黄昏里一盏明灯:他们在岛屿写作
文 / 蒋斐然

“是谁传下这诗人的行业，黄昏里挂起一盏灯”。

在这文学阅读日益衰退的年代，《他们在岛屿写作》挂起了黄昏里的明灯。

我们不禁感叹，台湾啊台湾，台湾啊台湾。看似被政治力搅和得乌烟瘴气的台湾，看似民风日下乐娱表浅的台湾，却从不叫人真正失望，因为在这个岛屿的某个角落，某个时刻，总是不期涌现这样那样充满力量的的影音创作与文学记忆，无法被乱流冲走，无法被历史埋汰，让人重新坚信美好的存在。这个市井与纷争的小岛，像极了春秋战国时期的中国，乱力之下有自由，自由之下放百花。

他们在岛屿写作。他们是谁？“他们”指向的是一个漂浮游移却隐然成形的时代群体，既有历史时间的距离，又有美学感性上的回眸。“岛屿”作为一种历史地理的指称，潜藏了在地思考的逃逸路径，跳脱省级，无关统独，抛却了僵硬的国族符号，抛却泛政治化的情感动员。而“在岛屿写作”则形构出一种当下此刻的书写进行式，贯穿过去与未来，以写作的创造性能量，标记岛屿之浮光掠影，“岛屿写作”，让岛屿不先于写作而存在，让“写作”无法离开岛屿而成立。

六位文学大家，来自四面八方，出生地殊异，成长地殊异，但都在岛屿写作，都在书写岛屿，都在以文学书写作为逃逸陈规范式的路径。值得思考的是，其中的几位作家都是从大陆过去台湾的。余光中曾这样描述他所经历的地方：大陆是母亲，台湾是妻子。何以母地的生子都绽放在他乡的爱情里，而后又缱绻于怀乡的诗情里。不论时事，搁浅政治，但省两地的人文落差，便叫人戚戚。

《他们在岛屿写作：文学大师系列电影》创造了文学纪录片的一个奇迹，成为去年台湾一个重要的文化事件，让人唏嘘之余感到欣慰——还好，文学还在；还好，读者还在。这套影片的奇迹在于，它以非凡的诚意打动了六位文豪的联袂出镜，以纪录片的预算制作出了电影规格的影像，以文学电影的姿态站上了公映院线，以低调的妆容赢得了高调的票房和口碑。虽非商业片，却敢于挑战观众的口味，不得不敬佩，作为发行方和制作方的目宿媒体确实具有过人的胆识和先天下之忧而忧的人文情怀。但谁也没有想到，在这样速食消费的年代，悠长缓慢的诗歌又唤起了人们心底对文学的柔软记忆，真诚朴质的影像挖掘了字里行间的乐趣，拉近了观众与诗人的距离，抵抗了阅读衰退的忧虑，这表明不管时代怎么变，人性最初的那份纯洁与美好是不会消褪的。

你看到诗人的生活，看到他们作为一个人是如何存在，然后你突然就读懂了他们的诗。比如，我看《化城再来人》时非常惊讶，或许之前听说过在武昌街摆书摊的周梦蝶，但并不知悉他原来人如其诗，早已老僧入定，生活作诗仿如修行。再如余光中先生的诗应该为大陆观众所耳熟能详，但在纪录片《逍遥游》中，我才完全地尝到了乡愁的滋味，也才明白之前脑海里的余光中并不是真正的他，他的诗我也并非真的懂。这不就是纪录片的意义所在吗，带领观众进入和理解一个未知的世界。

《他们在岛屿写作》成功了，在台湾，第一次有这样的纪录片能够在院线联映五周之久，怀揣着所谓的传说中的“纪录”与“文学”两大票房毒药，却眼睁睁地火爆了市场，成为一种奇特的现象。不论是文艺界还是非文艺界，都不断有仁人志士站出来鼎力相荐。张艾嘉为首映站台，马英九看后将预告片投上FACEBOOK大力夸赞，又有多少民众一看完片子，就涌起一股满满的冲动，奔向书店购买诗集。也就是说，人们又开始读诗了。这难道不是最大的奇迹吗？

若说以上是电影之于文学的奇迹，是电影为文学的普世化和复兴作出了贡献，那么反过来，其实文学也同样滋养了电影。《化城再来人》和《如雾起时》的导演陈传兴说，文学总能给电影注入大量新鲜的内容。文学电影的类型在亚洲尚未流行，在世界范围内，其实BBC早已拍摄过很多系列的作家纪录片，美国的大学也设有文学电影的课程。但在整个大中华地区，《他们在岛屿写作》是第一个做这件事的人，若这一波电影的佳绩能兴起整个文学电影类型在亚洲的发展和崛起，那就丰富了我们的电影市场和电影创作，不论对影人还是对观众，都是打开了一个多元化的出口。从纪录片的意义上说，也是对纪录电影创作现状提供了一种激活的可能性。当然这需要所有人的协助和推广，而我们，正是在做这样一件事。

在宝岛，有人在努力的保留纯文学的火种。而中国大陆，也曾像这个岛屿一样，经受过动乱对文学的摧残，如今却少有人以主动的姿态践行对文学的热爱。但我相信，这里同样潜藏着一大批坚定的文学青年，而台湾文学正是他们成长路上的重要养分，只是在这样的时代背景和社会风气下，他们选择了隐藏这份欲说还休的炽热。此番在HAFF能够一瞥这些文学大师在银幕上巨大的身影，必定会振奋这群长久遭边缘化的文青的心。而那些许久未拾书卷的人，或也会在看完这一系列的电影之后，重新回归读者的身份。另一方面，也是给大陆电影单一乏味的商业趋同提供一种反思，为食之无味的观影市场注入一剂新鲜的青草味。这里的观众已坐在黑暗的影厅里等候许久，等待着在大荧幕上看到不一样的电影，等待着在从电影里找回久违的感动，等待着恢复封存多年的文艺味蕾。

《两地》分属的风景

《他们在岛屿写作》展现出的是影像威力下的时代感性。

六部电影有叙事结构上的繁复，有影音调度上的别出心裁，更有美学与伦理上的巧妙幽微。有别于传统“作家身影”的拍法，六部纪录片的每一部片都有两个创作心灵的呼应与頡抗，一个是使用文字的作者，一个是使用影像的导演，彼此之间的微妙张力，让影像不再是文字的二次表述，让文字跳脱怀旧氛围，重新展现当代感性。

