96 97年真的有很多很棒很正的电影和电视剧诞生
黑社会题材也从打打杀杀的黑帮仇杀转移到关于九七的恐惧等政治生活问题。这一年真的要感谢查传谊的《旺角揸fit人》和《去吧！揸fit人兵团》所带来的最最最精华的吴镇宇。
《去吧！揸fit人兵团》从名字上明显就是《旺角揸fit人》的续集，可是无论从剧情人物以及风格故事都是完全相反的。吴镇宇饰演的是一个打麻雀很厉害的马夫，虽然胆小但是总靠自己的机智脑袋混出一个小天地。他不是古惑仔里面令人闻“声”丧胆的o靓坤，也不是《旺角揸fit人》里面的亦正亦邪的艰险人渣。只是一个普通得不再普通的古惑仔。面对日常工作于JJ关系融洽，不会乱欺负自己的“搵食架撑”，同时JJ也很喜欢跟这个小大佬。朋友虽然不多，但是从台词和行为就足以证明他们是很友好的关系，最对不是神憎鬼厌，而是有血有肉的普通人。最后被抽中准备刺杀仇虎时，也表露出自己很痛惜家人的凄凉感情。刚好这样的角色中和了吴镇宇一直以来的奸诈古惑的形象。这种楚楚可怜但又不至于没有骨气的角色也为观众带来了几分笑点。
吴镇宇一直以来的演技都是最令我佩服的，《旺角揸fit人》一人分饰两种完全极端的人格就已经十分厉害，第一种是略带邪气但心地善良正直的青年，因误交损友而最后被逼变成世上最恶的江湖人士。第二种就是人之初性本恶，由头衰到落脚的超级大人渣。无论那一种吴镇宇都可以架轻就熟，在日后的电影里，也可以看出他无论正邪方面的角色都把握得很好，这是非常难得的好演员。另一个我最欣赏的类似的演员就是黄秋生。在《去吧！揸fit人兵团》中，吴镇宇这种弱弱的风格，也在一年后的《一个字头的诞生中》表露无遗，但是那个角色绝对没有《揸fit人兵团》那么人性，那么真实。情节是为情节而诞生，后者是为反应社会而出现。吴镇宇的爆戾人所皆知，古惑仔看多了也会明白，与刘青云的对手戏也可以了解到。但是吴镇宇的喜剧感也是前所未有的强，他不像刘青云周星驰以嬉皮笑脸的方式搞笑，而是一种发自内心的幽默感，但是配合自己认真的表演而表现出来的。要知道最认真的人有时才是最搞笑的。吴镇宇能帅则帅，能恶则恶，实在是偶像，当之无愧。
记得一年前看了一个内地的访谈节目，吴镇宇被主持人要求表现一下各种不同黑社会地位的古惑仔。当时表演前的吴镇宇是一个内敛而绅士的男士，可以区区几个走路的动作和眼神，马上可以还原吴镇宇所有古惑仔表演生涯当中最经典的动作。每当我想起这一幕的时候，心里总会鸡皮疙瘩起来。


还有 请不要把该片误认为是《旺角揸fit人》的续集 其实根本就是不同风格的。不过我的确更爱《旺角揸fit人》那种极端和残暴的风格。而这部片作为一部黑社会小品剧也是非常值得看的。

这是一个很俗套的警察故事，甚至在前大半段我都觉得它并不怎么样。

可是在最后你孤身一人要去报仇的时候，你喊的那句“老爸”，他回的那句“儿子大哥”就让我流下眼泪。即使他不是你真正的爸爸，即使在最开始也是因为他让你走向万劫不复的深渊。你都原谅了，你只希望你妈不在同一时间失去两个男人。

都会记得你倒下的那刻吧。回忆一幕幕重现。亲情，友情，爱情，还有，你的笑容。

你是出彩的，死去的那个总是容易被人记住，而人往往更同情充满绝望而又有希望的人，挣扎又富有战斗力。

就算是《狗咬狗》中所有的人都死光了，你还是最出彩的那个。因为角色本身就充满着光芒，而你也展示了你的蜕变。

我一直都不认为那个事件有多么的不堪，就像我们永远都不会知道事情的真相，所以电影里的主角们，希望你们过得更好。

我会期待更出色的你们。

圣诞节当晚，我去香槟的艺术电影院看了《丹麦女孩》。预告片已经放了一年多，加上小雀斑在《万物理论》里让人惊叹的演技，还有本身话题性强，够吸引眼球的主题——世界上有记录的第一位“变性人”，很多观众和我一样，胃口掉得足足的。但是观后感并没有那么畅快，舒适吧顶多。（喝一口牛奶）纳仔先一条条讲哈~
 
