看完这个又去看了原版

先说开头，原版初步展示了这群友人的生活状态，故事也是全线围绕这群人的生活。这版穿插了一些其他人的生活，电影到出现送快递的时候说饱了么我以为电影也插播广告了。讲的太多反而有些突兀了。

聚餐。这版的房东夫妇十分的平淡，没有激发起他们之间的矛盾，全片主要的闹点都在另外三"对"上。

父女。在父女这对的处理上表现的非常突出，原版父亲的话真的可以借鉴，但是这版改成了：爸爸一切都支持你。这样难道就表现了爸爸真好，真自由教育？不是的。原版里爸爸有一句：你觉得是真的快乐，真的能引起女儿在爱情中去思考到底应该怎么抉择。

家庭主妇与事业丈夫。这对真的就是大众化的生活剧人设同时也是很多家庭的缩影。但是影片中最后的和解只是在了解到了老公不是同，是一个误会，男人在吵架时候说的话真的是十分恶劣了。

单身前来的人。这个版本用了女强人的人设，一开始我也以为是个人生活，后来得知是强迫，当然最后那个男的不是死于正常程序的法律而是车祸，这种不需要经历长期的法律途径，坏人不需要面对各方压力就死的设定，普通人真的不要想了，坏人自有天收，电影外的天不负责收坏人的。其实这个设定真的没有原版来的激烈。原版同性的设定和连朋友都不能接受的嘲讽很让人深思，它不仅是思考同性不能接受还有更多的比如秘密就需要告诉朋友吗？朋友能体会吗？当然了这个最讽刺的就是国版都不敢要同性的设定了，倒是能拿同性来搞笑。

恋爱的那对，这版真是神操作了，花心男选择小三把小三感动的稀里哗啦，难道我们也要在看到花心男壮烈的伟大走向壮汉们时鼓鼓掌？此处省略小白兔变御姐的。。

说完剧情再说结尾的技巧

先看这版再去看原版你会觉得原版真的太，牛逼。

不故意求和，而是平行世界。

留给人们思考这个游戏的意义是为了什么，隐私要不要说出来。给你私人空间不是给你像单身一样的自由，而是要把握尺度互相尊重也要互相沟通。

完。优秀语言匮乏。

clit2014, jan 2, 晚交了20天，我再也不想上gender studies了我要吐了，写这篇paper不知道经历了多少mental breakdown

Women’s Experience Matters: Redefining Feminist Cinema through Claire’s Camera

As Laura Mulvey points out in “Visual Pleasure and Narrative Cinema”, traditional narrative cinema largely relies upon the practice of a gendered “gaze”, specifically, male’s unconscious objectification of female as erotic spectacle from which visual pleasure is derived. Her account draws attention to the prevailing feminist-unfriendly phenomena in contemporary cinema, one that resides in the language of patriarchy, privileging man’s experience while making woman the passive object deprived of autonomy. Many feminist filmmakers and theorists including Mulvey herself urge a radical strategy that dismantles patriarchal practice and frees woman from the state of being suppressed by the male-centered cinematic language.To conceptualize a mode of cinema that speakswoman’s language, or authentic feminist cinema, this essay interrogates the validity of Mulvey’s destruction approach in pursuing a feminist aesthetic. By making reference to Hong Sang-soo’s film, Claire’s Camera, I argue that feminist cinema needs to be redefined by neither the immediate rejection of gender hierarchy nor the postmodern notion of fluidity, but by perspectives that transcend the gendered metanarrative of subject vs. object, and that primarily represent and serve woman’s experience on both sides of the Camera.

Earlier waves of feminism strived to call attention to, if not, eliminate the unbalanced power relation between men and women in the society, namely the dichotomy between domination and submission, superiority and inferiority, and self and other (Lauretis 115). Feminists such as Mary Wollstonecraft and Simone de Beauvoir radically interrogated women’s rights in the political arena as well as women’s relative position to men in the society at large. However, the approaches of the earlier waves cannot prove themselves sufficient in pursuit of a female autonomy, owing to the fact that they are constantly caught in the power-oriented metalanguage which inherently privileges one over another. While it is argued that the objectification of the “second sex” is oppressive in nature, for example, the assertion already marks the subject-object dynamics between men and women by default. It fails to propose non-power based gender narratives, while obliquely acknowledging that the language spoken in this context is inevitably characterized by phallocentric symbols, ones that prioritize self over other, subject over object, male over female. In thisregard, rather than rendering a perspective that exposes and dismantles patriarchy, the outcome of earlier feminist approaches inclines towards “replicating male ideology” (Mackinnon 59), reifying the omnipresence of the patriarchal language and reproducing the effects of patriarchy.

A similar notion applies to defining feminist cinema. In terms of visual representation, feminist idealists encourage women to present their bodily spectacles, inviting interpretations free of erotic objectification. Despite the favorable receptions from the sex-positive side of the discourse, it is indiscernible as to whether these attempts truly free women from the dome of sex-negativism or reinforce the effect of the patriarchal language even more. This polarized debate, I believe, is due to the fact that the discourse is held captive by the language of patriarchy too powerful for one to extricate from, and that any rebellious gesture would appear to be an insufficient, passive rejection of the predominant ideology. To illustrate this point, Lauretis notes that Mulvey’s and other avant-garde filmmakers’ conceptualization of women’s cinema often associates with the prefix of “de-” with regards to “the destruction… of the very thing to be represented, …the deaestheticization of the female body, the desexualization of violence, the deoedipalization of narrative, and so forth” (175). The “de-” act does not necessarily configure a new set of attributes for feminist representation, but merely displays a negative reaction to a preexisting entity. It is important to be skeptical of its effectiveness in defining feminist cinema, as it implies certain extent of negotiation instead of spot-on confrontation with the previous value. A destructive feminist cinema can never provide a distinctive set of aesthetic attributes without having to seek to problematize and obscure the reality of a patriarchal cinema. In that regard, it is passive, dependent and depressed. More importantly, the question – how the destruction of visual and narrative pleasure immediately benefits women within the narrative and directly addresses female spectators – remains unanswered.

