不针对演员、演技、颜值和最重要的版权说事情。 我没看新版，只看了某站的对比的视频 我就只针对这剧能让我反胃的低俗梗。 首先，吕布找这么老的人来演我没有任何意见，但是剧情竟然还是让吕布和貂蝉谈恋爱。 不知道别人怎么看，在我看来外貌上这已经是是爸爸辈和女儿辈在谈恋...  (展开)

这篇影评可能有剧透 迪斯尼近来电影的“经典重塑”风格，已经有不少观众和网民意识。 除迪斯尼公主系列为主的再述，还有另一类如《维尼与我》（Christopher Robin, 2018）是时间线或故事主线再拓展类型的作品。如《欢乐满人间2》（Mary Poppins Returns, 2019）也是其一。 就这两部来看，迪士尼动...  (展开)

霍建起的电影
最先看的是《那山 那人 那狗》
在《暖》里我们重又回到了在导演的视野里最为熟悉的生活背景
一样的清新自然甚至能耳闻目染一种洇散不去的雨水气息

奇怪的是看电影的晚上
厦门一样下着雨

但只能说电影把影象唯美化了
秋千 渗着水的建筑 还有他们在秋千架上完成这生命中唯一一次的亲密接触时周围的空旷和虚假

或者导演太过于沉迷于意象下的村庄
以至于让对话显的如此尴尬
让旁白显地这样地惆怅

我甚至希望或者故事可以更热烈一点
因为那是生活
脱离了生活
艺术化工笔化山水画连缀的场景
在我看来甚至应该为此伤悲

        应该说作为一个导演的处女作，影片还算成功。但如果你是一个挑剔的观影者，在影院中和走出影院后，你会发现都没有感动你的亮点，无论是故事还是画面。唯一给我留下印象的是地铁中几个自称来自罗马尼亚的卖艺者的表演，醇厚民族特色的音乐在空荡荡的地铁中飘扬??
      看后更加明白了一个出色的导演是需要多么难得的天赋和艰辛的磨炼。我是一个没有什么创意的人，所有对一切“新”的东西充满敬仰。《骇客帝国》、《巴比塔》都让我顶礼膜拜，因为故事的新意，因为表现手法的新意。而《这里那里》缺少了些许新意，大都市的打工者、国外的留学青年、叶落无法归根的老人，他们一出场，我就看到了导演的意图——思念。这些已经被用滥的符号，削减了影片的诚意。如果这些就是导演想表现的生活，那么影片的画面也显得格外程式化——上海东方明珠下两个渺小的身影，憧憬着未来的生活——以至于当男青年举起手机为两人合影时，如此应该感人的场面引发了观众的爆笑。
      几个故事之间的切换也很突兀牵强。上海打工的青年夜间去药店买红花油，之后的大兴安岭的远离妻儿的养鹿人收到妻子拿来的“你弟从上海寄来的红花油”??如果你看过《巴比塔》，你会由衷赞叹故事之间衔接的不可思议的巧妙。
      导演就是一个用画面讲故事的人。故事中不应该有导演的影子，不能让观众强烈感觉到这里导演想让你哭，那里导演想让你思考??

简单寻根溯源了一下，七个人的能力具体如下： #1 Spaceboy Super Strength (类似葫芦娃大娃，基本任何剧本里都有这么一个角色纯物理攻击） #2 The Kraken Trajectory Manipulation （弹道控制，这就是为什么号称扔出去的飞刀绝对不会偏，以及第二季最后拉住那么多子弹扔到旁边...  (展开)

