口不能从天而降，但是绝对有噱头的棺材才对嘛。 结果呢。 药王是有了，只是一个白胡子老头出厂一会，最后却是药王的徒弟的故事。药王的徒弟肯定也是不...  (展开)

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前面真的有点吓到了，因为国内很少接触到这种暴力系的电影，不过随着剧情推进几个少年越来越中二，加上那段闻名遐迩的号称是小哥突破偶像尺度的弯弯情，吊起了我“看直树如何变弯树”的猎奇心，这两天的相关微博看了很多自以为做够了心理架设，但看到的时候还~是~没~把~持~住，...  (展开)

不得不说的是，木兰的孝顺有些愚孝，一个家庭不止有老人，还有丈夫和女儿，说句难听话老人的人生已经接近尾声，每个做父母的最大的心愿不过是自己的孩子好，为下一代甚至下下代着想，当然每个老人都希望自己的孩子能在身边陪着自己，但更希望自己的孩子有出息过的幸福，不愿意成为孩子的累醉，如果只是一味的想要陪在老人身边，父母并非会感到幸福。如果每个人在做做事情的时候都能够换位思考，生活会更幸福。

刚在土豆上看了这部剧，难得的题材，巧妙的构思，裴斗娜精湛的演技，都是看点。看完之后心里有点难以言喻的惆怅和失落，于是来到豆瓣看看各位豆友的评价。看了这些评价之后有点失望，觉得不少豆友的分析很入微，但是都是些三观不正的。（我知道这句是要找骂了）所以决定自己写写影评，算是给这么好的片子致敬。
关于剧情不想多说了，我觉得好多豆友都将目光聚焦在道熙这个年龄和内心反差极大的人物身上了，忽略了这个故事的核心。这个核心明明是是所长啊。所有的人物线索都是由所长发散出去的。
从大环境来讲，无论是警察局里对所长同志身份的歧视，还是小镇人们得知她身份后对她的敌意和舆论压力，所形成的的社会背景都是针对所长的，她受到了各种的隐性和显性的压迫却没有得到一丝同情。
反观道熙她除了得到所长的怜悯之外，最少还有其他警察的同情。
一定程度上来讲，所长的处境其实比道熙还不如。
看到有很多帖子说所长对道熙感情，我也来分析下。
首先，在分析她俩之前，必须说说大家都忽略的所长和前任的关系。
前任出场就是来找所长，两人一句台词都没有，就是望了一眼，什么是一眼万年，这就是。看了一眼转身走了，所长就知道要先下班。回家第一件事前任干了什么呢？和道熙打过招呼，拉开抽屉柜子就找到了那些装烧酒的矿泉水瓶，说明什么，前任对所长性格及生活是相当的了解，这说明她们的感情是十分深刻而有基础的。
下来就是小酒馆，在这里透露了两人分手的状态和分手的原因。
前任说，“我们重新开始吧。”说明两人分手的状态，
所长不说话，手在酒杯上划圈，是思考还是回忆过去，不得而知。
当所长拆了手机，前任责备时所长抛掉所有逃跑的时候，所长居高临下的俯瞰了前任一眼，前任躲闪了所长的眼神。这说明什么，说明真正逃跑的并不是所长，而是前任。这时前任提出要去澳洲，你们看见所长在抖腿了吗，什么意思？焦虑啊！
这说明前任和所长的问题不在于感情的深浅，而在于前任无法抵抗各方面的压力，她要逃走了，（甚至之前也逃走过，留给所长的是降职和分手）并且她希望和所长一起离开。逃到的地方就是澳洲。
所长回应了吗？
连在海边牵手都害怕被人看见的所长，在人多的酒馆门口却拥吻了前任。如此不和所长性格的行为说明什么，说明所长对前任强烈的爱。之后，有所长收拾东西被道熙破坏打乱行李一事，好多豆油只看见萝莉，没想过为什么干的好好的所长要收拾行李。个人认为，依所长的性格和降职的遭遇，造成这种局面的原因必定是前任要出柜，所长大爱前任，不顾一切出了柜，但前任周围的环境压迫前任，使得她抛弃所长，于是所长降职，被分手。
我知道写到这里肯定有好多人要骂前任碧池，但是前任对所长的感情肯定是在的，不然怎么会有后来来到小村找所长的戏码。前任无错，只是性格软弱了。
说回到所长收拾行李，这说明前任的提议对所长具有强烈的吸引力，于是她又放弃了所有开始收拾东西。甚至所长和前任是有联系的，只是影片里没有拍出来罢了。
这么强烈的感情线都没有豆油八。哎。
写到这我得和大家回顾一下道熙对所长的感情。