TakingClaire’s Cameraas an example, the film destructs the notion of a gendered visual pleasure by presenting the camera as a reinvented gazing apparatus, one that differs from the gendered gaze, and instead brings novel perception into being. Normally, when characters are being photographed, mainstream filmmakers tend to introduce a viewpoint in alignment with the photographer’s position, enabling spectator’s identification; that is, the shot usually shifts to a first-person perspective so that spectators identify with the photographer gazing at the object who is in front of the camera. Claire’s Camera, however, abandons this first-person perspective while generating new meanings of the gaze. Claire ambiguously explains to So and Yanghye the abstract idea that taking photographs of people changes the photographer’s perception of the photographed object, and that the object is not the same person before their photograph was taken. The spectacle, although objectifiable in nature, is not so passive as being the object constructed upon, but rather constructs new signification upon the subject. The notion of the gaze is therefore re-presented with alternative insights.

That being said, as I argued earlier, the destructive approach is not so sufficient an attempt at defining feminist cinema, because the way it functions nevertheless indulges feminist ideology in the role of passivity, deprived of autonomy and always a discourse dependent on and relative to the prepotency of patriarchy. In the conversation scene between So and Manhee, So, who is almost the age of Manhee’s father, criticizes her for wearing revealing shorts and heavy makeup. In a typically phallocentric manner, he insists that she has insulted her beautiful face and soul by self-sexualizing and turning into men’s erotic object. Despite the fact that the preceding scenes have no intention to eroticize the female body or sexualize her acts such that the visual pleasure is deliberately unfulfilled and almost completely excluded from the diegesis, So inevitably finds Manhee’s physical features provocative and without a second thought, naturally assumes that her bodily spectacle primarily serves man’s interest. This scene demonstrates that regardless of feminists’ radical destruction of visual pleasure, practitioners of patriarchal beliefs will not be affected at all; if any, the femininity enunciation only intensifies the social effects of patriarchy. The conversation between the two characters embodies the self-reflexive style of Hong Sang-soo’s filmmaking, in a sense that it fosters debates within the theoretical framework upon which it is constructed, and constantly counters itself in search of a deeper meaning, contemplating questions such as do we believe in what we practice, whether it is patriarchy or its opposite? And is anti-patriarchy feminism determined enough to prove itself a destructive force against patriarchy rather than a sub-deviant of a predominant ideology? The scene proves the drawback of a destructive strategy, that the way it operates nonetheless subscribes to a patriarchal manner, and that in order to escape the secondary position with respect to the phallocentric subject, more needs to be done other than problematizing the subject.

To supplement the insufficiency of destruction, postmodern feminists such as Judith Butler proposes theoretical alternative to approach the discourse. Butler argues that gender is performative and fluid instead of a set of essential attributes. The notion of performativity indeed precludes the social effects of essentialism by introducing the idea of an identity continuum into gender politics, in ways that empower the socially perceived non-normative. On top of that, Butler believes that the categorization of sex “maintain[s] reproductive sexuality as a compulsory order”, and that the category of woman is an exclusive and oppressive “material violence” (17). Acknowledging the harms that essentialist perception of gender and sexuality entails, Butler bluntly negates the very categorization of woman. This radical negation, however, evades the reality that our whole understanding of the human race is based on gender categories, despite the corresponding inequalities generated from the instinctual categorization. In fact, it is when women as a collective community have come to the realization that the female gender is socially suppressed, that they start to strive for equality through the apparatus of feminism. Butler’s rejection of the gender categorization withdraws the sense of collectivism in the feminist community, which is “an important source of unity” for the marginalized (Digeser 668). Moreover, it deprives the feminist cinema of the necessity of delineating an authentic female representation, because within the notion of performativity there is no such thing as a fixed set of female representations but only distinctive individuals that conform to gender fluidity. Since identifying with a certain form of representation means to live up to a socially perceived norm from which one deviates, a performative cinema does not encourage spectator’s identification. The failed identification will not only drastically shift the spectator’s self-understanding but also cause more identity crises. Therefore, performativity is too ideal a theoretical concept to have actual real-life applications.

Whether it is her body or her social function, woman has become the commodity of patriarchy. As Lauretis puts it, “she is the economic machine that reproduces the human species, and she is the Mother, an equivalent more universal than money, the most abstract measure ever invented by patriarchal ideology” (158). Woman’s experience has been portrayed in the cinematic realm nothing more than being the (m)other and the provocative body. Historical debates have proved that articulating the problematic tendencies within gender differences only results in skepticism rather than new solutions. Thus, in order to negotiate a feminist cinema, filmmakers need to abandon the patriarchal meta-language completely, and reconstruct new texts that represent and treasure woman’s experience more than just being the other, that “[address] its spectator as a woman, regardless of the gender of the viewers” (Lauretis 161).

