比起吴宇森等众弟子，张彻的恶趣味是如此的直白明晰。
剥了壮男的衣衫，秀尽肌肉的线条，再刀枪棍棒，剑箭钩叉的轮番SM一番，接着便是鲜血盘肠，挣扎惨呼，痛苦的特写定格，死亡的定格特写。


张彻镜头里的肌肉森林，就好比剧情中的RPG闯关一样常见。
众男配一半是没了前襟，晃晃的胸肌和腹肌大片大片，另一半没了袖子，鼓鼓的肩膀和上臂成排成列。

王羽，狄龙，傅声的健身功夫更是从不会白费的。
打前若是没脱，打着打着便脱了。
打前若是没脱光，打着打着就脱光了。

我相信张导对壮男的衣服没仇，只是对壮汉的躯干过于有爱。

  

当然，例外是有的。
这例外独一无二，是张彻最最偏爱的阿尊，姜大卫。

张导自己开辟了香港电影的壮男审美，却又偏偏捧出个姜大卫来打破它。
阿尊的身板放到普通人里也是过于瘦弱，丢入了张彻的壮汉班底，就简直是薄如纸片。

当整个片场都剥得比花生米还干净时，姜大卫却从来包得比粽子还严实。扣子连脖子也锁住，短衣里也要套长衣，小臂都露不出一小截。 《拳击》里当几乎所有男性角色都全程赤膊，阿尊却从头到尾换了无数套衣服，简直可作七十年代男装时尚目录。

最最过分的是《刺马》。便是入小溪，都连袖子都不挽一挽，整整齐齐便下去了。
最后的凌迟挖心，我总想这无论如何得脱衣了。谁知这边听着衣襟撕响，那边张导的镜头就转到后面去了。无语啊无语，对阿尊的惜肉如金。
无怪乎当初亦舒说，若有人能看见姜大卫穿短衫，就可赢得五百块。


阿尊是张彻如此钟爱的演员，片子里又少了脱衣秀的环节，SM和挣扎死亡的部分自然时间加倍。
于是阿尊便有了各种各样的死法。
极致就是《十三太保》里张彻自认为“最最浪漫”的五马分尸。
然而最多的还是紧紧白衣裹着消瘦的身体，鲜血染尽，苦苦挣扎，嘴角带着一丝鲜血，气绝而亡的超慢镜头，超大特写。

有时他是为理想而死，有时为大义而死，但最多最多的，是为朋友而死。
《报仇》里没有铺垫玉楼（狄龙）和小楼（姜大卫）友情，而阿尊坚毅如石头的嘴角，冷酷如冰霜的眼神，对比看两人合影时那微微的笑，不顾一切的为对方报仇身死，不突兀，只动情。
张彻的最爱就是让两个少年的相见知心，倾倒折服，再先后把他们双双杀死。少年的纯真侠情，毁灭在阴谋与小人之中。

张彻对在鲜血中挣扎而死的少年倾注了无比的热情，几乎胜过了希区柯克钟爱金发女郎。
他不顾一切的想在这些死亡和鲜血中升华出许些的哲学意味的美感，沉醉又狂热。

于是《新独臂刀》的观后感里最多的一句话，就是“咦？这次张彻为何转性了？阿尊竟然没死！”
好吧，没有死是没有死，那断臂翻滚的镜头却也太过冗长了吧，而且还放了两次……

