玛丽莲·梦露在36岁英年早逝之后，关于这位传奇女性的传闻甚嚣尘上。良莠不齐的传记夹带着谣言添补窥私的眼睛和耳朵。揭秘玛丽莲·梦露，显然也是《金发梦露》的导演安德鲁·多米尼克的愿望。从执导过《神枪手之死》的导演，到主演“007女郎”安娜·德·阿玛斯，再到入围威尼斯主竞赛单元，《金发梦露》的前期卖相不可谓不好看。

然而，自《金发梦露》首映之后，影片迅速从毁誉参半的状态决然倒向“毁”的那一半，豆瓣评分定格在5.6分。不喜欢这部电影的人认为本片对于梦露的描写严重失实，把好莱坞最具影响力的女星拍成了一个深陷恋父情结的无助“傻白甜”。也有部分支持者表示，影片的“男性凝视”恰恰是为了揭露好莱坞对于女明星敲骨吸髓的盘剥，并认为影片用特殊的拍摄风格和剪辑手法建立了“媒介自反性”，迫使观众发掘男性视角的荒谬之处。

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30岁是一个负荷超载的词汇，尤其是对于女人。

30岁以前，青春动人、娇俏可爱，犯了错误也可以用“不够成熟”来搪塞过去。30岁以后呢，你爸你妈、护肤品BA都会告诉你：你的胶原蛋白正在流失、你的皱纹正在生根发芽、你的子宫正在丧失功能！要是你30岁且单身，喔，你过往取得的一切成就都将归零，耳边响起时钟的判词：tick tock, tick tock。

如果你也和老友记里的Rachel一样，感慨30岁大限已至，预想中的白马王子、郊区洋房、两个孩子一条狗都没有出现，不要慌，我推荐你去看一看这部韩剧《浪漫的体质》，一部讲述三位30岁未婚女生日常生活的轻喜剧。小品剧，全靠台词堆砌，但实在好看。有多好看呢，我和白白一起看，绝不快进，看完一集，相视一笑点头鼓掌。导演艺高人胆大，找了一位演技派男主角，绝不靠脸，《请回答1988》里的正峰欧巴，然而看到激动时刻，白白对着屏幕大喊——这个男人，啊，我要！

请放心，这并不是那类“我30岁、一无所长、天降两个绝世帅哥拼命抢着要爱我”的狗血爱情片。电视剧开头，就是主角们吃着零食，吐槽电视里的纯爱剧情。身为编剧兼导演的李炳宪显然饱读诗书，看过很多韩剧，各种经典桥段信手拈来调侃一番，唔，韩剧解构主义。这个剧颇有点日剧气息，每个人都是嘴炮，有说不完的话，朋友聚在一起是吐槽大会，连谈恋爱也是一男一女在唇枪舌战中擦枪走火，动了真心。

一切故事始于心碎。第一集，三个女主角各怀伤悲。真珠，大学男友，分分合合七年，最终因为男生的出轨而彻底分手，咬牙买下名牌包，决心严肃认真地追求编剧事业。寒珠，曾经的校花，大学被男人苦追，意外怀孕生了小孩，男人此时却说要追求自由撒手离去，只好从头开始工作养活自己和小孩。恩静，自己导演的纪录片意外获得市场好评，赚到了钱，然而深爱的男友癌症离世，过分悲痛走不出来。都很惨，出轨、意外怀孕、癌症，韩剧狗血要素一个不少。但也就到此为止。之后的15集，没有什么跌宕起伏的剧情，就是三个女人、一个gay、一个小孩住在一起，认真工作、谈谈恋爱、聊聊天、吃吃夜宵，不要太爽。

爱情在这个剧里，不是连贯的事件，而是对象，被观察、被拆解、被体验。女主角是电视剧编剧，男主角是电视剧导演，其他主角都是影视行业从业者。他们一边写恋爱剧本，一边谈恋爱，在现实和虚幻中穿梭，探寻爱情的种种形态。明明相爱却不戳破的工作伙伴、有过很多快乐的回忆但还是分手了的初恋对象、想要分手又不够果决的懦弱男孩、怀抱死去恋人的回忆无法向前的职业女性、甚至四五十岁的中年人也有办公室三角恋谈。有恋爱中最好的时刻：心动、暧昧、宠爱、默契、依赖；也不回避那些残酷的部分：懦弱、疲倦、背叛、决绝、怨恨。《恋人絮语》拍成电视剧，我想，也不过如此。