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“宋丹平（萍）”（1937年马徐维邦编导作品中为“宋丹萍”；1995年于仁泰编导作品中为“宋丹平”）是电影《夜半歌声》的主人公，这部于1937年问世的电影轰动一时，在此后的六十年间又三度被改编并搬上大银幕，足见它的持久魅力。我想，《夜半歌声》的吸引力有一部分源于一则流传甚广的说法，即“此片是中国版的《剧院魅影》”。正是这一种说法使《夜半歌声》这个片名第一次走入我的世界，我想要观看的初衷其实是想更多地了解关注已久却难得一见的《剧院魅影》。
《夜半歌声》的价值，在不同的时代里会得到不同的解读，不同境遇的观众会产生不同的感悟，有人上升至专业的角度来剖析电影元素的象征含义，有人则流连在剧情故事里体会人物的悲欢离合。我便是后者，也许是因为我接触这个故事远早于接触社会，所以我从观影中收获最多的并非启示，而是主观的感受，尤其是对主人公“宋丹平（萍）”从天使到“魔鬼”的坠落所产生的唏嘘。
影片中的“宋丹平（萍）”是一位集美貌、才华和高尚人格于一身的杰出青年，近乎完美的形象为他同时引来了进步人士的爱戴与封建恶势力的嫉恨，他在守卫触及对立阶级利益的恋情时表现出的不屈与执着，竟为他招致强酸袭面的厄运。当他确认自己曾颇为爱惜的容貌已成了惨不忍睹的魔鬼模样，他自知此生再“无颜”与恋人相见，便决心以“死亡”来回避这个成就了他又毁灭了他的世界。然而，“憔悴支离为忆君”的恋人与未竟的理想又令他无法断绝与现实的来往，他便开始逢夜深人静，在废弃剧院的深处，用依然动人的歌声来安慰失魂落魄的恋人，于是便有了“剧院魅影”的传说……这个传说为他吸引来了后生才俊们，使他得以在“暗处”物色够格的继承者来完成他的“理想”……
宋的“理想”其实是一个包裹着“传承发扬”外衣的阴谋 ，他苦苦寻觅的“继承者”实际是他为恋人所捕捉的“替代者”！他在被传说吸引来的年轻人中寻找着与他本人尽可能相像的人——容貌出众、德才兼备——通过他亲自调教演唱技巧与表演风格，将之培养成足以以假乱真的“再世宋丹平（萍）”，最终送到思君成痴的恋人身边，让“替身”代他去“圆满”飘零的爱情。
宋的爱情故事是感人至深的，他为了所爱之人，甘愿终日在黑暗里忍受着悲惨命运对高贵灵魂的拷打。作为一个恋人，他所做的一切堪称伟大。然而，他的做法对被他诱导的后生而言，是公平正义的吗？无疑是自私的，我想，这也许是曾经美好的自我，遗留给他的主观思维所致的。
由此，对宋在被毁容前的完美人设可见一斑。在三〇年代版本的影片中，“宋丹萍”是一位唱作俱佳的青年革命志士，他志在用激昂的歌声唤醒人们的革命觉悟，并以演员的身份掩护自己秘密进行的革命工作，他的生命是爱情与革命事业；到了九〇年代，又一次出现在银幕上的“宋丹平”与时俱进地摘去了“革命志士”的标签，并在原有的“音乐家”、“剧作家”的设定以外多加了“建筑师”的身份，尽管没有了“崇高”的志向，多元的艺术造诣却令人物形象更加饱满，此处，他的生命是爱情、艺术成就与拥有前二者的自己。
两个版本的影片都可以从人设的细微之处观察到，宋不自觉地以骄子的视角审视着自己与世界，这般自豪给了他足够的能量来抵抗世俗强加在他“戏子”身份上的鄙夷，从而在混沌的时代里为理想而抗争。
九〇年代版本的影片中，“宋丹平”被毁容前的人设溢美空前，原版故事中已然卓越的设定，此处被包装得更加闪亮，他也随着膨胀的美好形象而“自视更高”。片中有一处情节：梳妆完毕准备登台的“宋丹平”，在欣赏完镜中自己的迷人扮相后，一时兴起，翻阅起了梳妆台上厚厚的一摞歌迷来信。他拿起最上头的两封信端详起来，第二封信因为在封文中多加了“亲爱的”三字而成为他的首选。可怜“亲爱的宋丹平先生”还没有把这封信读完，厄运便降临了，而被他拿起又放下的第一封信，正是危在旦夕的恋人写给他的求救信……
在匿身剧院的日子里，惨淡的生活把他原来的自信风化成了孤傲，在罕有的与人的交往中，他寡言却很强势。当被他选为“继承者”的年轻人得知自己被利用而怒斥他自私之时，宋的态度更为专横，加剧了两人矛盾的升级，然而，最终他还是回归到正义的思路上，帮助年轻人抵抗恶势力的迫害。艺术家的脾性在这位“宋丹平”的身上得到了鲜明的体现，浓墨重彩的个性刻画使人物格外立体。
回顾三〇年代的《夜半歌声》，全片弥漫着旧社会里笼罩着黎民的“愁云惨雾”，弱势的人们仿佛很难呼吸一口自由的空气，飘絮般的命运任人摆布。同时，激进的态度也贯穿始终，就连片中出现的舞台剧，也都以“革命斗争”为主题，呼应着势同水火的对立阶级间不可开交的矛盾。影片尾声，当消失多年的“宋丹萍”再度现身人前，不明真相的群众将眼前面容可怖的他视作“妖怪”，一路呼叱追打，纵火焚烧，直至他被逼投江。相比主人公被毁容后的骇人面貌所带来的感官刺激，这些无可奈何的社会惨状也不失为一种恐怖。想必在那个风雨飘摇的年代，这样一部电影一定是极富代入感的吧。
比起最终被逼投江的“前辈”，于仁泰故事中的“宋丹平”则幸运一些，当再度在公众面前亮相时，面目全非的他很快被重新接受了，并得到了人们的同情与支持。这样的安排实际反映了九〇年代人们的普遍价值观，愚昧和野蛮基本不复存在了，取而代之的是对世界和事物的较为健全的认识。此处，“宋丹平”在舞台上演绎的剧目也顺应潮流地变成了爱情故事，一出意味深长的戏中戏——《罗密欧与朱丽叶》。于仁泰以九〇年代的手法来讲述二〇、三〇年代的故事，原版故事里的民族忧患意识与主观批判情绪被很大程度地隐去了，深受西方文化熏陶的他，在片中着力描绘主人公的爱情悲剧，以此来客观反映时弊。
于仁泰所塑造的“宋丹平”不再是“苟利国家身死以”的革命者，而是在当代社会享有极高声望的艺术家，一位以浪漫胸怀拥抱世界的完美主义者！在被毁容粉碎了未来之后，革命者“宋丹萍”仍无时不刻地希冀着通过自己的作品来鼓动大众推翻恶势力，从而为自己雪恨；艺术家“宋丹平”则不仅仅是一个蓄势复仇的“魅影”，他所受到的折磨更多是来自一个完美主义者的自我价值的失落，因为世间没有一种代价能够弥补他的损失。
四度登上银幕，共六部影片，我观看过的仅有三部，分别是1937年马徐维邦导演作品、1985年杨延晋导演作品以及1995年于仁泰导演作品。1941年上映的《夜半歌声续集》以及六〇年代初邵氏出品的两部作品至今未有机会看到。仅凭着对三部作品的观感所萌生的这些对《夜半歌声》和“宋丹平（萍）”的思考一定不会是足够客观、深刻的。然而，我固执地认为，就艺术价值而言，1937年马徐维邦导演作品与1995年于仁泰导演作品是迄今所有同名影片中最好的，由金山与张国荣分别饰演的两位“宋丹平（萍）”将会成为经典！
马徐维邦的《夜半歌声》令我对那个时代的电影有了全新的见解，人物的设定、情节的走向、拍摄的手法、剪辑的技巧以及由田汉与冼星海两位大师联袂创作的电影插曲等等，都令我对那个时代里电影人的高度与深度深深折服！受限于当时的拍摄技术，演员们没有太多的余地来表演心理活动，无论多么复杂的情绪都只能依靠台词、动作与表情来表达，所以不得不做得夸张些来表达尽致。影片中演员们的表现都非常生动，将所要表达的很明确地传递给观众，尤其是饰演“宋丹萍”的金山，片中他“露脸”的戏份并不多，大多是毁容以后戴着特效面具或是整个人藏在黑色的连帽大斗篷下，而他就受困于这样的造型，通过台词、动作以及狰狞的笑声，将被毁容后心态扭曲、性情乖戾的“宋丹萍”演绎得十分可怕又十分可怜。片中有一场戏令我印象深刻：宋被恶人用强酸淋面后暂寄友人家中休养，当头部被纱布完全包裹的他听到了别人转达的来自恋人的热切问候，激动得不能自已，深情地承诺道要在康复之后更加爱护自己的恋人。金山把对白讲得抑扬顿挫，情意款款，即使在这个镜头中只闻其声不见其人，观众也完全能够感受到“宋丹萍”当时的心情。紧接其后的是卸下纱布的时刻，当他站在镜前看到镜里映出的“魔鬼”，他崩溃地连喊了七个“不”字，七个“不”所包含的情绪与表达的节奏都不尽相同，这一串呼号撼动人心。
在于仁泰的《夜半歌声》中，坐镇拍摄的是之后的奥斯卡最佳摄影奖得主鲍德熹，创作配乐的是知名音乐人鲍比达，片中的三首插曲是由主演张国荣作曲。三首插曲分别以“相恋”、“分离”和“永恒”为内容，应和着影片的剧情走向，渲染了影片中温柔哀婉的爱情主题。这些隽永的爱情挽歌，使片中“宋丹平”的艺术家形象更加深入人心，也使影片与张国荣所饰演的“宋丹平”在观众的记忆里留存得更久远。
金山与张国荣都将自己非凡的艺术积累献给了“宋丹平（萍）”，他们所饰演的“宋丹平（萍）”也已成为华语影史上经典角色的楷模。或许在某一个时空，两位“宋丹平（萍）”正隔着半个多世纪的岁月遥望彼此，惺惺相惜。金山的“宋丹萍”前无古人，张国荣的“宋丹平”也许后无来者。
从踌躇满志到一无所有的悲剧人生，为“宋丹平（萍）”这个人物镀上了艰涩的传奇色彩。我想，他的“被毁容”象征的是阶级矛盾与社会风气对自由灵魂的残酷打击。其实他的悲剧不局限于二〇、三〇年代，任何时代都会有“宋丹平（萍）”，未必要身体发肤受损，环境对自由的束缚即是一种打击吧。
在看完《夜半歌声》之后，我对《剧院魅影》的期待更高了，然而，当完整看过《剧院魅影》之后，我发觉似乎除了“剧院”这个元素之外，《夜半歌声》与之再无雷同之处。由于《剧院魅影》的故事诞生在前，所以我相信热衷神怪故事的马徐维邦可能从中获得灵感，随后创作了《夜半歌声》，而“《夜半歌声》是中国版的《剧院魅影》”这一说法，我已不再认同了。