姜大卫一部部的排片，一部部的死，一次次的染红身上的白衫。
有影迷笑道，阿尊拍游侠儿的时候还死的生涩，越往后越熟练，随便那么一死都奇酷奇帅，无比招人疼爱。


这便也是姜大卫的魅力之一了。

他不用耍酷就酷得无以复加的同时，又有一种荒野孤狼的冷冽气质，如《报仇》。而他更杀人的是一缕的轻微的寂寞天真孩子气，无比能激发女性影迷的母性。
看过《新独臂刀》，《保镖》的女影迷几乎都在惊呼，这就是古龙笔下的阿飞完美人选啊。略有些稚气的冷酷，太招人疼。和女演员碰碰手，都反像是被占了便宜。古龙说他的戏要给狄龙姜大卫来拍，邵氏武侠片启发了他的灵感。也许李寻欢阿飞，叶开傅红雪这一对对的侠客浪子，正是以他们的形象写得吧。
多年之后楚原拍古龙，狄龙不负众望的是永远的大侠，第一主角，而只比狄龙小两岁，同样年逾三旬的阿尊，已错过了少年阿飞，傅红雪的年龄。好好歹歹演了沈浪，身材发福还事小，对角色却理解有误。阿尊与沈浪最相似的就是那懒洋洋的笑，而楚原导演却总让他一脸严肃，味道全无。
他的亲弟弟尔东升最终成为了阿飞。尔东升的却也是一个上佳人选，只是在我眼里，那个冷冷的阿飞永远比他哥哥差了那么一味料。

姜大卫要冷则冷，要痞则痞。《十三太保》，《刺马》，《无名英雄》里灵气十足，似笑非笑那懒洋洋的一勾嘴角，更是勾魂的招牌。又有人说，看到了他觉得见到了完美的小鱼儿。无怪张彻得意万分的说，荧幕上姜大卫笑一笑，荧幕下女影迷心跳一跳。
从当年的亦舒，李碧华快到肉麻程度的叙述，姜大卫对文艺女青年尤其还有着闪电般的杀伤力，一劈即中，瞬时间就满眼冒星动弹不得了。

他的小身板和消瘦脸颊，不完美却总是光彩夺目，无比抢镜。随随便便一站就气压全场。
张彻的戏就不要说了，随便给谁捉个刀，风光都要盖过主角。李翰祥的《倾国倾城》，他本来只是演一个不起眼的串场小太监，导演却喜爱得一再加戏，成为主角之一，两场高潮的顶点。
年老了去演电视剧，抢戏得让一众年少主角几乎透明。据说在他还未出道，只是当串场武师只是，群战特写就要风压主角，被众人一致感叹实在“camera face”。
镜头太爱他了，抢戏无商量。
无关乎二三十年后看《报仇》的影评人都要说，有人纵使挑得出再多缺点，也生来就是明星气质，一点办法也无。
后面演员有这种气质的，便是梁朝伟了。他一出道便被叫“小姜大卫”，两人外型味道的确非常相似，尤其是眼神。对比阿尊《倾国倾城》里的小太监装扮，和梁朝伟《鹿鼎记》里的小宝，简直就是双生兄弟两个，更似乎是同一个人过了十多年也不见老。


 狄龙有着无可挑剔的外形条件，高大英武不用说，一张脸简直就是为“丰神如玉”四个字做注解而生的。为人谦虚勤勉，演技也了得。
亦舒林奕华迈克这些个刻薄的文人的笔，总爱把狄龙写得勤勉入世，把姜大卫写得出世脱俗。其实不过是龙哥很努力，阿尊极散漫罢了。
然而比起姜大卫的复杂气质，狄龙的确太过于浩然正气了些，以至于给人的感觉单一，耽误了一身好演技。其实比起古龙，也许金庸的角色更适合他才是。

自从出现了姜大卫，张导的镜头仿佛就生了强力胶，狄龙这个完美大侠纵使做了主角，阿尊也总有更讨巧的戏份。

所有的镜头总是热爱着阿尊的，张彻的镜头更是变本加厉。一个导演该有多么钟爱一个演员，才能将他的每一桢镜头都拍摄得如此完美。哪怕他只是客串，镜头也被拍得比主角还精致。
狄龙姜大卫这对绝代双骄里，张彻是偏袒得如此极端，两人最终的反目实在是没什么难以理解的。

  

