太难看了，呵呵，不知道什么人在追，男主一件有用的事情没做，每天都在干傻x的事情，女一脑子也坏掉了，女二要害死她，她都不介意，男三对她那么好，她整天横眉冷对，真是醉了，男二挺帅的，也是天天干傻x加弱智的事情，连个日本老头都弄不死，反而让人家给弄死了，男三就更好玩了，看不清他的真实面目，所做的一切都不和常理，最后莫名其妙的陪亲爹去了，最烦人的是毛林林演的女二，活脱脱是个疯子，害死一堆人不偿命，参加革命去了，结果跑回家成了吸毒犯，没干一件好事，还老有人救她，所有人没有正常的，估计编剧和导演都有病。

94年的老电影了，很惊喜。释小龙和郝劭文两个小朋友当年真是好萌呀，搭上带有口音的配音与超级搞笑的配乐，加之吴孟达等一众演员的认真“搞笑”，整个电影喜感十足啊！关于电影里的那些少林招式，虽然大都带有些夸张色彩，但还是无法令人忽视其内在魅力的。挺认真的一部搞笑片，所以决定去把整个系列看了 哈哈

为什么镇长的老婆要去摔花瓶。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。。

故事发生在明朝。开头，柳州府的欧阳策捕快把犯人阎三爷押解到扬州，再走十里路就到了。在扬州，有位妇女居然卖了女儿，换了银两来买盐。还有个男子抢了这位妇女的盐，只为孝敬家中老母。打手头目赵四爷夜晚在茶馆门口暴毙。

赵四爷是六扇门的捕快，真名叫欧阳召，是欧阳策的哥哥。阎三爷被人冒名顶替坐牢，他自己出来了。与欧阳召接头的君颜是六扇门的女捕头。熊林是六扇门安插在扬州知府的眼线。周三爷试图通过诈死的方式摆脱麻烦。欧阳召和阎三爷都死于暗器银针。

“六扇门”是朝廷之官，要接受正统的朝廷制度的约束；另一方面，“六扇门”又要直接和黑道的江湖人士打交道，必须要熟悉江湖规矩。正因为如此，“六扇门”的人进得衙门，出得江湖。

每一年，都有无数有种的人选择北漂，张元却告诉人们：无论多有种的年轻人，在那片北京森林，心中的火种也终将熄灭。有种不仅指北漂的勇气、年轻人面对困难时的价值观，也暗指张元自己对待电影的一如既往的偏执态度。

这是一个充满机遇与挑战的时代，人人都渴望打拼出自己的一番事业，无数心有火种的年轻人来到北京，他们要发光发热，可是时代从来不仁慈，它没有公平。没有根基的年轻人想要在这偌大城市站稳脚跟无异于登天，他们在接受生活潮水一波波冲击的同时还要承受时代下的暴风骤雨。越来越残酷的压力让即使有种的人们也看不到希望。渐渐使他们忘了自己是谁，终于在无情冰冷的现实坚冰面前，火种灭了。斯德哥尔摩综合症指被害者被伤害后，反而对加害者产生了感情，选择了原谅。灭了火种的斯德哥尔摩的病人们，终于心安理得地接受了现实给予他们的所有无情与伤痛，带着这些创口，换了一种姿态，重新融入了时代。

三宝是个有血性的人，能因为别人的无理取闹而大打出手，可年轻人的爱情在物质现实面前是那么脆弱不堪，女友跟了有钱人后，这个对待感情极重的男人好像就渐渐屈服了，在冰冷的现实面前他也逐渐变得冰冷，不再面对丑恶而仗义执言，不再见证潜规则而怒火中烧。最后他原谅了那个抢走他女友又抛弃他女友的男人，他更像是原谅了这个不给“无根”的人活路的时代。最讽刺的莫过于这个男人最终终于“有种”，只是这个“有种”却是为了心中仅存的对爱情的向往，原谅了时代对他所有不公，认下了这个不是自己的孩子。王铭和三宝其实是一类人，他们的成长轨迹相似，遭遇的悲哀也相似，他的存在其实是对主人公三宝的悲哀的一种补充与强调，三宝不愿说出来的对生活的控诉通过这个原本理性、精心打点生活的男人之口说出。没有办法摆脱这些一层又一层的枷锁，王铭最后在那个冷冬率先脱掉衣服，走向了冰凉的大海。他代表了那些在这个城市里战战兢兢生存的人们，可无论多么小心翼翼，也总会猝不及防被暗流冲倒。柚子与小诗付出了全部心血的艺术梦想在行业潜规则前仍然是那么不堪一击，他们代表了在这个饿死诗人的时代里，无数撞的头破血流的有梦青年，终于身上没有了钱，心里也没有了诗。

