(劇透)杜汶澤一向予人的印象都是充滿挑釁性的，雖然他執導的《空手道》顯出比較沉著和文藝的一面，但他那種不服輸的心態依然可見，正好與戲中的信息形成有趣的張力。《空手道》是一個關於「如何失敗」而非「怎樣取勝」的故事。雖然戲中藉著空手道師父(倉田保昭 飾)之口表達「空...  (展开)

为什么这个片子好笑：
1.性总是最好的段子。比如：在杂志选题的时候讨论吃大蒜是否会导致男人的精液味道不同等；比如男女做爱的时候要求说一些黄段子之类的。
2.镜头或者情节的重复使用：开场3分钟，amy和若干个男人上床并送走他们，这个片段当中，无数个男人站在门口向amy告别。一个镜头还好，但若干个这样的场景被快速、大数量地重复，就变得很好笑起来。
一个人不断地说谎，说一个谎就被人揭穿；再说一个谎又被揭穿，直到他不得不说出真相。这个过程当中他可以瞎编一些谎言和根本就是胡扯的东西。
3.夸张的人物设定：
（1）amy的爸爸：满嘴脏话的一个老头，愤世嫉俗到好笑，四处和人斗，但心肠软。这个时候一定要注意他的语言要风趣，否则的话一定会让观众不喜欢，一个满嘴胡话地愤青才能让人喜欢。
（2）amy的女同事，性格非常突出。饶舌妇，叽叽喳喳，性格略胆小，喜欢附和，脑子有点不太好用，呆呆地。
（3）amy的男同事们，一个是东亚人，一个是以色列人，从外形就可以看到明显的差异化。也是欧美喜剧片中典型的配角。他们都很贱，都性格有明显差异而且突出。这些人物一定都是有各自的人物小传的，所以才能够有明显的差异。而国内的喜剧电影人物的性格特点并不明显（剩者为王当中的同事都非常脸谱化，没有任何特色，都是观众身边能够看到的人物，平庸，无趣），即使明显也只是作为一般人的明显（比如会被设定成一个男人婆-肿瘤君中的闺蜜，或者一个娇滴滴的美女-剩着为王中的熊黛林），而不是做为一个喜剧角色的那种明显。
（4）欧美喜剧片当中一般都有一个小角色，贯穿始终。比如片中amy楼下的流浪汉，总是有金句不断。不占太多的篇幅，但总是让观众感到映像深刻。然后片中会有一些路人的角色，会说一些很搞笑的话，仅仅用于调节气氛。
（5）amy的夸张性格：不喜欢和一个男人有长久的发展，所以会产生各种和想和她产生长久关系的男人各种矛盾。amy睡觉很轻，所以她和conner一起睡觉的时候会很夸张地要求他不要大声呼气，以免感到风声。amy跟人讲话有时候也把握不好分量，会错误判断形势，所以比如一群女人一起玩游戏讲真心话大冒险，她会真的说一些很隐私的事情，以至于众人不知道说什么好。
4.夸张的台词和语言风格：比如amy在面对男性伴侣脱下裤子露出的dick时说：“your dick never ends”以表达他的dick很长。这个台词绝对是绝无仅有的形容，而且形象得不得了。
5.尖刻嘲讽的语言风格：amy会当众嘲笑喜欢体育的人，认为他们很无聊，认为他们人格低下。这种略带争议的台词要演员用很自信或者一开始自信但发现大家反映不太对之后的不自信来表现。
6.对比：
（1）人物反应对比：开场时，amy和一个男伴提出永久分手。男伴并没有听懂，还在一边傻傻地搞笑，说一些非常愚蠢的话，可是amy已经明确地说了他们要分手。观众此时是明白amy的意思的，可是男伴不懂，于是观众就在一种智力优越的地位上看这个男伴在傻傻地搞笑。这种对比就尤其让人觉得搞笑。另外一种对比是，一个人讲了很好笑的段子，可是另外的人没有反映，这种尴尬和沉默会让观众笑翻天。另外一种对比是，一个人讲了很长一段自己很欣赏的言论和台词，可是另外的人没有反映，把他打发走了，这也会好笑。
（2）情节上的对比：amy让男伴做爱时说脏话，男伴说了，可是说得非常没意思。这种错位让观众觉得好笑。amy和男友吵架，这是男友主动发起来的吵架，可是到最后，amy话多得男友睡着了。
amy最后想投篮让男友impressed，结果最后却一下子摔在了地上，这是一个极度夸张的反衬。
（3）人物身份和形象对比：比如amy和男友在电影院和另外一个人吵架，男友就说了很多很gay的攻击性的语言，观众会觉得这些话和他的身份很不相符，这就有了差异性。
一个角色可以一本正经地说一些很扯的话，形成反差，而且他自己一点都不觉得好笑。比如amy告诉conner她没怎么吃早饭，然后她开始数自己到底吃了些什么东西，然后观众知道她其实吃了很多东西。amy一边跟正经的说这些话，于是就有笑点了。
intern是一个在全片当中都非常文静和一本正经的人物，但是他在私密环境当中却是一个喜欢玩SM的角色，这让人觉得很好笑。
7.其他
一个人自己突然无意识地说了一些很愚蠢的话，他自己都没有意识到。等他意识到了的时候又会嘲笑自己。
在一个场景结束的时候，需要一个人（处在这一幕当中的，或者不在这一幕当中的人）说一句很搞笑的话来结束这一幕。比如在amy的父亲和amy的姐姐结束了一场争吵，最后姐姐离开之后，同桌吃饭的一个老头说“这个女人是你的老婆么？”于是这个喜感就出来了。
嘲笑名人和知名商人是喜剧的一个点。
一个搞笑的段落结束的时候要很快就切掉，要造成一种意犹未尽的感觉，而不是让这个笑点慢慢消逝掉。
喜剧当中需要有有分量的悲剧，但悲剧持续的时间不宜过长，而且都要穿插喜剧的台词或者以喜剧结束。