I 莉莉·艾尔伯

莉莉·艾尔伯（Lili Elbe）出生时是个男孩，名叫埃纳·莫恩斯·韦格纳（Einar Mogens Wegener），之后投身艺术界，成为一位小有名气的风景画家。

其实本身是长这样的
<图片1>

1904年，韦格纳与画家戈尔达·戈特利布（Gerda Gottlieb）结婚，婚后有时会扮成女装，为妻子作模特，自称为莉莉·艾尔伯。（“艾尔伯”是她家乡的一条河）
电影里详细拍了关于他第一次做女性模特的经历。
<图片2>

1912年，她的妻子因为以她为模特的画作被邀请到巴黎开展，遂搬到巴黎居住，莉莉·艾尔伯随后逐渐抛弃男性的人格，开始以女性身份生活。1930年，艾尔伯到德国接受了一系列性别重置手术，切除男性生殖器官，并将卵巢移植到体内，然而这次卵巢移植却以失败告终。她在手术后修改了自己法律上的性别，结束了与妻子的婚姻，退出了绘画事业，名字也改为莉莉·伊尔莎·艾尔文斯（Lili Ilse Elvenes）。1931年，她接受了最后一次手术，将子宫移植到体内，但手术之后产生了严重的排斥反应，不久便因此逝世。逝世后，她的朋友整理出版了她生前写下的回忆录。

 
II 莉莉·小雀斑·艾尔伯

小雀斑终于从正常演残疾到男人演女人啦！Hooray！
西方表演体系主要是两种，斯坦尼斯拉夫斯基体系和布莱希特体系。（对对对，东方还有个咱们梅兰芳大大呢……）斯派讲究的是让观众浑然不觉，能够模糊演员和实际人物的界限，观众笑是因为人物笑，哭是因为人物哭，一句话便是“演得跟真的似的”。布派便截然不同，需要演员和人物的彻底分离，甚至需要观众也非常明白这一点，那么哭笑和感情便都是观众自己的，因为演得是“假”的，所以才越显得感情是真实自己的。小雀斑毫无疑问的属于前者，我跟戏剧学的小伙伴们很激烈地讨论过《万物理论》里霍金残了之后究竟靠特技多还是靠演技多，总之就是很像很像，逼真极了。
但是这次小雀斑的演技让我有点一头雾水。我觉得很难使用出一个合格观众的终极大绝招——移情作用。
移情作用就是empathy，大概可以翻译为“设身处地”，本来是一种理性上能够把对方的情况考虑周全的心理。跟同情作用（sympathy）不太同，同情作用基本上可以囫囵而论为“可怜你”。电影对于社会最大的裨益恐怕是训练的每个合格影迷的empathy，或者在想象角色的同时，以后的为人处世里也多一份想象对方。
所以……对！是我没做好！我没明白很多很多莉莉·艾尔伯的哭点。这部电影里的演员都好辛苦，基本上从头到尾饱含热泪。戈尔达是因为委屈哭还是心疼莉莉哭？莉莉是因为实现梦想开心哭还是甚至真尼玛手术好疼哭？演员并没有太多让人诟病的，我觉得编剧是有些问题。台词都不在点上，造成台词累赘却并没有给出很好的情感爆发点的铺垫。观众没办法直接大脑接收讯息，而是要耗费脑子去猜猜猜……
小雀斑从头到尾让人被惊艳的一场戏大概是他没办法克制自己男扮女装的心而跑去第一次更衣的那个工作室，他脱得精光（还真的全裸…我不禁要剧透一定不会在国内上映的一趴——卧槽是真的大啊！）然后把阴茎藏到腿之间，模仿女人的下体。
<图片3>

这是同一幕中的一张截图，网上并找不到让我惊艳的那个表情

他当时的表演……准确、精炼，仿佛能够一道闪电就把观众拽进莉莉·艾尔伯的身体里。只有绝对自恋的忍能在审视自己的身体时有这种客观的“抽离感”，那表情并不是流俗的“啊我是个女人多好”，而是一种高雅的“看，莉莉的身体多美。”

