近期看了AA的新作Woman in the Window，中规中矩，没有很惊艳的惊悚片，剧情是硬伤，没拍出原著那种悬疑感，氛围没有很突出，但演技自然没得说，还有加里奥德曼，朱利安摩尔大配角助阵，虽然很想AA拿一次奥斯卡，就是缺一部封后之作～～希望能看到AA更多的好作品，运气降临一次...  (展开)

这篇剧评可能有剧透 看完啦 虽然感觉女主的话有很多漏洞 也不知道她是怎么把除了北极6号留守之外的人骗过去的 看到前面第一集就被弹幕剧透女主有问题（无语 然后关了弹幕也会下意识注意女主的言行 确实很刻意 在她的讲述里她只是一个手无缚鸡之力的小白兔一心寻求真相最正义最无辜最无害的那个 ...  (展开)

    看的时候，我问二哥，我是其中的哪一个？她说我是安妮……我想，多数是为了哄我吧……
    我觉得女人都会从她们任何一个身上找到自己的影子，感情受挫了酗酒，平时大姐大也需要被关心，有些资本了再跟不同男人搞小暧昧，遇到小三了像护仔的母鸡……
     伊能静是一个内心很强大的人，甚至相较于很多男人，她都是强悍的……对于她的长相、出轨、离婚、再婚，并没有什么感觉，也不作任何评论，毕竟是她的私生活，明星就这点不好，任何事都容易被放大……反而，单从她个人作品跟生活态度看，她是一个有才又自立的人，清楚的知道自己在干嘛……
    换回电影，宋慧乔，只要站那里就会被吸引的女人，也是在经过情感挫折之后，依然多姿多彩的女人……
    女人啊，真的是爱了自己，才会被别人爱

《我最后的秘密》

困守乐守在被包围的自我，向世界与他人探寻、抗争及相处。衰衰老者成了一个比喻，一次同时彰显可能性与局限性的旅程。她其实既无法掌控自己的身体，也无法掌控自己的生活，却凭借一股意志，仍是在逼仄残破的荒房出营造出独属于自己的空间，双重的空间。
 
老太太孙小霞从没放弃讲述自己的故事：她欢笑，嘲笑，她责骂，哀鸣，她呼喊，沉默，她校对过时的时钟，精心梳整，她与保姆对执，给保姆工资，她抚摸照片，她感叹人生与命运，她数钱藏钱捐赠钱，她解释烹饪也教授汉字，她盼人疼爱，她命人崇拜。老太太孙小霞用上了自己能用上的全部语言——一切能够表情达意的形式——在无限的约束中艰难地构造着自我的存在。
 
影片在07年老太太中风康复后戛然而止，把她隐匿在同时一片活活泼泼、明亮释然的背景音乐及色调之后。据说老太太至今还活着，健健康康快快乐乐同时也仍然在百步街的铁皮门土坯房里不住的扯开了嗓子叫。可放到这个结尾我脑子里回旋的却还是老太太04年黑暗中撕心裂肺的喊“救救老太太”，在她经历大风大浪繁盛与宁静却在老迈之际自己向往起死亡。如果意义的杯盏真的干涸了，一次病痛的康复便真能使它重新满盈吗？
 
我们不会知道，我们无法知道。因为我们既不是孙小霞，也不会当真有耐心就这老太太作究极的探寻。无论孙小霞在我们的脑海里具有多么开放多么无限的阐释的可能性，她实实在在的身体，却是一个全然的封闭，包裹着她的时间、历史、情感、骄傲、伤痛及种种——她的自我。这个封闭当然也有小小的开口，面对她的保姆，或者长年拍摄她的导演，总之不对向我们。我们——坐在荧幕前对她而言面貌模糊的我们——与孙小霞无关。
 
等待孙小霞死去，还有谁能够回答“孙小霞？”这样的问题吗？

这只能是一个秘密。每个人也只能解答自己的秘密。

我们骂冯小刚是个烂导演，骂了好多年，一不留神忘了他曾是个好演员。

在1996年那部始终未能上映并最终逼迫王朔出走美国的《我是你爸爸》里，马林生扭捏，虚伪，但又透着普希金式的热爱生活。冯氏作品里，每一部都有一个这样的角色，欲说还休，欲说还休，啃着咸菜就窝头。

