每一秒都忍不住吐槽，这尼玛是什么鬼人设鬼剧情？？

霍元甲，号称大侠，对敌人如春天般温暖，对自己人就严厉的要死？这样的霍元甲不是仁义，而且迂腐！

陈真也是，真的太蠢了，从头到尾都是没有头脑的莽夫。前有被鹰九牵着鼻子走，后有在擂台上分心输比赛，真的是完全智商不在线。

刘振声，前一天跟沙燕说你是我媳妇，后一天就娶了何玛丽，认真的吗？？??????

原本是想看一个让人大快人心的故事，可是这剧情和人设真的让人无力吐槽，每一秒都在气的不行。最后一集，希望能顺畅一点吧！

导演名字叫别克，这是有大厂作为金主爸爸？同时身兼编剧之一，93年的，说的好听点成长空间很大，说难听点这片子就烂在你手里了。

最难以忍受的，就是画面太暗了，每个场景都很暗，暗到我都看不见背后到底有没有站着个真凶，只能凭借配乐听声辩位，脑补式自我恐怖。不过也可能是我所在破电影院的关系，这个我就先不怪导演了。

片子不长，105分钟，一个半小时的量，对于并不复杂的剧情来说算是比较适中，起承转合，很难出彩，但中规中矩的拍好一个恐怖片，我觉得并不是一个很困难的任务，结果，掉链子了，而且，后面这个链子掉的，真的是八匹马都拉不回来。

故事很简单，白百何作为异地打工族，租个单间，一个小女生的，辛辛苦苦，挺不容易。然后显然，有个变态真凶一直在潜入白百何的出租屋，偷窥她监视她，到底是图谋不轨的上司、还是咄咄逼人的中介、还是古怪孤僻的保安、还是帅气阳光的兽医、甚至是看似知己的闺蜜？前半段大概一个多小时的时长，整体的氛围我觉得营造的还算及格。哪怕有些刻意，但可称得上合格。配乐和氛围比较贴合，镜头的运用节奏感很强，一众演员演技在线形象吻合，三步一小吓五步一大惊的，把白百何的紧张、害怕、无助烘托到位并且逐步升级。

至于恐怖片中不可或缺的战术性低级行为，比如白百何回家就是不喜欢开灯、比如发现凶手后在高档餐厅大庭广众不直接联系警官而是选择往犄角旮旯儿跑、比如每天都被凶手潜入竟然毫无察觉，姑且就算是情有可原吧。毕竟从设定和计划来看，是希望将白百何塑造成一个妥协到略显软弱的单身女性，随着不断收到伤害，最终才实现突破和爆发的这样一个形象，至于在过程中有些细节不那么合理，恐怖片嘛，也可以接受。

故事讲究的是起承转合，前面这一个多小时，起、承，直到转的部分，都是令我还算满意的。没想到，突如其来的，真凶被揭露的转折之后，最后“合”的部分，让我彻底领略了导演编剧非比寻常的卧龙凤雏之力。

真凶毫不意外的抓住了白百何，却出人意料的场景一变，从一个再普通不过的现代都市，到了一个装满监控、地下室、遥控门的不知道什么郊外的厂房。这倒罢了，真凶开始说自己童年的悲惨遭遇，然后突然就冒出来两条恶犬，原来真凶还是吴老狗一门？然后，真凶放着俩貌美如花的妹子不管了，把另一个半死不活的小崽子又提溜回市区去了，这是要走伪装自杀的路线？结果就被警察发现了，然后真凶抢了辆SUV就往郊区厂房跑，警察更厉害，抢了一辆貌似送外卖的摩托还是电瓶车可劲儿追。真凶回去吧，准备杀俩妹子灭口，不舍得用自己祖传的猎枪，于是拿了一桶汽油就往关妹子的牢房里倒，汽油准备的倒是挺充分，拿出来个打火机战术性死活打不着。这时候警察来了，同恶犬搏斗完了，直接把妹子拉出牢笼，然后真凶没办法，只能掏出祖传的猎枪就开始跟警察枪战对打。警察叫曹叡，当过皇帝，身手不太行，被打倒了。这时候，战术性慢镜头开始出现了。没错，好像不是猎枪，是霰弹枪，真凶对着即将逃出小院儿的妹子二人组开枪，闺蜜战术性替白百何挡枪倒下。哦，忘说了，俩人跑出小院儿的时候，不知什么时候战术性下起了中雨。眼瞅着白百何跑出小院儿，真凶准备拿闺蜜出气补枪的时候，白百何又战术性开着SUV回马枪就往真凶身上撞。没想到，就当以为成功了，白百何去救曹叡的时候，真凶战术性毫发无伤又开始要打白百何。白百何又战术性的女性力量大爆发，配合警察开枪几发子弹，终于把真凶推下了燃烧着汽油的牢笼，故事结束。