 
III 戈尔达·艾丽西亚·戈特利布

首先，这部电影完全忽略了戈尔达·戈特利布的作品里对于女同性恋主题的涉猎甚至执着。
她本身作品有很多长这样：
<图片4>



或这样：
<图片5>



实际上，这张我认为就是电影里莉莉去做手术时戈尔达画的那张线条图最后的样子，但是电影里没有展现全图。
后来她画的莉莉·艾尔伯是这样的：
<图片6>



或这样的：

对于多兰的电影，我一直持保留意见。除了他的首部电影《我杀了我妈妈》带有接地气儿的血肉和浓郁的普通生活气息，前段现实的表达真实可信，后段爆发和迷乱的情感倾诉感人至深之外，我认为他其余的作品都缺乏分寸感的把握力，总有跑偏和陷入“自恋”的倾向，不厌其烦地进行自我暴露，反复进行自我脸部的特写和近镜头，反复诉说自己的同性性取向和炽烈而又隐晦的恋母情节以及与他人之间复杂周折的感情关系，这令他的电影显得封闭而自我。

作为一名年轻的导演，多兰除了勇气和才华，也许更需要学习自控与简略。电影不可避免反映导演本身，每一个导演都要在自我作品中暴露和接受审视。如果说导演电影是一个主动、完全受到导演控制的创作过程；那电影完成之后接受观赏与评论却是非常被动甚至残酷的，你可能张口莫辩、无处可逃。很多细节与隐蔽的心路都将曝光于细致的检查和评论中，这些审阅和评论的最终着力点都会指向导演，因为他是一部电影里惟一的君主，也是最后和全部责任的承担者。多兰并不怕自我暴露，他不怕暴露自己的同性恋身份与深层次情结，但他的作品风格化与语境范围如果不加以控制，将极有可能流于个人语言化与极度风格化，仅仅只能表达部分群体和边缘性人群的内部生活体验，与普遍生活撕裂甚至产生对立，无法激起更大范围内的赞赏与共鸣，他的电影将在未来变得更加狭隘、曲折、难解、孤僻；只剩下过分夸张、妖艳的形式化外貌和空洞乏陈的内部语言，这一切都会让人逐渐厌倦。
 
在《我杀了我妈妈》大获成功之后，多兰接连创作了《幻想之爱》、《汤姆在农场》和《双面劳伦斯》，这些作品不可避免带有多兰自我个体化的感受与表达，使它们经受了很大的争议与非议，评价中庸。这些反响让多兰意识到，如果他不对电影中出现的“自我”加以遏制和隐藏，他很快就会被观众抛弃，他必须懂得挑选一种普遍性的生活题材进行创作，而不是不厌其烦地展示自己的脸部特写。
 
于是《妈咪》诞生了。

一个导演的一生只能讲一个故事。这就是我对电影导演的一个基本看法，也对此深信不疑。贾樟柯只能讲他的故乡汾阳，张艺谋最有力的电影立于苍茫的黄土地和被压抑的感情中；蔡明亮的电影总是指向人无可奈何的孤独与被封锁的处境，人物行走自由却始终原地踏步。
 
他们会使用相同的演员来反复演绎同一个故事，故事的表达形式和所处时空可能更改，但核心不会改变，只要你悉心观察，就会发现这一点。这些故事是导演最有力量的故事，是他们的拿手好戏，也是他们的重要情结，同时也是他们的范围、边界。他们很难突破这些故事，这些故事最初成就了他们，后来却很容易成为他们进一步往外发展突破的桎梏。
 
与妈妈的故事，就是多兰最好的故事，也是他的边界和牢笼。不断曝光核心故事，意味着故事能量的不断消耗，每曝光一次，能量就会被削减一次，也许是时候诺兰开始面对创作上的瓶颈和觉察自我视野的局限。
 
《妈咪》跟《我杀了我妈妈》非常类似。多兰曾否认《妈咪》与《我杀了我妈妈》是同一个故事，但通过悉心观看，观众都会发现，《妈咪》与《我杀了我妈妈》虽然在戏剧结构与人物构成的安排上稍有不同，可主要情节与关键高潮近乎一致。《我杀了》中，两位对于于贝尔重要的女性，一位是母亲，一位是老师（多兰现实的母亲就是位教师）；在《妈咪》中两位女主角同是，同一个“有病”的儿子，他试图靠近母亲、爆发矛盾（第一个矛盾的出现）、和解，男孩想充当父亲的角色照顾家庭和出外买菜；但“小父亲”的角色遭到母亲的调侃与嘲笑；家庭里平衡再次遭到破坏与打击（第二次矛盾爆发），外来的力量介入，儿子被变相遗弃“送到寄宿学校或心理纠正中心”（矛盾的大爆发），儿子出逃，回归家庭，谅解（解决矛盾），故事结束。
 