第七集很好玩。女主角林编剧写不出告白的戏，和男主角孙导演讨论，两个人假戏真做约会了一天。林编剧罗列了几种韩剧套路表白，都不满意。纯情派。两人在餐厅里，男生害羞转过头，对着墙壁表白：从一见面就喜欢你了。土豪派。在奢侈品店，男生给女生买手表。女生问：今天是什么特殊的日子吗？男生轻巧地说：今天是要送礼的日子，因为是我向你告白的日子。耍帅派。男生抖着腿，吃着冰棍，甩给女生一根冰棍。女生问：干嘛？男生说：不觉得很酷吗？女：像个傻子。男：那个傻子爱着你。

此时，孙导演提出自己的观点：比起告白的方式，一个人喜欢上另一个人的那份心意，很好地把那份心意表达出来会更重要。如果连观众都能把自己带入到那个情感的话，“我喜欢你”这一句就够了吧。

林编剧列举的表白路数，也没什么不好，只是事件感太强，为了告白而告白，格式化的浪漫，跟在宿舍楼下点蜡烛表白、求婚搞marry me气球差不多。二十出头的小女孩，或许会倾心于这种戏剧性的告白，但像林编剧这样的轻熟女性，却难以被轻易打动，总觉得，哪里有点不对。

孙导演说形式不重要，情绪到了、最平淡的话也可以表达最深的情。嘴上是这么说的，他自己却亲身示范了什么叫做四两拨千斤、润物细无声的满分表白。太浪漫了，抄下来供大家品鉴。

周末，女主角打电话约他出来吃冷面。在面馆，男主角说：

今天真是听到了好多我喜欢的声音。用懒觉填满缺乏睡眠的周六早晨。转动洗衣机。再次回到床上，在床上滚了好久，看一会儿书。阳光透过云彩照在我的脸上，心情很好。这时候，洗衣机响起，是舒伯特的鳟鱼——我很喜欢这个声音。明明应该晒衣服了。但晒了阳光的被单软绵绵、很蓬松，舒服的不想起来。快递来了——我很喜欢这个声音。网上订购的衣服时隔好久才到，穿的很贴身，心情变得更好了，我决定晒衣服。快要晒完衣服的时候，咕噜噜（肚子叫）——我喜欢听这个声音。啊，要吃点什么，自己做好麻烦，但又不想订餐，正要吃拉面的时候，接到了编剧的电话——这个声音，我真的，真的很喜欢。

深情地讲完这一段，还酷酷地问编剧：不过，非得要告白吗。

30岁谈的恋爱，和二十出头会有什么差别呢。如果这些年没有白活，人生、事业上都有一些长进，我猜测，大概会更清楚明白爱情的有限（聪明的早恋宝贝可能17岁就领悟了）。恋爱无法提供柴米油盐、无法解决工作的挫折、更无法纾解人生种种无常。至多是提供一些甜份，获得一些信心和勇气，去面对生活无止尽的困境和难题。就像男主角说的，对你的这份喜欢，让原本开心的一天，变得更幸福了。也听好多朋友讲，现在再谈恋爱，肯定不可能有当年那种为你开天辟地、为爱奔走天涯的劲头了。不过，这真的是坏事吗？剧里的三位女主角，都经历过一些心碎，也犯过一些错误。或许无法那样莽撞冲动地去爱，但还是可以振作起来，再爱上别人，也会爱得更好。

小时候看电视剧里讲“拥有就是失去的开始”，觉得很悲伤，如果注定要失去，那干脆一开始就不要拥有好啦。现在年纪大一点，变贪心、变狡猾了。的确，拥有就是失去的开始，无论是健康还是爱情，都不是理所当然、一劳永逸，因为知道会凋谢、会流逝，更要付出努力、好好珍惜。