《两地》，台北和北京，台湾和大陆。此片在构思上颇有深意的地方在于，导演杨力州在片中彻头彻尾地将“两”的概念诠释到底。他将林海音的女儿去北京探寻母亲旧地的过程拍下来，与早前林先生自己去北京寻访的影像并置，两次的镜位和路线都很相似，甚至女儿和母亲都问了一些一样的话，由此两两相望的感觉就浮现了，暗示着代代相传，也暗示着两地纽带不断。配乐师柯智豪为了呼应“两”的概念，将俄系与欧陆两大乐种的旋律和节奏调配在一起，但其实所有场景的主旋律又都暗藏着《送别》的音符，因为它是此片音乐的主轴。剪辑上也频繁地展现出两两对立的撞击。比如说，叙事说到了林海音先生因为刊登了风迟的文章而被免职时，画面首先是当年“文学须服务于政治”的宣导片最后会场鼓掌的一幕，紧接上的就是严肃沉重的字幕，告知观众，在这个掌声底下，林海音被免职，在这个掌声底下，风迟被判三年六个月的徒刑。像这样的例子比比皆是。另值一提的是，《两地》中有大量的动画。动画部分并不疏离出戏，它是精致温馨的，因为原画取自于林海音最喜欢的关维兴水彩大师的插画《城南旧事》，而京剧的实现方式又让人感受到这个在老北京发生的故事。我看完动画的感觉是，跟林先生的世界又近了一步。《两地》也采用了不少稍显矫情的特效渲染手法，比如翻页的老报纸配上动态的新闻报道，这些是刻意、煽情而炽热的，而纪录是淡然、诚实而冷静的。导演也意识到了这一点，所以有意时不时地曝露一些“穿帮”镜头，或是让摄像机入镜，或是保留一些晃动不已的画面，为的是将观众从故事中推出去，回归纪录的客观姿态。

《化城再来人》的一天

《化城再来人》时长163分钟，六部中最长的一部，以我浅见，也是最有深度的一部，也可以说是最靠近电影的。它的叙事定点有如《尤利西斯》，一整部纪录片讲述的是周梦蝶的一天的回忆，但叙事线条并不单一，其中叠合了回忆的多重时间点，显示出周公本身性格的复杂性。第一次看这部纪录片的时候，令人印象最深的是周公的声音，他一直在不紧不慢却又用力地嚼着他的诗和尺牍，仿佛诵读也是一种修行。

周公的诗中呈现的是一种不纯粹的语言，旧诗，禅诗或偈语，全部糅杂在一起，而《化城再来人》将这些不纯粹凝结在一起的纽带就是周公的声音，包括它的质感，快慢，节奏等等。而声音就是时间的另一个指标。我们听着周公的念白，就真真切切地体会了他那句“只有时间嚼着时间的反刍的微响”。导演陈传兴说，“周公平常说话经常陷入一种独白的境况，即便与人对话，对面的人于他而言也只是回声墙。而念诗的时候却大不一样，念诗的时候是他与他的诗对话，你观察他特写的脸，感觉声音在他好似山脉的一起一伏的肌肤上流动。”这本身就是一种梵文的心境，这种诵读是一种非人间的与神对话。除了周公的声音之外，潜伏在影片始终的另一个重要的声音就是水流的声音，当然是隐喻时间的纵向宽度，对于周公这样一日如一生的文人来讲，这水流声又添无限禅意。

完整看过此片的人绝不会忘记开头和结尾呼应的江面，那过去的江面要去向哪里，谁都无解，就像时间要流向怎样的未来，我们都无从知道。为了反应周公这样的犹疑而不确定的生活在在台北城里的“悉达多”，导演甚至将周梦蝶的淡水河比作印度的恒河，拍摄了两地的画面混剪在一起，有意让人分不清到底是淡水还是恒河。

全片的叙事非常从容，毫无夸张矫饰之处，但阅毕周公的印象已如烙印般深铭心中，那样的气质不只是“入定”或是“出世”可以简单形容，他可以随时对外界打开，也可以随时关闭。陈传兴将周公比作漏斗，外界的事物可以经过他的身体，然后完完全全地流过去，不留下一点残余。而《化城再来人》最出色的地方在于，他没有只顾着刻画周公这种外界既定的佛者文人形象，它呈现出了一个真实的人内心的矛盾，对男女情感的期待和纠葛，对宗教的坚定与不坚定，对人生取向的来回摆荡。比如周公谈三毛那段，我看到是觉得惊异又觉得真实。再如谈到周公去电影社看电影时，投影在斑驳墙上的影片是卡尔?德莱叶的《吸血鬼》（1932），那一幕讲述的正是一个男人救赎了女人，这样细腻的安排归功于导演对周公复杂性格准确而敏锐的捕捉。这其实是非常难的事情，因为周公不是剧本里被塑造出来的人物，而是创作团队在有限的时间里新认识的活生生的人。

此片的剪辑非常尊重时间上的连贯性，未有打动干戈，自然而有力，体现了纪录片剪辑最好的状态。尤其开头周公起床、吃面、上厕所、洗澡那一长段，几乎没有话语也没有配乐，非常漫长，但周公的生活状态和精神世界已赫然显现，因为时间在他身上本身就走得比较慢。同样周公所有讲话的速度和长时间的停顿也被充分地尊重，包括他偶尔瞬间入定而长久静白的沉默，动人深刻。

《逍遥游》是一出自由的纪录剧

《逍遥游》的特色在于有一个完整的剧本，陈怀恩导演是电影出身，拍摄的时候就有分镜了，因而系统性非常强，当然也有精心雕琢之感。片子定位在余光中四十岁左右“你不知道你是谁，你幻灭”的人生阶段的议题上，进而引出诗人一生不停地自我争论，与自我对话的主题。

由于是年轻余光中，所以有大量搬演的部分，用以再现余先生当年读书写诗的场景，是六部纪录片中编剧搬演最多的一部。除了搬演部分的编剧，他们也有让年轻的台大诗社成员热烈讨论余光中的诗这般的情景预设。所以这部纪录片其实采用的是比较剧情片的构思和制作方法，包括预设主题，到实现方式，都有许多企划的痕迹在里头，也就是说，是纪录内容在跟着主创走，而不是主创跟着纪录内容走。但这样的高控制力的企划对于观众来说还是有效的，观者能很好的进入故事，进入到导演预期的情绪里。旁白声音挑选和剪辑节奏都精心设计。比如《沙浮投海》这首诗是由万芳来朗读的，沙浮尸一个女诗人，这是一个女诗人投海自杀的故事，所以由一个悲伤的女低音来朗读就仿佛第一人称演绎了这首诗的故事。全片影像风格唯美写意，旁白的交错与视觉搭配，就已经奏出一曲漂亮的诗歌。

《如雾起时》是一曲哀歌

《如雾起时》拍郑愁予，同样出自陈传兴导演之手，但与《化城再来人》是完全不同的调性。我觉得《如雾起时》是一曲哀歌，它的气质是比较沉重的，是围绕着诗与历史展开的。比如他采用了大量客观性陈述的旁白，选取了一个低沉的女音代表一个第三人的角度，一个在故事之外的全知全能的角度，讲述一些关于诗人的事实。