影片中还有许许多多的形形色色的人物，他们的喜怒悲欢也反映了这个时代的百般姿态。被心爱的男人当成交易筹码的苏莫，最后带上挣回的破碎的自尊选择了离开；桃子选择了直面自己一直逃避的家庭；方老板选择了守护那个来之不易的家。每个人在最后都习惯了时代强加给他们的枷锁与生活轨迹，就这样平平淡淡地生存了下去。

《有种》是张元没有过多炫技的一部电影，他就想用最朴实的方式来表现北漂族最真实、最质朴的情感。因此他选择了大量使用固定镜头进行摆拍。固定镜头能给人稳定、均衡、厚重感。使人感受到这座坚实的时代堡垒带来的厚重压力以及人物始终被限制在镜头中某一位置的不自由感。为了突显人物与时代的关系，导演又运用了大量远景，突显了人物的孤独感—在时代面前，所有人都没种。这部影片其实有些像是张元自己对时代的控诉，因此他选择用三宝的独白贯穿全片，是一种典型的作者电影。独白不仅抒发三宝的情绪，也表明了作者的态度。吉他带给人的是一种自由洒脱的感觉，而本片中屡次出现的几段重复的民谣吉他solo怎么听都有些悲凉。这座城市不属于北漂，导演极力想给他们信念与希望，尽管徒劳。

在现实主义原则指导下的张元，将视野扩展到北漂一族，通过他们与时代的抗争和妥协反应了时代的本质。封闭性与开放性结合也是本片的一大特色，尽管情节有头有尾，但有了“种”之后的三宝会选择如何继续生活仍然不得而知。这或许是柔和下来的张元力图留给北漂青年们的一些希望罢。

这部电影更像是一个有种的男人的成长史，成长的终点，也和普罗大众一样终于成为了一名斯德哥尔摩病人，每一个斯德哥尔摩病人都曾被时代伤害的体无完肤，这世上有多少条路就有多少走投无路。走投无路的他们最后终于深爱着这个世界，他们的世界观也趋于主流：内心的成长决定幸福的指数，即使脚下支离破碎、满目疮痍。

报喜不报忧，以一己之力非但解决不了客观实际上已经存在的问题，反而会耽搁延误最佳补救时机，甚至像蝴蝶效应般造成不可预估的损失。

遇到问题时，我们应该坦然面对，正视问题的存在，承认错误，然后实事求是，分析问题，解决问题。

遇到事情时，我们应当有承认错误的勇气，然后不灰心不丧气，勇敢的寻找解决问题的办法。一直走下去。

政策方针应当随着实际情况而不断调整，直到找到真正适合发展的策略。

60年代的中国，虽然物质匮乏，但是国家和人民的凝聚力特别强。

周公吐哺，天下归心，永世留存。

也许是短片反映的亲子关系和我与我妈的太像了，我居然轻而易举的理解了这个片子。包宝宝不是空巢老人的幻想，而是儿子的映射，母亲和包宝宝之间的故事都真实地发生过——母亲是个家庭妇女，她的精力几乎全部投注在儿子身上，她们曾经有一段亲密无间的时光。但随着儿子年龄的增长，他开始向往更广阔的世界和同龄人的陪伴，而母亲对儿子的控制欲和保护欲限制了他。矛盾开始爆发，儿子日渐叛逆试图脱离母亲的掌控，母亲则不停向儿子索取关注和爱以证明她对儿子的控制是有效的，最终母子关系彻底破裂。唯一的区别是，在现实中，儿子成功离开了母亲，母亲一定对她彻底失去了儿子的爱和掌控权感到愤怒，她恨不得毁掉他。因此在梦里，母亲吃掉了儿子的映射包宝宝——在吃掉包宝宝后，她痛苦又悔恨，这时她才意识到她的掌控欲把她变成了一个什么样的人。最终，因为对对方的爱，母子达成和解

（虽然我觉得这个结局真的过于老套简直像一碗煮了几百年的陈鸡汤但是作为一个合家欢动画的贴片还能be不成）

其实不知道说什么又现实，又梦幻，最后青青原谅池翔我根本想不通，估计很多人没看过万茜演过的一部电视剧，她演双胞胎，从小丢了一个，家里姊妹多，万茜是第一个那个镇考上大学的，也谈了一个，可有个富二代追她，富二代没什么文化，两个人没有共同语言，她也没有选择富二代，却是她妈来北京看病还是看她来着具体忘了，那个富二代从头到尾都特别细心体贴，照顾的十分妥当，她男朋友并未做出什么，还是一味的沉浸在自己的高学子高涵养上面，特别伤万茜的心，所以最后选择了富二代，过日子不是讲究很多包袱，原则，我觉得青青一家人特别明事理，在生死关头，都还是以子女的终身幸福为一准，相反不是池翔家有多么不顾大局，毕竟是小地方出来，肯定会以自身考虑多想一点，青青一句话说的特别对:生死关头，我多谢你(池翔)爸想清楚，不然我爸还不得死在你爸手里。是啊！幸好，可这又多么不幸，生老病死人之常态，在生死面前总要争取一下，不是天文数字，只是暂时周转不开，如果是我老公，我不会原谅，一刹那代表的不两个人的不同，爱情总有变质的那天，父母老了，要花钱的地方还会有，再出现会怎么样？周而复始？所以这部剧又现实又梦幻。。