最后一集，女主角靠在男主角肩头，说着略带神经质的情话：散步的时候讲一些无聊的笑话真好啊。我讨厌火热，想要以这样不温不火的温度，一直陪伴在你身边。

非常凑巧地在某个失眠的晚上买到了最后一张平原在纽约亚洲电影节首映的票。

平原是这两年我很期待的电影，一是双雪涛的小说写得好，当年读的时候就感觉是好故事，可以拍成很好的电影，二是因为冬雨，平原算是冬雨继少年的你之后第二部大荧幕女主角的作品，我期待她的李斐，并且相信她有不会让观众失望的能力。

开场前主持人说这是个讲述 unfinished commitment, unfinished dream 的故事，我很喜欢她的概括。其实当时我已经把小说内容忘的差不多了，只记得是在一连串出租车司机被害的背景下两个少年约好了要在平安夜放把火，也算是完全清空自己去面对这个电影，只专注当下的观感，什么小说里不是这么写的，那段怎么没拍出来，完全没有做类似这样那样的比较。

怎么说呢，电影本身像是在做梦。再说得具体一点吧，不知道你们有没有类似的经历，就是熟睡中的你能真真实实地感受到正在做的这个梦是有趣的，但它断断续续，你很想屏息凝神，却无法让它连贯，又不愿意叫醒自己，因为那样梦就彻底没了。这是平原这部电影给我的感受。冬雨是好的，有好几个片段足以让她再度封后，昊然也是好的，他呈现了一个更温柔的小树，更不用说别的演员。可是当优秀的演绎遇上不连贯的剧情，突兀的感觉会大于感动。所以平原无法取代白日焰火，超越燃烧，甚至是它自己的原小说。

至于电影结束后半小时的导演Q&A，不知道是不是导演状态疲惫的原因，感觉回答质量不是很高。

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看了评分有8+，才决定看的。这部片虽不至于到后悔，但确实过于平淡，让人完全提不起精神来。现在回过头来仔细看看评论，原来都是带着熊孩子去影院接受教育的。而且形式过于简单粗暴。粗暴得让人乏味。影片美术方面倒是不错的，化妆与服装可的，童年版的小仙女长太好看了，原本打算给两星的，一星给美术，一星给服装化妆，还有半颗是属于小仙女的。所有的美好只存在于匹诺曹与小仙女还有蜗牛太太生活的那段日子。

巴西导演小克莱伯·门多萨和他的制作人兼合作导演儒利亚诺·多赫内利斯是拉美电影新生代的代表。从2012年的长片处女作《舍间声响》起，再到四年后的《水瓶座》，他们的目光一直聚焦在现代文明中个人的处境，两位导演从未停止过对当代生活的观察，和对那些披着华丽外衣的压迫者的控诉。《舍间声响》中表面平静之下隐隐的不安，焦虑，《水瓶座》里“钉子户”的执拗，地产商的油嘴滑舌和不择手段，都是心理层面上对当今社会栩栩如生的描摹。这些电影虽然都以写实主义为基础，聚焦在城市一角中产阶级的生存状态，但它们并不执着于情节或具体事件，而是在耐心的人物刻画中试图去捕捉时代的脉搏。电影中时常出现一些“超现实”或是“魔性十足”的元素，如《舍间声响》中捕捉不到来源的声音，黑暗中街角的急刹车，《水瓶座》里Clara楼上肮脏的群欢，爬满蛀虫的朽木等等。这些天马行空的意象，和经常在不经意间抖落出的触目惊心的时刻，似乎已经成为门多萨和多赫内利斯（以下简称门多萨）独有的电影语言。

乍看上去，《巴克劳》在形态上似乎与前两部作品有明显的不同，但它的精神内核却是非常一致的。把情境从海滨城市累西腓搬到同处于巴西东北部但却更为偏僻闭塞的一个名叫巴克劳的乡村，两位导演继续着他们关于“现代化将人带往何处去”的探索。在前两部作品中，地产主和房产开发商是共同的主角，他们是城市现代化过程中的共谋和执行者，不仅掌握着资本，更从某种意义上掌控着对寻常人予取予夺的至高权力。如果说《舍间声响》和《水瓶座》中对这类掠夺者的形象描述得相对温和，他们富含教养，熟谙现代人的“游戏规则”，从城市移至乡村的《巴克劳》则为我们展现了他们狰狞，野蛮，冷漠无情，和更为原始（或者反过来说，更为未来）的一面。