完全是同一个故事。

多兰在采访中毫不避讳自己浓重的恋母情节，生于单亲家庭的他与母亲相依为命，而他在自己的电影里直接与过度的自我暴露使得对他的心理分析有迹可循。有心理学分析认为，过分热爱母亲的男孩会有同性恋的倾向，是因为他除了母亲，无法再爱上其他女人，也不接受自己爱上其他女人——因为这对母亲的一种背叛（这仅仅是一种观点，并非一种论断；感情中很多东西不可解释，请大家不要擅自用心理学上的分析任意套用论定）。


多兰的“三角恋”故事模式

从这个观点上看，多兰性向的形成有着他的深层次家庭原因，有他自己的心理安全感需求模式：因为与母亲早年生活的艰辛，他渴望一个“父亲”，一个更强有力的同性伙伴来增加安全感和整个家庭的稳定感；但必须死死抓住母亲，母亲才是他真实生活里安全感的主要来源。所以这种情感模式是三角恋。情侣关系外，总有一个母亲的存在；而在母子关系外，也会有第三个人的参与，这也许是多兰感到最平衡，最安全的关系模式。

“母亲”的角色非常关键。《我杀了我妈妈》里的妈妈和她的亲密又开朗的同龄女性友人们，她们的确是一群非常富有生活气息又可爱的中年白领女人；《妈咪》里形成一个暂时家庭的两位长辈女性：狂躁的戴安扮演了母亲，而自闭的凯拉成为秩序与纪律的执行人——父亲的角色；来自母亲些微的否定与拒绝都会引发儿子史蒂夫的精神崩溃和歇斯底里。《幻想之爱》里比弗兰西更强势、也更高大的女友玛丽（她一直与多兰双生同行，并列存在），弗兰西在这段三角恋里一直让着骄横的玛丽，当弗兰西与她同时爱上一个金发少年，她吃醋要离开。诡异的镜头出现了，穷追不舍的不是喜欢玛丽的金发少年，而是弗兰西，玛丽的存在对于他更重要，互相打架与拉扯中他们之间默契又亲密的关系不言而喻，而这段镜头也是这部电影里的华彩——最棒且精准的配乐（配乐是Fever Ray的《keep the streets empty for me》）、诗意化的慢速摄影与极具视觉冲击力的构图和浓烈色彩，多兰在其中展现了他复杂的恋爱需求。

《汤姆在农场》里，汤姆和男友乃至男友母亲的三角关系张力十足，互相打击和接近，暧昧不言而喻。在《双面劳伦斯》里，劳伦斯在变性和自己的生活上都非常关注母亲的反应和意见，他的母亲、他和他的女友构成了一个不断动荡的三角关系；而他的父亲，有趣的是，则被塑造成一个麻木不仁，对外界没有任何反应的“不存在者”，一个家庭中的变相消失者。

我们最有力量的故事会成为我们的终身故事；早年所形成的关系与情感模式会在后来的生活中不断加固和重复演绎。这就是我们熟悉的生活方式，情感模式，也就是家庭心理学的心理遗传机制。一个家庭内部的死循环，无限循环，不断演绎。也是佛教所指的“我执”，“我执”会在家庭内部多代中重复循环，它就像一股无形的内部“地心引力”，很少有人能觉察，能成功逃逸。