这本来是写女主的电影，看完后怎么成了写男主更多的剧，写他有强烈的控制欲和占有欲。而对女角的情感挖掘浅浅的，她最后带领全体女人们自焚，还有深入敌营救夫都是轻而易举的。画面营造的氛围是够了，毕竟花了大价钱的，但是对人物的刻画始终浅薄，尤其是对国王，感觉是个没有...  (展开)

有一句很不要脸的话不知道当讲不当讲。算了，我还是讲了吧：我觉得我和许鞍华喜欢的是同一类男人。 原来看男人四十，后来看半生缘。哪怕是玉观音里面的杨瑞。都有很多令我也心动的地方。

20左右岁被人forced on以后，很长一段时间，都把性和爱的界线分得很开。那时候因为对方是个矮小猥琐没有头发的中国男人，所以表面上喜欢的都是一些身体的孔武有力、头发茂密的大男孩（大概是觉得觉得他们的欧罗巴爱神给他们的费洛蒙，能吓退那些东亚的猥琐老男人，可能也从来不是真的爱他们，但他们都是一个害怕的人，床头的小熊），而私下里最喜欢看的porn的类型却是是父女师生：因为经历的关系、一定要在心理上觉得是被一个强大的阴影欺侮，才会从极度的紧张里找到一种释放。有时候喜欢看one girl vs 50 guys那种片子，倒不是觉得心理上被50个人凌辱了，真是觉得被50个人温柔的爱过了。但这种快乐都是基于一种非常delicate的精神状态，一方面是超现实的爱，一方面是对自己需要这么多爱的质疑和羞耻。25、6的时候理解了Steve McQueen所说的羞耻是什么意思；是极度缺乏善良的爱的，但对怎么获得爱以外的快乐又过于驾轻就熟了，带着对于爱的向往，走进了和它毫不相关的快乐的深潭。这是一种耻辱。 以为我就这样定性了，除了关于虐恋和orgy的想象，再也不能唤醒身体了。 靠羞耻感维持性活动的质量本来没有什么的，除了最后那一点厌恶感。