电影在葬礼中开场，预示了后面的故事将一直与死亡联系在一起，与此同时，这段事无巨细的对葬礼的纪录也折射出传统习俗，社群纽带对巴克劳的意义。我们在这段描写中看到了形形色色的人，他们的形象不仅是身份上的（教师，医生，商贩，妓女，街头歌者等等），更体现在面对受人爱戴的长者的死亡这一灾难事件时，所展现的不同姿态。理智，冲动，悲怮，和埋藏在音乐声中的某种达观杂糅交织在一起，散发着一种向死而生的冥然力量。在后来更大的灾难面前，这些在影片一开始就交代出的人物形象和情感姿态进一步演变为更有组织和强悍的反抗行动，这样的铺陈和“蓄力”方式与导演之前的作品（尤其是《水瓶座》）其实是一脉相承的。更重要的是，从这个时候起，影片也一点一点地在看似洋洋洒洒的乡村风物描绘中渗透进潜藏的矛盾和不安，一开始是根本察觉不到背后的深意。横亘在山谷中间的水坝，倒在路边被车轮碾过的棺材板，舔入舌尖的神秘药材，让人感到极为不适的用翻斗车像卸货一样地倾倒书本，到后来都直接或间接地与巴克劳的劫难联系在了一起。

两个摩托车手的出场是这部影片中十分精彩的段落，它精准地从剧情上衔接了前文里一点点塞进去的各种异常，和后来的谜底揭晓。巧妙的是这两个巴西本地人（但显然不是来自东北部地区）的身份正好处在西方“侵略者”和本土“被剥削者”中间，他们的行为，背后的动机以及结局是也最发人深思的。与相对松散的《舍间声响》和以人物素描为基础的《水瓶座》相比，《巴克劳》在创作上最大的转向，就是极大地加强了人物形象和他背后身份的指涉，影片的象征意义极为浓厚。如果说前作的身份指向性还是局限在不同阶级，不同地域之间的区别与潜在冲突，本片则毫不胆怯地将其上升到国家的层面。村庄的守护者，外来的入侵者，和本土的那些自知的不自知的共谋者，他们之间的互动关系实在像极了国家与国家之间，甚至文明与文明之间的政治经济生态。我们在银幕上看到的各种无情的冷漠的残忍的画面，其实在电影院外面的现实世界里每时每刻都在发生。导演在本片中用极为风格化的对暴力的描述指引我们去关注现实中的那些“巴克劳”和“美国游客”，而且，这种指向并不局限于，或者说根本就不关乎于真正物理和肢体上的暴力，而实实在在地落地在政治的霸凌，经济的掠夺，意识形态和言论风气的转向这些更深层更持续也更为隐形的暴力上面。相信每一个对当今“社会情绪”有一定敏感的观众，都能从这个寓言故事中体会到导演的用意。电影表面上非常动作，直接，和类型化，但实际上却是门多萨迄今思想最为尖锐和彻底的作品。《巴克劳》类型化的外壳背后隐藏着十分“巴西”和本土化的东西。

我很欣赏这部电影在探讨上述问题时的“向前看”和前瞻性。参加本年度纽约电影节的那些喜好关注政治和社会议题导演中，波蓝波宇喜欢“向后看”，他的故事和镜中的罗马尼亚总是被“历史的幽灵”笼罩；来自以色列的那达夫·拉皮德则偏好关注当下，《同义词》无疑是对当前移民困境作出的一次极为先锋和激烈的反抗；而门多萨的电影，其实从第一部《舍间声响》起，就透出了极具未来气息的关注方向和忧虑。他用发生在巴西的故事告诉我们，即便在欣欣向荣，富有朝气和充满希望的发展中国家（而且是大国）的土地上，在表面的祥和，秩序，和国泰民安之下，埋藏着深层的危机。《巴克劳》开头告诉我们这个故事在“若干年以后”，影片里时而闪现的科幻元素也让我们对此信以为真，但更让人惊悚的其实是电影对未来人类（尤其是作恶者）思想层面上的预言。那份深入骨髓的对“劣等群体”的蔑视，洋洋自得的优越感，毫不自知的偏见和让人心寒的种种无端的恶，也许有一天真的会降临，或者此时此刻也不定正在发生。从这一点上看，《巴克劳》再次印证了门多萨对时代脉搏及其潜在走向敏锐的观察，这份思考富含活力，不倚仗世故，却也清醒而沉重。