Similarly, what needs to be done in feminist cinema is more than just interrogating the gender difference between woman and man, but interpreting such difference in unconventional ways that liberate women from being compared to men and invite them to possibilities of having narratives dedicated to themselves. One of the ways, Lauretis suggests, is to regard woman as the site of differences (168). This signifies that the cinema needs to stop generalizing woman’s role based on her universal functions; rather, it needs to articulate her unique features, what makes her herself but not other women, from the way she looks to the trivial details of her daily life. In Claire’s Camera, the function of the camera conveniently transcends the diegetic space. In the narrative, it demarcatesthe “site of differences”, that is, how someone changes right after their photograph is taken, as well as how Manhee is presented differently each of the three times being photographed. The camera also magnifies her experience as a woman for spectator’s identification, mundane as it could be. In the last scene, the camera smoothly tracks Manhee organizing her belongings, packing box after box, casually talking to a colleague passing by, and so forth. Long takes like this fulfill what Lauretis would call “the ‘pre-aesthetic’ [that] isaestheticrather than aestheticized” in feminist cinema (159). Without commodifying or fetishizing woman and her acts, the film authentically represents a woman’s vision, her perception, her routines, and all the insignificant daily events which female spectators can immediately relate to. When a film no longer solely portrays woman as the “economic machine” that labors, entices men, and commits to social roles, it has confidently overwritten the patriarchal narrative with a female language. It fully addresses its spectator as a woman, appreciating and celebrating the female sex, not for what she does as a woman but for what she experiences.

In conclusion, the essay first challenges the destructive approach in feminist cinema regarding its sufficiency in pursuit of woman’s autonomy and its indestructible destiny to fall back into patriarchy. The essay then argues that the rejection of gender categorization in performativity theory frustrates the mission of defining a female representation. Hong Sang-soo’s self-reflexive film, Claire’s Camera, offers an apparatus to delve into the drawbacks of destructive feminist cinema and simultaneously renders a new feminist code, abandoning the patriarchal metanarrative and constructing a new narrative that truly prioritizes woman’s experience.

Works Cited

Butler, Judith. “Contingent Foundations: Feminist and the Questions of ‘Postmodernism.’”Feminists Theorize the Political, edited by Judith Butler and Joan W. Scott, Routledge, 1992, pp. 3–21.

Digeser, Peter. “Performativity Trouble: Postmodern Feminism and Essential Subjects.” Political Research Quarterly, vol. 47, no. 3, 1994, pp. 655-673.

Lauretis, Teresa de. “Aesthetic and Feminist Theory: Rethinking Women's Cinema.”New German Critique, no. 34, 1985, pp. 154–175.

Lauretis, Teresa de. “Eccentric Subjects: Feminist Theory and Historical Consciousness.”Feminist Studies, vol. 16, no. 1, 1990, pp. 115–150.

Mackinnon, Catherine A. “Desire and Power.”Feminism Unmodified: Discourses on Life and Law, Harvard University Press, 1987, pp. 46–62.

Mulvey, Laura. “Visual Pleasure and Narrative Cinema.”The Norton Anthology and Theory and Criticism, edited by Vincent B Leitch, W. W. Norton, 2001, pp. 2181–2192.

最近，由《聊斋志异·葛巾》改编的《奇花记》在腾讯视频播出，讲的是书生和花妖的故事。

聊斋中讲述姐妹情的故事其实有很多，有温柔娴静的封三娘与热情可爱的小狐狸，也有相爱相杀因同一个男人而为情所困的连城与宾娘，更有爱捉弄人的女鬼小谢与秋容。《奇花记》脱胎于《葛巾》的故事，但亦有所改编，除了男女之情，也将两位花妖女主：玉版与葛巾之间的感情描绘得十分细腻。双女主不只是形式，更有其象征与所指。

书生常在田从京城回乡之后，受到全村人的夹道欢迎，唯独没有看到昔日爱人曹玉一家。但他却见到了一位样貌行事都和曹玉十分相似的姑娘——玉版。

玉版是她的姐姐派来刺杀书生常在田的，她的姐姐名为葛巾，身着一袭红装，与妹妹全身素白的装扮不同。

这一切，要回到当年来看。七年前，与曹玉定下终身的常在田进京赶考，遭人陷害落榜、流落街头。在流浪中，他不得已成为相府赘婿，并将一纸休书传至曹家。很多年轻人可能不太理解为何阿玉要自杀，鲁迅写过《吃人的封建礼教》——要知道，在古代中国，封建礼教思想极其严重，未婚先孕的曹玉忍受不了流言蜚语，又因常在田的休书而含恨离世，才会怀着怨气啼血牡丹，并幻化出玉版、葛巾双生花妖。

红色象征着炽烈的情感，白色象征着简单质朴的纯洁。这对姐妹的设定正如颜色的象征一般，红色的葛巾是恨，而白色的玉版则是爱，她们本就是双生牡丹花妖的一体两面。

在姐姐的保护下，玉版同样不相信男人，和姐姐一起以吸取男人精气为食。面对常在田，她本该如此。但在和常在田的接触中，她有一种特别的熟悉的感觉以致于第一次对姐姐的告诫产生了叛逆。

姐姐的恨难以消解，是无法逃脱的宿命。而妹妹的爱又何尝不是一种命定的安排呢？就像是一种难以磨灭的执念，带着恨意的姐姐以肃杀的气势奔向常在田，招招致命。而妹妹为了救爱人只得与姐姐为敌，但仍有不舍与对姐姐的祈求。