我同意大部分豆油分析的，道熙对所长是一种强烈的依恋+崇拜+迷恋+希望占有的关系。尽管道熙腹黑，但是她还保留了孩子的童真。所长对道熙来说是黑暗中的一道光，她黑暗呆的太久了，只要有点光，就想去追逐去占有。而这种情感遇上青春期的发酵，就不是单纯的晚辈对长辈的依恋了。
关于所长对道熙的感情也得八一下。
所长对道熙是怜悯和同情的，尽管道熙一步步进入了所长的生活给她带来了快乐，但所长没有跨过这道线。这道线不是指道德底线而是爱情。所长对道熙没有情爱之欲。
我不同意豆油关于浴室里所长的分析。我觉得道熙扑向所长，可能是混杂的各种情感，但是所长，先是表情一惊，双手抬起，然后在抱住了道熙。我觉得是所长是知道自己的倾向，道熙突然的动作让她第一反应是男女之防，但是转念一想这只是个乞求母爱的孩子，觉得自己庸人自扰了，便抱住了她。
但在生活过程中，所长发现道熙越来越表现的不像个孩子对母亲的行为举止。比如前任来的时候的夺命连环call，回家后穿着所长衣服喝酒自虐，抢行李，还有说自己胖了那个情节，以及半夜走到沙发抱着所长睡觉。所长觉得这个孩子不能再生活在自己身边了，况且还有和她养父说带一个暑假的口头协议。于是尽管所长知道她回去是重回地狱，但是还是要送回去。电影里就是所长买了一堆东西送了道熙回去那个桥段。
至于所长什么时候意识到了，我觉得是长胖了那个时候。道熙跟所长说自己长胖了，并挺起自己的胸。所长正在喝酒，看见她这么做了，所长是抱着道熙，摸着她的头说，“是啊，还张高了。”
什么意思？我知道你长大了，但是我不和你讨论胸的问题。
其实在东方文化里，女孩子之间有一些身体和肢体接触很正常，讨论胸部发育的问题也正常，尤其是一个女性长辈对晚辈。有些甚至还要对这个事开开玩笑。估计女孩子们都知道。
但是，所长避开了这个话题，为什么？如果道熙没有母亲，一个类似母亲的年长的女性长辈给她说说这些没什么大不了，说明所长已经很明确的意识到道熙对自己已经不是单纯的对长辈的感情了。
所以到警察署里的问话的时候，警察的问题，她无力回答，她只能强调自己对道熙确实只有照顾关爱之情，事实也如此，但是肢体接触什么的就没法答了。况且周围的环境即使她答了没有，也没人会相信。
最后，说说结尾。
所长清白了，按照道理她如果对道熙有爱情的话，就不是交代让她别走夜路，好好学习的话了。她完全可以领走道熙，名正言顺。但是所长没有，所长要回到首尔，尽管她知道道熙为自己做的事情，但是她无法承载道熙的感情，可能觉得自己搞不定这么腹黑的道熙。豆油们你们看见她问道熙是不是假装的时候，那种惊讶想谴责又怜悯的表情吗？她是警察，道熙的做法就叫仙人跳，是违法的，可是如果放道熙养父出来，道熙也许面临的真就是性侵了。所以所长不想带着道熙走。直到后来因为另一个警察说有种不祥的预感，和道熙像个小怪物，她才回头。
她不仅担心道熙尽力过这么多之后会不会有自残行为（如跳海等），还可能因为自己在成长过程中，以及现在在别人眼里所长自己也是个怪物。她意识到是环境给了道熙无尽的黑暗和心计，如果放任不管，道熙也许更黑暗，也许会走向死亡之路。
不顾自己的苦难，牺牲自己利益拯救他人。这是对人性的尊重和大爱。这种大爱被说成情欲，哎。真正有情欲的人，眼睛是有渴望的。你看见了前任和所长之间的渴望，道熙对所长的渴望。可是你看见了所长对道熙的渴望吗？
再说所长对道熙的关爱。
试问一个事业跌倒谷底，爱情失败，心如死灰的人能被什么唤起生活的希望。
是一个比自己更悲惨的更纯真的有相似经历的生命。
以及所长身为同志，没有孩子，藏在心里一直无法给予的母爱。
说是相互拯救，我倒是觉得更贴切。

她抱着大提琴醒来，坐在钢琴前弹奏熟悉的旋律，而不可能的提琴协奏竟然响起了，音乐停下，她回头，竟然是他，怎么可能呢，她扑过去抱住爱人，难以控制的泪水，而他，温柔的抚摸她的头发，那么的温柔，都不肯放手

要有多爱一个人，才能在爱人的鬼魂出现时，没有任何的犹疑和恐惧，就不顾一切的扑过去。我能这样爱上一个人吗 这该是多么的幸运

他对她念那首聂鲁达的诗，他的心思全在里面，深沉又痛苦
“你希望我离开么？”
“不 不 从来没有”她紧紧抱住他，无法说出内心的想法？还是内心根本就是矛盾的想法？觉得说出来就是背叛，即使是对一个死人？