放映之后一个有趣的Q&A细节是，一位美国老爷爷温和而不失礼貌地询问为什么把影片里坏人设置成美国人，门多萨不假思索地回答道，“不然呢，不是美国人还能是哪里人呢？”在那一瞬间，我吊诡地感受到电影里发生的一切似乎无比自然地延续到了真实世界里。那些门多萨镜头下各种显性的隐性的明亮的黑暗的纷争对抗，互不相让，以及偏见和无知，或许真的离我们一点都不遥远。

《鹤唳华亭》是今年让人着迷的一部古装剧，尽管对情节上的bug、设定上的漏洞等略表遗憾，但整个观剧的过程中还是挺欣赏的。因为能看到这份制作的诚意以及编剧深厚的文学功底，在古装剧纷纷迎合现代审美，用现代人的思想和言行来演绎古代人的大环境下，这部剧坚守了传统的文化之美、尊崇了古人之道，更难得是创作者借这样一个悲剧人物表深刻地揭露了对于封建皇权和礼教对于人心经年的压迫和摧残，对于君子之德行的崇尚与彰扬。

一、剧的立意

《鹤唳华亭》既不是一部古装权谋剧——创作者的志向不在这里，也不是一部历史正剧——主客观因素不允许。它更像是一部有格局的封建伦理戏，父子关系本来就是一个永恒的命题，而挣扎在权力与阴谋漩涡中的天家父子更是矛盾的集大成者。几千年的封建王朝孕育了多少个这样的人论故事，都是后来者源源不断的创作之源。只是在国内影视作品中，极少看到聚焦于这种关系而能完美诠释的作品。

《大明宫词》聚焦母女之间一生权力与爱情角逐，《皇太子秘史》讲述彼此相爱的父子恩怨难解这种复杂微妙的关系，《少年天子》则用家长里短、情感关系来衍射政治，以家庭伦理来写朝纲。其中《大明宫词》《少年天子》已经做到极高水平，《皇太子秘史》则欠缺一口气，而韩国的优秀作品《思悼》明珠在前，不得不让人在寄希望于国内的团队，何时能够创作出中国版的《思悼》。因此，我对于《鹤唳华亭》是有这种创作的期盼的。君臣父子“子不知父，父不知子”，在一生的矛盾斗争中或面目全非，或坚守内心。

二、角色定位

既然是重人物关系，那么角色定位就显得尤为关键。相较于原著的彻底冰冷——皇帝对于太子的严防死守与极度排斥，剧中的父子关系稍显柔和，毕竟从皇帝不时漏出的微笑能看出他对于这位太子还是寄予厚望，并没有想过更换继承人。只是，对于上位正当性存疑的皇帝来说，权力还是第一位的，因此剧中父子的挣扎与诛心的博弈没有减少。在这种境遇下，他们残存的一丝亲情在控制、施压、斥责、动辄得咎的“权力的游戏”中消磨殆尽。

太子是为内心仁厚，谨守儒家思想的传统君子形象。他的价值观从冠礼仪式上为自己书写的笔墨上就有所展现“馋岂有端，罪实无名。全君臣义，成父子亲。家国永安，天下太平。君子今日，百罹成人”。太子长年的委曲求全，苛求父亲的一点垂爱，为了家国天下能舍身取义，在经年的磨砺中成长起来。期间承受的窘迫和孤独，以及相伴的绝望与愤怒令人动容。最终还是选择坚守君子的品德，这样的太子值得卢太傅的偏爱，这样的“小怯而大勇”也值得作者的书写，而这样“吃人”的封建社会也令人瞠目。