票买的晚，第一排，右上角，两个多小时不得不仰着头。也是因这个角度的问题，镜头里的人物都显得高大，有一种汉字间架结构那样向左上方凸出的躁郁之势。这片子里好几处打架，但没留一滴血，干净而压抑。实在是不得已了，短兵相接，都是隔着衣服踹。这是真打过架的人才有的经验。六爷被人在胡同里围上了，顺手从袖子里抽出一条钢制裹了塑胶外皮的车锁。只有打过架的人才知道这东西的好用。这就是所谓“我吃的盐比你吃的饭多”，是一种经验的准确。六月里我在Z城采访过曾经一位八十年代打遍全城的老痞子，他说什么刀、改锥、钢管，都不如软锁好用，攻防合一，挨上就是内伤，难受几个月。我想起《阳光灿烂的日子》里马小军猛扑上去用砖头拍一颗脑袋，那人目光僵直顺着墙根儿液体一样滑下去。

是，我看的时候总想起《阳光灿烂的日子》，六爷坐在路边跟闷三儿慨叹人生的时候说自己“快奔六张儿了”。算算，正是马小军的同龄。其实这样不太公平，对一部电影的欣赏不应当依赖其他文本去锚定意义。但在九十年代以后大陆电影的谱系当中，他们之间的血缘关系又是如此灼目。1995年，京城顽主们风华正茂，一边吃着改革的涮羊肉，一边痛陈革命家史，透着“老子英雄儿好汉”的蛮不讲理。2015年，老了，三根大血管堵了两根，稍一分神就软了。还喝酒，还抽烟，还吃涮羊肉，吃完了泡个澡，各自散了。

要说冯小刚的六爷有《出租车司机》（Taxi Driver）里退伍大兵特拉维斯（Travis）的水准，得有不少人骂我吹牛逼。但我真就觉得前者胜于后者。马丁?斯科塞斯也想讲一个拧巴人的拧巴故事，但他本身不是一个拧巴的人，所以为了让拧巴像拧巴，就得把拧巴变成一个哑巴。不说话，开个车瞎转悠，盯着朱迪?福斯特年轻的屁股。管虎的片子里，所有人嘴里都不干不净，絮絮叨叨，有人的时候骂娘、讲理、教训人，没人的时候自个儿嘟囔。生活的真相是缄口不言满脸苦相还是外强中干银样镴枪头的聒噪。投票么？我选后一个。

六爷是个胡同串子，倒退四十年，恰恰是大院子弟不共戴天的对头。一方自命身体里流淌着纯净的后裔之血，是高贵龙种，是呢子大衣和锰钢自行车武装的共和国贵族；一方仗着天子脚下龙脉未端，造一个江湖，涂油彩昼伏夜出。斗转星移，马小军老了，演一个自己儿时的敌人。没有相逢一笑的戏剧性情节，反正都老了，穿哪张皮不是一辈子？

曾经的革命接班人，无政府主义的造反者们，老了。曾经野草丛生凶悍生长的冰场、野地，老了。曾经的敢教日月换新天、唯有牺牲多壮志，老了。飒爽英姿五尺枪，搅得周天寒彻，没了。有的是动手之前先掂量一下参战成员的年龄构成，唯恐一帮“生瓜蛋子”下手失了分寸，捅死一两个，“明天上一头条”。老了就意味着“怕了”。被人家劈脸一巴掌，没言语。谢天谢地，挨打的冯小刚站起来了：刚刚在《私人订制》里给大自然母亲跪下了。给雪山草原跪，做作，“局气”；给自己的儿子跪，通透，悲悯。怕的是人生无常，草木一秋，怕的是人心都是肉长的，良心都让狗吃了。怕的是命运无常，支架、搭桥，一把小刀把你的肚子剌开，“你自己又看不见”。