前期还是觉得这部电视剧在暑期档中 算一部不错的，贴近生活的国产剧。
但是看到中期，就觉得这部剧 越来越多的问题、缺点浮出了水面。

比如，朵朵的申请被学校拒绝了，方欢来电话说国外学校比较看重个人才艺。
           朵朵想到自己写过的小说也许可行，方圆带着朵朵的小说拿去出版，出版社的编辑们得知朵教主就是朵朵，欣喜若狂。

难道他们去中介的时候中介都不和他们说国外的录取条件的吗？不说软性条件（志愿者服务、个人才能等）和硬性（如TOEFL、SSAT）一样重要的吗？这真是个bug 最起码我去的每家留学中介都会说。

再比如，朵朵因为压力大，而选择出国这条道路。可是她真的了解出国后的生活吗？她能顶住美国的学业、人际关系压力吗？她爸就这么支持她躲避现实？人言虽然可畏，但是建立自己良好的心理抗压能力才是最重要的。

还有，方朵朵英语也不好吧 决定出国的时候已经寒假，那么基础不好，就算每天往死里了学，只需要20几天？就能学了TOEFL SSAT，而且考的就都还不错？那让那些准备了半年多甚至更长时间的孩子心里怎么想hhh

还有，为什么每个家长都如此的人心慌慌。我今年高三，当年初三的时候，家长们真的没有这样。路，有很多种。为什么一定觉得出国留学是最合适的呢？有些人上了普通高中（泛指国内体制的高中），还有不少同学去了国际高中，仅有2，3位去了国外。国际高中也许更适合方朵朵吧。还有吴佳妮，她内心是有多么强大的American Dream，她女儿的成绩可以考清华北大，但真不一定能录取国外的好学校。因为她女儿的软性条件还真不够。

最后，最大的问题：整部剧真的是太琐碎了，感觉每一分每一秒都是吵架和好 吵架和好，艺术还是应该源于生活，并高于生活。

神盾局局长爆笑出演，化身知心大哥哥帮助shaft junior追妹。 祖孙三代齐上阵，嘻嘻哈哈屠毒枭 女主有点像瘦版谢依霖 局长哪还用亲自上场，直接喊一句 Avengers Assemble，大事小事全搞定 看之前看这部电影是Action，还以为Shaft Junior能像 Jon Wick一样大打四方呢，没想到是局...  (展开)

这篇影评可能有剧透 作者 雷立刚 昨天，终于完整地看完这部电影，记得在上海时，曾和主创人员喝茶，本打算夜晚一起到制片人的工作室去看，但导演临时有事飞往曼哈顿，于是也就没看了。 这次，我是在家里看的。一杯自制的八宝养生茶，一枚手机、一张65寸的风行电视屏，窗外是随着夜色渐浓而喧嚣渐...  (展开)