最后这精彩到无与伦比的极限拉扯，让我充分见识到了编剧的博闻强记、博采众长、博学多才、博古通今。仿佛但凡缺了一点点的元素，这个片子就是不完整的一样，把一切可以贯彻囊括进来的战术思想，都充分体现在了最后的短短半小时中。动物、童年阴影、畸形爱情、追逐、飙车、枪战、大雨、女性爆发、机关、千与千寻、闺蜜等等元素展现的淋漓尽致，令人发指。

你以为这就结束了？格局还是太小了！

结尾处，导演编剧突然以字幕的形式，画风一转，重点提示：除了下载反诈APP意外，必须要知道，女性有选择单身的权利！有一个人住的权利！我们要关爱单身女性的安全和健康！好家伙，这主体升华的，明年诺贝尔文学奖没你我可不承认。纵观整个故事，白百何和小神婆，有哪怕一丁半点儿要单身的意思吗？小神婆倒追帅哥兽医，白百何都微信网恋了啊。然后异地打工独居？里面除了开篇遇害的新闻女性和白百何，有哪怕强调过主角仅仅是女性群体吗？男的打工仔不用租房吗？本来还想说，我作为一名异地搬砖民工，前半段竟然深有共鸣。白百何住的房间跟我那间格局还贼像（但是她那房子比我要大！）。异地打工人，租房成本又高，居住的环境也乱，鱼龙混杂，背井离乡，的确是充满了艰辛和劳苦的。可是，导演字幕一打，我是男的所以我就白给了呗？那你前面倒是多整俩租房的妹子啊。遭受职场骚然，相对男性更加弱势，传统的社会价值体系的束缚，女性群体的确是更加不容易，既然想要表现这一主题，那就在前面的故事剧本和表现上多花点心思花点笔墨呗？纯靠字幕升华流，我懂了，这是又要融入贾跃亭的PPT元素吧。

总之吧，前半段我觉得能有3-4星，后半段1星，1星还是冲着白百何和小神婆的颜值演技给的。最起码，呼应一下前文，先把灯调亮点吧。

原著写的那么好，那么优秀，多少新销售捧着这本书学习销售知识的。不仅是销售知识，也是行业知识，人性知识，很多片段都很经典。……电视剧拍的什么狗屎玩意？？？改成啥玩意了？？？为啥乱改！！！

简直侮辱职场，好好的按照小说拍不行吗？？

原著写的那么好，那么优秀，多少新销售捧着这本书学习销售知识的。不仅是销售知识，也是行业知识，人性知识，很多片段都很经典。……电视剧拍的什么狗屎玩意？？？改成啥玩意了？？？为啥乱改！！！

真的有虐又甜，最后真的看哭了，我觉得剧内容新颖，开始看的时候已经就被虐了，中间真的好甜，男主看女主的眼神真的好甜，但是最后虐是真的虐，还是推荐大家看的，剧的女演员不太认识，但是演技真的超好，男主是范丞丞，没想到演技真的很好，只是觉得这个剧宣传没到位，题材真的很好，值得很多人去看，我已经在二刷了，以后剧荒了，还看这个

本来，我是冲着刘涛才来看这部剧的，但是看到20集之后，刘涛的角色却让我有些莫名的反感，首先，寻找的抑郁症，在离开唯一的支柱儿子后，反而找到了自己的存在的意义？两个人的离婚也真的是非常草率了，拥有十年感情的夫妻，在没有原则性问题的情况下，第一反应居然不是解决问题，而是离婚。至少先分开一段时间，彼此冷静一下，再说你精神有问题，不能照顾孩子，你可以直说啊？那可是你恋爱+结婚十年的老夫妻，有什么问题不能两个人解决？