是从《男人四十》开始，我看到了一个良心闪光的许鞍华 。 替你谴责社会的是记者，用尽全力帮你原谅自己的羞耻感的人，是鞍华。 起初我自我代入的胡彩兰：觉得自己也有那样的资本和深陷中年危机的男老师玩心，仿佛只要够漫不经心、就能不落入陷阱终究能免受磨难。后来才理解，胡彩兰是一个幸运版的陈文靖：她遇到了一个没有捕猎欲望的男人。而这个人恰恰也是“狼师”的受害者，他的爱是成为心中不安的人经验的一部分，他的爱是安慰也是困惑。是和你一样受尽委屈却从不煽情。林耀国不是一个平凡懦夫，也不是一个在苏词里寻找良好自我感觉的伪君子，他从作文里看见的不是胡彩兰的“才华”、不是那些能带来价值的小的闪光点，而是自己不如意的一生。林耀国是每一个被那样诱骗欺侮的少女能够想象且应该相信的心灵良药。我总是在想，什么样的人我们一眼就知道他心里没有卑怯的欲望呢，是么样的爱是纯洁得敢于回望的呢？是那种不能言说的体贴和共情吧？许鞍华为我们这样遭遇的人，创作了一个林耀国，他不是一个愈合者，只是在用一样沉重的、无辜的人生陪我们经历着的人。

林耀国和胡彩兰走在茱萸花开的重阳街头，突然敞开心扉，对胡彩兰讲了他少年时代对一个女人的观察，以及他年轻时是靠“诚意泡妞”的故事。为什么是茱萸树呢，传说基督的十字架就是山茱萸的木头做的，从前山茱萸的树木是恢弘结实、可以用来做他受难的十字架的，从他以后，树木不再强壮，但是开满鲜花，看到鲜花，便想起他的苦难。 我相信许鞍华在这里并没有在影射一个宗教故事，这里是我们对于纯洁的感情需要。作为女性，如果我有性幻想，那一定包含对于这种圣殇一样的爱的向往，不论我从前被多少卑劣的刺激诓骗，都希望每一个吻都是一次原谅，每一下性的动作都是毫无保留的爱。 林和胡的关系在许鞍华的安排下，有了这样的色彩。胡彩兰是陈文靖的回魂，他和林耀国在深圳度过的一夜，不是林耀国背叛妻子的夜晚，而是他四十不惑、再一次接受陈文靖事件的过程。而对于胡彩兰而言，林的接纳是对于她所有不羁放荡的洗涤，只要林耀国吻了她，港岛上对于这个新新人类的所有非议都不过是过眼云烟、都被涤荡一空；没有什么比一个遭受过苦难的爱人的全部接纳更能力排众议，也没有什么比年轻的毫无保留的勇敢和热情更加干净。这样看来胡彩兰和林耀国竟然是在相互牺牲了。在宾馆那个旋转的门锁柄后面，我想，应该是一场茫然的安慰的性。 林耀国即是他自己的老师，又是胡彩兰的情人，还是陈文靖20几年来最亲密的朋友和爱人；而胡彩兰，这个迷途的小羔羊，作为学生、作为他妻子的影子，作为执拗的爱人，在这个中年的矛盾体里，将会感受到多么强烈、深刻而又怜惜的爱啊。 这样的快乐和失落里面，我相信，是没有我之前说到的那一点厌恶的。全然的爱也许也使人痛苦，但不会令人耻辱。这样的爱和性的暗示，是我过去无法想像的。是籍着许鞍华的温柔和细腻，第一次体会到的。