导演是瞧不起女性？为什么在25集的时候女主智商直线下降？本来前面感觉挺好的，后面直接是没智商了，这都不让编剧改剧本？是不是电视剧都这套路？把女性的智商都写到最低，然后把男性的智商都写到最高，让男女双方差距很大？要不是不能给零星，我直接零星给你。不会拍就别拍，...  (展开)

他说，今天是我的结婚一周年纪念日，我觉得很幸福，所以我决定送一份礼物给自己。这段话写在一大堆艳照的其中一张上，我猜，这大抵是他偷腥的开始。

不是因为厌倦，不是不满，不是缺陷，而是因为太幸福。

这幸福唾手可及，所以需要增加难度。

很极端的一场戏，男人、妻子和情人共坐一席，男人对于最后的大餐显然了然于心，他很坦然也很不屑的吃的开心，然后说，你爱我吗，你也爱我吗，你们爱我什么呢，其实你们爱的也只是你们自己吧。一个连秘密都没有的男人，还可爱吗？

说完，他把餐巾一丢，表情既无赖又充满着血淋淋的可爱。

他在放手之前彻底的坦露了自己对于女人和爱情的彻底不信，于是他对着镜子画眉，梳头，然后自信满满的在浴缸中毫无欲念的死去，到了最后，他所爱的只是他自己。

他将心比心理所当然的想，你们和我都一样。

他在每次准备离开一个女人的时候想，又要送出一套房子了，他想得还挺温情，至少哭的时候还有个去处。这男人太精明太会看眉高眼低，所以，他可以在外面吃一家饭，然后按时回家喝一锅汤。他对妻子说，你要相信，我爱你，我永远爱你，从今以后，我只爱你。

他爱的只是这庞大而精巧的秩序，有一个温婉得体的妻子，有无数个激发恋爱感觉的女子。

所以，他并不很了解自己的妻子，他无法明了她倔强棱角之下四两拨千斤的博大智慧，他便只能进了她的布局，失去了潇洒，失去了能力，失去了秘密，到最后，失去了生命。

余男扮演的妻子太过彪悍，如果换一个角色，男人娶回家的是那个智慧度偏低的空姐，那么，也许这一场层层叠叠的游戏，大可以延续下去。只是，最后一个让我动容的镜头，是他们结婚的场景，妻子唯一笑得开朗的表情，她仰头听他关于永恒的誓言，他说，我爱你，从今以后，我只爱你。

她最大的错误，便是在于相信了这誓言，并且，执着于执行这誓言。

相反，江一燕还是腆着那张我不算喜欢的平淡的脸，她总是普通一点，若不是所谓的制服诱惑，大抵不会成为吴镇宇的猎物。但她面对事情所产生的普通一点的反应却深得我心。发现被骗了还了钥匙决定离开，发现最初被爱恋的真相就马上和妻子统一阵营，发现怀了孩子就大大方方的把他生下来，她也认真的爱过这个男人，可是她更爱自己，爱生活赋予自己足以活下去的没有揭开的真相。

若生活让我们觉得很残忍，那至少我们还可以对自己好一点。

许巍的《情人》很是把我雷了一下，用这首只有四句歌词的歌曲结尾，应景了这部由短篇小说改成的电影，画面充满了MV般的美感，两个女人旋律般的靠近，妻子送六年前刚与男人恋爱时的裙子给情人，恍然间觉得情人很像自己。遗憾的是余男和江一燕的气质太不符，余男的气质太过硬朗，我个人觉得若能换一个与江一燕气质相近的演员来演会戏剧冲突更好，这验证了男人选择的妻子和情人往往是一个模子，这是天大的笑话，也是血淋淋的真相，这也就是最后妻子发现照片后彻底幻灭的缘由，她终于明白，她的对手并不是情人，而是男人。

很残忍，不是么？

她面对这一道选择题：不去揭穿秘密或者换一个对手？可惜的是，她挑了一个星辰之外的选项，废了他，从此之后，这冗长而恬淡的时光，这个对手只能陪她一个人玩。

可惜的是，他觉得不好玩了，就去死了。而我们，只能在打个冷战之后怀着直面人生的勇气和热情跟自己玩以及继续玩下去。

你有没有发现，虽然如今电影业繁荣昌盛，可是好看的爱情电影却十分少见。

爱情电影，不知怎得就沦落了。

青春文学，堕胎早恋，婚姻第三者，婆媳关系，剩女攻略，快餐爱情，这些突然就成了爱情电影的重要部分。而关于美的，关于两人之间爱情、家庭的那一部分，要么消失了，要么被淹没在了汪洋大海般的高成本制作大片里，不被看到和重视。

在这样的环境下，看到陈英雄的电影是会激动的。

9月7日，陈英雄导演，奥黛丽·塔图、《无耻混蛋》女星梅拉尼·罗兰和《艺术家》女主角贝热尼丝·贝乔主演的法国电影《永恒》将在法国上映。

        首先我能默默地说：等这戏等足两年半吗？
        在几乎所有古装都在宫斗穿越玛丽苏，所有近现代都在婆媳抗日金手指的大环境下，我其实蛮佩服主创们能静下心来做这个项目。并且功夫不负有心人，它总体没让我失望（虽然有些缺憾）。
 
      《盐商》说的是乾隆年间的盐业官场，至于其中的路数和招式，大家都没吃过猪肉也见过猪跑，就不借古了。
       我想要说的，是它所展示的丰富性。以盐商为主角，切入官商、庙堂、乃至民间不同群体，得以见社会百态，生旦净末。而扬州，作为一块繁艳浓烈的布景板，成为不可替代却没有喧宾夺主的舞台。
 