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很好看，开始差点因为男主的长相而弃剧。但是以为实在是看好多人推荐，说一定要忍下去，就这样我忍下男主的长相，男主的身高。然后就我就完全入了小大的坑了。超级可爱的角色，很好看。如果你看时想吐槽男主的颜艺，哈哈那你不要觉得小大演技夸张，看看魔王，你就知道了，什么是实力演技了。夸张的表情是导演与编剧的指点。其实我倒是觉得这样演很好，是一步真真正正的喜剧。已经n周目了。在爱情方面疑惑的人们可以看一看。像我一样忍下去。你会打开新世界的大门。杰尼斯欢迎你，arashi欢迎你。蓝担欢迎你！

中间剧情真的很掰扯跟楚路有仇？男女主颜值有点慌但是他们友谊挺好本剧一直是围绕这一夏天的风和我想给你写首歌吧？情节可真够跌宕的楚路我们带走了啊其他你们随意本来想三分但是五分是给楚路打的你是耀眼的太阳而我只是你是生命里一闪而过的流星虽然有交集但却触不可及这句话挺不错才二十集是编不下去了吗？

这部电影的关键到底是春晚，必要否是春晚的修饰语。

整部电影也确实围绕春晚展开：专家从基因的高度解读春晚，春晚筹备人、必要的工作人员、志愿者自我介绍，了解群众对春晚的看法，寻找场地，拉赞助，制作以及投放海报，进行海选，排练，开演，处理突发事故……这确实是一场春晚会面对的几乎全部，但这场春晚，是很有必要，还是没有必要？

说它有必要，那理由可太好找了：筹备人等工作人员、群众等都认可春晚对中国人的重要性，因此，举办筹备一场春晚欢度新春，是有必要的。

说它没有必要，是因为整场春晚都透着一股荒诞、靠谱，这样的春晚办不如不办：解读春晚的专家叫“胡逼说”，原丢了的导演叫“不见了”，寻找场地的叫“找不着”，拉赞助的叫“假惺惺”，制作的海报过于骚，参加海选的是各路牛鬼蛇神，处理突发事故的方式是制造更大的事故……

所以，或许可以做这样一种解读：一场春晚是很有必要的，但这一场春晚是没必要的。

但如果这样，那有必要的那一场春晚应该是什么样子呢？

首先，一场有必要的春晚应该是内部自洽的。这场春晚内部自洽吗？那可太自洽了。这场春晚里的每个人、每个人的每个物都派上了用场：有人的才艺是“关了灯之后，别人看不见”，当时觉得搞笑，但实际上，最后那个小仙女的节目确实需要这种才艺；烟雾骑行者，must love用来搞笑的，但主持效果不错，表演的歌曲也很好听；小提琴丢了，志愿者的otmaphone救了场。每个人的每样东西，不管单看多滑稽，都派上了用场。这样的春晚，怎能不自洽？

其次，一场有必要的春晚应该是和外部世界是和谐的。这场春晚和外部世界和谐吗？可能没理由说不和谐：专家的解读，排开胡说八道的内容，那体态、坐姿、灯光、采访环境、问答的流畅和高度，可不就是采访专家的情景吗？工作人员开的讨论会、寻找场地、海选、拜访名家等一系列事务，不可谓不正常、不专业……

如此看，直说这场春晚没有必要，又似乎过于武断。可要说这春晚很有必要吧，好像也有点儿昧良心。这样一来，必要和不必要的界限，似乎没有那么分明？就像白和黑中间有灰色，就像世界上很多事没有标准答案？这两个问题，我也问得很认真，大眼一看也像个正经问题，但真正经吗、真不荒诞吗？嘿嘿，忘了胡毕硕博士吗？但如果把所有的事情都往不正经了想，会不会消解一切，导致一切都不真实、没意义？那倒也不至于，人在看事情的时候，只要同时审查内容和形式、而非纯以形式为要，有自己的思想、思考、判断，那怎么会被外在牵着走？