如果说看《男人四十》时是受到一次启发，那么看《半生缘》后应该算是一次确认。沈世钧是非常像我认识的一个人，他的对人的呵护不在于具体的行动，而在于每一思，每一想。奥斯汀的布兰登上校和达西先生或许能以实际行动挽救爱人于名誉的危机，沈世钧却不同，他的善良像秘密花园的钥匙，在于他知道却从不忍心开启。对顾的姐姐的艳名是如此，对石翠芝的鲁莽冷酷也是如此。 他的善良全在于一颗心，示爱是虚拟语气，实际生活中也不敢不愿过得比其他人更加幸福 。他说“如果我知道你叫我抢，我一定会抢”，也说过：“我只想你好”这样的话；有人把顾曼桢的不幸归咎于沈世钧的软弱，其实如果他不“软弱”也就丧失了他的可爱之处。他爱里面没有掠夺的欲望，更没有一锤定音的贪婪。他的爱是时间和际遇酝酿的一件和节气一样不可思议而又自然而然的事情。不能讲他无用，只能感叹那样的经济环境下，他的谦和温柔是长期消费不起的。 没有当下的人，只能有千千万万说不出的过去和说不准的未来，这样看来，也未见得是最不幸的人吧。“永失我爱”不是什么新鲜话题，但是在《半生缘》里，许鞍华用了一点闪回（豫瑾和曼璐、世钧回到树林里去找曼桢的红手套），一点实验片段（曼桢被囚）去讲失去，是哀愁的，但不激烈。人在爱里失去一个自我往往是容易的，但在时代里找到一个自我却很难。 豫瑾为了曼路去和人打架，后又移情于曼桢是由于渴望变成了饥渴，爱情变成了distorted的欲望，人总能适应他的命运给自己找到慰藉。但是慰藉无非是良心的借口。而世钧和曼桢这样的人， 就好像doctor who里面的时间旅行中的恋人，即使旧的世界轰塌了，他们罗曼蒂克的友谊仍然能在时间的缝隙里，突然闪回，百转千回。 书里有一段写，冬天的时候，风翻书，声音很是清脆可爱。等男人、女人都有了经济和心灵的自由，那种罗曼蒂克的友谊可能就不必那么凄惨了。

厂是420厂，城不是成都，国却是当下的中国。

一、言说
贾樟柯无疑是十足自恋的，这里的自恋没有任何贬义，而是说他对自己的电影方式和自己的生命情有独钟。《二十四城记》在贾樟柯的作品序列中处在一处转折点，贾樟柯用这部影片对此前的作品做了一次有趣的总结。原谅我只能用“有趣”这个词，当然也可以说是奇妙的，因为这部片子在我的视野里，是中国电影序列里仅见的“仿纪录片”（Mock Documentary指用纪录片手法和表象拍摄的故事片。当然“纪录片”这个词本身也是裂隙纵横，至少包含了三种以上的不同影片类型，此处从略）。而这次影片又像一次长长的注目礼，对贾樟柯自己的电影作品，更是对中国当代史的后半段——于是我知道贾樟柯无论是从表达欲到叙事野心，都又上了一个新的台阶。

这部影片显然是过分表达的，因为“表达”或者“言说”甚至成了直接的表象和影片的主部。此前我与大多数人一样，没有在大银幕上看纪录片（无论是哪种的纪录片）的经验——最多是在教室看过投影。这一次我的震惊体验大概与超级写实主义的油画类似，影院的大银幕上访谈和“访谈”的单调构图对我形成了极大的冲击。而贾樟柯的策略，或者说影片结构，则是“真假参半”，用访谈和记录引入规定情境，然后再用一样的手法——被放大的“言说”——来进行叙事。试想倘若不是吕丽萍陈冲赵涛陈建斌，那么她（他）们的“扮演”行为是不是仍然能够被指认？或者，那些“受访者”同样也是在“扮演”？这里涉及到摄影机本身的权力问题，也就是说在摄影机下展示出来的是否还是“真实”，那么贾樟柯的回应则是两种——第一，有且只有言说，而言说的内容只好请观众“脑补”（脑内补完）；第二，用职业演员的扮演在某种程度上提示这一“言说”的实质。换言之，我们并无必要去追究那些事“是不是真实发生的”，当然可能有一个丢了孩子的母亲，在一本或者可能存在的《成发集团发展史》中有记载；或者也可能有一个酷似陈冲的上海姑娘——但是这些不是重要问题，重要问题在于这一切的呈现方式。