       本剧的侧重是男人戏。当男人们凑在一起却不卖腐，很多孩子是不是都不知道该怎么办了？那就来说道说道吧。
       张嘉译塑造的汪朝宗，以一己之力挑起扬州盐业的半壁江山，基本整剧的基调是“总商很忙”。捐输、行盐、账册、接驾、救灾、及至最后面圣陈情弊政……这些关键词一刻不停，期间还要应对来势汹汹亦敌亦友的阿克占，帮衬各种掉链子的两位同行好基友，招架见缝插针念叨“把婉儿收了吧”的原配……外人只道他锦衣玉食好不快活，却不知他一心兼济天下，并不愿独善其身。若有心无力，忧国忧民反而是一桩悲剧。但汪是个有办法的人，他在名利双收一箭双雕这方面颇有心得，堪称人生赢家。他为鲍以安抵押康山草堂，因为太懂一家独大不如数花齐放；他救马德昌却坚持要他当面“非己”，可见既有胸襟且有原则；他忠君却冒险为史可法求平反，更是有勇有谋正直慈悲。姚梦梦说他“有情有义”，倒是一言蔽之。
       至于儿女私情，另说。
       而阿克占和他，某种程度上是一个硬币的两面。好久没看到这样让人回味的角色——阿克占，卢德恭、马德昌。实在值得大写。
       让我想起刘恒的《少年天子》，每每读到岳乐和济度，都难免连番感慨。
     
       知我者谓我心忧，不知我者谓我何求。
       滦阳驿站的十年蛰伏，看似藏住了阿克占不可一世的锋芒。但用他的人熟知他的长短，时候到了，这把刀还得出鞘。徐皓峰写老猿挂印的关隘在于回头，阿克占是没领会自己的关隘是什么，可细想明白了又如何？明白者像尹如海，知己知彼，无能为力，也只徒增悲剧而已。
        大家都是棋盘上的棋子，不同之处在于，有的子用来攻防，有的子用来牺牲；有的子来往纵横，有的子困锁界河。
        他对乾隆忠心不二，却始终没明白人家要什么，这也让原本就困难的差事变得更为繁复揪心。虽然前期的他颇为讨人厌，但当最后直面关山险阻时，看客们才体会到，世间的汪朝宗固然难得，阿克占也不会很多。
        有些人的关隘是不懂回头，而更多人的关隘是没种。以卵击石，鱼死网破……只有先把自己填在回不了头的路上，才能坦然去做回不了头的事。这是个行伍出身充满戾气的汉子，不管主动或被动，在最紧要关头放弃明哲保身，没有曳尾涂中。然而他又有分外细腻的个人感情，懂得感恩、示弱和疼惜。对皇帝、对曾经的何思圣、对紫雪。
   
       剧终他被刺配伊犁，开始新一轮的等待，等有一天受到召唤，再露黑色刀锋。而此时的汪朝宗正与王陈情，殊途同归的两人终于共同担负起盐制改革的前途。一如溃堤之上，同守扬州。
       虽然所处立场和段位不同，结局乍看也一成一败。但我还是愿将汪阿视为对称的存在——互为警醒，相互援手，须知生无对手，最是寂寞。
   
       如果说阿克占是难掩锋芒，那卢德恭便是深藏不露。他一介穷苦书生，一朝权力在手，怎能不苦心孤诣如履薄冰？可叹他又是这样谙于学问的真正风雅之人，他憎恨那些巨贾的暴发户面目，可惜了他们所拥有的却欣赏不了的珍宝。他也是真心栽培和理解汪海鲲，虽略带利用成分，却未尝不是在他身上看到年轻时的自己。而卢德恭的倒下，也是汪海鲲生命里的巨变，偶像坍塌，他再无处求告，于是选择了一种更决绝的方式来测试理想的硬度。
 
       还有马德昌、和珅……就不一一写了。而我不太能认同的是对何思圣的处理；还有权五（尤其是卢德恭居然如此信他），略潦草。

       当然最后还想说一个人——乾隆。看片花时对这版乾隆是有疑虑的，但整剧看完，觉得人设实在是妙。最妙的，是巡幸扬州时对两件事的处理。前脚是姚梦梦刺杀未遂；紧接着是账本亏空。
       他对这两件事的态度与多数人的预料相反——大事化小地教育了吓傻了的姑娘，头都没砍一颗；却雷霆万钧地问罪阿克占，悬刀于其颈。
       这哪像个皇帝会做的事？！可这才是个高明皇帝该做的事。
       那是已近暮年的乾隆，十全老人，早已处变不惊。再动辄因为一个柔弱姑娘的意图行刺而方寸大乱失了威严，也不合适了。既然要收复天下人心，那头一个要紧的，是自己的滴水不漏。
      说到底，行刺只关乎个人生死，而亏空却紧系民生社稷，他的态度坚决地昭告了天下孰轻孰重。不管有意无意，这步棋走得太高明。
      也无怪乎，当着天下最难的差，怎能不长一颗天下最复杂的心。

       《大清盐商》最大的好处，是呈现给我们一个可幻化并寄托的人世，纵然不是乌托邦，不是桃花源。这世上千万个立场，绝不仅有黑白、是非。青史也从来只记功过，不问初衷。
        所以我们也渐渐不再简单地以“好坏”评判一个人，一件事。那些孤独老辣的权臣，说不定也曾有过“信仰有天价，不能遂我壮心，何如一刀断头”的岁月。正如和珅、卢德恭们，谁能断定他们的昨天不会是另一个汪海鲲、马大珩。
       当然自带主角光环的汪老板是真正的人生赢家，两全。
      
       扬州春秋时属吴地；汉代称为“广陵”；隋炀帝被杀于此；南唐定东都于此；朱元璋筑城于此。
       再后来，多铎连送五封劝降书至城下，明守将史可法未看一眼，以致名节完满，血流成河。
       接下来呢？接下来也许就是我们在剧中看到的那样。
       繁华深处，可知风波。如今再走在这个城市，桥还是这座桥，水还是这片水，两百多年已经过去。