这部剧的核心是悲观的，整部剧就是一个历史大黑锅，而且不允许有人洗白。

哥哥是老练的掮客，结果被小混混意外杀死——预示所有人的结局:总是要在意外中结束一生，不得善终，没有正常人的生活。

弟弟接班，但是处理不当，导致局势失控，最后暴露弱点被人利用终成大错——预示没人能够一直独善其身，不存在能够抽身旁观或者游刃有余，早晚会入局，早晚会被卷入这一场黑幕中。

狱警、县警、州警、特警、cia都是更大的弃局游戏中的一员——不存在正义感觉，不存在纯洁的精神、不存在对人的怜悯、不存在善恶的划分，都成了一锅粥。

这个游戏已经到了一个关键点，需要砸锅才能回去，扬汤止沸，无人幸存。

这些角色没有一个有好下场的，仔细一看，都是黑暗人物，而且注定一条道走到黑，这可能是此剧最为核心的呼唤——如何在现实中选择救赎自己并救赎。

而是它们手拉着手一起转圈。另外，卡戎的质量也足以让它成为一个球形。所有这些特征都符合国际天文学联合会2006年对矮行星的定义。所以，冥王星和卡戎应当构成了一个双矮行星系统。但习惯的力量很强大，从1978年发现卡戎起，我们就一直把它叫作冥王星的卫星，很难改过来了。卡戎这次新视野号也对卡戎和另外四颗卫星进行了观测，人类首次看到了卡戎的外貌。卡戎也是一颗发红的天体，最明显的特征有两个：一个是颜色特别红的极区，还有一个就是一条很深的大峡谷，比美国的科罗拉多大峡谷还要深5倍，峡谷两边有大量的山脉。卡戎没有大气，表面也没有易挥发物质。不过，在卡戎的表面覆盖着特有的氨冰。通过对撞击坑的计数，科学家们推测出卡戎的表面似乎有40亿岁

如果你跟我一样最近剧荒，想要看一部轻松的电影，那么最近Netflix的新出的这部《亲吻亭/The Kissing Booth》一定可以成为你的心头好。1个小时45分的影片时长，刚看完我就迫不及待安利给你们了。

《亲吻亭》可是说是又一部典型的美国青春爱情电影，如果你也曾痴迷过《歌舞青春》、《公主日记》，那么一定对这类题材不陌生，一定也会等不及就要去看啦～

亲吻亭开场就卖福利，男主颜值能扛起整部剧。剧情设计也是相对纯粹，完全没有几年前国内较火的那些青春片里动不动就出轨堕胎的情节，也没有什么矫揉造作的哭点和撕逼戏码。这部剧剧本大概就是女主青春期的日记本，记录上学时最琐碎日常。值得一提，影片的原著作者Beth Reekles是一名青少年作家，她十五岁时候通过网络阅读社区写下了这部小说，并获得了超过1900万的阅读量。

当然美国高中生没有长坐教室里学习15小时，拼搏高考的事，但是青春期里那些朦朦胧胧的暗恋应该会戳中我们所有观众的心吧！

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去看了电影《皮绳上的魂》，怎么说呢，我喜欢的电影风格。导演就那么随意的拍，观众就这么随意的看，导演没有强烈的想要表达，他只是试图完美再现，而观众看完也不是非要领悟到什么，观众也只是花两个小时看了一部电影，仅此而已。

这种不试图说教，不试图声嘶力竭的去传达价值观的态度本身是我所喜欢的。

电影有关复仇，有关宗教，有关自我的修行。复仇是他们刻在骨子里的价值观，所以下一辈为上一辈报仇，电影主人公塔贝生下来就没见过父亲，但是他的父亲曾经杀了另一个男人，所以那个男人的儿子要找塔贝报杀父之仇。

在兄弟俩寻找塔贝报仇的过程中 ，塔贝担负着活佛安排给他的拿着天珠去掌纹地的任务。这是一段艰苦的旅程，“目标在北方，道路是身上，距离在脚下”。塔贝踏上陌路，却一路认识了死心塌地的女人，鬼精灵的聋哑小孩还有要杀他的人。