1990年，Freddie Mercury的身体已经衰弱到几乎无法走路，他还在录制自己人生中最后一张专辑。

录制专辑里最后一首歌的时候，吉他手Brian担心Mercury太过虚弱无法唱出歌里的高音。在录音室里，Mercury只回了一句“I'll fucking do it, darling”，然后龇着牙喝干一大杯伏特加，完成了乐队历史上最完美的一次录音。

巧合（必然）的是，这首歌叫“The Show Must Go On”。自知时日无多的Mercury，绝不想给自己和乐队的音乐画上句号。

一年后，主唱谢幕，但乐队演出继续至今。

非常遗憾，电影里没有把这一段拍出来。故事在1985年的LIVE AID曲终后戛然而止，不免给路人观众一个错觉，好像Mercury把最牛逼闪闪的自己扔在了那个舞台上就没能再捡回去，艾滋病败给了舞台上的他然后马上击垮了现实中的他。

并不是这样的。那场演出之后，Queen陆续又出了3张专辑，还做了创纪录的全球巡演，Mercury更是挺到去世前一天，才向公众承认自己患有艾滋病。

这部电影里的另一个遗憾，完全属于自然灾害，与人力无关：绝对没有人能复制Freddie Mercury的神迹。

Rami Malek已经做得够好了，他对Mercury进行了从板牙到腋毛的全方位模仿，好到已经被评论界认为值得一个明年奥斯卡的提名。

但是，撇开唱歌的能力（实在没什么可比性），电影中的Freddie还是少了一种……劲头。这种“劲头”可以是男人味和压迫感，还是那股跨越性别的风骚之气，Malek那双太大的眼睛也不如Mercury的那般充满神采。

就算刨除这些正常人难以挑战的要求，Malek的板牙是不是也有点太大了？

Mercury的神采和嗓音没法复制，他们所属的那个时代也不行。

1970-1980年代，不管是对刚刚从殖民帝国手里独立的非洲，还是刚刚从精神疾病名单里删除的同性恋，大西洋两岸的年轻人们，都还抱着也刚刚萌发的同情心。那是一个好意还没有泛滥，善举还没有被劫持的美好时代。

在如今的世界，残酷的理性正在逐渐回潮，摇滚青年们的理想越来越渺茫，连摇滚乐都失去了舞台中央的主流地位。就像是美国的政党轮替一样，这倒说不上是进步还是退步，但那个时代走了就是走了。

我只是觉得，不管你愿不愿意承认，在同一家小酒馆里偶然凑齐的愣头青乐队，就是比满街星探苦心挖来的天才少年团，更能撩得起少年心气。

但是有些东西可以复制。

这就是一部，纵有再多遗憾，单靠最后20分钟的神级发挥，不仅能值回票价还能赚走眼泪的电影。

如果在观影之前看过那段祖传的超低清4:3画幅LIVE AID现场录像，你一定会被这部电影的最后20分钟震惊到失语。

这部电影最大的成功和最可贵的贡献，就是对摇滚史上最生猛华丽的20分钟，进行了分子层面的细致还原。

从上场开始，Malek就对Mercury的每一个动作进行了ctrl+v级别的模仿，其中包括每一次挥拳、每一次咧嘴；场景中所有肉眼可见的物件，小到钢琴盖上的那几杯可乐和啤酒（我比较了摆放位置和液面高度）以及舞台上杂乱的电源线，大到整座温布利球场，也都跟录像中一模一样。

最重要的是，电影成功还原了1985年现场的气势。拜技术进步所赐，我们终于能够跳出了舞台上下那几个固定机位，让镜头从体育场上空俯冲下降，掠过7万观众头顶，再聚焦在Mercury挥舞的手臂上。摇滚传奇伸手可触，山呼海啸近在眼前，让曾经需要脑补出的东西都变成现实，是整部电影最美好的地方。

对我来说，这种感觉就像是玩到了VR3D高清重置版的超级玛丽，或者用意念控制的全息投影版乐高积木，终于不用追忆似水年华，而是直接青出于蓝了。

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