因为“言说”这一表象的存在，以及前30分钟的访谈和后75分钟的“访谈”具有了某种程度上的互文关系，有必要强调的是，“访谈”中的“故事”可能是特定场景下的故事，也可能是对生活的某种提炼。实际上除了第一个访谈，此后的访谈都具备充分而完整的故事性，它们就是故事本身，由此也再次对故事进行了自指——贾樟柯清楚地知道自己在干什么。因为如果不用这种手法，这部片子要么是一个N段式电影，要么是一个依那里图式的多线交织的后现代故事片。

于是从这个表象入手，对《二十四城记》的解读就会完全改变，因为首先重要的不是影片内容而是影片的形式——对纯形式的解读完全可以导向某种意识形态批判。当然可以把这种手法理解为缺少投资和缺乏能力——试想以这部高清数字电影的成本如何能cover一个跨越40年的史诗级别的故事？但是我倾向于认为贾樟柯的这种手法是有意为之——至少他不隐藏导演和摄影机，并且曝露了故事的讲述机制。

二、叙事
或许刚才的分析会导致对这部电影“形式大于内容”的判断。而就影片试图表达的内容而言，无疑是大大溢出了影片的范围。影片呈现的是一段历史，那么这部影片自然进入“当代史叙述”的序列中。420厂的历史，与中国当代史基本是等价的——从“以小见大”的角度来说。虽然当代史的禁区依然是禁区，比如文革（第一段访谈里的武斗），比如八九（好像与本片没有关系），但至少贾樟柯还讲到了不可绕开的对越自卫反击战——去年对新时期的回顾之中绝少提到的话题。当然大书特书的则是93年资本主义化进程开始之后的“分享艰难”，呈现方式则是讲述之中对“昔日荣光”的怀念和受访者无一例外的眼泪。贾樟柯最娴熟的技巧——用流行歌曲来标定时代——又一次成了他在影片中的签名，也是他一贯从大众文化的角度结构当代史的方式。

受访人物的出场按照时间顺序排列，从建厂之初一直到现今的“80后”。一共8个受访者，其中4个演员，3个“真人”，剩下一个赵刚——大概能各算一半吧。这也是颇具形式感的安排。贾樟柯并无意通过他们的讲述构筑一个整体的叙事，但这些生命片段的交织却产生了某种蒙太奇层面上的意义。其实一个人的生命，讲述出来不过也是如此几句。在这些讲述之中，我们得知了420厂的变迁——它着实是一处“飞地”，如《世界》里的世界公园一般，超大规模的移民，一个工厂甚至成了一个小型规模的城市——有学校、电影院、游泳池，大量穿着统一制服的工人——大型国有企业的普遍处境。似乎用“折射了中国社会的变迁”来下按语是个不错的选择。但是我想说的是，这部影片里的“工人阶级”多久没有在影片中出现了？曾经的“工人阶级专政”似乎也不再作为一个常见的提法了。而最后工厂变成楼盘，似乎也是某种当下资本取得胜利的隐喻。于是成都终于把曾经的飞地吞入肚中，荣光无限的工人阶级也光环不再，终于还是在社会巨变面前成了各谋生路的市民。

就“当代史书写”而言还可做出一篇大文章，但无论如何，贾樟柯这次展示出来的却是从《站台》一以贯之的视野，而《三峡好人》之中的潜台词——郭斌曾就职的工厂，以及作为“福建女老板”的翟永明开发的地产——在这里被详细的呈现。贾樟柯作为“70年代生人”的自觉使得他对80年代的叙述格外地精彩，附带地也造成了某种断裂和含糊，尤其表现在某种“更久远”的历史的状态下。