这个男人是否值得让姐妹之间兵戈相向，或许无法被解答。但玉版与葛巾的对决也是观影过程中让观众共情的部分。

当玉版与姐姐葛巾爱恨交织在一起，外力消除恨而不能时，爱选择了消除自己，从而获得消除恨的结果，从爱自己，转向了渡众生，从小爱，到大爱。

当然，除了姐妹两之间的“内部斗争”给人带来的共情感之外，我们依旧能看到姐妹两人亲密无间、相互扶持共度难关的场景。当葛巾被桑道长困住时，妹妹玉版苦苦哀求而不得，葛巾亦希望妹妹能逃离法阵，愿以一己之躯来抵抗法术。

徐沐婵饰演的玉版仙气灵动，饰演的曹小姐温婉端庄，吴佩柔饰演的葛巾飒气十足，都很符合她们各自的角色性格，两个角色拿捏的都很到位，塑造出善良真诚与敢爱敢恨的姐妹形象。

牡丹向来是中国人最喜欢的花卉之一，是倾国倾城的美，玉版与葛巾也是两种不同的美的存在，演员本人的气质十分适合这两个角色，正如牡丹一般。

最没有滤镜的韩剧女主了吧？她真实的样子：精明的生意房产投资发福的身材和大嗓门少见多怪的乡下人表现……但坦荡率直的性情和善良乐观的心还是让人觉得可爱又心疼，那个在五星酒店床上轻声嘟哝的话让我泪目了。女人究竟活成什么样才算好？为家人的牺牲无可奈何吧！但你没有屈从现实凑合婚姻，不是没有选择而是勇敢面对自己的选择承担后果，害怕嫁给贫穷，穷怕了。太真实了，普女一枚，不是不善良，不是不心动，不是拜金主义，但就是不想再做贫贱夫妻百事哀的选择，独立撑起原生家庭的重担。一如剧名我们的蓝调，是生活的一部分，唯一的校外教学旅行，大海 男孩 朋友 棉花糖 初吻 所以心是疼的，比被揭穿的汉修的狼狈更痛的是那么美好的回忆也要被毁灭。只是女人爱是她的灵魂，她的天真。编剧大人，能不能稍微奢望一下，给我们恩熙配一个看到她的好的男人呢？尽管生活中有好多恩熙是不如愿的，但就是有点儿意难平啊。凭什么落魄如汉修都可以潇洒休假，我们恩熙就是做做做啊！不过无论如何，从美女扮丑到真正意义上普通女人出演就是很勇敢的了。赞一下人生剧。

看到“极限17羽你同行”顺利播出，作为这部剧的运动指导，有很多观后感受、幕后故事，想分享给大家。

去年接到的剧组电话，知道有一部涉及羽毛球运动题材的网剧，想邀请我指导演员打球，了解了详细情况后，其实我有些纠结，因为参演这部剧的主要演员都没有羽毛球基础，接触过羽毛球训练的都知道，羽毛球专业性很强，训练周期长，像剧中平安、子豪的运动水平的设定，在现实中是要从小就经历系统训练，参照他们的年龄，起码已经经历了差不多十年的训练，演员想要短时间达到他们的水平是非常困难的。当我看了剧本后，马上被剧情、题材吸引，在国内羽毛球题材的影视作品不多，像这样的连续剧性质的，我更是没有看到过，羽毛球运动虽然在国内有广泛的群众基础，但在影视作品中确是凤毛麟角，我很希望能够通过这部剧，对羽毛球运动起到良好的推广作用，所以我决定尽力一试。

一系列的沟通，剧组和演员都很积极安排训练时间，年底剧中子豪的扮演者祝子杰，第一次到我的俱乐部训练，见面后我们的第一句对话让我印象深刻，当时我的俱乐部学员们已经开始跑步热身，这些队员都是来自全国各地，将要参加高考的羽毛球特长生，我怕子杰不好意思和他们一起跑步，特别说了一句：你能和他们一起跑吗？子杰说：教练我是一名演员，我没问题！当时我就觉得这个孩子陌生环境不犯怵，有点运动员的精气神。当梁靖康到我这边第一次参加训练，我心里在想，这个身高又这么瘦虽然很帅，但会不会接受不了高强度的训练，没想到后边训练还是蛮拼的，从这以后主要演员就陆续加入训练的队伍，浩然的扮演者钟易轩相对好练一些，因为他小的时候参加过一段羽毛球训练，而且还有些运动基础，让我感到头疼的是剧中平安的扮演者梁靖康和郑宇的扮演者段志豪，因为剧中的平安是天赋很高的善于进攻的选手，剧组当时的要求是平安最好能够双脚跳杀，在我与梁靖康当时的教练沟通后（节前梁靖康在其他剧组拍戏，无法到北京，在那边有教练同步训练），觉得完成这个任务有些困难，因为跳杀不只是动作问题，对身体的能力有极高的要求，不是从小系统训练的后期很难达到，为此我们特别安排了体能训练，梁靖康也积极配合。段志豪同样是零基础，他的难题在于自己是右撇子，但剧中郑宇是左手球员，所以段志豪要用自己不惯用的左手来练球，据他说练到后面，自己回家做饭拿厨具都是握拍姿势。