全片的架构清晰可见，前半部分比较男人戏，有很多史料影像，回顾诗坛文坛的几次论争，而后郑愁予结婚成家，影像转到了非常有生活气息的家的空间里，转到了美国的宁静薄雾里，转到了郑先生夫人和其他几位女性知识分子的视角里。这种性别视角的转移与时间线性的发展相吻合，不知不觉中也就完成了影片气氛的转变。另外一个转变是相对于主人公的镜头机位的转变。开片访问郑愁予的一幕是在小河边的一个推轨镜头，镜头一直处在诗人的背后方，随着叙事的展开，机位慢慢地转到传主的正面，观众对郑愁予的认识也慢慢加深。

陈传兴对很多意象和动作都有非常主观而深层的解读，但全片的影像还是采取了一种比较遥远的观望姿态，并未作过多注脚。在《如雾起时》里，他更多的是在呈现一种诗的历史，所以前半段使用了大量史料报章，蓝星旧刊等过去的实物来目击历史。后半段是郑愁予在美国的工作和生活，于是出现了毕业证书，学位证书，荣誉证书等见证物。这些统统被端端正正地放大在镜头前，诉说诗与历史的关系，因为历史说到底是以一桩桩的事件来标记的。

影片前前后后充满了呼应和对照，比如美国1970年爆发的反越战学潮的新闻影片和保钓行动的影像都对照了台湾50年代八二三炮战前后肃杀和动荡以及六七十年代中国的文化大革命的激进。陈导有意识地在用各种方法加重片子的严肃气氛，呼应那个时代的沉重。比如全片处处有字幕（侧标），有的是史实，有的是观点，有的在黑幕时出现，有的甚至就打在人物脸上。而这些侧标字数多，速度快，观众根本来不及读完，而导演就是有意为之，有意让你负荷过重，从而体会那种硬质的沉重。但有时，你不得不承认，陈导因为将其丰厚的艺术电影的涵养都呈现在画面里，其中的深意和过多的隐喻并非一般观众能够消化领悟。

《寻找背海的人》是现实主义的浪漫纪录

林靖杰导演的《寻找背海的人》是极具现代性和艺术性的一部纪录片。王文兴本身是现代主义风格的作家，因此影片呼应这种形式上的对接是非常恰当的。

《寻找背海的人》有非常细密的线索和严密的架构，也有很多创举和巧思，属于比较非传统的纪录片。因为王文兴是小说家，为了将小说的故事诉诸视觉，林导干脆将《家变》改编成了一个十足现代性的舞台剧呈现在片中。另一个构思是“牢房”，王文兴将其每日写作的那间房比作牢房，林靖杰就拍摄了他在牢房里的真实写作过程。这对于作家本身来说是不易的，要做到放松地在摄影机的监视下工作。对于导演来说也是不易的，因为其间需要大量的磨合和沟通。最后呈现出来的那种真实的状态是令人动容的，当你看到作家握着笔竿不断地敲打着桌面和稿纸的时候，你也能感受到他正在敲打自己的灵魂。再如此片的动画，明显区别于其他几部片中的动画，实验性很强，像《草原底盛夏》有着超现实的调性，《背海的人》和《星雨楼随想》则有着十分先锋的气质，单独拿出来看，都已经是很棒的作品，所以整个片子的完成度也就显得非常高。配乐非常吻合王文兴的文学气质，有苦涩沉闷的味道在里头，尤其是动画的配合，充盈着机械主义的幽默和残酷在里头。

这六部电影虽然出自不同的导演之手，风格各异，但在整体上竟然也呈现出了巧妙的统一性。影像画质都很相近于5D Mark II的风格，都采用了读诗和念白的手法，也都围绕着作家本身展开叙事，配乐几乎一致地采用了无调性的现代弦乐，非常贴合诗文的气质。这一套非常高质素的文学纪录电影，值得每一位电影观众和文学读者细细咀嚼和珍藏。

《朝向一首诗的完成》是个未完成的朝向

《朝向一首诗的完成》取名于杨牧《一首诗的完成》，但杨牧认为，从泛义来讲，写诗并没有完成，何不加上“朝向”二字，于是有了“朝向一首诗的完成”。此片是温知仪导演的，是六部片中唯一一部由女性执导的片子，十足的女性色彩，手法比较阴柔。这当然也是女性导演的一个特色和优点。

影像部分印象比较深的是介绍反越战的《十二星象练习曲》这首诗时搭配了现代舞和越战资料重叠的画面，非常柔美和实验，我觉得这是男性导演绝对不会采用的手法。影片有加入搬演的部分，由一个小孩子来演绎杨牧小时候在花莲的时光，也有像《两地》一样，采用动画来诠释杨牧的诗歌，也做了很多跟杨牧先生有关的人的访谈，这些都是纪录片常用的实现方式。诵诗部分请来了很多其他诗人和学生分别念诗，寓意杨老师的诗影响了世世代代的人，但影片是以杨牧先生自己朗诵自己的诗作为影片的开篇和结尾，听来叫人非常感动。这部片子跟其他五部片子一样，很好的一点在于，他们把重心放在诗人本身上，而并非单单在他的诗作上，于是整个片子就很贴近诗人本身的气质。

A Beacon in the Dusk: The Inspired Island

Jiang Feiran

“Who left the profession of writing poetry, hanging up a beacon in the dusk”.

This generation witnesses a gradual decline in reading literature, The Inspired Island hangs up a beacon in the dusk.

We cannot help sighing with emotion: Taiwan, oh Taiwan; Taiwan, oh Taiwan. Taiwan, which seems to have been polluted with a foul atmosphere by political power and filled with a decaying folk custom and a superficial entertainment circle, never truly disappoints people, for at a certain moment from a certain corner of this island, there would always unexpectedly spring up some powerful video or audio creations and literary memories never washed away by turbulence or weeded out by history, bring back people’s belief in the existence of beauty. This island, with its marketplace culture and disputes, resembles the old China during the Spring and Autumn Period, showing in the turbulence freedom, under which bloomed all flowers.

They are writing in the Island. Who are they? “They” refers to drifting but invisibly formed generation group, which boasts not only a historical distance, but also an aesthetic and emotional back-glance. “Island”, a historical and geographical nominatum, conceals an escaping path of thoughts regardless of provincial class, unification or independence and discards the rigid national symbol and politicalized emotion movements. And “writing in the Island” forms a current proceeding of writing what connects the past and the future, skimming over the surface of the Island with the creative energy of writing. “Island & writing” makes “Island” exist not prior to “writing” and “writing” unable to exist without “Island”.

Six literary giants, coming from various backgrounds with different birthplaces and places where they grew up, are all writing in the Island, writing the Island, and escaping from the stereotyped forms by writing. What is worth thinking about is that some of them all came to Taiwan from China’s mainland. Yu Kwang-chung, one of the six, once described the places where he experienced his life: China’s mainland is the mother, while Taiwan is the wife. How come that children born in the mother’s land are blooming in the love of a place away from home, and then deeply attached to the nostalgic poetry? Regardless of the current events and the politics, only the cultural divergence between the two places could already make people sorrowful.