沙子乐队有首歌，唱的是“直到有一天，儿子们长大了；直到有一天，儿子们革命了”。革命者也会老，老了开始掰扯“老理儿”，开始强调“男人就应该有个男人样儿”，摆着黏黏糊糊的臭架子。时光似冰刃仔细剥离了老炮儿们凶猛暴力的假面，于是，所余仅是保护老幼妇孺的片刻温存，是维持一种近乎原始的秩序与正义。不尊重妇女这样的人格缺陷，像饭后牙上沾了片儿韭菜，荒诞如斯，温暖如斯。但在飙车染发穿着亮片儿小风衣的儿子们的儿子眼中，“光剩吹牛逼”了。老，是一种统一的状态。多年前翻过于坚的一首诗，原句忘了，意象却钉在脑子里。“我喊了一声‘妈’，广场上跳舞的女人一起转过头来”（大意如此）。其实你叫一声“爸”，也这样。

你完全可以将这片子看作是华谊兄弟精心制作的反腐倡廉宣传片。与金钱与权力媾和而出的新统治者们相比，曾经以血缘或地缘为标榜的草莽枭雄虎落平阳不堪一击。咬了牙，没向警察求救，却默默写信给最后的希望——中纪委。他们是政权的婴儿，也是政权的遗老。撒一把香菜在过往四十余年的国史当中，勾兑的平民列传颓唐而悲壮。

马小军老了，不是乡愁般的感怀，是命运幽暗之火的明暗相间，隔着你我的汪洋，不可言说。

散场时，我前面一对香港的小情侣，蹦跳着去赶末班地铁，大声地学着片子里的北京方言，当成抒发彼此亲昵的玩闹。他们不可能明白“宣武区没有了，都改西城了”。他们没在大学时暗恋过一个家在陶然亭的姑娘，也没在白纸坊拿过人生第一笔工钱。

冯小刚这回不执导筒，只是个演戏的。但许是不自觉的积习使然，眼神、姿势、语言都调动着一支队伍跟着他卖力气，你看他一个人擎着宏大的结构游走，慨叹这就是表演艺术最摄人心魄之处。于是有如下观影建议：找一家屏幕大的影院（这片子让我生平第一次认为IMAX的存在自有其价值），越大越好。唯其大，才能让影像中北京蓝色的、灰蒙蒙的冷风顺着领口灌进来。什么都没用，皮衣、棉服、貂裘、毛线织的围巾……什么都挡不住。

个人觉得恐怖，要经常OT的童鞋还是甭看了，不然上班疑神疑鬼的。《最后一格》看完可能对每天去写字楼的厕所有阴影。我总觉得会有什么东西从那里出来。《选择》不是好恐怖，老套的厉鬼杀人故事。

■为造梦者圆梦：廖庆松

侯孝贤御用剪辑师，又被称为“台湾新电影保姆”，曾为台湾新电影时期诸多导演剪辑，如杨德昌、张毅等，从事电影剪辑三十余年。剪辑《山有多高》《寻找蒋经国》《悲情城市》《好男好女》、《千禧曼波》、《蓝色大门》、《十七岁的单车》、《20.30.40》、《吴清源》、《红气球》等

《山有多高》：


■剪辑的秘诀：
　　人会忍不住跟画面对话，这是我们脑袋的习惯。但剪辑的第一步，应该是从头慢慢的看，而且像一个最纯粹的观众一样单纯的看，不去批评影像，纯然只是让影像告诉你，它是什么样的。至少要看一到两次。与影片的第一次接触，用你的情感清楚自然地接受影片对你的诉说，去了解它的性格，取得画面给你的最简单、最朴素、最严肃的感情。你没有这个感受和沟通过程，便不能判断好坏；如果你第一眼便决定的话，你便没有给它跟你相处与诉说自己的机会。
　　剪辑的秘诀：1，睡觉剪辑法，看到很闷就把它剪掉。2，请充分运用你的身体。剪辑不只用脑袋，脑袋只是一个档案的地方，真正感动时你会流眼泪，你皮肤会麻麻的，或是汗毛会竖起来。我看到任何感动的地方都会哭，而且放三次，三次都会哭。我看自己剪的一个片子看到几分几秒都会流泪。因为我当初剪得非常的老百姓，非常的观众。我绝对不是在操纵观众的感觉，而是像一个观众一样的剪这个片子，忘记了我职业上专家的概念。因为专家的概念是大狗大洞、小狗小洞，他一定会去钻很多洞，而忘记了小狗也可以走大洞。要像观众一样活在当下。
　　剪辑要三心二意：三心是一个理性的心，一颗感性的心，中间有一颗感恩的心；两意则是意象和立意。但是你要坚持的是，你知道最后的结局是什么。你不要怕，要勇于去剪一些不一样的东西。你要勇于推翻自己，要推翻自己的概念。比如候导花了几十万拍的镜头，却最终被我丢在角落，因为里面角色出错了。要勇于承认自己的错误，千万不要为了面子；也不能因为一个镜头花了多少钱，觉得不用太可惜了，实际上它是错的。要先于敌人，比敌人还残忍地对待自己。千万不要每次都一面之仁，留下一个镜头，然后所有人都在骂那个镜头。它不应该存在，就不要存在，不应该考虑它拍的代价是什么。
　　剪辑无他路，保持一颗童稚之心，开玩笑之心，愿意客观的从一开始把影像印到你的心田，而不是判断，你这样认真了之后，反而是最简单的方式。纪录片最重要的，是心中要有一股对所有人类的爱。如果不是来自对环境、对人的爱，而只是很尖锐的提出破坏什么，是不能看的。对土地、对人类深深的爱，是我们不能忘记的。