近几年翻拍邵氏老片的十分时髦。最新的便是陈可辛的将张彻的《刺马》翻拍成为《投名状》。
陈可辛也是我挺欣赏的一个导演，但对于他这个选择，我实在觉得很不明智。

张彻虽为经典导演，但其实放到现在来看，大部分片子虽然镜头叙事仍然震撼，但倪匡当年的剧本其实窘得很，许多地方漏洞百出，改进余地很大，有翻拍的价值。
但独独这部《刺马》，却是放到今天仍然趋近完美的一部作品。除了道具简陋些，剧本台词，取景镜头，演员表演都可以说是无可挑剔。没有张彻一贯那种RPG的闯关模式，剧本对人性的探讨达到了前所未有的高度。狄龙，姜大卫和陈观泰与角色完全融为一体。
张彻拍男人的友情动天动地，戏里的女人常常连花瓶都算不上，傻里傻气，莫名其妙，总是一些不着调的桥段，简直碍眼。以至于无数影评人说他实质在拍同志爱，张彻高龄写书还专程为此辟谣。
但《刺马》里的女主角，却是剧情至关重要而不可分割的一部分。井莉的表演和剧本安排，镜头调度，却将女人心得转变演得可信可叹，有血有肉。

张家班的这帮演员，张彻每个都用熟到数得清楚眉毛，演员的特质把握达到百分之百，狄龙姜大卫好兄弟之间的默契更是无以复加。刘德华和金城武虽然也是不错的演员，但想超越这样的经典，实在太难太难了。

*老文，写在《投名状》上映之前

今天去影院看了画皮2和这部笔仙，说实话画皮2除了3D骗人+电影院额外问我要了15块钱让人不爽之外那可真是大片素质。何况蜜蜜好萌的。

然后就是这部《笔仙》了。关于此片有一个小小的八卦那就是同期稍微靠前一点还上映了一部叫做《笔仙惊魂》的电影。很多人一时间分不清两片加上此片有大牌演员梅婷而另一部一看就是个作坊片导致这两部片在宣传上非常的不清不楚。总而言之就不考虑这种赤裸裸的撞题材背后有什么阴险意图，姑且当做是一般巧合看一下这个片吧。

片子导演是一位棒国友人，我十分理解他真心想拍一部鬼片的心情，但遗憾的是射会主义没有牛鬼蛇神只有精神病人，这也就注定了此片不管出现多少妖魔鬼怪最后那肯定都是主角精分出的幻觉。相信有很多豆瓣蛋疼网友也是怀着这种想法连看都不看就给打1星了。其实何必呢。大家不是很爱看歪国精分片吗。比如《致OIO》、《记O碎O》、《克里斯汀贝尔之黑暗时刻》这种片大家不是都当做神作来捧的嘛。

虽然知道了结尾肯定是让人绝望的精分，但其实本片里还是有非常多的本格恐怖片元素的。比如死小孩的画、布娃娃、自己打开的电视机打印机之类的。吓唬人的手段十分老套单一但好歹有效，就是突然给个“嘭”一声的音效然后就搭配个诡异画面。没其它的手法了。值得一提的是导演对自己绘画鉴赏力的自信，在这所闹鬼的宅子里到处都挂着吓死人的画像而导演还不厌其烦的一个镜头一个镜头的给，但又不知为什么买下这房子的男主和住进这房子的女主都毫不在意此事。

关于结尾其实可以赞一下，从这里看得出导演和编剧（对拍一部鬼片）的执着。虽然大家把事情一股脑全都推到精分身上了，但导演还是努力使用纯正鬼片的演出方式诉说着自己的无奈和不甘。他的努力换来了回报，我想这部片子如果有幸能改个配音在外国上映，是一定会被当成一部普通的鬼片的。不愧是国际友人，眼界就是不一样。






那么最后本片最恐怖的地方来了。关于这个片子的整个剧情，只要在剧情简介的末尾加上一句“原来这都是精神分裂的女主产生的幻觉”就完成了。

于是………………笔仙………………在哪呢？？？！！！姑且不说笔仙了，连笔都一次也没出现过啊！女主角虽然是作家，但她用来写作的是电脑啊？！

难道就因为导演拍了一个韩国同名电影，于是他在中国拍的这部就也可以叫笔仙了？那是不是李安所有电影都可以叫断背山啊？吴宇森所有电影都可以叫放鸽子啊？还是说其实原来这片子里有大量的笔仙情节，但是被咔嚓了啊。