一路走，一路躲避追杀。等到接近掌纹地的时候，也到了与敌人决战的最后关头，结局是仇人的儿子死了，塔贝也没有逃脱宿命。

情节很简单的一部电影，难在辽阔的叙事和家长里短般的真实感。

大口喝酒，大口吃肉，杀人杀生的塔贝，在去掌纹地的路上，心灵被洗礼。一个充满暴力与仇恨的粗糙大汉，突然开始变得仁爱。有句话说“人一变性，就离死不远了”。塔贝在要杀死对手的一瞬间，仁慈心涌起，放过了对手，却被对手从背后捅了一刀。

他死了。

不知道活佛有没有预料到塔贝最终的命运，但是塔贝无疑是完成了自我的救赎。

塔贝跋涉千里，最终找的还是自己。

电影里有句台词“把你的烦心事说出来，这样你心里就会变得干净”。天主教里教民可以向神父忏悔，神父就像一个树洞，容纳人们各种各样的心事。

塔贝的树洞是佛。

我们的树洞呢？是什么？是各种匿名的社交网站，是不认识却熟悉的陌生人，是一篇篇隐秘的日记。也可能我们的树洞在自己心里，所有的心事都交付给自己，这样的心灵负重太多，想一想都觉得疲累。

曾经一度我的树洞是日记，后来，我的树洞变成了朋友，回头看，我们所需要倾诉的，需要表达的，不过是内心的寂寥和孤独。我们以为有人可以分享内心的寂寥，我们以为总会遇见契合的同路人，事实上所谓同路人也不过是一厢情愿的想象，不管遇上谁，不管做什么，不管在哪里，与孤独对抗都是终生的。

说起孤独，突然想到蜗牛，每次见到蜗牛，都是一只一只的，不知道它们会不会觉得孤独。可能爬上一天也遇不上一个同类，可是这一天在它不长的生命周期里已经是很长的一个时间段。想到这里，有点释然。万物有灵，我们一样孤独。

我们不是我们之所是，我们一直走在即将成为自己的路上。

塔贝不知道自己最后会成为一个仁慈的人，直到他真的变得仁慈。你也不会知道自己最终会成为一个什么人，直到你变成那样的一个人。

张扬1991年去西藏游荡3个月，这是他创作西藏电影的源泉，后来又陆续拍了一些电影，直至商业片《无人驾驶》等拍出来后，就归隐，时隔多年，再次出现，带给观众的是《冈仁波齐》和《皮绳上的魂》。两部电影都偏向内在的探索，借着西藏这片土地上特殊的人文环境和信仰，向内追问个体，向内探寻。

西藏可能是中国大地上最后一片被现代化所遗落的热土，这和它们虔诚的宗教信仰有着莫大的关系。这片传说净化心灵的土地，可能真的会给人内心的震撼。

有信仰总好过什么都不相信。

没有信仰的人才是真正的流浪者。

回归内心，放弃无意义的外在热闹，可能是寻找自我最有效的途径。那些热闹而不孤独的人总让我心存质疑，那些沉默而孤独的人，才是真实的。

愿你去爱别人而不求被人爱，愿你跋涉半生，心似湖水。

死不死的不重要，死前怎么折腾比较重要，老美还是牛b，生死看淡，不服就干。

露脸的几乎没有好人，除了女主和小孩，要么是罪犯，要么是没被抓的罪犯，跟水浒好汉一样，虽然他杀人放火无底线，也有自己的柔情浪漫，虽然天地不仁，还有家人温暖，两口子坐在夕阳的长椅中，很美。

非要凑够字数，就这样吧，还不够在写俩

天哪，我看的真的是又酸又甜，因为几乎每集都有吻戏啊，罗开怀真的演的好可爱，演的很不错！螺旋cp真的好甜啊！！戴夫和琳达这对欢喜冤家也好有趣，还有小庄的红衣造型好美！好美！好美！每次看得我都一脸姨母笑！！这部剧的题材还挺新颖的，看这种剧中剧的剧觉得挺有意思的，看到现在知道王爷是装的了后面会不会虐啊，还有疑问的是二叔到底是好的还是坏的呀，因为看小说是反派耶，哎呀，这些疑问就去剧中解决吧，一起去追剧！