■不同的风格：
　　　跟不同风格的导演合作时，我有自己的位置，这个位置就是剪辑机旁边的那个位置。
　　　（《悲情城市》）候导用了很长的镜头拍，其实上片子所有镜头顺序都被我窜改过，不是原来的长度。他编故事编了两年，朱天文组织起来，吴念真写对白，剧本厚到可以拍电视剧。候导现场拍的时候很性格，总共有200场，但是他只拍了几十场。我最初剪不下去，因为场都不全，剪时故事便跳掉。我问候导，好多场都不见了，是不是你没拍完。他说我没兴趣拍，我觉得已经太罗嗦了。我说那别人都看不懂，他就不再讲话了。后来中国文化救了我，杜甫和李白的诗歌教会我倒装。所以在剪悲情城市时，我快乐地把它们平顺的过程倒装。电影倒装了之后，便从单纯逻辑结构的语句，转成了情绪的语句，将叙事转为了诗化的抒情。所以《悲情城市》像一首七言律诗。而候导的镜头不动，他下一部《戏梦人生》镜头也不动。但自从那部电影他受伤之后，摄影机从《好男儿》里开始动，动到现在。这是导演性格的改变。
　　杨德昌，是一个萝卜一个坑的导演。因为他是学电脑资讯的，他剧本的设计用类似一个程式设计的流程图。他完全是非常机械式，物理式的。架构好了就不准别人改变。但到了我剪辑的时候，就不太可能。因为当镜头一个一个接过来、观众的情感产生的时候，你还要计算到观众的存在与参与度。影像的剪辑有两种，一种是让观众坐在那听我说故事，另一种是邀请观众来参与影片的完成。一种是被动的告知，另一种是吸引观众主动参与。前面一种叫清晰的逻辑语言，这个系统最高的层次便是好莱坞电影；而另外一种是艺术电影，所有影像都来自你跟观众直接的互动。《悲情城市》便是标准的需要观众参与完成的例子，观众本身变成了完成美感的最重要的角色。

       知道laughing哥当然是在《学警狙击》中~那个表面玩世不恭见风使舵嚣张跋扈的小子~潜藏多少能力~我恨陈键锋一枪打死了他~看laughing gor之变节之前我一直在想这个变节到底是褒是贬~我不忍心看一个我心目中的英雄变得堕落~一面是腐朽的很社会~奢迷，堕落。一面又是正义的执法~对于他怎样都是变节...因为哪一面都属于他的生活。
    而对于谢天华，这样一个角色给了他或多或少的转机~人们对他的爱变得越发的多。这个1967年出生的男人~似乎就此有所变化了~在TVB42周年电灯时~他的位置靠前面了~靠中间了~他越来越成功了~
       他一定很努力~他也很有实力~他是laughing哥~他是谢天华~

哥特（Gothic）这个特定的字汇最早的意思是西欧的日耳曼部族。哥特式艺术指12世纪至16世纪欧洲出现的以建筑为主的艺术，包括雕塑、绘画和工艺美术。哥特式艺术是一种浪漫型的艺术。