The Inspired Island: Series of Eminent Writers from Taiwan is a miracle of literary documentaries, making itself an important cultural event last year in Taiwan and bringing delight to sighing people—it is well enough that literature and readers are still here. This miraculous documentary aroused the feelings of six literary giants with extraordinary sincerity, made the image with the form of films by using the budget of a documentary, released to the public with a literary attitude and won a high box-office and a great reputation with a plain appearance. Though not a commercial film, it delivered the courage to challenge audience’s taste, which irresistibly generates our admiration for Fisfisa Media, the issuer and the producer, for its super courage and selfless humanistic feelings. However, it is out of all people’s expectation that it this age of fast food consumption, long and slow poetry has re-aroused people’s tender memories for literature, and sincere and simple images have excavated the interest among the words and between the lines, shortened the distance between the audience and poets, and resisted the worry of reading decline. This indicates that in whatever way the times changes, the original purity and beauty of human nature would remain unfading.

You would suddenly understand their poems by observing poets’ life and their ways of existence as a human. For instance, I felt rather surprised when watching The Coming of Tulku. Perhaps I had already heard about Chou Meng-tieh who had a bookstall at Wuchang Street, but I did not know that he was just like his poems, regarding life and versifying as cultivating himself, very calm and without worldly passions. Also, the poems of Yu Kwang-chung must be very familiar to readers in China’s mainland, while it was in The Untrammeled Traveler that I came to fully sense the nostalgic feeling and came to realize that the Yu Kwang-chung existing in my mind before was not the real him and that I never truly understood his poems. And this is where the significance of documentaries—leading people into and then to understand an unknown world— can be found.

The Inspired Island was a great success. In Taiwan, it was the first time for this kind of documentaries to be shown in cinemas for five continuing weeks. With so-called two poisons for box-office, “documentary” and “literature”, it became surprisingly hot in the market, marking a miraculous phenomenon. People with lofty ideals showed their great recommendation in succession, no matter from the literary and art circles or not. Sylvia Chang, an actress, showed her support by attending the first run; Ma Ying-jeou, the Taiwan Leader, posted the prevue onto the FACEBOOK after watching it and revealed great appreciation; many other people, after watching it, all flooded to bookstores for collections of poems with enormous passion. In other words, people begin to read poems again. Isn’t that the biggest miracle?

If the aforementioned is the miracle brought to literature by films or the contributions made to literature’s popularization and rejuvenation by films, the following could be regarded as the nourishment that literature has in turn provided for films. Chen Chuanxing, the director of The Coming of Tulku and Port of Mists, said that literature could always inject abundant fresh content into films. Viewing worldwide, we may see that BBC has produced many series of documentaries for writers, and there are also courses on literature films in American universities, but literature films are still not popular in Asia. In the whole Great China, The Inspired Island was the initiator of that. If this achievement can generate the development and expenditure of literature films in Asia, it would enrich our film market and film creation, opening a diversified exit for both filmmakers and the audience. Viewing from the significance of documentaries, it would also be stimulus for the current creation of documentary films. That surely needs all people’s support and promotion, and this is what we are exactly doing.

In Taiwan, some people are striving to keep the kindling of pure literature, while in China’s mainland, where literature once experienced similar damages due to turbulences, there are few people initiatively practicing love for literature. But I believe that there also incubate a multitude of literary youths, and Taiwan literature is the very nutrition during their growth. It is just that under this background and social morality, they choose to conceal the fervor of keeping what they are eager to express. This time, a glance of the greatness of these literary giants on the screen during the HAFF would surely inspire those literary youths who have long been undergoing marginalization. Also, those who have not read for long would probably win back their identity of being a reader after seeing this series of films. On the other hand, it also provides an introspection for the dull, stuffy and commercialized films from China’s mainland, bringing the tasteless film-seeing market fresh energy. The audience here have long been waiting in the dark video halls for showing up of “different” films on the screens, for the long-awaited touching affection from films, and for the recovery of artistic taste that has been sealed up for years.

The Separated Sceneries of Home in Two Cities

What The Inspired Island reveals is the emotion of times under the power of images.

The six films boast complexity in narrative structures, uniqueness in video or audio adjustments and wit and profoundness in aesthetics and ethnics. Unlike traditional filmmaking of “writer’s silhouette”, each of the six films has two creation souls echoing and clashing with each other. One is the author who uses words, and the other is the director who uses images, both of whom show subtle tension between each other, making images not just the second expression of words and words jump out of the nostalgic atmosphere and display the modern emotions.

Home in Two Cities refers to Taipei and Beijing, and Taiwan and China’s mainland. This film delivers profound meaning in its meditation that Yang Li-chou, its director, made a complete interpretation of the concept of “two” throughout the film. He photographed the process of Lin Haiyin’s daughter’s visiting her mother’s former site in Beijing and then co-arranged the image of the earlier visit of Ms. Lin herself. The two shoots were quite similar in both camera locations and routes, even the daughter and the mother both asked some same questions, as a result of which the feeling of the two shoots’ echoing emerged, suggesting the transmission from generation to generation and the strong connection between the two places. In order to echo with the concept of “two”, Ke Zhihao, the background music controller, mixed the melodies and rhythms of Russian and continental music, while the themes of all scenes conceal the note of Seeing Off, which is the principal axis of the music of this film. Also, collisions are frequently seen in the editing of the film. For example, when it came to the narration that Lin Haiyin was deposed for publishing Fengchi’s article, the frame was at first the applauding scene in the meeting place of the guiding video of “literature should serve the politics” in those days. What followed was solemn and serious subtitles informing people that it was behind these applauds that Lin Haiyin got deposed, and it was behind these applauds that Fengchi was sentenced to three and a half years. Examples like this can be found everywhere. Another point worth mentioning is that Home in Two Cities possesses many animations, which are exquisite and comfortable and not isolated from the film, for the original painting was taken from My Memories of Old Beijing, Lin Haiyin’s favorite illustration by watercolor master Guan Weixing, while at the same time, the realizing approach of Peking Opera can make people truly feel this story that happened in old Beijing. I felt I was closer to Ms. Lin’s world after watching the animations. Besides, Home in Two Cities has adopted quite a few such slightly affected depicting approaches with special effects as matching dynamic news report to the page turning of old newspapers. This is deliberate, sensational and fiery, while documentaries are indifferent, honest and calm. Having realized this, the director deliberately revealed some “goof” scenes now and then, either showing the camera in the scene or keeping some shaking scenes, the purpose of which is to push the audience out of the story and back to the objective attitude of the documentary.





The Man behind the Book is a romantic record of realism

The Man behind the Book directed by Lin Jingjie is a documentary with both modernity and artistry. Because Wang Wenxing is a writer of modernism, so the film is very appropriate to echo this form.