【详细】

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-----------------意难平预警-----------------

gallifrey，time lord，这些名词过去于我是宏大又充满美感的存在。试图摸清他们的历史，就仿佛在阅读某种上古神话--粗糙，力量，神秘，壮阔，浪漫；耳畔回响Murray gold ''This is gallifrey''的激扬旋律，以及博士梦呓般吐出那些歌颂故乡美景的字句--而这一切都毁于一旦了。一个具体到面貌的孩子，一场俗套至极的人体实验理论把我关于咖喱弗雷最原始的梦打破了。

季终更新：对我来说，本季季终集看似部分填坑，实际上留下了更多需要处理的问题和悬念等待后面解决。很多人对CC在推翻过去50多年剧集的基础上建立的新设定反响不错。前几季愈加明朗的博士身世再度扑朔迷离起来，doctor的神秘感增加了，剧集之后的走向可能性更加多远，不再局限于''咖喱星/打雷/法师炸了-复活-炸了-复活''''博士12次重生周期''等等常用套路。CC剧组的脑洞和科幻创作能力也得到肯定。但萝卜青菜，各有所爱，一千个读者有一千个哈姆雷特，从我个人角度，我比较反感CC季终的处理模式。以下均为个人好恶感性立场，缺少理性说理支持。

剧集的广度和深度，博士的神秘感，不是一味增添设定的混乱度，增大DW宇宙熵值就可以完成的--甚至会起反作用--爆炸。这也是我反感魔法特后期部分剧集的原因。

博士的神秘感，对于路人，是--I'm the doctor. --Doctor who? ；对于同伴，是博士的来处和归去，旅途的开始与结束；对于作为观众的我们，是在陪ta一路走来，尽管对部分基础背景早已熟稔，却仍沉醉于这位带着蓝盒子的怪人的未知故事。我的确没有看过老版，对doctor的了解不如从头追到尾的whovian们，但博士于我全然已经成为一位有趣的老朋友。而随着之前设定的全盘推翻，这位老朋友突然变得陌生，拒人于千里之外，我过去对ta的了解--每一段痛苦时的共情，每一次团圆后的欢乐--都变得有些莫名其妙。重生这个悲剧性内核却埋藏希望种子的巧妙设定，在这一集被碾压得一干二净。博士在宇宙间流浪，见过无数美景无数次救人于水火，却对于最初选择逃离的gallifrey始终保持故乡孩子的那份谦卑，这种反差和对比带来的冲击和悲壮感也不复存在。

打个不恰当的比方：大家都知道孙悟空是从石头缝里蹦出来的，是正义，坚定，勇敢和反叛的化身。续写冒险故事的作者突然告诉你：孙悟空是天庭派下维持平衡的天选之子，既是神又是一颗棋子而已。我更欣赏那个普普通通的咖喱星人，不是什么几百个自己在太空游荡的timeless child，只是一个咖喱星人--选择了doctor的代号，在时间漩涡面前拔腿就跑，功课偏科，天生反骨，偷了一台老型号tardis流浪宇宙；并不比ta的死对头master高人一等，两人曾经是同学和挚友，却因为理念的天上地下彻底分道扬镳。这样的doctor褪去了高高在上的神性光环，更加真切丰满，不是一个前方虚无缥缈闪烁耀眼光芒的影子，而是黑暗中提着一盏灯大步向前的实体。

IMDb逛了一圈下来，绝大多数评论都对CC这次大刀阔斧的设定修改感到遗憾和难以接受，表示威廉哈特奈尔永远是心中的第一位博士，同人文也不敢这么写，辜负前几任编剧和演员的创作等等……相对于S11的过分平淡无味，这一季过山车般起伏的走向和最终颠覆性的设定于我简直有些破罐子破摔的味道。不过S12整体质量比11提高不少，master的表演也是全季的亮点之一。

E01&02：

E02看完之后，个人认为两集整体下来三星到三星半是没有问题的--虽然不知道是不是跟S11水平的断崖式下降，对DW的要求不再严苛有关。

当沉重，阴郁的黑暗面被挖掘和展示出来的时候，博士才是我们认识的那个博士，不是一个星际旅行团小导游。尽管DW本质的定位是儿童剧，多年以来编剧的创作已经使其拥有丰富的内核。如果仅仅像S11那样带着几个特点不甚鲜明的旅伴在宇宙里这插一脚那插一脚，来一波说教，最后你好我好大团圆，这些使DW从众多也很优秀的科幻（儿童）剧中脱颖而出的特质就消失了，不再具备吸引儿童以外群体的能力。之前星际间的小打小闹，和博士的真正形象是分离的，换成另一个角色形象也可以完成相同的事情。而阴暗面的展示也给了Judy足够空间来发挥自己的演技，让她与博士的角色更加贴合，看着不再特别出戏。

无论是节奏剧情还是博士以及新任master的塑造，个人感觉第二集整体水平高过第一集。第一集看完，总觉得博士的存在和能力还是被削弱得厉害，master过分的疯狂莫名给人一种不太聪明的印象。但第二集，master真正暴露身份之后，他疯狂外表下的神经质，残忍，敏感的小细节越来越多。刀马之间的对手戏也使13姨的形象丰富起来。这位master的风格有点类似Simm版的法师，不过不像我又爱又恨的Simm版法师和Missy，目前为止我对新任master还爱不起来（有点太坏了？过分暴力？），不知后面会不会有新的变化。