哥特式风格最早是一个建筑学的概念。在中世纪的欧洲一种以尖顶大教堂为最显著特色的建筑风格大行其道，这种风格往往利用笔直的立柱、高挑的天顶、多尖的拱门营造出升腾的感觉，而彩色的玻璃和建筑空间中大量存在的纵向延伸的线条，则勾勒出迷离而神秘的氛围。哥特式风格后来被移植到其它艺术门类当中并产生了相当广泛的影响，尤其是以在文学领域的发展最为著名。哥特式的文学作品善于描写黑暗、空虚、恐怖、凄厉的场面；古墓、墓地、幽暗的森林是哥特式风格最为主要的场景；虚弱病态而神经质的青年和披着黑色斗篷的吸血鬼是主要人物，这些都成为了哥特式电影的主要象征符号。

在电影艺术的辞典中并没有“哥特电影”这个术语，即使是在大英百科全书中，我们也根本找不到Gothic Movie/Film这个词条，也就是说“哥特电影”并不是一个标准的、被普遍接受了的概念——至少在严谨的学术界是如此——但“哥特电影”的提法并不是毫无意义的，它不是为了哗众取宠，吸引眼球而生编硬造出来的。起码这个名词可以叙述某一个类型电影的共同特征，还是行之有效的。它代表了某种气味，某种心境，某种美感。这里是指代那些以哥特文化为背景或表达死亡和痛苦等主题的黑色风格的电影，显然这类电影和哥特文学以及哥特音乐有着密切的联系。它们总是以一种非常人的视角去透视着我们生活的世界，去剖析和表达着那种阴郁、痛苦和空虚的感情世界。

早在1921年，一位名叫克里斯滕森的瑞典人就拍出了一部名为《历代的巫术》的影片。这是哥特文化第一次融入到电影艺术的表达领域里，异教、死亡、巫术等阴暗面元素第一次成为了电影的表现主题，从这个意义上说，这是一部不折不扣的哥特电影。不过第一部有影响的哥特电影却是来自德国，在《历代的巫术》诞生一年之后，德国导演茂瑙拍摄了电影《吸血鬼诺斯费拉杜》。自此，大名鼎鼎的吸血鬼正式出现在了大银幕上。

方兴未艾的哥特电影浪潮很快被二次世界大战的到来所打破，现实世界中的恐怖显然比银幕上的恐怖来得要可怕得多，在战争年代，人们在电影里需要的是心灵的慰藉、灵魂的抚慰，而不再是宣扬死亡、痛苦的哥特电影。

上个世纪90年代，哥特电影迎来了复兴的黄金时期。在这个时期，哥特电影不仅在欧美，更在全世界掀起了一浪接一浪的高潮。1990年，导演蒂姆?伯顿（Tim Burton）和演员约翰尼?德普(Johnny Depp)，联袂为我们贡献了一部名为《剪刀手爱德华》的影片。自此，哥特电影复兴的大幕在好莱坞被彻底拉开了。作为一部当代里程碑式的哥特电影，《剪刀手爱德华》的意义是怎么评价也不为过的。这部影片没有吸血鬼，没有巫术，也没有宗教背景，但同样编织出了一个黑色的、讲述孤独、死亡和痛苦的精彩的哥特画卷。

天才的蒂姆?伯顿把古老的哥特文化和当下的时代背景天衣无缝的融合在了一起，给哥特题材注入了全新的生命力，从而在根本上拓展了哥特电影的题材范围。蒂姆?伯顿也借此逐渐成为当代最伟大的哥特电影大师，他和约翰尼?德普这一对黄金搭档也配合得天衣无缝。1999年的《断头谷》就是二人再次合作的结晶，可以说是哥特电影集大成之作，让喜爱哥特式电影的观众大呼过瘾。这一次伯顿开始出人意料的直接以巫术为题材，影片充斥了哥特电影的各种文化符号，为我们描述出18世纪末一曲凄婉、仇怨、令人回味无穷的哥特哀歌。