The film has the detailed clues and rigorous framework, and of course, there are a lot of initiative and ingenuity, making the film a non-traditional documentary. In order to transform the novel into a visual story, the director simply adapted 《Festen》into a modern drama presented in the film because Wang Wenxing is a novelist. Another idea is a "cell", Wang Wenxing compared the room where he writes everyday to the cell, and Lin Jingjie shot the writing process of him in the cell. To be honest, being relaxed in front of the camera is quite hard for the writer. And it’s same for the director, since it needs a lot of communication. The scene of writing presented finally is touching, when we see the writer holding the pen beat the desktop and the manuscript, we can feel that he is beating his own soul. As to the animation in this film, it is significantly different from several other film animation, It is experimental. 《The summer at the foot of the grassland》is realistic,《Find the man back to the sea》 and 《Capriccio at Star Rain House》 just like a pioneer. Take them apart, they are all great work, so the whole film is of high quility. The soundtrack suits the literature temperament of Wang Wenxing, it has the sense of dreariment, with the animation, it impresses us with the humor and cruel of mechanical materialism.

Although this six films are directed by the six different directors, vary from style, they have something common on the whole. First, Image quality is similar to the style of 5D Mark II. Then, they all read poets or narration, they all tell a story about writers. Besides, they all use modern string music as the soundtrack, fitting the temperament of poem. These high quality literature documentary films deserve every movie audiences and literature readers experience.

Towards the Completion of a Poem is not a completed toward.

It is named from the work《The finish of poem》by Yang Mu. In his opinion, in terms of pan-righteous, writing the poem has no end, in other words, never completed, so why not add" towards "to the title, so we see this name. This film is directed by the WEN Zhiyi, the only woman in the six directors of these films, the film is relatively feminine. This, of course, is the feature and advantage of the female director.

What impressed me most is the introduction to the poem 《twelve astrological Etude》 about anti-Vietnam War. The introduction mixs the modern dance with the picture of Vietnam War ,it’s full of soft and experimental, I think this is the approach what male directors will never adopted. The film has the scene of performance, a child interpretated the childhood of Yang Mu in Hualien. The film also use the animation to explain the poem by Yang mu like the film Home in Two Cities, and lots of interview of the people related to the Yang mu as well, these are the common approaches of documentaries. A plenty of poets and students read the poems in the film, meaning that Yang's poems affect generations of people, but the director let Yang Mu read his own poems as the opening and the end of the movie, making us moved. The film focus on the poets rather than the poems they write, just like the other five movies, and that’s good. Thus the whole film is close to the poet's own temperament.

很久没看电影了，选择了道士下山来看，没看过原著，冲着陈凯歌去的，然而…… 开始就看到打戏，王宝强单挑一群人，一群人群殴他一个。直到看完王宝强打完了下山都觉得还不错，有一种“嗯，就要进入正题了。”的感觉，一般大片不都是这样吗？影片前20分钟是铺垫，接着才...  (展开)

这篇影评可能有剧透 被同学强行安利，同学被抖音安利，看来出品方没少花钱做营销。 内容简陋，各种蜜汁笑点，那套靠着东北口音来制造笑点的法子已经行不通了。剧情之间的串联也很僵硬，剧情真是滑稽，日本商会老大的女儿从日本海飘到海南？？编剧顿顿吃糠来的嗷？之后商会老大派手下去海南找人居然...  (展开)

很早之前就听说过这个故事，有幸参加了一次提前观看，设计到导演的保密工作，以下内容不会设计到任何剧情。 作为一个普通的吃瓜群众，做的好的方面。 一：吸人眼球的人设，从主角到配角，都设置的很有特色，他们是那个体系之类的人的特立独行的存在。贪婪，暴力，愚钝等等。...  (展开)

以此类推：
用汾阳话讲述成都人自己的往事
用北京话讲述成都人自己的故事
用上海话讲述上海人自己的成都往事
用中国话讲述中国人自己的狗屎

1，我准备把片子寄给我姥姥看，这是我第一次向她推荐电影，因为，我觉得，有人要站出来为一些人的一辈子说句话，哪怕只是略显做作的闷骚，也要闷出一被窝的恶臭出来，因为，这发自肺腑的恶臭是我们这个时代避而不谈的狗屎。既然是狗屎，便不是精英，既然是狗屎，便是我辈之生命。我不知道她看完之后哭不哭，反正，我是看哭了。

2，三线建设的片子有一些，这个拍的是最感动的。因为我就是三线子弟(十堰人)，我的东北口音就是跟东北老工业基地支援过来的子弟练出来的。我周围的活人都是生活在废墟之上的狗屎。所以，这就是对我们这种能产生强大共鸣的人的最好刺激。
不要怕旧事重提，伤疤遍地，怕的是，提出后只有讥笑和掌声。
讥笑是端起咖啡杯的支那人给的，掌声是揣起电影票的洋人给的。
我的过去虽然没有百分百和电影的主线叙事重叠，但是，我很清楚，那些蛛丝马迹的生活片段就是把我塑造成城乡结合部神话青年的最牛逼动力。
说的绝对一点，只有在这团深沉呕吐物的中心生活过的人才懂得，那些不成体统，东拉西扯，非学院非山寨的表演后面隐藏的是什么。
说的忽悠一点，城市化、中国、世界、往事、人生，这些可以堆砌出来的名词都可以在电影里找到，只要你觉得自己是那么一坨，而且不过是那么一坨，而已。

3，我很赞同朋友跟我说的一个观点，我加工了一下。
“土，是我们这群人心里最不可一世、不伦不类的东西，我们摆脱不了土的命运，就像我们生来是土象星座的人一样，我永远都潮不起来，潮人也永远不懂我们想的是什么。我们生在八十年代的灭亡九十年代的泡沫的废墟之上，空旷的巨大的无名的沉默的死皮赖脸的欲辨已忘言的时代是我们屁股上的火烧火燎。我一辈子也摆脱不了这个土，我一辈子也说不完这个土。”
类比发挥一下，结合片子结尾那句话，就是，“我一辈子也比不上这城市消失掉的荣光。”


4，片子中的概念很多。
一个独立的厂区就是一个国家的概念什么的。还有什么面对大时代很憔悴很无奈的感觉。
有些时候，感觉贾山西人点的太明白了，毕竟还是“伪纪录片”么。
瞬间，想到了《人造风景》。
以及，一个形容，人造忧伤。man-made sorrow

多说一句，其实你不要总觉得这表达的是中国，或者那表达的不是中国。完全是凭个人喜好来的。一切都是我们的，你爱不爱都是我们的。
狗屎当头照，厂长对我笑，我为祖国献青春，母亲把我报销掉。