“我曾经非常非常的爱他，可是他已经死了，我想， 我是自由的”
她对他的爱曾经是那么执着，而他们最终还是要再见 真的是永不再见

安东尼明格拉的处女作，演员动情的演出，虽然节奏略显缓慢，但细腻又感人，看的时候哭了好几次，不知道是为片中人还是自己

我能有多爱你呢

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皮克斯的动画一向以剧情（剧本）最让人称颂，但这部《恐龙当家》的故事就像是很多时候迪士尼那种，，而且还是起码十年前那种，老土无聊到要死！

然后就是各种难看到要死的恐龙造型！在全球大爆的《侏罗纪世界》之后，这种造型更显得难看，这种橡胶式的造型，放在真实的背景 CG 云，雨，水等无比逼真的效果里外全是格格不入!更让人无法投入到已经幼稚，低龄，加少少弱智的剧情中，根本会去关心里面的恐龙和小孩的安全和危机，更多时候只是在看风景！

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作为一种类型片，武侠片既是华语电影的一种比较特有的类型（类似于好莱坞的西部电影），也在电影史里有着持久的历史，并一直影响到当代的不同类型的影视作品的创作，包括部分好莱坞作品也可能受到其影响。而由拉风传媒出品、朱锐斌执导、刘庭羽、蒋毅等主演的这部正在热播的电视剧《仙侠剑》，尽管在片名里就夹杂着“仙”气也带有玄幻的色彩，但更多则是向传统的武侠电影致敬，而成为一部具有当代影视文化色彩的武侠剧。
《仙侠剑》本身也是根据传统的小说改编，也即清代作家文康的长篇作品《儿女英雄传》。不同于还珠楼楼主、梁羽生、金庸等二十世纪的武侠小说的是，《儿女英雄传》带有十九世纪的不少小说的特点，即将社会现实的批判、儿女情长的言情及秉公执法的侠义等融汇在一起，通过何玉凤（也即“十三妹”）、安骥等的命运变迁，带出了当时的人情世故，但也折射出一定的封建思想的局限性。《儿女英雄传》曾经被数次的改编为影视剧，印象最深的便是童年时代在露天电影院里看的《侠女十三妹》，如今的最新版本则已经不再拘泥于原著小说，尽管依然保留了何玉凤、安骥等几个主要人物，但故事的主线已经是何玉凤与宋声秋这对青梅竹马的小情侣所经历的磨难、考验等，从而最终走到一起……
从“儿女英雄传”到“仙侠剑”，本剧《仙侠剑》很明显想要不再拘泥于原著小说。原著中的“英雄”既是指的为了报家仇的女儿何玉凤，也是指秉公执法的文人安骥，而《仙侠剑》的片名既是因为贯穿在始终的一把“仙侠剑”（类似于金庸的《倚天屠龙记》），也是通过“仙”、“侠”进一步的强化了本剧的元素——“仙”带有玄幻/魔幻色彩，本剧的高潮便是宋声秋为了弘扬正义而自愿入魔，激发体内的潜力，又比如剧中的魔教教主从小是在狼群里长大，发怒时会露出狼牙，折射出魔性；“侠”则既是因为何玉凤、安骥的侠义行为，但更多则是宋声秋的行侠仗义，也突出了武侠剧的类型化。
而且，本剧也充满着向传统武侠文化致敬的元素。武侠文化的常见叙事模式包括拜师学艺、灭门、机缘巧合练就神功、争夺宝剑等，而贯穿在《仙侠剑》始终的，便是一把历史悠久、削铁如泥、威力很大的宝剑“仙侠剑”，保护宝剑的欧阳家族、武林盟主及魔教等各方人马，都因为宝剑的即将再度浮出水面而粉墨登场，主动或被动的卷入了这场武林争斗之中；武林盟主宋宁远为了夺取到仙侠剑，不惜当伪君子小人以蒙面的方式抢得仙侠剑，也几乎带来了灭门之祸；而何玉凤因为欧阳公子的求爱，被对方借官场力量几乎被灭门；此后，宋声秋、何玉凤在江湖上遇到不同的人，也带出了武林里的恩怨情仇，而不断的向传统武侠文化致敬。
当下的影视文化的主流，是当代生活题材故事的家长里短情感剧，或者是抗战题材的战争剧甚至雷剧，而朱锐斌的这部《仙侠剑》虽然在片名上流露出丝丝的“仙”气，实质上则是取材于传统的通俗小说《儿女英雄传》，并不断的向传统武侠文化致敬，演绎了一番儿女情长英雄气短的武林传奇。