蒂姆?伯顿电影中的哥特元素

谈及蒂姆?伯顿的哥特式风格必须从他个人的形象谈起。
蒂姆?伯顿被称为好莱坞怪客并不仅仅因为他的电影风格的怪异，实际上蒂姆?伯顿本人的外形也令人侧目，他总是身穿一袭黑衣、蓬乱的头发、脸色苍白、眼神中总是流露出深刻的忧郁。
蒂姆?伯顿对于哥特式风格的喜好表现在他个人生活的每一个侧面，甚至是他的妻子演员海伦娜也似乎是他精心挑选出的哥特式女孩——大眼睛、尖下巴、同样苍白的面容、眉宇间总有种挥不去的阴霾。
由于《断头谷》是蒂姆?伯顿哥特电影的集大成之作，所以在本文中会以此片为例着重分析。

1． 人物形象
在演员形象方面，蒂姆?伯顿自然要选择哥特式风格的形象，其最典型的特点是——
着装：哥特时代的服饰
Cotte：紧身外衣
Chemise：白细麻布制的内衣，紧袖口。袖口有刺绣系带，领子下方有几排凸条纹和金银丝装饰
Surcot：原是罩在铠甲外面防锈的外套。丝织或者毛织物，从胸部到裙舒畅宽大领、袖、襟有用有色丝线刺绣的装饰。
Cotardie：外衣，连衣裙式样。发源于意大利。从躯干到腰部紧贴身，在前中央处或者腋下置纽扣、或是系带子。大的卷领翻到肩部，紧袖口，宽袖子。袖子的肘部垂着不同颜色的名为Tipper的装饰布，
Surcotouvert：一般穿在Cotardie外面。特征是大开着的卷袖。前中央有装饰宝石纽扣的，裙子部分宽绰有摺垂于地面，还有使用毛皮作为镶边。

哥特时代早期的鞋：鞋为尖细形，鞋的宽度细的裹住脚的程度。在尖头的长度上面则还有一定的规定。
到了公元15世纪的西欧，哥特时代转入了哥特式后期，这个时代被称为后哥特时代（Post-Gothic Age）。后哥特时代的法国女装主要表现为：14世纪末期，胡普兰衫（Houppelande）。这可以说是西欧的最后一款男女通用式样的筒形衣服。女装的胡普兰衫特点是高位腰身的宽松裙子，带一些曳襟，袖子宽大可达地面。特点是装饰豪华，使用白貂皮领子和花样繁多的边缘装饰。尖顶高帽。

肤色：苍白的皮肤。这可能是因为他们需要一种活死人的外表，可能是因为想体现维多利亚时代关于“苍白的皮肤是贵族的标志”这一审美。

发色：黑发、漂白过的极浅的金发、红发或紫发。

为了逼真地表现电影的恐怖气氛，化妆师力求用上不同的最新化妆效果，并发掘出戏里人物不同寻常的死样，例如，蒂姆?伯顿要求具有独特风格的斩首场面，被砍下的头并不会那样轻易地落地，还得在斧头上漂亮地转三四个圈。

蒂姆?伯顿最令人称道的自然是同约翰尼?德普的合作，德普无疑是蒂姆?伯顿最心爱的演员，他的形象气质实在是上帝预备给蒂姆?伯顿的绝佳礼物。卷曲的黑发、苍白的面容、神经质的表情，约翰尼?德普在片中敏感、神经质，感情脆弱。他所呈现出的怪异的表演风格成为了蒂姆?伯顿所推崇的哥特式风格的核心之一，他利用德普所饰演的一个又一个人物串连起各种各样新奇诡异的电影元素，并依赖表演所传达出的强大的戏剧力量将这些迥然不同的影片赋予了浓郁的个人风格。伯顿认为他最难能可贵的是可以不惜破坏其俊美外形以达到艺术上的真实。饰演卡翠娜的青年女星克里斯蒂娜曾与迪普在《赌城情迷》、《唐尼-布瑞斯科》有过合作。影片开拍前，伯顿曾要求演员们对《尼罗河上的惨案》及多部福尔摩斯探案片观摩，因而演员们的表演如同黑白默片时代的巨星们一样形体及神态演绎极富张力。