 
妈咪，我们是一伙儿的
 
多兰《妈咪》结构和设置比《我杀了我妈妈》要复杂，但故事和人物却相对独特。这不再是《我杀了我妈妈》里面那个我们都熟悉的普遍的家庭关系；而是一个“特别”的家庭，母亲桀骜不驯、狂躁又粗鲁；儿子却罹患心理与行为疾病，他们母子之间的感情在旁人眼力略显畸形。史蒂夫跟母亲非常亲密，他试图跟母亲一起制造一个共同的家庭，他会出外购物，想扮演“给全家带回食物”的父亲的角色，但这个角色很快被母亲否定，于是一个新的“父亲”被引入了这个家庭，就是邻居凯拉，凯拉在自己的家庭里遭受孤立，因此她来到了黛安和史蒂夫的家里，充当起了“父亲”的看守与教育责任。史蒂夫强烈的恋母情节使他拒绝接受另一个父亲、母亲的男友、他抵制任何男性进入他的家庭，夺走他的母亲；这也是为什么他欢迎凯拉的加入，凯拉的到来对这个家庭有益；而且她不会篡夺史蒂夫与母亲的爱，只会与黛安共同抚育史蒂夫，她安全又有用处。

多兰在这部电影里，进一步展示了自己非凡的配乐品位和MTV式的叙事和抒情节奏，慢速镜头配以世界顶级的歌曲和音乐，音乐的进入恰到好处，成为点睛之笔，与人物的表演完美结合，辅助更深层次的叙事完成。大部分镜头是在黄昏落日时分完成的，多兰称这个时候光线“血红金黄”，人物的身上洒落着一层金黄又刺目的光辉。史蒂夫推着手推车狂奔时，头顶是炫目的阳光，少年漂移的衣襟和金发在阳光里闪烁忽现，是非常美妙的迷幻时刻。

在凯拉来到这个家庭，与黛安和史蒂夫共同起舞的夜晚。音乐的表达是强大的（这里插入的席琳迪翁的《On ne change pas（我们不会放弃）》），它代言了那些无法明说的情绪流动和默契感情。凯拉注意到黛安与史蒂夫母子间过于亲密的肢体语言，也注意到史蒂夫为了取悦她们而化的舞男妆容，她起初惊讶但很快释然，她的肢体逐渐放松，开始慢舞，三人共同起舞非常和谐，处于同一节奏，塑造了明确摆动的平衡构图，象征他们逐渐建立的信任与友谊，自然而然的依赖和互补互救，他们将互相呼应，共同携手进入一段共同生活。

不得不说，多兰对音乐的挑选、对电影形式上的专注与精益求精的确充满灵感和天才创造力，对节奏与风格的把握首屈一指。多兰曾提到专门将这部电影的画面调至唱片封面式的1：1构图，无疑，他也注意并认可自己电影里那些音乐所处的关键作用和强大叙事能量，有时对白甚至都要为抒情的配乐让路。由音乐完整和提升故事，这也许吸引嘎纳评审团委员们的主要地方，电影界目前都急切希望看到电影叙事方式的进一步改变和新颖，这个渴望在2015年的奥斯卡提名电影名单中也得到了展现：《鸟人》意外领跑多项提名，评委会对此的评语是：“也许它会带来新的电影语言”。
 
母子之间的爱与“背叛”上演。母亲黛安为了修正史蒂夫的行为，将他强制送进了青少年心理矫正中心，在《我杀了我妈妈》中，于贝尔认为这是母亲的一次背叛，他吸毒后歇斯底里回到家里，摇醒母亲诉说对她的爱与失望。但几年之后，多兰显然对母亲的行为有了更多的理解和释怀，在《妈咪》中，史蒂夫原谅了妈妈，并在电影最后试图挣脱，逃回到母亲身边，因为此时的母亲已经失去了凯拉，正需要他的支持。在《妈咪》里，洋溢着对母亲的崇拜和一种女权主义倾向，母亲求职失败后，史蒂夫耐心拭去她眼角的泪水，对她细语：“瞧，我们是一个团队的，我们共同面对，好吗？”

在母亲最脆弱的时候，史蒂夫犹如有心电感应般可以感知母亲的困境，他从癫狂和失控突然变得非常正常和温柔，充满耐心地守着母亲。在母亲需要陪伴的第一时刻，他挣脱牢笼，试图奔向母亲（这里响起的配乐是Lana Del Rey的《Born to Die》这里的Die（死亡）也与史蒂夫母亲的名字Die（黛安）不谋而合，首尾呼应）。Born to Die——从出生到死（黛安），“母亲是赋予我们生命的人，也是我们这些孩子终将成为的人”，多兰在采访里说。