这部R级电影本质上还是一个爱情故事 男主爱女主 女主爱渣男 当男主发现女主的惊人秘密 他想拯救女主 当女主发现男主爱着自己 她告诉他爱她就要让她自由 这不对等的关系 一开始就是个悲剧 看到三分之一以为这是部悬疑片 三分之二发现这是部囚禁片 到最后才明白这其实是部爱情片...  (展开)

《爱的M型转弯》里，小江并无任何错，错只错在他爱上的是晨晨。
只可惜晨晨眼里看不到他。
没有人理解他的偏爱，他也不指望别人能懂。
爱情这点事，永远不是小事，却只是你一个人的事。


我这个人没什么别的嗜好，就好藏书。
书架上两排商务印书馆，最下面是金庸全集。
金庸的书我最爱《白马啸西风》。

犹记得结尾：
“如果你深深爱著的人，却深深的爱上了别人，有甚麽法子？”

没有《射雕》的落日荒城长烟处，没有《神雕》的只羡鸳鸯不羡仙，就这么深深的一句话，一见悲恸，每每想起便难以释怀。

就像歌词里写的的，我爱的人，不是我的爱人。
让我又爱又恨，她的爱怎么那么深。

黑格尔说得好，偏爱某一个人而且只爱这一个人的现象，纯粹是私事。
恋爱者只肯在这一个人身上发见自己的生命和最高意识。
而在这一次事例里，在某种情况之下，小江恰巧心血来潮，非爱晨晨不可。其实我们设想一下，小江和M在一起，未必不幸福；
晨晨爱上Jacky，也许仅仅是因为那天喝下午茶的时候阳光正好，也许是那一滴孤星泪恰好滴到了她心田，又或是Jackey从高处恰巧就抽到了她心仪的那本书。

爱情的这种顽强和固执说明既是随意的，又是必然性的；既是偶然的，又是唯一的；既是别样亦可的，又是非他不可的。

说到这里，想起米兰昆德拉的《生面中不能承受之轻》。托马斯和特蕾莎的爱情是伴随着6个偶然性开始的。可他却为此抛弃了那个理念中的另一半，那个与他一劈为二的柏拉图女郎，背叛了他爱情的“非如此不可”。

由此观之，爱情这东西，实在是非常可恶。

我就是爱你，就是不爱那个爱我的，合适的，最好的。

又有什么办法呢？

今年年初，由杨超执导，秦昊、辛芷蕾主演的电影《长江图》在柏林获得杰出贡献艺术奖。“货船船长高淳沿江而行，不断与一名日渐年轻的女子相遇，在诗集和航线图中，他上溯至源头，终于发现了她的起源和长江的秘密。”《长江图》的叙事结构和视听呈现在华语电影中，都是一次全新的尝试。它更近乎是一部魔幻题材的影像史诗，在时空变幻中寻找自己的逻辑，让梦与诗与影像重合。

高中旷课去录像厅看香港商业片，退学考取电影学院导演系，毕业短片《待避》、首部长篇《旅程》获得戛纳电影节金摄影机奖，杨超导演一直以艺术电影为坚持，并不断进行新的视听尝试。

杨超导演说他有三重身份，导演、导演系导演创作课老师、超级影迷。而我恰好是他作为教师身份的学生。《长江图》在我大三的那年开拍，参与的都是本系师哥以及周围熟悉的人。眼看它从一个庞大复杂的剧本，经历补拍、几十次剪辑，终于在柏林获奖。《长江图》对我们来说，总有别样情感。