这篇剧评可能有剧透 And I've been meaning to tell you I think your house is haunted Your dad is always mad and that must be why And I think you should come live with Me and we can be pirates Then you won't have to cry Or hide in the closet And just like a folk song Our love wi...  (展开)

在“人人影视”上看到介绍说是07年游乃海电影《跟踪》的翻拍，这部电影的很多情节都不大记得了，但对其中歹徒的残暴和电影的阴郁气氛仍记忆犹新。虽然很少看韩国电影，但想着既然是翻拍，至少剧本不会太差。因为对韩国影视的印象一直不好，所以看之前并没有太高的期许，结果却大大出乎我的意料之外，两个小时的观影可以用“享受”二字来形容，以至于看完后仍然感到很开心。第二天又下载了《跟踪》，想对比一下两部片子。看完后觉得对于一部翻拍片来说，《监视者们》是成功的，虽然也有些不足之处，但是在很多方面都对《跟踪》都有超越。

1：剧本

《监视者们》在大体情节上几乎与《跟踪》完全一样，贯穿整部电影的三次抢劫事件，刚参加工作的美丽警花，最先被跟踪的胖匪徒等等。但是原版《跟踪》的电影时长是一个半小时，而《监视者们》却是两个小时。这多出来的半个小时有对相同场景的细化，也有次要情节的改动和增加。但恰恰是这些不同之处展示出两部片子导演和编剧艺术追求的差异。

首先，不得不承认，《跟踪》不是《一九四二》那样其实恢弘悲天悯人的历史大片，也不是《桃姐》那样温情脉脉的感情戏。说得简单一点，这其实这还是一部警匪片。警匪片恐怕是香港电影史上被拍得最多的类型片，已经很难再有新意了。而《跟踪》的卖点是，故事的主角不再是武艺高强出生入死正义感十足的神探，而是永远便装的“跟踪者”，他们只负责在茫茫人海中找出和跟踪嫌犯，并获取相关情报，为刑侦科的警察们提供线索和情报。

总的来说这是一部剧情片，电影的重点在故事情节，而不是人物刻画。在游乃海的《跟踪》里，警方真正有戏份的只三个人：任达华演的猥琐大叔队长，徐子珊演的年轻警花和邵美琪演的madam，侦查科的其他人员基本上都只能算群众演员，而且对办公室内的情况和人员都只是一闪而过。匪方也只有两个人：梁家辉演的匪首和林雪演的最先被跟踪的胖子。但是在《监视者们》里，警方队伍里加了花样美男李俊昊演的最后被歹徒杀死的队友，对警方办公室人员的刻画也比《跟踪》细致多了。对于这点来说，《监视者们》比《跟踪》做得好。其实从两部片子整体对比来看，韩国的这部翻拍片比原作用心很多，有很多精彩的细节，比如郑雨盛演的匪首为了躲过监视器的拍摄，特意等到对面大楼上的玻璃反光强烈时才走到车里去安放炸弹。这种例子还有很多。

李俊昊这个角色是《跟踪》里没有的，《跟踪》里面被杀死的那个年轻交警只是冤死鬼。而在《监视者们》里编剧把他改成了侦查科的队友，而且是一个有着青春活力的花样美男。这样修改有好的一面也有坏的一面，好的一面是让侦查科的整体队伍形象更加丰满，不至于像原作一样只是两个人的戏。坏的一面却是破坏了原作这个情节包含的内涵。在原作里，那个年轻交警与整件事情没有任何关系，只是因为出现在错误的时间和地点，就被杀害了，有着游乃海电影典型的宿命感。而《监视者们》对这个情节的修改，并不能完全让人信服，至少李俊昊的角色已经知道他询问的是匪徒，却还是轻易的被刺死，就不得不让人怀疑其作为警务人员的专业能力。当然，如果没有这样的设置，也没有了后面警方人员在他的墓前集体敬礼的煽情场面。

第二个情节改动是第一场抢劫完的那场戏。主要故事都是一个小弟在抢劫过程中为了拿更多的钱，没有按照预定计划逃跑，差点致使众匪徒被警方抓住，匪首为了以儆效尤对其进行了严厉惩罚。两部电影的这个场景都是残酷而张力十足。但是在《跟踪》里，场景是发生在天台上，惩罚过程中电影镜头却给出对面楼一个性感美女在窗脱衣服的特写，然后众匪徒一起观看，整个紧张气氛得到缓解，最后又一起开始吃烧烤。这种出人意料的处理方式给人典型的香港三级片的错觉，而且最重要的是给人一种特别“脏”的感觉，在这里梁家辉演的匪首和其手下没有任何区别，都是贪财好色的亡命之徒。而《监视者们》这场戏设置在夜晚的海边，郑雨盛演的匪首一面用引燃棒烧抢劫工具，一边教训不听命令的手下。真正拍出了残忍和凌厉，最重要的是把匪首和他的手下区别开来，其实郑雨盛的角色是抢劫的策划者，与真正实施抢劫的匪徒还是有区别的。《监视者们》这种处理对郑雨盛的角色塑造很有好处。甚至有一种英雄主义的情节在里面。

第三个情节改动是刚入职的警花面对不在自己职责范围内的突发情况的反应。《跟踪》里徐子珊演的警花因为刚刚入职，对这种情况选择了听队长命令没有干预，这个情节主要为后面的绑架案埋下伏笔。但是在《监视者们》里，韩孝珠选择了违抗命令解救被伤害者，最后没领到批评，非常煽情，而且凸显出了制度与现实的矛盾。我对这种改动没有意见，但是因为片长的关系，这个情节没有展现出其内在的意义，有点不痛不痒。