多兰对母亲的关注和深沉的爱在影像里令人动容。他的表达非常自然，母亲的爱深沉而温厚，但它并不是解决一切问题的法宝，就像黛安焦头烂额于儿子闯祸所导致的巨额赔偿，她不得不把儿子送进矫正中心，好腾出空来认真工作，有时我们不得不面临现实的深渊与考验，伤害与抚慰并存，爱与恨在其中此消彼长。多兰理解了母亲的脆弱和爱的有限，因为理解，有限的爱开始变得无限与广阔起来，他与母亲共同承担后果。爱有多种形式，爱可以跨越我们能解读的范畴和定义。因为有了母亲，爱开始有了更多的包容和不变的真挚。
 
看《妈咪》激起了观众类似的生活经历和与母亲深厚的感情链接。母亲是那个一直对我们不离不弃的人，我们麻烦的承担者和解决者。不论我们是同性恋、异性恋、还是情感障碍或者疯狂；她都竭尽全力去拯救、去理解、去宽容和爱，毫无怨言。母爱无可比拟。多年之后多兰才意识到这种爱的宽厚与神性，这种神性超越了世俗的认识和解读，它超越了人性的自私与利己，处于一切感情的最上层；他才意识到母亲有多珍贵，母亲是永远的归宿，她是跟他一伙儿的。当多兰在五年间的电影里，在自我其他感情关系上最终找不到答案和归宿后，他在《妈咪》里奔向母亲，也与很多往事拥抱和解。在这部电影里，我们可以看到多兰更加成熟的对感情的理解和可贵的宽容。感情生活去伪存真，妈妈才是那个最爱我们的人，妈咪我们是一伙儿的。（署名党阿飞，转载请注明作者名及出处“豆瓣电影”并与作者取得联系，违者必究！）

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      很久没有看台湾的呕像剧了，看到迅雷上的推荐加上一直对明道的气质心存好感因此找到了这部剧。
       一直觉得明道的笑容很纯真像个小孩，但谈不上是明道的fans，但看了几集这部剧无法不爱上明道，剧中明道的角色有棱有角，符合女性对男友的一系列期望，实在是太让人喜爱了。
       而最让人惊喜的当然是明道在剧里的演技，已经完全不是偶像派的路线，有张有弛，把握得非常分明，我只感觉：他开始成熟了，也正是他带给我的惊喜让我把这部戏一路拖到十七集（而且是只看有明道的部分，其他的角色，除了蒋怡MM的突破外，再没有让我印象深刻的角色了）。
       一边看着剧一边看着网上的评论，当然是众口一词的支持明道--我也是，不过我并不可惜这部剧没有安排他演男一号，他在这部剧里的实力已经完全超越他以往的角色和这部剧里的其他角色，为他带来的关注和支持应该为他的事业提升到了另一个高度。如果真让他演了这个编剧笔下的程雪歌，估计就是这部剧我也不看了……
       但唯一一个让我看到十几集觉得愤怒的是，编剧笔下的女主角姚子望。一个被塑造成能力超群、处事圆滑的女主角，对于感情却是这样的幼稚，这样的安排真让人觉得愤怒。能通吃黑白两道，商场阅人无数的事业型女性，从一出生就以摆脱自己的家庭为目的，非常了解自己的处境以及知道自己需要什么的聪明女人，面对一个对自己深情款款、能力优秀又一心想与自己建立幸福家庭的赵冠希视而不见，却钟情于一个有女友、没有能力照顾自己或者说完全比不上赵冠希的能力、更别说对自己完全没有赵冠希般深情的程雪歌……
       这样的编剧实在让我不可理解，我不在意女主角最后跟谁在一起，这只是个电视剧而已，而且也不关心一个大倒Y字腿的女人最后如何，只是这样的安排也太难以让我入戏了，只是因为明道的表演让我支撑着。
       唉，呕像剧，还是这样一直呕下去……

早起乌龙院电影，是一代人的经典成长陪伴的一个电影，搞笑，欢乐，创新，是80后90后 基本人人都看的电影，长大后，依然是是 每每提起乌龙院，就会带起一点点回忆，就这点回忆，也被《新乌龙院之笑闹江湖》收走，乌龙院这个ip不会比别的差。这导演竟然 用这个ip拍出了一部 基本...  (展开)

老版的西游记民间传说的成分多，主旋律的成分多，神话故事的成分多。

张版西游记原著小说的成分多，佛法的成分多，现代化的成分多。

这点，听两版的片头曲就很清楚了。

对比老版，张版煽情和搞笑的原创台词不少，很多小说中有趣的内容又加了现代化的改编。配合绝赞的新神怪人设和大气的色彩场景，令我每日追看而耳目一新（先前播放的湖经卫视版删节过分，情节都断了，大家切勿去看，乱了对本作的感受）