瞬间联想到了盘 古的那首歌，“母爱不应该说伟大，应该说无敌…………祖国母亲不要脸…………真想打烂她的脸…………”，哦，对就是内首，少年里的内个。

5，今天我以420为荣，明天420以我为荣。

6，配乐不错。
我看的碟子没胶片感，不爽。
演员们的台词太拙劣，四川口音还不如郭德纲的济南话河南话好。不行啊，赵涛的汾阳口音弄成那个样，还说我是成都人，还说“条儿正”。
这简直就是，用汾阳话讲述北京人自己的成都故事啊。

7，谨以观此片后的操蛋情绪，献给我十堰老家21厂 22厂 45厂 40厂 41厂 49厂 61厂 50厂 25厂 69厂和张湾，技术中心，红卫，花果，柳林工作未遂，结婚未遂的朋友们，和你们出轨未遂，通奸未遂的父母们。

不合生活真实是夸张的电影风格，可是连影片内部的逻辑都满拧的，就是脑残电影的特色了。脑残电影不仅是导演、编剧、演员脑残，他更需要的是有大批的脑残观众来为他喝彩。尴尬的是观众的绝大部分的智力很难达到这类制作人士的新低，所以，这类电影只能称之为小众电影的类型片。
正常来说，电影的粉丝是因为电影而粉丝的，现在的娱乐圈反过来了，是为粉丝定制电影，这类电影不需要情节合理，不需要符合逻辑，不需要严谨，弄一名人（其实大部分是媒体推出来露脸多的厚脸皮），故作姿态的整几句，穿着时尚、环境华丽就好了。无节操的发行人，上映以前先说明这是某某的粉丝定制好不好？
1.DNA技术很方便啊 ，不知道么？
2.是女儿还是谈恋爱啊？找个10岁左右的来出演是不是更好？
3.现在的电影，都要把经纪人、化妆师、服装师的角色整成娘炮，这就搞笑了？TMD太搞笑了！
4.那小女孩就住在电视台的播音大厅吧？一首歌，4分钟，及时赶到了！
5.没看出男主角有明星范啊，除了一经纪，啥跟班都没有
6.那女孩如哈利波特一般魔法高强，随时随意出现在她想出现的任何地方，太牛了！
7.最后那狗仔故作被感动状，这是为啥啊？做不出感人的东西却狠命的煽情，鸡皮疙瘩都出来了！
破绽还多得是，没兴趣写了，下！

时光代理人这部国漫算得上很优秀了，设定其实不够新颖，但分镜和剧情属实nb，因为牵扯到了“时间”这个一不小心就容易翻车的概念，建议有些对剧情太过严谨的观众不要太挑了，目前除了《命运石之门》外，我看过的大多数和时间相关的电视剧，电影，动漫都有过漏洞，不过这并不妨...  (展开)

看名字我还以为有多大牌呢，结果是这么一部．．．说烂嘛，居然还有几个大牌明星，当然那时他们还不怎么出名，不过制作的成本肯定不高，看场景就像在成都九十年代的望江公园拍的一样，又是一个人打翻一个排的打法．
像这种片子，肯定是没有在电影院正规放过，就在中央台或某个地方台放映了，或直接进了VCD市场．那个年头，正是电影不景气的时候，香港电影业都几乎整体破产了，估计这部片子可能一百万港币就把甄，于，朱三个主要明星打发了，电影演员嘛，就是要不停地接片子才能保持水平和知名度，所以连这种烂片也接．
片中打得也烂，那些小喽啰打手被主角一打就倒，一倒就是十几二十个，连竹竿都可以用西裤背带当标枪一样射出去，太奇皅了，现在没事有时在家里和朋友一起坐着时，一起欣赏某个电视台放的这部片子，当喜剧一样看得哈哈大笑，也就知足了．没有多高要求．
时过境迁，现在要让这三个人凑在一起恐怕要三千万港币要请得动．

当时在录像厅里看的录像！这部电影情节很好！有点像侦探片！我期待着有人能够提供！只要是国语的，包括《旋风十八骑》《金沙燕》我都高价收购！

     总是会在加班的夜晚，回去把碟片拿出来，看上一两段，然后心满意足。十分钟的影像，绵绵不绝的流水。十五位大师十五段小品，命题者抖的是“时间”的考卷，大师们交的不是答案而是更多的提问。

     《十分钟，年华老去》分两个篇章，小号篇和大提琴篇。为影像作主题配乐的是曼陀铃高手Paul Englishby，如水的音乐，和时光一起流逝。

    很难把十五个小品一一数来，有些触动难以言说，我还不能把所有影像内化为自己的文字。只能挑些可以成逻辑的写出来。

小号篇：

    最让我念念不忘的是陈凯歌的《百花深处》，大概是因为他讲述的是中国很多人心里的隐隐之痛。一个老北京，请搬家公司去他家搬运。小货车开到百花胡同——早已是被拆除的烂地。这位恋家成痴的老北京，坚称家犹在此。居心不良的搬运工，只想把出车费赚回来，装模作样开始了“搬家”；一不小心还打破了想像中的花瓶。

    夕阳下，老屋的风铃叮当作响——水彩画般的动画效果，忽然让人泪自盈眶。如果你有过熟悉的老房子被拆迁的回忆，你一定也需要这样的安慰。有多少人生活的脚步，追不上城市疯狂扩张的翅膀？


    导演victor erice的《生命线》，用黑白镜头展现西班牙村庄的悠闲风情画。婴儿，母亲，圣母象，吊钟，孩子的玩耍，仆人的忙活，一切一切，在他们的轨道上，嘀哒嘀哒地睬着节奏。忽然，母亲发现婴儿的肚子上渗血了，所有人都紧张聚集起来。老太太很快处理好婴儿的伤口，空气恢复了宁静。然后镜头对准了当天的报纸：1940年6月28日。小小的意外，只衬托出这十分钟，在那个乱世，是如何的美丽。


     美国导演贾木许（据称是美国独立电影的宗师）的《拖车之夜》捕捉人的细节，波澜不惊。正在工作的女明星被告知可以休息十分钟。她回到一辆布置豪华的拖车，放着轻快的音乐，淡淡地和朋友聊着电话。在这期间，不断有工作人员上来检查这、检查那，屡被打扰的女明星面容始终非常平静，任由摆弄。十分钟到了，她把烟掐熄在未吃一口的工作餐里。回看拖车，空虚如初，仿佛根本没人来过。


大提琴篇：

    这一篇章的作品更为悠远深邃，怪不得用大提琴配乐。

    贝托鲁奇《水的故事》很玄妙，很像东方的玄学故事。一位偷盗青年为在树下吹笛的老者寻水，巧遇一位小姐，一起扬长而去，从此结婚生子。直到一天青年在河边出了车祸，被笛声吸引，循声而去，只见老者仍在树下等他来送水。“山中方七日，世上已千年。”导演是不是也读过这个故事呢？
当我们向自己的生活飞奔，是不是，也遗忘了什么？