而且抑郁症这种病，每个人或许或多或少都会有一点，有的人会更严重一些，刘涛的表演诠释的很到位，角色把握的很好，但人设真的real不讨喜，尤其是这种大段煽情宣言的求职，让人蜜汁尴尬。

如果你只想让他们好好谈恋爱，那OK！再怎么尴尬我大不了快进。

可是看的都是成年人啊，兄dei！

这要是HR部门的人看这个剧，估计心里都会想，这要是遇到求职现场这样的求职者，得被老大骂死。

其次，男二也让人摸不着头脑，几乎可以算是对女主一见钟情？

而且上来就那种生死不渝，不离不弃的感情，会不会太蜜汁尴尬了？

这小胡总也太没排面了吧。可能是我觉得这富二代有点脑残，所以他的出场让我实在懒得看，后面他出来我就开始快进了。

男主的人设其实我也想吐槽，为了“强行”让男主破产，让男主把钱全陪在期货里，我也就无力吐槽了，期货市场一有风吹草动市场变化就会很大，自己把所有身家砸进去，说是放长线就一笔略过，然后就强行破产，我也就轻微吐槽一下吧，反正我看这部剧就是看男主和女二来谈恋爱的。

一开始我以为这部剧会想表达，婚姻和家庭的联系，结果俩人分开了，女主被奶油富二代追，男主被傻白甜富二代追？你确定你真的不是在告诉我，婚后的生活更幸福？（PS：我就是一边美滋滋的看金晨和杨烁互撩，一边吐槽）

虽然我明白编剧你想表达两个人相互理解对方，但你一开始把男主女主割裂的太严重了，让孩子成为两人的唯一纽带，顺便再次警醒现在的男女，婚姻毁一生，造娃毁三代。

你既然想表达丧偶式婚姻对家庭带来的不幸，那你最后是不是还要让两人互相原谅，互相体谅，用伟大的“爱情（亲情or孩子）”来感化一切？

在我看来这就像一个四不像的剧本，既想表达一些东西，又要推新人，让男二和女二的角色更加出彩，但无奈女主人设更加四不像，让男二更不讨喜。

就先吐槽到这，等剧更新我在接着吐槽

无疑，《迷情站台》是无可挑剔的，它像是一个心思细腻的处女座，影忍地收集着一件件同志们的身心俱疲的苦难，用历经沧桑后仍然饱含希望，在40周年，热诚呈上的滚烫血书。

40周年，但，依旧没有什么值得庆祝。

上至五十知天命的老者，下至热情逐爱的少年。无一幸免地并没有逃离全社会的刁难羞辱。所谓的的合法化，形同虚设般置身事外地享受着可笑的“40周年纪念”。

所以的故事里，人们总是会把目光盯在最年轻貌美的人们身上，于是，我们跳过在厕所约到老友的老男人、结婚当天仍然不忘偷吃的中年男子、被情所伤于是以牙还牙的青年……我们来看看这对14岁配30岁的倒追绝恋。

30岁的自闭宅男，靠什么吸引着14岁的小莽攻呢？但这个问题貌似似曾相识→情窦初开的女孩，为什么会爱上俊大叔呢？人类奇奇怪怪，爱意不是没有理由，而是理由多得不知道从何说起。所以问题其实是出在“同性恋”上，于是人们愤怒的给大叔定罪为勾引、鸡奸……等数不清的罪恶劈头盖来……

为什么40周年的重头戏放在这对上面？也许？正是这种委屈，但又貌似并不那么理直气壮的压抑。需要交给时间、交给更年轻的一代人们去定义。

至于那个黑人男孩，有人说他甚至都不是同志，他的存在毫无意义，结尾定格在他被踩碎的小提琴碎片上更是无病呻吟。如果你是同志，你怎么敢看不懂，甚至说出这样的话？黑人、并没有任何同志迹象、却有一件偏女性化的爱好……在同性恋合法40周年，亦是此等下场！

【详细】

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1990年出生的阮凤仪，以长片处女作《美国女孩》拿了很多奖，被诸多影评人视为年度最佳。

影片备受瞩目，除了这位海归学院派女导演所带来的细腻影像感之外，更重要的是所切合的社会议题。一方面，2003年的非典与今日的疫情环境实现了某种时间和记忆的交织；另一方面，片中主角从美国返回台湾的过程呈现了人们熟悉的文化冲突。除此之外，围绕“乳腺癌”这一疾病隐喻（甚至不仅是隐喻）所展开的潜在话题或许更具普遍性。