三、观看
贾樟柯的风格，或者说是“作者要素”，在影片中依然熟悉，比如逆光的窗户——得自侯孝贤的一种构图方式，还有很多，比如举着吊瓶的吕丽萍等等。当然非常明确的一个前文本是《三峡好人》，《二十四城记》同样在处理“拆迁”这个命题，于是很多镜头都很相似，贾樟柯式或者余力为式的小横移，但由于高清本身的问题使得运动镜头不太流畅，还有最后一个俯瞰成都的镜头，明明就是《三峡好人》的情绪的延伸。于是《二十四城记》同样具有了某种史料价值，我曾在对《三峡好人》的评论中说“《三峡好人》真正所讲的故事是后工业时代中国的一个城市如何将要被废弃，如何正在一点一点消失，从而构建的一个关于现代社会的寓言。”而《二十四城记》要讲述的则是更深刻和更直接的层面上的问题——不是因为要建水电站，而是因为资本的介入；不是一个城市的消失，而是某个与红色历史相关的“飞地”的最终消失——这是否也是对红色历史的某种评判我不得而知。

然而还可引起注意的是访谈人物的选取，女人——四个女人，尤其后三个，承担了不同程度上的悲剧。如果不是毛的军工企业“靠山方针”，那么侯丽君的母亲与外婆是否不会分离十几年，是不是那么多东北人不用穿越大半个中国来到四川，是不是大丽丢失的孩子能够被找到，是不是顾敏华不会陷在成都和上海的夹缝之中而孑然一身？这些问题不是我能回答的。但是有趣之处在于，女人们的讲述和男人们的讲述是完全不同的。除开第一位受访者何老先生，陈建斌扮演的副厂长和作为主持人的赵刚显然都是成功人士，或许是我的误读，或许也是《渴望》以来的中国情节剧苦情戏的传统使然。当然最精彩的段落是陈冲的20分钟——首先视觉上呈现为人物和人物旁边的镜像，而顾敏华和小花本身也是一组镜像，在加上陈冲这个集两个角色为一身的演员，实在是颇为精致的结构。当然导演安排陈冲观看电视中《小花》的段落，于是这就呈现出一组“历史的镜像”，影片的结构意义从而也被揭示出来：那正是处在当下的人们对历史深处自己的回望，以及注目礼——是行礼，更是送别。

放在“第六代导演”的序列里，作为核心表征的“自视”依然在这部影片中占有重要位置。不过《二十四城记》更像面对心理医生的一次访谈，结论，大概是最终的疗愈吧。

至于贾樟柯刻意不让身为易太太的陈冲打麻将，而让赵涛扮作王佳芝去香港跑单帮，只能看做是他的恶趣味……

四、贾樟柯
最后要说的则是有关“电影的事实”。贾樟柯作为新科金狮导演和法国电影界的至爱，本片入围戛纳理所应当，但是获奖根本就是不可能的任务——评委大概完全不知道这部电影在说什么。有趣的地方是本片在国内的某种程度上的悖反——评论以批居多，票房却是意外的好，上映三天过百万，虽不及某片和某片的一个零头，但终归是小贾老师的个人票房最佳了。

至于原因，我似乎可以抛出一个类似“后奥运时代电影格局”的概念。这个过程大概要追溯到02年《英雄》开启的中国式大片时代，此后在《无极》形成怪诞的电影文化氛围，而电影观众回归理性之后，似乎有了“春季档”的概念——比如去年的《立春》和《左右》，甚至细微到“三八档”——比如《双食记》。《二十四城记》号称也是三八档，当然这一切都与所谓“三代厂花”的剧情简介一样不靠谱。而奥运会开幕式作为08年度第一大片，实实在在地展示了中国电影文化的深刻程度——有个冷笑话叫做中国是世界上最热爱电影的国家，因为中国连国歌都是电影插曲——而对奥运开幕式的评论，先批后赞，最后抓了央视当替罪羊，又成为终结华语大片时代的怪诞闹剧的标志。