     沃克.施隆多夫的《启迪》很取巧，我觉得。哲学性地提问：时间是什么？“过去和未来根本不存在，如果有一个时间，就只有现在的时间，分为过去的现在、现在的现在和未来的现在。”话外音渐渐成了一只苍蝇的声音，它围绕着烧烤场，一家人正在聚会，这里有过去，有现在，有将来——孕妇的肚子。苦苦思索一天，最后，苍蝇被电死，生命结束了，无所谓过去、现在、将来，而它在临死前，依然苦苦追问上帝。
十分钟，一天，一生，谁说得准，哪一个更重要？


     伊斯特凡.萨波《十分钟后》，讲述一对夫妇的突变，只需要十分钟。妻子在家里准备好庆祝的烛光晚餐，一旁的电视里放着英语教学节目，主持人在反反复复地讲着人称变化。醉酒的丈夫回到家，和妻子发生争执，纠缠中妻子用刀刺伤了丈夫。救护车接走了丈夫，警车带走了妻子，只有一桌被搅乱的晚餐，以及依然在喋喋不休的电视节目。电视节目犹如麻木的旁观者，不管这边厢一个家庭的毁灭是如何激烈和残酷，那边厢该继续的还是继续，没有一丁点的停留和关注。我们既逃不过时间，也逃不过悲剧。


     最后不得不提的是戈达尔的《在时间的黑夜》，这位老先锋压轴出场，一轮快拳。在这个十分钟的集锦里，他又用十个一分钟的集锦去表达自己的思索：十个“××的最后一分钟”。青春、回忆、爱情、勇气、恐惧……直至永恒。每一分钟居然又是有着无限空间的主题故事。到最后，竟然不容我喘一口气。在时间的黑夜里，究竟用什么去照亮我们的路，去哪里觅得我们的光明。

    我无端想到的竟是麦兜。这只小猪说：“我爸爸想着回到以前不知道哪里，我妈妈只是想着以后不知道哪里，只有我一个，留在现在……”

大家都说把名著拍成了雷剧，其实还好，只是用了一种现代的手法去拍摄，摆脱了历史抗战剧的沉重，从这个角度来看，其实也算是一种创新。另外的优点就是人物刻画地其实还不错，说几个有代表性，性格突出的人物，比如座山雕、蝴蝶迷、醉花，三炮这些角色其实都在名著本身的人物性格上加入了演员自身对角色的分析，没有硬套原著的表现，其实还别具一格，令人眼前一亮!其实翻拍名著就是怕毫无新意却又突破不了原著，这么说来，这部剧还是值得一看的！

昨天晚上看了亦舒的小说改编的电影《胭脂》，其实我一直都想看的是《朝花夕拾》。那个让新人符力改名叫方中信的电影，并且一直到现在他都还是用着方中信的名字。胭脂其实小说本身算一般，改编成电影之后，感觉也很一般。而且可能那个时代的电影节奏都比较慢，所以整个电影看起来拖拖沓沓的。不过祖孙三代美女倒真是美人，而且三种不同的美，外婆精干强势的美，女儿温婉贤淑的美，孙女妩媚可爱的美，假如这部片子重拍的话，我觉得现在演外婆的不二人选一定是lisa姐，孙女一定选薛凯琪，而女儿的人选一时想不到合适的。

个人觉得苏明明演的不是不好，但是总觉得和胭脂女主之俊的感觉相差甚远，之俊至少继承了外婆的精干，事业有成，而这部片子里演的完全软弱可欺的楚楚可怜悲情戏的女主，所以看起来很委屈，事实上之俊做决断很果断，善良却并不可欺，所以苏明明还是差了些。而祖孙三代的情感故事真的是一段孽缘，外婆的老情人却向女儿求婚，孙女喜欢的人是女儿的追求者.....这简直是一个死循环，虽然神雕侠侣中的杨不悔嫁给了母亲初始的未婚夫殷梨亭，但那是武侠小说......

再说说片中的几个男人，亦舒小说中的男人一般篇幅都很少，即使厉害如喜宝中的勖存姿，也是小小篇幅，所以这篇不例外的对男人刻画很少，简直可以说面目模糊，唯独只知道叶伯伯痴情不改，四十年如一日照顾外婆.....但是也没能阻止最后求婚的行径.....小说看太久，叶伯伯的儿子完全没什么印象了....但是电影中曾江演的叶伯伯完全加分了，我不掩饰我对他的偏见，我一直不喜欢他，黄药师再销魂也比不了我心中的姜大卫版，囧，他演的恰到好处，该放就放，松弛有度，可能是戏份不多但是发挥的淋漓尽致，而且衣服穿的很像那个年代的长辈，庄重得体。而演儿子的那个男演员，太单薄了些，而且戏份给的莫名其妙，没有承接过度，所以很囧。

这部戏是1991年上映的，所以衣服看起来有一些些时代的印记，比如很大的西装外套，肩膀很宽的洋装，但是个人觉得苏明明和外婆穿的衣服在现在看来也完全不算落伍，尤其是苏明明去医院时穿的那一套，休闲有气质，完全是现在流行的休闲学院风，宽松有气质。而孙女改装外婆衣服戴着红纱巾的那一套也完全不逊色，红黑配绝对经典，活脱脱现在的明星。曾江的衣服没的说，男士的衣服变化不大，贵在质感和舒适度，他那一套完全够了。

最后说两个八卦，导演万仁是女主苏明明的老公，可能因此苏明明在其中才格外的美吧。另一个是，我居然在孙女去酒吧买醉的那场戏里面看到了徐若瑄，她大概出现了不足三十秒吧，就一句台词，“陶陶，你想开点。”
无图无真相，见以下相册http://www.douban.com/photos/album/18582392/
最后提供一个在线看的地址，
01：http://v.youku.com/v_show/id_XNDcwMzI1NDQ=.html
02：http://v.youku.com/v_show/id_XNDcwMzM0OTY=.html

镜头高级,节奏在太慢边缘疯狂试探然而还是刚刚好,演技派加有趣台词火花四射,那些个微妙暧昧的情愫老阿姨我都懂。 有些观众认为主角“卖萌”尴尬,其实只有台词萌萌哒,这种爱情确实是老人爱情没错的。除了没有令人尴尬的壁咚强吻,两主角也都是正常人,不是什么精英,也没有傲娇霸道...  (展开)

第二集看下来很多人因为尤里给这部剧打了低分，甚至因为最后一集珺可的转化而意难平。这种感觉可以理解，但从为剧的考虑来说，她们的存在很有必要。 禁忌女孩第一季的剧情一句话就可以总结：撒旦女儿代神惩罚坏人。虽然校园故事各有不同但内核始终是这个。作为一部十来集的剧作...  (展开)