水域、诗歌、行走、爱情，80年代末船工诗人的日记中，又有怎样的故事呢？


【其实我今天特别紧张，觉得不太像是采访或者对谈，更像是来做论文答辩的。】
杨超：哈哈哈，但你现在是记者身份了，应该非常的专业。

【先问下，我之前看的柏林版本和8号的公映版有哪些区别？】
杨超：旁白去掉了三分之二。上映版本旁白在长江中游的一个城市跟着一个地理设置停止了。这叫做“海潮至此回”，就是说船工为了省油都愿意赶海潮逆流而行，这个海潮的影响到长江中游一个叫彭泽的地点的时候会停止，在这个点之后也是最后一段旁白。这是内容上最大的变化。

其它的变化还有颜色上的变化，柏林的2K版跟4K像两个电影，画质很奇怪。加上4K之后颜色变得更厚更扎实，颜色是长到画面里的，之前会感觉浮在表面上。声音的变化更大，柏林版本整个后期时间只有25天，声音等于没做，这次的声音有非常大的改变，声像、声场、内容本身，花了三个月左右做了很多改变。

【画面没有做调整？】
杨超：比较小，零星几处。

【旁白去掉那么多，会不会更闷。】
杨超：如果是从类型片的角度来说，对，会更闷。但如果以艺术片的角度来说——我非常不愿意这么说——但它是挑观众的。可能它是在商业院线放映的华语电影中，难度最大的一部，比《路边野餐》难度还要大。因为《野餐》比较小，比较清新可爱，《长江图》很压抑沉重。

但我们不担心这个闷度是因为，对于类型片观众来说即使全加上旁白他照样会觉得闷，它不属于他们的观影类型。

【我知道电影中本身是没有旁白和诗的，尽管诗也是从剧中人物自己出发，但更多是为了弥补叙事，让观众理解在影像上交代得不清楚的地方，尤其是段落之间的连接。对你来说这是否是个妥协，还是觉得它能让电影更完整。】
杨超：首先旁白和诗歌这两者完全不同，旁白是某种程度上的全知视角，是外在于叙事的，也就是说增加了一个叙事的维度。诗歌是在叙事里边的。诗歌的内容稍有小调整，但是保留了你看到的2K版的数量，还是10首左右。诗歌是没法改变的，除非你改变整个叙事。

【我看《长江图》和《路边野餐》的时间很相近，差不多都是在去年年末，难免会拿这两部作品作对比。毕赣说《路边野餐》中的诗是完全独立的作品，只是与影片氛围相同才放进去。那么《长江图》的诗是什么。首先它肯定是为了剧本去创作的。】
杨超：毕赣对自己的看法很清晰很准确，《长江图》和《野餐》里面的诗是完全不同的两种用法。《野餐》的诗就是文学作品，跟影像形成一种混搭。《长江图》里面的诗完全是影片的主人公高淳在80年代末的时候写的，这个诗也是在故事中他与女主角相遇的契机，所以它不是外在于故事，而是故事的一部分。

其实我比较不同意观众在第一遍看完的时候觉得它是部诗电影，或者影像诗，或者说影片有很强的文学性，这完全是需要再看一遍的。跟《野餐》的文学性或者散文式不同，《长江图》是个完整的故事，如果说它有点文学性或者诗意，这其实是来自我写了这么一个当年的文青的人物。因为他的身份，使影片带有一定文学性，并不是说电影的质感或者本身的结构有文学性，完全不是这样。

【就我作为观众的感受来说，《野餐》里的诗是非常有灵性的，轻易就能被我抓到，但《长江图》里的诗我不知道该怎么去评断它，不知道应该用什么词去总结这种风格。】
杨超：当你试图去评价《长江图》里面诗的时候，你不由自主还是在把它当做文学作品。它是80年代末一个跟着父亲跑船的文学青年在沿长江游历的过程中，经常停泊一些奇怪的码头和港口，他有感而发用钢笔在稿纸上写成的一本诗集。是他所处的长江这个空间，80年代末的时代氛围，还有这个人的文青身份，三者共同作用出来了这种文字。所以文字的味道和气质跟2016年的当代诗歌是完全两回事，他应该更属于北岛那个时代，是断言式的，宣告式的，彻底否定式的，有很大精神硬度的东西。和这个时代某种更清新的，更个人化的诗歌是两个时代的。那是一个个人对历史发言的时代。今天的文青说，我要去旅行，我要去经历这个世界。那个时代的文青说，我要改变这个世界。它带有疯狂的否定现实的意图。