然而个人看来S11一些问题仍旧存在……最突出的就是对同伴的刻画。三个人还是太多了些，照顾每个人的形象，还要顾及博士的塑造，最后的结果就是--所有角色都不突出。E02的博士''摆脱''了三个同伴之后，形象肉眼可见地鲜明起来。而我也更专注于博士的剧情，对其他三位的遭遇不太在乎，因为S11没有让我与他们产生任何共鸣。三人组里面我最喜欢的是Graham，然而他癌症患者的设定就像Ryan的运动失调一样时有时无。Yaz的个性有些接近Martha，聪明勇敢而非常善良，同样面对着职业方面的压力。然而Martha与博士的联系无疑更加紧密（只有一位旅伴），加上她对博士朦胧又痛苦的情愫，形象要饱满的多。

另外，S12的配乐很好，作为一部科幻剧完全合格。但是与前任Murray gold贴合每一位人物每一段情节或宏大浪漫或悲壮忧伤或诙谐幽默或奇幻诡谲的BGM比起来还是有很大差距。不知道在此后的剧集里，还会不会产生I'm the doctor，doctor's theme，the long song，Vale decem，song for ten这样经典的音乐了。

写了好多发现主要还是人物相关毫无头绪的碎碎念??仅代表个人看法，欢迎理智讨论。

更新：

咖喱星被毁，timeless child，所有都是谎言--CC这集最后挖的大坑还蛮吊人胃口，很有野心。但是我个人有一点担忧。之前时间大战各方疯狂互怼动用各种武器技术才让咖喱星变成一片焦土，法师一个人毁掉星球是不是略显草率；之前在DW正剧，小说和周边逐渐丰满的咖喱星及time lord设定会不会被一季改写也是个未知数。只能说，坑是个不错的坑，不过也是对编剧要求非常高的坑。如果这个大坑没有完美填满，就会变成黑洞侵蚀掉我对新剧组的信心??。

再度更新：

法师和博士在塔上对峙时，对俄罗斯一笔带过地黑了一把--这自然是很多英美剧的尿性，但我个人非常反对在神秘博士中添加过分的意识形态。S11的影射特朗普，大谈印巴分治已经让我作呕，我请求CC不要在这个相对单纯的架空世界硬塞你自以为是的政治小聪明。

E03更新：

这集真的……都不想细说。S11的毛病全回来了。不明不白、快速略过的人物关系，乱糟糟的剧情线，大段乏味说教（官方盖戳space greta thunberg）……尽管高开的E01&02两集后肯定会跟一部走低的剧集，并不代表这一集可以被编剧毁成如此境地。

E05更新：

You miss me, right？

刚刚出生肉的时候就被剧透了上校的回归！！！魔法特本计划在S6E07好人参战让囧宝客串并补上他变成脸的缘由，结果剧本都写了囧宝因为档期冲突没法回来，一万个意难平……

听到上校熟悉的美国口音瞬间提起一口气，没想到这货上来就亲，配合莫名雄壮的BGM，激动之余更多的是喜感。应该有后期特效的加成，囧宝看上去和十几年前几乎一模一样，这让我联想起一部爱情喜剧《K歌情人》：休格兰特扮演一名过气歌星，脸上的皱纹和褶子相当明显，而片头再现他辉煌时期的无厘头MV时，休叔看起来仍然是多年前那个英俊小生。上校得知博士变成女性之后，脸上激动溢于言表--有内味儿了！多年前脑内自行想象的CP同人终于变成正剧了！

第五集剧情确实很棒，几乎是一个疑问接着一个疑问：Ruth的丈夫是谁？上校为什么找到他们？Ruth又是谁？为什么两位doctor性格差异如此巨大？Gat是谁？咖喱星到底发生了什么？……这些疑问有的在本集得到了解释，但更多的变成悬念等着编剧慢慢填坑。节奏也因此十分紧凑，观剧体验相当过瘾。看到tardis''出土''那一刻我的震惊程度仅次于第六季开场博士挂掉。

另外剧中还有很多细节让我联想起之前的剧集--judoons' platoon on the moon的顺口溜完全呼应S3E01；Ruth对自己身份的无助以及最终找回自己本来面貌的过程和血之家族如出一辙；博士老朋友和宿敌对她的提醒这种埋线方式与第六季博士之死的主线些许神似等等。

接下来是个人一些''吹毛求疵，没事找事''的担心和疑虑。

个人不知怎么总觉得面对一个又一个刺激，本来形象就有些气场不足的十三索性连10/11的欢乐伪装和12的黑化外壳都不要了，变得抑郁脆弱起来，尤其在得知Ruth也是doctor，而且可能是自己的历史，而自己却毫不知情后，每一个小眼神都好像再说''怎么可能为什么这样我不相信''。没错，这个意外发现对于生活了数千年的time lady来说也是头一桩，加上master之前对她关于谎言的提醒，doctor陷入自我怀疑和挣扎是完全可以理解的。也许是前几任博士的形象太深入我心以及对老版博士的了解不足，我更偏爱之前那个母星毁灭仍带着微笑梦呓般赞颂gallifrey橘红天空和皑皑白雪的博士，那个知晓自己的死亡定点仍为孩子变幻出灿烂星空并在头上印下温柔一吻的博士。

另外，还有老问题，当同伴和博士分为不同支线后，故事才更加清爽。由于前面提过类似问题，不再赘述。

最后，从十二季这几集来看，CC似乎在下一盘巨大无比的棋，甚至可能颠覆DW关于time lord和gallifrey的某些一贯设定。RTD和魔法特时代都对DW的设定进行过或大或小的改动，RTD摒弃了一些老版细节，魔法特也放弃了部分RTD时代的要素。但是鉴于CC十一季稀烂的剧本和主线以及顾虑过多的特点，就更加担心他怎么处理新设定和自己挖好的大坑--填好了是新丰碑，填不好可能把自己也埋进去。