拥有“雅痞大叔”头衔的王耀庆，这次在青春励志偶像剧《唱战记》中扮演心思缜密的“西城”一角，戏中作为娱乐王国luck media的老板，令人有一种不怒而威的庄严感，但是不经意间流露出深情款款的眼神、感性凝望，常常让秦岚饰演的“洛颜”深陷其中。当他们对戏的时候，秦岚对王耀庆也给予了很高的评价，而王耀庆所散发的魅力，让导演与工作人员更是一旁赞叹。

在内地接连演了几部收视大热的戏，王耀庆俨然成为优质型男的代表，这次在《唱战记》中扮演娱乐公司的老板，选秀幕后的boss，更将身上儒雅又腹黑的气质发挥到极致。西城为了让“明星学院”更具话题性，不惜出卖洛颜，向狗仔队爆料故意弯曲她的隐私；尤其是当古胜天再次出现在他面前时，冷酷到不相信任何人的西城开始怀疑洛颜，熟不知洛颜义无反顾成全他的心思。王耀庆精湛的演技，犹如“教父”上身，极具邪魅威严，随着剧情的发展，“西城”和“洛颜”的情感追逐，将展现出王耀庆柔情的一面。

在戏中王耀庆因为曾经的经历冰封感情十几年之久，而秦岚在这十几年来痴痴守护，深情不移……剧中“西城”对“洛颜”冷酷无情，与众人勾心斗角，其实下了戏的王耀庆幽默亲切，跟剧组人员相处愉快，常常笑脸盈盈，与大家有说有笑的，连秦岚都评价他“非常细心，演技精湛，而且本人很幽默，经常会调节剧组气氛”，完全无法与戏中令人望之生怯的模样做联想。王耀庆和秦岚第一次在荧屏前谈情说爱，究竟“西城”冰封的感情会再次为“洛颜”开启吗，只能等着观看每周日22：00的《唱战记》来揭晓！

之前大多数电视剧作习惯于以外来人群的北京奋斗历程为故事重心，因为这种奋斗本身就充满了诸多的传奇色彩，也更容易吸引观众的注意。相对而言，老北京们的生活过于平淡，他们是在不声不响中传承着这个城市的文化性格。由田有良执导，海清、陈思诚领衔主演，正在安徽、江西卫视热播的都市励志剧《大猫儿追爱记》，一反当前的创作习惯，将镜头指向北京当地人这一特殊群体，真实地演绎出他们的成长经历。
 
毫无疑问北京已经是汇集全国各省人群的城市，在近三千万人口里外来群体占据了大多数。然而，从小在北京土生土长的北京人依然是这座城市中最具文化特色的群体，他们承载着老北京们的生活理念与文化气质，同时又在日新月异的现代快节奏生活中努力调整自己的生活方向。老北京人在现代社会中的新生活方式在一定程度上代表了这座城市的文化特色，因为即使是外来群体，在他们的下一代那里也会迅速融入到这种文化中成为地道的北京人。
 
大猫儿（海清）是典型的北京女孩，性格直爽为人义气，在单位里既非精英也不是后几名，拿着一份中等工资追着自己的梦想，如同她的家庭一样比上不足比下有余。当然，随着年龄的增长每天回家之后还要忍受老妈催恋催婚催男友的絮叨，甚至在一天之内被强迫安排几个相亲聚会，这几乎是很多当地女孩的生活标配模式。当然，与一般女孩不同的是，大猫儿将自己追逐理想的念头付诸实践，放弃了营销部的成熟工作环境而去创意当一名实习新人。
 
围绕在大猫儿身边的朋友也各有各的故事，林莽莽（陈思诚）与歇斯（白恩）是玩孩的代表，年近三十却仍然有一搭没一搭地混日子，整天想着创业的点子却没有一个靠谱。齐江（侯京健）虽然看似成功，但却并没有真正长大，始终生活在母亲的意志之下。工人家庭出身的樱子（王澜霏）则一心做着傍大款的梦，试图通过婚姻过上等人的生活。
 
或许这就是真实的普通北京青年的生活群像，相对于外地来京打拼的年轻人而言，他们的青春期要格外的长，而成熟期则来的更晚。当外来青年不得不在生活的压力下一点点成熟起来时，作为同龄人的他们尚未感受到生活的紧迫，虽然不够富裕但却足够安逸的生活空间让他们仍然停留在十八、九岁的青春梦想期，充满热血也不乏同情心，但却缺少对现实的理性判断，也还没有完全做好承担生活责任的准备，再加上一直没有脱离父母独立生活的环境，他们的成长更加缓慢。但《大猫儿追爱记》里的人物，都有着北京土著特有的爽直和个性，却在每个人身上展现的淋漓尽致，北京的姑娘小伙儿也许不富有，但不卑微不委屈，各个活得有理儿有面儿。
 
《大猫儿追爱记》讲述的就是这样一群年轻人的成长故事，尽管没有外来青年的惨烈甚至壮烈，但这群北京土著们的成长同样充满了激烈的暴风骤雨。在现实生活面前，他们必须承担起属于自己的那份责任，不管是否愿意最终都需要做为一个独立的成年人而生存。在林莽莽与裴格（锦荣）之间大猫儿或许会犹豫不决，但生活本身会教她如何选择；林莽莽与歇斯无论怎样任性最终也需要回归到现实生活的逻辑之下；齐江终有一天要摆脱母亲的阴影独立担当起生活的责任；至于樱子，现实会让她明白什么才是她需要珍惜的。这是对普通北京青年的真实描写，他们的成长代表了一种古老文化的现代生成。

记得有一集里，白百何饰演的陆晨曦从车顶上下来，顺势撒娇卖嗔地搂住来扶她的庄恕的脖子，嘴里说着：别动别动别动，这里海拔太高了，我有点儿晕！庄恕又无奈又宠溺地说：你真是我见过的最麻烦的大夫！这时的陆晨曦微咪着双眼，眼珠子滴溜溜地乱转，上嘴唇向上翘了一下，半嗔半痴地说：你是我见过的最爱管闲事的大夫！
       这个场景其实是很难演的，别忘了陆晨曦是谁呀，是一个技术高超的医生，更是一个点火就着的小炮仗，温柔太露则过，动作和表情太猛则与此情此景不谐调，白百何此时演绎地出神入化，恰如其分，分寸拿捏得刚刚好，让人觉得入情入理，分外舒服。
      就这个表演我觉得真正的大牌都不一定有白百何演得逼真，说真的，我当时像过电影似地把国内大牌的女演员象过筛子似地过了一遍，那些眉目如画，面白如雪的美女们，美则美矣，却表情僵硬，眼大无光，哪里及得上白百何的面目如此生动，如此入情入景。
      最后说一句，演员是人不是神，她在生活中怎么样不归我们管，我们喜欢她，就好好爱护她，好好保护她，人家卓伟有偷窥的爱好，并不代表我们也非得有，人家卓伟靠这个养家糊口，我们不是，既然如此，又何必呢！