【可以理解为就是主人公高淳发的微博或者朋友圈。】
杨超：对，可以这样理解。

【这个故事为什么是从冬天开始？除了当时我们放寒假你有时间拍摄这个原因外==】
杨超：哈哈哈哈，暑假时间更长啊~在前几次采风的时候，我经历过一个寒冷的冬天。那时我，其中一个制片人，还有一个叫麦子的流浪诗人歌手三个人一块儿在上海搭船想要做一次采风。马上要过年了，船都停航不愿再走，制片就说咱们回家吧，我说不行必须得搭船看看长江什么样子。制片被逼无奈就沿着长江的一条支流（因为支流才能停很多小码头）一个船一个船的问，跑了一整天，居然就有一艘是安徽铜陵的货船，兄弟俩船长要回家，就带着我们搭了这艘船。从上海到铜陵经历了四天的航程，冷到要命。岸上都是万家灯火和鞭炮声，江上只有一条孤船。船上只有一个床，一床被子，船工把床和被子让给我们，三个男人每天就抢一床被子，把所有衣服都穿在身上。货船不防风，带着水气的寒风渗透到每一个角落。

那一次我对冷有了一个特别深的印象，也拍到了后来的短片《信史四章》里的主要场景。它给了我对冬天长江的深刻的印象，我觉得它更接近于我想象中的长江，或者说老长江。（到夏天长江会变得更明亮更暖色调，有很多嫩绿色暖黄色会出现）。经历了那次航行之后我就喜欢上了寒江的调子，最后就选择了拍寒江。跟宾哥（李屏宾）商量过后，他也觉得是这样。寒江的长江更多的保留了我们脑海中唐诗宋词的长江的气质。

【看过你前几天在武汉的一篇活动实录。有句话我特别喜欢，你说，尤其是夜晚、白天的光线消失的时候，我独自站在船头，轮船驶入旷野的时候，我感觉这是一条唐朝或者宋朝的长江。就像看完《聂隐娘》的时候有个朋友跟我说，好像看了一部唐朝的电影。对于河流水域和历史文化的关系你怎么看？】
杨超：巨大的河流是保留了传统中国信息最多的地方，其实陆地上保留的特别少。我听说《聂隐娘》是在奈良采景，因为大的唐代建筑在中国很少。陆地上的庙宇建筑保留的文化也已经很少，只有河流保留得最多。但是必须得到某些时刻，白天还不行，得到船走到城市之外的时候，等到光污染都消失，你站在船头，（因为船本身也是现代的造物，也有光污染），再看河流以及两边的江岸。旷野中没有什么人居住，前面是山或者云，这时候其实没有任何光你怎么能看到东西呢？人眼就是这么奇怪，就能看得到。看一会儿黑暗中的层次就会渐渐浮现出来。那时候你看到的就是天光，就是月光或者日光散射的一种光，自然光最暗低照度的感觉，特别漂亮，但是拍不下来。我们有宾哥在，有最好的感光胶片，但依然拍不下来，只有一片漆黑。造物主给了人类一个礼物，你的眼睛是任何器械和科技都做不到的。

【我觉得《长江图》是一部对观众要求非常高的电影，不仅仅是看懂剧情或者感受画面这么简单。它需要你去透过它解读其后的内容，甚至是与之完全不同的内容。还要有充分的想象力。比如刚才说到的黑暗中的层次，比如导演拍了江水，你要想象波纹的样子，拍了山路，你要想象夜间山路的味道。所谓“造物”，是有一半需要与观众共同完成的。这是否也是你所追求的？】
杨超：最好的电影都是这样。我们在看最好的电影的时候，就跟看世界一样的感到奇怪，好电影一定会留下你去参与的空间。类型片当然相反，类型片是让观众躺着靠着内容直接塞过来，你都不用伸手张嘴就能得到。这是一种电影。我做的电影更像是我们在看生活，用肉眼看世界。