按理说，以海归学院派的背景、女导演自身的细腻程度、林嘉欣的加盟、林书宇的监制，再加上三重议题的叠合，《美国女孩》本应是个占据天时地利人和，立足不败之地的项目。但影片给观众的实际感受，却是聚焦凌乱、完全摸不到主旨，除了跟着导演的情感线路前行，别无他法。

将一手好牌打坏的原因，或许是阮凤仪忽略了一个核心的机制：图形与背景之间的互动关系。具体来说，影片的几重议题皆是“背景”，而中间的人物则是“图形”，电影的核心应该是以图形（人物）为媒介不断深入并显现更深度的社会文化背景，为此甚至需要将人物“隐没”。

图形/背景原则适合过往的任何移民题材（无论《喜宴》《面子》或《别告诉她》），并且都是这类题材的成败关键；同样，这也适用于任何疾病、社会事件的议题。除此之外，图形/背景还是世纪之交台湾电影最宝贵的遗产，这在杨德昌、侯孝贤、蔡明亮的电影中呈现的格外明显，这几位导演关注的不是人物本身，而是人物身后的更深度的背景。

《美国女孩》中的争执中可以隐约觉察到一丝背景的印记，但通常是台词说出来的，比如说庄凯勋扮演的爸爸说“这个景气留在这边是等死”，指向的无疑就是朱天文所说的“世纪末华丽”之后全台湾的普遍精神绝望，对此《一一》《千禧曼波》《不散》都能轻松以影像还原。但《美国女孩》志不在此，2003年的台湾对阮凤仪来说似乎只是一个时空标记，书店与网咖背景中的蔡依林和周杰伦的背景歌曲对挖掘背景本身来说几乎不起作用。

阮凤仪的策略是只重“图形”而不在意“背景”，这直接导致失去了文化冲突这一问题的有效支撑。和之前的短片《姐妹》不同，《姐妹》中的妈妈带一对姐妹移居洛杉矶，陌生的城市和华人教会自然构成了一个“背景”，因此能够产生最现实的“文化冲击”（culture shock）。但《美国女孩》表述的是“逆向文化冲击”（reverse culture shock），这两种冲击虽然都是主观的，但区别在于前者自带显性的背景，后者则需要人为建构背景。

梁芳仪这位姐姐的角色自然是以导演本人为原型，她身上的逆向文化冲击若要体现出来，需要一整套背景建构，除了学校之外还有传统文化、亲戚关系、邻里社群等诸众，以及无言的地域景观。比如说，爸爸的那位隐匿的“大姐”就很有可能成为盘活背景的存在，楼顶的那位喂鸟的邻居也没有得到挖掘，如此，影片得到的就是一个孤零零的“家庭图形”——文化冲突不见了，或者不显灵了，它纯粹沦为主人公内心的独白意识建构，并且进一步展现为纯粹的家庭矛盾。

整个家庭景观由此显得过于自我封闭，呈现为父亲去大陆做生意、母亲患癌受洗、女儿盼望回归美国的纯生活/心理争斗，将一切问题还原为琐碎的争吵：妻子埋怨丈夫只知道飞来飞去，买不起房子；女儿埋怨母亲，这个生病导致全家鸡飞狗跳，并且断送了自己的美国梦；丈夫埋怨生活，自己任劳任怨牺牲自己，但也成不了理想的提款机。

似乎唯有学校，构成了仅有的背景因素，但这种背景过于直白，近乎于对那时台湾古板的教育和校规的痛斥，胖教师的体罚和那篇控诉母亲的演讲稿，构成了全片精神之浓缩，似乎就落了下乘。这自然而然会通向影片最后有点不负责任的解决方式：女儿趴在妈妈腿上，妈妈摸着女儿的头说：“妈妈也很爱你”——这是爱能解决一切的庸俗解围之神的回归。

正因如此，影片中的非典背景和故事没有擦生出如何实际关系，而那位妈妈的乳腺癌问题也仅仅是驱动因子，影片既没有揭示出疫情对人造成了何种影响，也未能面对疾病之于人的绝对影响。关于后一点，造就了《瀑布》中贾静雯融入度极高的表演，但却让演技明显更高一筹的林嘉欣手足无措，这一差别来自于导演对剧作母题的理解，和演员无关。