更加期待后面的剧情了。

毒贩费正早年跑路时.非要带着毫不知情的老婆.抛弃幼子.其老婆被人威胁费正自杀后.他老婆什么都跟警察交代就是不说这件事.他儿子现在可能还杀人了.这一家子的智商，也是不容易啊... 也不知道谁是谁的真爱.能为老婆自杀的人之前拖着老婆下水.为了老公寻死腻活的老婆在老公死后竟然不跟警察透露一个字..... 还有我们的袁老师，不去算命真可惜，未卜先知的暗示墙纸和糯米胶...BUG太多了 看到最后真的受不了了

这部剧真的是大跌我视角，从第1集槽点就非常的多！首先第一个，妹妹爱上自己的姐夫，他们家人怎么了？也不管一管。还有里面的朱元璋，我怀疑是假的，冲喜可以治病，这智商我怀疑你居然可以当皇帝？第2个槽点便是演技，口水我都可以吐出来，太子死了之后，皇长孙的哭声，给两星我都觉得多给，要不要这么假？还有太子死了，皇上想到的并不是自己儿子，而是冲喜没有救他儿子的病，哥，你是死了儿子啊！你先兴师问罪，扯个毛啊！画面转到了祭拜太子，没错，又是你，别再用那个假哭了来吓死我行吗？还说哭得那么惨！等那些王爷，来祭拜的时候，他又乖乖的跪到一边，你也太直接了吧！剧中的徐妙云，把他拉到一边，对他说不要哭了，他居然可以平静的念出，我知道这样做不对，可是我就是控制不住自己，我真的超级想吐槽，我看你已经控制住了呀，还控制的特别好！我都看不出来你伤心！其三，明知大静静，是大龄模仿少女，还搬出你那套死亡芭比粉，那不叫嫩，看了辣眼啊！本来大静静的演技是在线的，看到这妆容我就出戏，害我得去看米兰和大玉儿洗洗眼。服装也烂的一匹！总评，剧本儿科，演技感人，服装塑料！儿哭娘喊，鸡飞狗跳，朝斗宫斗打仗跟玩一样，从头烂到尾，不推荐！

那时候特别的无聊，想看网剧都找不到什么好看的，然后在推荐看到这个剧，但是要vip，纠结了半天，后面问同学要了百度云看，看完还好久都走不出来，陷入剧情中，记忆最深的大概就是后面姬满和女主分开的时候就，虐到我了都，那一段哭死啊啊啊(???︿???)，还有张逸杰小哥哥的演技还不错，加油！

一个有悬念的故事，如果不是因为这个悬念，真的不想打开这个片子，以免浪费时间。

魔术师真的是个很酷的职业，可惜没这天分。

观影过程中总是会跳戏想到《情书》。雪国，两个样子一模一样的人，死亡与爱情……

大约1小时的时候，医生出来了，居然告诉我这是个女主人格分裂的故事，你这是耍我吗？我一直以为是一个同一个世界上有两个相同的“我”的故事。这个世界是否存在一个和我一模一样的人生活在别处？PS：然后，后面来了次强行的反转，男主是消失的男二的分身（世界上另一个我），男二知道时日无多，因此上演消失戏码，让自己的分身来取代自己，继续爱女主。披着奇幻的外衣，实际是一个“寻找天使代替我爱你”的俗套故事，骨子里还是《我的野蛮女友》——爱人死了，女主在男主的陪伴下终于走出悲伤，最后和男主幸福地在一起。又及：细想一层，其实男二只是男主的一个人格，男主的主人格战胜了次人格，而女主亦是人格治愈，于是两个人以更适合的人格结合，隐喻着情侣（尤其夫妻）之间是刻意改变自己来适合（配合）对方，都不是真正的自己，这样的两个人在一起，不可能永远融洽。好吧，我想多了，郭在容大概自己都没想好这个片子要讲什么。

“致敬”《这个杀手不太冷》有点意思。

古川雄辉颜值很高，适合偶像派。

女主藤井武美是新人，长发看着比短发好看点，但总的来说，她长得很不起眼，在日本女星中可谓路人，不走实力派，一点前途没有，但问题是她有实力吗？

刚看完竹中直人的《裸体之夜2》。

郭在容真的已经江郎才尽。在韩国国内应该没什么机会拍片，因为太久没爆款了，所以他只有来中国混，却混得越来越不好，加上限韩令，又去了日本混。但这部片子依然很没劲。郭大导恐怕再无翻身机会。

它让我想起了我并不完美的高中生活，留下遗憾的那场大考，中考结束那天比高考结束还痛快的哭泣。青春本来就是喜悦与伤感交织出的一幅画，感谢在这幅画上留下痕迹的各位。没有你们，这幅画并不完整。尽管配色构图不尽如人意，但它是天下与众不同独一份。我很喜欢剧里营造的乌托邦式的班级氛围与高中生活，尽管它并不存在，但我们都曾憧憬向往过，算是对青春的期待，对成长的热忱。就像绝大多数校园剧都会有布满繁星的夜空，干净清新的操场，洒满夕阳的教室，灵魂契合的那个她。即便未曾经历，每每看到，依然会震撼，会感动，会因那强大的生命力而呆滞。因为遗憾，美好而更美好，向往而更向往，想念而更想念。