比如你在公共场合旁观窥视他人的生活，你会发现你的脑补能力超强的。你看到一对情侣吵架，只要只言片语就能猜到他们生活的其它层面，巨大的生活就扩展了出来。甚至有的时候你在交通工具上看到不说话的一对情侣，都能看懂他们眼神之间的信息量。这说明我们每一个人对世界都具有解读能力。最好的电影是开拓而不是遮蔽这种能力。类型片其实没有能力开发观众的这种能力。我也看太多商业片，我也需要乐趣色情暴力动作，需要生理的愉快。

但一直以来都有另外一种电影，它试图去开拓观众解读世界、认知世界的能力，这类电影也不少。只不过中国观众只看到表面这些东西，忘了有其它的存在。并不是说大家都听流行音乐，古典音乐就不存在，它一直存在，也有很多人喜欢。并不是说那边十个人，这边一个人，十个人就更有立场更有道德优势。
我比较反对对于严肃和艺术的敌视，因为它是一种精神生活的享受。当然如果只有艺术片一种，也是暴力。但现在的问题确实是，商业片在中国当下的阶段里面，暂时过于强盛。

【反而观众得到了类型片很好的训练，一个特写，观众都知道这是重要交代，是之后剧情的线索或者道具。已经很擅长这种抛球一样的训练。】
杨超：观众就是在类型片一次次的训练，达到饱和之后，才一定会喜欢艺术电影。我举一个特别明确的例子，恐怖片。恐怖片想吓唬人太难了，像去年的《他在身后》，虽然也不是特别好，但它被称为神片，原因就是这种类型化的模式已经吓不住人，观众已经会有免疫力。艺术电影就是在为类型片开拓新的观众没有免疫力的影响手段和打击能力。它们应该是互补存在的价值。

【所以院线观众看《长江图》的时候会很失望，因为他看了几十分钟后会觉得导演没有抛东西给我，没有能让我准确接到手里的东西。】
杨超：说实话我是非常担心这一点的。这是一个无奈，其实《长江图》这样的电影是不应该在商业院线里发行的，这种发行本身对观众也是种伤害。观众没想到会看到这样的东西。他的精力、预期、接收的广告，让很多观众进电影院都会有惊异和错愕。侯导这么大的声誉，《聂隐娘》还带有武侠的类型，很多观众仍然觉得自己被骗了。这个错位不是我的责任，这没办法，我没有艺术院线放映。这是对这类电影的巨大伤害。观众很郁闷，电影口碑也一定会下跌。导演和观众都解决不了这个问题，只能看这个市场能不能繁荣到某种程度之后会出现市场的细分，那时才能正常健康起来。

【但《路边野餐》得到了一致的好评，在普通观众中的口碑也很好。】
杨超：《野餐》首先完成度很高，它有很多可爱的东西，是属于这个时代你们这个年纪的人比较容易接受的东西。它很清新，它的文学很有灵性，容易从个人角度打动人，它格局很小，在大家理解起来不会有太大困难。毕赣是在自己完全可以掌控的范围内，做了一个本身非常精巧玲珑的东西。毕赣也是这些年来新导演里面做视听语言最好的。

《长江图》有更重的负担，它做了一件疯狂的事情，不管是在文化意义上、影像意义上，还是在承担的叙事结构的突破上，都提出了甚至是我本人和那个时代的中国电影都很难支撑的要求，它是一个比较疯狂沉重的作品。这种作品观众肯定需要一段时间来体会它。