第四个主要情节的改动是匪首与其上级的关系。在《跟踪》里，梁家辉的师傅已经坐了十八年牢，他的任务由师母分配。师傅提前出狱，梁家辉却因为东窗事发不得不跑路，师徒两人只能见最后一面。完全就是一副黑社会温情脉脉的师徒关系图。而在《监视者们》里，郑雨盛与其联络者同样是师徒关系，但是却没有任何情分可言，在郑雨盛拒绝做最后一次抢劫之后，师傅派人杀徒弟，以此威胁要求其继续为之卖命。最后一次抢劫失败后，郑雨盛独闯虎穴杀死了自己的师傅。游乃海对这个情节的处理其实还是在延续其宿命论，黑帮其实也是普通人，也有普通人的情感。而《监视者们》却冷酷的风格贯穿始终，很有些暴力美学的感觉。

最后一个大的情节改动是故事结尾，队长任达华被匪首刺破大动脉躺倒在血泊里，给所有的队友讲笑话故事的情节。这个场景是《跟踪》的高潮，煽情到了极致。但是在《监视者们》里这个情节被弱化了，没有讲笑话，薛景求演的队长被送上救护车后用订书机在脖子上订了几下止住血，又回到犯罪现场亲手击毙了郑雨盛。英雄主义感十足。《跟踪》里梁家辉确实在逃跑时脖子不小心挂在铁钩上死掉了，仍然是游乃海的宿命论。

2. 摄影

从摄影的角度来讲，《监视者们》完胜《跟踪》。一方面《监视者们》比《跟踪》晚出品六年，摄影设备和摄影技术的发展都使后者无法与前者相比。但是去除技术因素，两部作品对细节的重视程度也不在一个水平线上。《监视者们》用了大量不俗的特写镜头,对人物心理的刻画起到了关键的作用。而且薛景求跳楼追逃犯的场景运用了随拍,给观众很强烈的视觉冲击和临场感.警车撞向货车时也用了相似的手法.《跟踪》的场景设置在香港的普通居民区, 再加上色调灰暗, 每时每刻都给人破旧压抑的感觉。《监视者们》的场景设置在现代化的韩国都市，色调也稍微明快些，观影感觉好得多。应该给《监视者们》的摄影师给提名奖项。

3. 演员

这两部电影的演员阵容都很强大，香港的有任达华，梁家辉，徐子珊，林雪和邵美琪。韩国的这部有郑雨盛，薛景求和韩孝珠。对比分析一下会很有意思。

1） 任达华 VS 薛景求

任达华这次打破一贯帅酷的黑帮形象，演了一个有勇有谋的猥琐大叔。刚出场的时候我一直觉得他肚子里面肯定塞东西了，让我纠结了好几分钟。应该说这部片子他是戏份最多的三个演员之一，也确实不负众望。我对韩国演员没有什么了解，看完后查了一下薛景求的资料，特别是看了他宣传照，发现与电影里面的形象差别好大，果然也是为这部电影付出了很大的努力。两人的表现都很优秀。

2） 梁家辉 VS 郑雨盛

梁家辉也是老戏骨了，这部片子对于他来说只是交出了合格的作业。导演对他角色的定位也限制了他的发挥。至今看过除《监视者们》外郑雨盛演过的电影只有吴宇森导演的《剑雨》。他在《剑雨》里面的表现很出色，从容淡定的小生形象。因为与《剑雨》里的形象差别太大，在《监视者们》开场好几分钟我还没有意识到这个发型粗狂举止果敢的人是他演的。在这部片子里他把角色雷厉风行和凶狠残忍的性格表演得淋漓尽致。相同的角色显然郑雨盛更胜一筹。

3） 徐子珊 VS 韩孝珠

不管是从外表还是演技，韩孝珠都比徐子珊高一个等级。可以说《监视者们》其他演员的表演都在意料之中，韩孝珠是最大的惊喜和亮点。其实她并不是韩国女演员中最顶级的美女，但是却有着独特的青春气质。而且对人物性格的把握也更加细腻，更加到位。很多人看完《跟踪》都觉得电影最后被拍成了“少女成长记”，这种抱怨不仅跟导演的情节设计有关，也跟徐子珊的表演有一定的关系。

其他的演员中，林雪是最大的亮点，这个死胖子演这种角色真的是最佳人选。最近杜琪峰的电影《盲探》里也有他的精彩表演。看来香港导演很喜欢这个特型演员。

1989年的台湾喜剧片，先在看来竟然有这么多值得回味的。

首先，王女士在1990年写出这篇背景在1952年的小说，是很有用意的，当吴金水的收音机里传出“中央人民广播电台对台广播”时，白医生立刻紧张的关掉了，并小声说这是“G匪”云云，这本是唐突的剧情，却很衬当时的白色恐怖的背景，以及90年大陆复兴的前景。金水因为没有了睾丸，却因祸得福，成为澎湖首富，临末说了一句，你不了解没有睾丸的人的苦啊----这显然是身为外省人的王女士自身的感慨---你们不了解中国没有台湾的苦啊。

现在来看，台湾仿佛就如同中国患了象皮肿的睾丸一样，割了不仅没面子，对祖宗也不好交代，不割又肿在那里很氧，出海打鱼都没有力气----中国对别国内政的不干涉，正是由于自己不想让别人干涉自己的内政。可偏偏总有些时候人家说你这睾丸不割不行啊，它挂在那里50年自己都要掉了，趁早割了吧，其实这些人不知道，就算是割掉了，一个没有睾丸的男人，哪里会这么善罢甘休的----100万也得给它买回来啊！不卖？好，跟你没完没了，儿子不念书了也得争这口气。不过还好，老子很明智，说儿子啊，老爹这么拼命发展经济，就是想你有一天可以不受气啊！