看原著小说其实是很多年前的事情了，对倔强理智的洛枳印象很深，就像看到那个执着于一份长久暗恋的自己。

关注他的所有喜好和习惯，保留他在学校论坛和博客留下的小小痕迹，却完全没想过用这些去取悦他。与小说不同的是，他认识我，知道我的感情，只是觉得做朋友就好。而对我来说，只要能当朋友相处，仿佛就已经足够了。他喜欢的人是我的朋友，但她对他没兴趣。于是这种奇怪的朋友关系居然也平衡地维系了很久，十来年时间转眼就这么过去了。

所以这个世界还是需要言情小说和言情剧的，至少能给青春年少时投入过的真心一个寄托。这可能就是我打开《橘生淮南》剧版的原因吧。

然后就被一颗从天而降大柿子，瞬间砸回了洛枳与盛淮南的世界。洛枳真的可以说是我心里那个洛枳了，不是长得像不像的问题，而是洛枳的性格其实挺跟自己较劲，外表冷静克制，内心藏着炽烈的情感，擅长用独立和怼人来掩饰真正的自己，朱颜曼姿有那种骨子里的骄傲与倔劲儿。

【详细】

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对着A说话，却是给B听的，这就是所谓的指桑骂槐，是中国民间很常见的说话方式。所说的内容，肯定是不中听的，当面说肯定会导致情绪冲突。所以，就这样绕一下。

众女星集结，钟楚红、李美凤大牌的戏份都不多，而胡慧中、邓萃雯、周慧敏只能算跑龙套，这样的演员阵容空前绝后。

都市小男人，优柔寡断，缺少魄力，行动少于计算，现实中的挫败似乎全由性格使然，哀其不幸怒其不争。

影片的后面三分之一，从男女情感突然转变成了兄弟情谊，使影片破碎感。

搞笑手法细腻。

更准确的片名是《男人出墙记》。

之前有看过推荐但是当时以为是那种很俗套的穿越剧就没看，今天晚上一口气看完，看到最后差点给我自己哭走。

很多打低分的估计是看到第八集确定肯尼迪还活着就关了。有人说这是部伪科幻爱情剧，但是逻辑没有问题，世界线、时间线也很完整，前面就是讲普通人怎么一边适应穿越生活一边寻找杀手。前面节奏其实不算慢，主要是马仔弟弟太恋爱脑了看得人烦，男主大事没有掉链子。女主真的太美好了，天使姐姐！！！！而且这个剧里好多家暴蝻啊！！看得我拳头都硬了！男主反杀哈利爸和变态前夫都蛮爽的。

结尾好意外。第一次男主穿回去我以为他会为了拯救女主再来一次，结果发现世界线更糟糕后决定回来和女主双宿双飞却意识到他才是这个世界的bug居然真的忍痛走了。女主追出餐厅和他握手??结果男主那个反应后，女主还是说“我叫赛迪”。哇！！！！！！！妈耶！！要是换我，我八成就留在1960了。

再回到原始时间线后，朱迪镇的舞会老太太女主和男主跳舞是真的没憋住，太好哭了。“你这一生过得幸福吗？”我想知道即使没有我，你是否满意你的人生？

“我一定认识你。”

“我是你前世的爱人。”

OMG子，终于能够理解为什么前面七集都有在铺垫他们的感情了，就是为了最后这五分钟让观众哭！都给老子哭！！！！我是真的爱你，也是真的希望你幸福，只要你幸福，生命中有没有我都没关系了。

《巨轮2》平庸得可怕的续集 当年巨轮一出街口碑收视双赢 剧集的特色在于将澳门香港这几十年的风云变幻通过两兄弟的拼搏展现出来 所以每放到某个时间点就会将当前的实事新闻播出来以告诉我们故事发生的社会背景 比如非典 而这个很赞的设定在第二部里基本无体现 第一部里两兄弟的故事处于互不搭嘎但偶有交叉的平行线状态 而这一部里陈展鹏和钟嘉欣仅仅客串了前面五集就拜拜了，整个故事就围绕着萧正楠和他的罗信记展开 可要知道喜欢该剧集的有多少观众是想看陈展鹏和钟嘉欣的啊 所以好多人看了五集就弃剧，深表理解。这部续集的故事居然有39集，真不敢想我是怎么熬过来的，幸好从28集开始精彩起来，不枉我的坚持。萧正楠不想提，智商不在线，演技被反派完爆，前半段发春梦一样的跟陈凯琳的苦恋完全就是莫名其妙 再加上陈凯琳灾难演出 以至于没看到他们两个出现我就想快进 反倒是田蕊妮阮兆祥演的非常好 在阮飞机失事下落不明时，田蕊妮演的很好 很令人动容 而且田当年凭巨轮拿了视后，这次对于该角色更是把握的更丰满 要说亮点 整部剧就出了一个大反派高天鹫，吴岱融演的，梁朝伟版绝代双娇中的花无缺终于回巢拍戏，太棒了，这演技，简直了，今年相信最佳男配囊中之物啊，赞????????????！

看过样片，先说不足，由于预算有限，特效确实差很多，六毛特效，比五毛多一毛，但故事和演技真不错，笑着笑着就看完了，也有很多累点儿。假如再细细打磨一下，这部电影会更好！网大区别于院线电影的其中一个特点就是开脑洞，符合网上内容的阅读习惯，杜景峰导演确实在这方面思考得很深，《请叫我救世主》一定会成为他新的代表作！