2．声音塑造

★音乐
蒂姆?伯顿的哥特式电影无一例外的使用典型的哥特音乐来加以渲染。
哥特音乐具有明显的反传统色彩，敌视正统性道德和宗教信仰；歌颂黑暗，人性的阴暗面和死亡的美丽；音乐上整体沉缓、忧郁、沮丧而病态；强调小调和声，空旷、单调的旋律和递缓的节奏，通常是华丽且神经质的女声和背景中低沉的混声合唱。
惯用的表现手法是：
片头部分圣咏式的女声往往带有浓厚的悲天悯人的气质，背景的混声合唱又将神秘恐怖的气氛烘托出来。
器乐方面多用提琴、圆号、长号、鼓等表现阴郁恐怖的大环境。以《断头谷》为例，在表现极度紧张的时候，小提琴急促的节奏表现被无头骑士追杀的人的紧张仓皇；而号和鼓的低吟体现了无头骑士恐怖的力量是多么的强大。这对烘托影片的恐怖气氛起到了不可或缺的作用。

★音响
在蒂姆?伯顿的哥特式电影中，音效的作用不可忽视。黑夜中呜咽的风声、月影里的狼嚎甚至鲜血滴落在泥土里的声音都使影片极具观赏。
以《断头谷》为例，在治安官之死这场戏中出现的音效非常丰富——
在荒凉的墓地中央，治安官Samuel Philipse和纽约警官Ichabod Crane在谈话，音效依次出现：弱起的大提琴主观音效（在治安官之死这场戏交响乐一直以背景的方式伴随）、羊群的叫声（提示无头骑士即将到来）、雷鸣、羊群叫声、雷鸣、羊跑步的蹄声、治安官紧张的喘气声、风吹过来稻草人发出的吱呀声、大提琴主观音效加强、猫头鹰叫、无头骑士的马的嘶鸣、跑动的马蹄声、治安官大喊：Oh my God!、交响乐主观音效再次加强、治安官紧张的粗喘、无头骑士拔出剑的金属声、剑在空中挥舞的声音、治安官绝望的大喊、剑砍人头的碰撞声、人头在脖颈上旋转声、人头落地声、尸体倒下声、交响乐达到最高潮、无头骑士骑马冲、剑插入人头声、纽约警官Ichabod Crane晕倒在地声、渐渐远去的马蹄声、稻草人被冲得转了一圈的声音、马的嘶鸣声，整个过程一气呵成，将无头骑士杀人的恐怖场面从头至尾完完整整的表现了出来，不禁让人大呼过瘾！


3．摄影基调
《断头谷》的许多画面都给人童话般的感受，摄影师艾曼纽尔?卢布兹克将画面的色彩处理得很黯淡，他在片中刻意追求的正是黑白片般的恐怖效果。以《断头谷》为例，蒂姆?伯顿将色调运用得如鱼得水。

在表现神秘恐怖的气氛时，运用靛蓝的重色调，多用高反差，逆光勾勒出人物或物体的剪影轮廓，表现出阴暗、畸形、神秘的巫术般的意境。具有极强的艺术表现力。

小镇的形象总在雾中出现，因为光线在雾中无法直接穿透，增加画面朦胧感，漫射光将村镇中黑色的房屋映衬得影影绰绰，显得神秘、幽暗。
无头骑士每次出现，总伴随电光闪电，使得画面中的人物形象若隐若现。

而单纯善良的农场主女儿Katrina每每在室内出现，都用暖色调，照明光线多为烛光、壁炉火光、阳光散射光，突出了人物温和可亲的形象，对人物塑造起到必不可少的作用。


4．场景设计
为了配合《断头谷》这种歌德式的黑暗与不安，很明显，每一个场景从布景到灯光都经过了精心的设计，很有舞台剧的效果。虽然电影选取了英国一块宽达二十亩的私人土地作为拍摄场地，但实际上戏里有许多的室内景。制作设计师 Heinrichs说：“ 这种‘人为自然’的艺术将真实的素材与油画的背景结合起来的效果应用在电影中，不仅令整部电影的视觉效果一流，而且还很有艺术美感。”