我所谓“后奥运时代电影”大约伴随着院线的增加，公映影片的增加，影评作用的强化以及观众逐渐的理性观看。02年到07年的狂欢客观上也培育了进一步市场和观众，而同时伴有的则是艺术片的逐渐浮出水面，随着电影文化的发展和资源的普及，看多了各国商业片和大众艺术片的观众也能够接受国产艺术电影了，这大概是本片小小票房奇迹的原因。但是对本片批评的声音却很多。看了一些评论，好像本片有不止一个版本——至少我今天在影院看的115分钟版本里没有华润的广告，没有赵涛哭着说我就想在24城给父母买栋房子这样的台词，我猜想大概是公映版本与宣传的免费版本的不同？当然更核心的原因是，贾樟柯曾经作为一代文艺青年的必修课深入人心，而这些文艺青年未必接受这种影院的观看方式——贾樟柯的片子，应该是非主流的，被禁的，只能通过下载和盗版得到的，某种接头暗号式的存在，而如果他上了院线，就是堕落了——这大概是对一部分影评进行精神分析后得出的结论。可是不要忘了，贾樟柯根本就是一个看着港片长大的导演——而且电影说到底是要卖钱的。

现在回想起来，06年还上演过“《三峡好人》pk《黄金甲》”的喜剧，而所谓“观众”早已不是一个统一的群体，但电影文化却实在短短几年间生根发芽，于是终于我们不再同一时间只有一部电影可看，于是“看什么”和“怎么看”也逐渐成了问题。当然贾樟柯的形式主义仍然在考验观众——因为对这部影片，收回成本甚至赚钱都已经不再是问题，大约说到最后，觉得影片值不会票价的人也不在少数，是不是这也是批多于赞的一个原因？然而我想说的是，在与宣传完全悖离的影片面前，似乎未经训练的观众难于找到一个立场，大概这又导向了“首周舆论决定论”。

五、二十四城记
于是在只有4个人的小放映厅里，我看到了这么一部贾樟柯依然在关注流动和寻找的影片。这部影片里充满着逝去的岁月的哀伤，它关于一个厂，一座城，一个国：这座厂可以是任何一个经历了和经历着中国当代史巨变的大型国企，里面有众多渺小的人，也有众多巨大的厂房和机器，有太多的悲喜日夜上演；这座城不是任何一座城，而是一个漂浮在空中的城市，它在这里降落，一如《孔雀》和《立春》里的鹤阳，而这座城市终于会消失，一如《三峡好人》里的奉节，在这里，这座城变成了资本洪流之中的一栋楼盘；而这个国家，是反反复复被讲述的中国，关于历史也关于未来，关于故事里的人和我们这些听故事的人。你说历史是有意义的么？你说是不是只有故事才是历史，还是历史本来就是需要被讲述为故事？于是我们更愿意坐下来听一个故事，听那些远去的昔日荣光，听这个时代不断成长。

同样是把之前写的搬过来...做个纪念吧 —《绀青之拳》相关瞎几把扯淡的影评— 1、富有野心的档期 众所周知，今年九月十三号是中秋节，本部剧场版排在中秋节第一迎合“月光下的魔术师”特殊含义；第二赶在假期档可以有更多票房。前期宣传就做的很足，今年知道柯南引进的观众远大...  (展开)

今年暑期在洛迦诺电影节备受关注的影片《老幸运》看点有很多，这是演员约翰卡洛林奇的首部导演作品， 哈利戴恩斯坦通老先生的遗作，加上有大卫林奇的客串等等。可真正让我决定落笔的原因说起来奇怪，是其超越了电影内容，将形式意义与自由精神揉搓到一起并放在人物人生终点来审...  (展开)