再来看看西藏，如果台湾是睾丸，那西藏就是乳房，肿就肿了，也不碍事，肯定不会掉下来，但就是有点小痒。但你乳房大了，鬼子们的眼光就淫荡了，非要抓你几把，捏你几下，你痒在身，他痒在心，你抗议扇他嘴巴，闹的不欢，如今非要派个特使才能搞定。没办法啊，运动会上乳房太大的话容易影响成绩，运动会结束以后嘛...痒痒也就习惯了。搞不好慢慢吃药，哪一天就又安定团结了。

讲女生的部分总是觉得不够。总觉得被那些大道理，“成长不是放纵”，这种莫名其貌的把本末倒置的大道理概括过去。 systematic marginalization/exploitation了解一下再讲话吧！ 第三集的妈妈，生病是怎么了？怎么当初会想放弃治疗，离开丈夫和与孩子断了联系的半年是在怎么过的...  (展开)

这是高考前看的最后一部电影，所以给我的印象比较强烈。
电影片名叫“一个明星的诞生”，当然故事主线也是讲Esther Blodgett的明星成就之路，然而，给我印象最深的不是朱迪嘉兰，而是詹姆斯梅森，扮演的Norman Maine。
当然，朱迪嘉兰的表演真的很搏人眼球。无论是最开始她和Maine结识的那场表演，以及在家里那场全世界巡演（有个细节，嘉兰拿着那个超大三明治一直不下口，主要还是她个人的原因和公司对她的要求，要保持身材不发胖，所以要不停地嗑药，这也是她英年早逝的原因之一）和那场报童雨中漫步，演技真的没得说，奥斯卡永远欠她一座小金人。
主要还是Norman Maine，作为以为在演艺圈活跃多年的演员，他在演艺圈的人缘和社会上的明星影响力依然不容小觑，然而他多年的酗酒恶习对他的个人形象着实抹黑不少，以至于他在开始的演出中因喝醉而大闹舞台，幸得Esther机智，得以顺利谢场。Norman也看出了Esther的天赋和资质，于是运用了他在演艺圈的人缘让Esther进入大制片厂发展，这也是他的幸福和悲剧的起源。幸福的是他收获了和Esther的爱情，悲的是由于Esther（或者说是Vicki）的光芒愈发闪耀和Norman自己越来越糟糕的状态，工作室与他解除了合同，他失业了！
失业后的Norman一心在家里当主夫，看到妻子的成功他也感到很骄傲，但之后他也慢慢意识到社会上那些对他不利的评价，从以前的经纪人打电话来称呼他为“管家”，快递员上门称呼他为“Mr.Lester”，他心里的痛苦被一点点的发掘，那作为男人的自尊起能容他人亵渎！可他无能为力，所有人都在关注他的妻子，这个被大家称为Vicki Lester的冉冉升起的新星。为了消除心中的愁虑，唯有借酒消愁，谁知举杯消愁愁更愁。借着酒劲，他闯入了妻子的奥斯卡颁奖典礼，冲上舞台，对着底下那些曾经将他视为上帝，摇钱树的老板，投资人，一遍遍地喊着“I need a job.”“I need a job.”可谁能理解他内心的苦楚，也只有妻子能。
之后他被送往疗养院戒酒，出来之后他确实仿佛重获新生，想着如何能再达辉煌，对之后的生活充满希望。然而，他遇见了以前的经纪人利比，后者对他说出一句“你是靠你老婆养着的！”他愤而挥出一拳，可回击的是一记更为强烈的重拳，直接把他打倒在地，同时被打碎的还有他那刚刚燃起的希望。他再次酗酒，只是为了能在那短暂的迷失中，远离现实那肮脏的尘世浮华。夜间法庭上，Esther再次凭借自己的影响力把Norman保释了出来，他已不想再去深究那些评价，对他而言，这个世界对他，已经没有什么吸引力了。他唯一不忍割舍的，就是他一身的挚爱，与Esther拥抱之后，他对她说出了最后一句话“嘿....我只想再看到你”他转身走向大海，一个大浪扑来，他一个趔趄，可更坚定地走向远方。也许迎接他的不是灭亡，而是新生。他的一生，浮生如梦，也许这就是他的最好的归属了。

如果不是这部电影，古龙不会有日后的名气，跟现实的江湖保持距离，钱少赚一点，酒少喝一点，寿命长一点。

1976年上映，这是古龙小说首次改编成电影。对照原著，剧本颇多删减，但大致保留了原著风貌。「流星．蝴蝶．剑」不是一把剑，而是三种意象：稍纵即逝的侠客 (流星)、情欲飘忽的女人(蝴蝶)、险恶的江湖(剑)。

在胡金铨的「空山灵雨」和「山中传奇」失利之后，武侠片看似到了穷途末路，成天标榜忠孝节义、驱逐鞑虏、或反清复明，已经无法满足观众胃口。「流星蝴蝶剑」卖座鼎盛，除了替邵氏开辟财路，更重要的，它闯出了新的格局，打造了另一个江湖。

比起传统武侠(如「十四女英豪」)，古龙算是自成一格的类型。人物性格复杂，风格诡异明快，时代背景模糊。不似金庸熟读历史，古龙凭着生活经验来揣摩人性，靠着想象力揉捏他的江湖。在古龙的武林里头，不知是哪个朝代，不见官府兵卒，地理位置也一概不清楚。妙的是，这般的故事背景居然能得到广泛认同，彷佛人们对從不存在的世界有着某种共识。

之后的「天涯．明月．刀」、「萧十一郎」、「白玉老虎」、「三少爷的剑」…票房都大有斩获， 80年港剧「楚留香」在台湾上映，把古龙的声望推到巅峰。期间还出现一些「三段式片名」的「仿货」，如「剑花．烟雨．江南」、「银萧．月剑．翠玉狮」，个个成绩惨不忍睹，也能骗到一群傻B观众 (包括我)。无论如何，最初把「流星．蝴蝶．剑」搬上银幕是非常大胆的决定。楚原的手法，倪匡的剧本，古龙的魅力，时至今日仍然很有看头。