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以下正文，说一下我对西游记原著小说的理解。

西游记是一则修心的寓言，抛开他神怪和宗教的内容不说，其实讲的是人如何去除心魔，从而安心顺命的道理。

唐僧是坚毅心慈悲心摇摆心，悟空是名利心乖张心自由心，八戒是色欲心贪欲心八种魔心，沙僧是晦暗心计较心各种烦心。

西游记从悟空出世说起

人一出世，最大的就是不服天不服地的乖张自由心，好名利好进取，从而寻访名山，修得真道本领。修身时更无性，别人骂我我也不恼，一心只求上进。

一旦本领学的，便眼高手低，乖张暴戾，再不听人言，再不服人管。

给你个从低处做起的小官实禄，你不爱。

给你个有名无实的齐天大圣，你乐此不疲。

此谓功名虚利。

直到玩忽职守，监守自盗，放任随性，终于闯下弥天大祸，被大法力困，险些丢了性命。

幸得佛祖慈悲，未伤其名。而韬光养晦，自我反省，助那坚毅摇摆心（唐僧）成功。

人的本性有坚毅处，更有摇摆处。

容易因为本性而坚持一路西去，但也爱八种诱惑（唐僧很喜欢八戒），亦需进取心（悟空）时时告诫自己摆脱八种诱惑。

却又害怕外在的灾变凶恶，各种道佛内外的魔头威吓，迷失本性，吓得寸步难行。

而一旁的暗晦负面感情（晦气脸的沙僧）虽然一直默默无闻，此刻却格外增长，更添路上艰难。

好功名者（悟空），常努力，而八种心魔常常阻碍自己的努力。加上摇摆心作祟，令功名者受挫。

所以功利心要悟“空”，空者明也；欲望心才无能，无为，无处作用，负面心方才方（悟）“净”。

各种魔心互相纠缠，也互相助长互相抑制，让人最终修得真性，自在无边。

此为西游记心经是也。

看一部情节缓慢，鲜少对白的电影可以在空白处构思自己的小说，不知道你有没有试过。《羽毛》是偶然淘来的一部韩国片，导演和演员均具有陌生化效果 ：）

海风吹了过来，让看着的人也感受到了这份舒服的洁净。寻找过去约定的男人来到曾经的小岛，他问镜子里的自己，这些年过的怎么样？好象他和自己也有很久都不见了。

在灌满海风的纯白楼顶，忽然出现了造型迥异的女子和少女跳一场探戈。她头上别着的那根绿色的羽毛是迷路在海边的孔雀掉的吗？那个美丽的动物在被男人突然抱住的时候有一种惊悸的身体语言，好似一个害羞的少女，谁又能说它的美逊色于女孩呢？

在海边生活的人没有事情的时候就在暴风雨中钓一钓鱼。我以为这是不可能完成的任务，可就这样，那个看起来痴傻的男子也还是等来了他的妻子。

什么是我们想要追寻的呢？记忆中的爱情？埋在沙中的誓言还未腐坏，爱情却早已杳然远去。在雨中淋湿的钢琴何其无辜？我们只是孤寂。和雨中所有无辜的事物一样。

希望是，我们还会遇到另外一个人，并且你能够爱上她，并且她也在等待着你，期望和你再度相见。连杯子都可以在风中带上翅膀，我们何不试着，梦一次呢？

吴宇森早期不得志的时期，虽然是拍不出理想中的热血江湖，义气世界。
但对于这类针砭社会时弊的小喜剧还是信手拈来的。
吴耀汉和许冠英的出色演绎，赵雅芝的靓丽可人，主题曲和插曲的朗朗上口，让这部小喜剧摇身一变，成为年度票房冠军的大制作。
其实里面很多细微之处，契爷对于钻石和朋友的态度，张瑛身边小秘书这个角色的设置，打手李海生的脸谱化个性，鬼佬的做事态度，对许冠文的揶揄等等，都是值得赞扬的。港片辉煌时期，已经初现端倪，后来的大红大紫，东方的荷里活，不是没有理由。

发钱寒，有钱周身痕，有钱就去滚，冇钱就打冷震。一部小喜剧，能反应到如此的层面，总算没砸了当年许氏喜剧的招牌。