幽暗的森林、像魔鬼手臂一样的树枝、树枝上缠绕的藤蔓、远方的浓雾、乌云密布的天空、风蚀的墓碑、异教徒的符号等等，都使影片弥漫着深沉与黑暗的氛围。

曾为《星球大战》系列影片以及《终结者》等片制作数码特效的工业光魔公司，成功为影片《断头谷》营造出的令人毛骨悚然的恐怖场面更使本片毫无争议地跻身经典恐怖片之列。

蒂姆?伯顿式哥特电影的特点
  
    哥特式风格最早就是以建筑的形式出现在人类艺术长廊当中，但蒂姆?伯顿并非一个拘泥不化的复古主义者，黑暗、阴森的空间对于蒂姆?伯顿而言只是事物的表象而并非事物的本质。换句话来说哥特式风格的外在形式是蒂姆?伯顿所推崇的，在影片的空间造型等诸多方面都能体现这种强烈的风格，但就内在而言，蒂姆?伯顿却总是在阴森恐怖的外表内部为观众提供直达心灵的温暖。《断头谷》改编自“美国文学之父”的华盛顿?欧文的经典作品《沉睡谷传奇》（The Legend of Sleepy Hollow），本片忠实地再现了原著的风采，影片把恐怖、梦幻、浪漫等等非凡的特性混合起来，将Katrina和Crane母亲的形象作了相当多的联系，使人感到心底的温暖，使本片呈现出一种即浪漫温情又神秘惊悚的黑色风格。

蒂姆?伯顿的哥特电影获得的成功是空前的，他塑造的很多银幕形象深入人心，如《圣诞夜惊魂》中的很多人物形象的产品——印有杰克、杰克灯、小狗Zero形象的产品深受观众的喜爱。

乡村爱情伦理片。一个与乡村格格不入的打工女孩从繁华的大都市归来，在乡村到处寻找着广州的感觉，但是割舍不下的家和双亲，为了彩礼，她下嫁给了自己同村对自己有好感的男孩。但是他要进城的愿望随着丈夫家生意屡屡受挫，变得越行越远，于是她倒向了承诺带她去广州的青年理发...  (展开)

开头闷的要命，要不是因为实在想不写字，直接就pass掉了。
但是直接关掉又不符合我“只要开始了就要完成”的矫情心态。
看到后面，终于明白了事情是咋个回事儿。是讲述每个人都有每个人的操心和绝望吧。
不过看到辉去找她前护士女友时候声嘶力竭喊的样子，就知道这人物真是“小人物”啊！小到，几乎没有闪光点！
还有李太面对丈夫出走，买楼的现实，还能保持，不对，是假装什么事情都没发生，是做富太太的惯性吗？哭的也够真的了。真的，年龄大了，连哭都要用个力气。看到李太赴约催着辉快取钱回来，真是唏嘘不已。。。
好吧，也算是描绘真实的电影了。

其实一开始看是提不起兴趣的。觉得配音不怎么样，还有一些什么大明星的做作风等等，觉得片子可能就那样吧。
  orz当然这部片子和中国传统煽情片都一样，欲扬先抑嘛，虽然大体情节都猜得到了，但还是继续看吧。后面还是不错的，看到花花找到爸爸的那一刻让我泪目，觉得那一个拥抱包涵了太多，还有农民工工作场景的那些镜头，因为我没去过工地，但是一家人却依靠父母在工地上打工挣血汗钱供我们读书成长，我其实在某种程度上和那些留守孩子是一样的，对父母的爱有着深深的渴望。如鱼饮水，冷暖自知吧。
这或许不是一部拼演技，演员的片子，但却是那些电影人们表达对留守儿童，空巢老人关爱的一种方式，所以，在此，谢谢他们。
我只是想，农村，也是梦归处，不该就那样荒芜。?
五分鼓励，渴望更多人了解现在的农村，助力农村发展，希望那些分离的家庭早日团聚。

这篇影评可能有剧透 豆瓣42万人给出9.6分的《武林外传》，可谓是国产情景喜剧的巅峰，称之为“神作”都不夸张。 剧中幽默搞笑的武侠喜剧故事，特点鲜明的人物角色，都给观众留下了深刻印象，葵花点穴手的白展堂，排山倒海的郭芙蓉，关中大侠吕轻侯..... 国家一级演员范明，在剧中饰演了喜欢蹭吃蹭...  (展开)

本文部分发表于《上海电视》4月某期，如需转载，请一定联系本人、一定注明、一定附上豆瓣链接！ -------------------------------------------------------------------------- 《八月》给喜欢艺术片的影迷带来的冲击，没有《路边野餐》那么大，后者以一个超级长镜头模糊了现实...  (展开)