林嘉欣的劲，显然不知道该往哪使，这一状况让她在影片后半段处在无所适从的状态之中，她与女儿的争吵、打骂似乎是为了制造矛盾升温而制造的矛盾，就如结尾是为了和解而制造的和解。当然，你不能说这其中没有铺垫，但因为导演固着地将图形视为第一要义，背景就无从倚靠也无法发挥作用。

看重图形，一方面体现在技法层面，阮凤仪给人物过多的近景和特写，造成了角色的精神封闭，自然也就隔绝了画面意义上的背景；另一方面，导演将力道过度聚焦在人物尤其是梁方仪身上，以至于背景就在意识中隐没了，在单纯的“图形游戏”中，一切只能展现为“争执”——她与母亲的争执、与父亲的争执、与妹妹的争执，这些都无疑是吵架的重复形式。

就我个人来看，影片当中似乎只有两个段落镜头值得称道：一处是梁方仪出门倒垃圾，小区楼下一群人横向排列，各自双手提着垃圾袋等着垃圾车到来；另一处是母亲和妹妹在阳台上给外公外婆烧纸钱，当妈妈说受洗之后不能烧的时候，小女儿说了一句“那样他们不是会很穷吗？”。这两处，都属于“无意义的镜头”，但从深度上构成了图形/背景的可能或潜在冲突，如果影片能够在剧作主题上深度加工，将类似的情境与相关议题，那么《美国女孩》将会是另一个样子。

这种以“剧情或人物动作的无意义”呈现的段落，恰恰在于让人物隐没并让潜在的背景呈现出来，林嘉欣在晒床单时候突然哭了，也可以视为这一类——这场戏似乎对应着德西卡《风烛泪》中女仆洗着盘子哭泣的一幕。从细微技法上而言，阮凤仪或许能理解新现实主义电影的“动情细节”，但她没搞懂新现实主义的精髓也是图形/背景的隐现游戏，如果德西卡不够明显，那么罗西里尼的《火山边缘之恋》《游览意大利》则再明确不过了。

阮凤仪在访谈中谈到她的美学来源是达内兄弟、法哈蒂、小津、是枝裕和、侯孝贤、杨德昌、李安、安德里亚·阿诺德等等，但问题在于她学到的可能是上述人的形式精简风格，但没有领会本质上的图形/背景之整体建构。当然，这一切或许也和影片本身的素材有关——《美国女孩》讲述的是阮凤仪自己13-14岁时候的故事，她呈现了对自己的大胆解剖乃至是忏悔（且看起来并无保留），这赋予了影片明确的“真诚感”，这种真诚除了能在部分时刻抓住观众外，也成全了女主角方郁婷的精彩表演，她的光彩实际上盖过了林嘉欣，出演影片时未满16岁的她甚至可以算是近五年来台湾影坛的最大发现。

但换个角度来说，方郁婷光彩的代价是其他人的黯淡，连林嘉欣都无从幸免，因为图形游戏本身就是一个零和游戏，有赢便有亏。这种单一倾注也指向了导演的“自我”，因为方郁婷扮演的正是她本人，《美国女孩》便是一种主观记忆中的生活事件，缺乏客观视角，自然也缺乏背景。无论是因为源于记忆重现还是着力于忏悔，这部影片都成为一种封闭自我的产物，丧失了背景生产的力量。

这个问题，在某种程度是过多的自我感觉——部分是自恋、部分是自怨自艾、部分是自我忏悔——的综合造物。除了阮凤仪之外，本片监制林书宇也有这个毛病，从《九降风》以来，他的影片陷入一种过度自我感的牢笼，以至于走不出图形游戏的世界，质量每况愈下，甚至连最初的真诚感都沦丧了。

我不希望阮凤仪成为第二个林书宇（当然《美国女孩》似乎也没有达到《九降风》的水准），唯一的忠告是，若不能理解从新现实主义到台湾新电影的“图形/背景”这一剧作整体原则，那么《美国女孩》之后的道路着实堪忧，因为自我的真诚感无法维系一切，更打不过时间。

【虹膜】