【《长江图》剧本过于庞大了，超过了电影的承载量，我会觉得无论怎样用影像处理，都是很片面的。】
杨超：是这样。

【那你觉得喜欢《野餐》的人会喜欢《长江图》吗？】
杨超：很大一部分都会。但是《长江图》里面有关于历史文化，有80年代历史反思，它对观众提出的这种要求有时候可能会冒犯观众。它有复合的主题群在里面，你甚至很难说哪个主题是最主要的。观众需要整合的信息量特别多。我只能说很有期待，但是不敢抱太多期望。

【我在已经很熟悉的剧本的情况下，第一次看完片还在想，如果对剧本陌生的观众，肯定看不懂。】
杨超：是的，第一遍对观众要求很高。但也不一定，在柏林放完后我在豆瓣上就看到了一篇影评，已经把两个时空的地图都画出来了，可能记错了一些名字，但依然很厉害。有这样的观众，虽然是极少数。

【你说在武汉上学的时候走廊尽头能看到长江水，对长江的理解也是从那个时候开始。在《长江图》里，或者是某段中，是否有还原那种体验？】
杨超：整个事情的出发点是来自于我对长江的这种个人感受，到现在每次我看到长江的时候还是会忍不住看。这个事情可能只有我做最合适，你们都不会是。因为你们的信息量很大，会关注的东西很多，我在年轻的时候没什么好玩的，自然界对我来说最神奇的事物就是长江了。这对我来说是很个人化的依恋。所以我拍它的时候其实认为最好的东西并不是我拍到的，不是用胶片拍到，也不是用DV拍到，而是我自己眼睛看到的，那些瞬间根本无法重现。尤其当你带着一个剧组在一定时间拍摄，那时候长江给你呈现的瞬间就没法选择了。如果是我一个人，就可以选择我看什么不看什么。拍摄的时候，最好的长江已经不是我看到的长江。

【从模糊有要拍长江的想法到现在已经有十年，剧本创作花了三年。你说只有最杰出的大师在最黄金的时刻，他们才知道怎么拍，剩下的大部分时间对导演来说都是苦役。对你来说，《长江图》中哪些是灵光哪些是苦役？】
杨超：导演的工作你也做过你当然知道，它太琐碎了，大部分时候都是苦役。你会被一个声音靠前一秒或者靠后几帧这个事情耽误十几分钟，如果整个片子的构成都需要这么去做的话，你会发现太累太繁琐。你感到很辉煌的时候，其实是那种你正确分解了这个时空的时候，就是你觉得你抓住了这段时空的气质且抓得很准，景别选的对，此刻镜头和人的运转都对，甚至老天也很配合。这个时候你才会感到一点成就感。

每一段镜头里面都既有灵光又有苦役，苦役是充斥在每一时刻的。好的时刻是我们拍到了满意的东西，比如雪、黑暗江河那段灯光打亮石壁的镜头、河边隔河对望的镜头，还有中间的船、两岸的关系，完全按照我分镜头的逻辑拍下来。

【我最喜欢的一个镜头就是船上的灯光打到夜间的山路上。】
杨超：那个镜头气质很好，但并不是最理想的状态，最理想状态是能够更复杂的拍。你们看到的是有点分解开的镜头。

我最初设想的是，在一个镜头之内，让秦昊在镜头前有一个小的入画出画的动作，镜头在船上的一个轨道和吊臂上，然后多年前的那条广德从左侧驶过去，而右侧山上是那个女孩的脸，中间被一条光柱连着。这样的话我们就能先看到光柱，再看到秦昊的脸，再顺着光看到女孩，当女孩继续走的时候我们再顺着她返回来，看到光柱略过整个船。光本身把秦昊的身影打量再刷过去，中间光的两端连着新广德和女孩，刷过旧广德，一个镜头全拍下来。

【其实是在用魔幻的方式拍一部电影。】
杨超：我要的是一种现实的魔幻，要拍出来时空本身的魔幻。我从来不想做出一条龙出来让大家觉得特技有多好。这个镜头我太想拍到了，但是我的资源做不到，要在小三峡里面有更大的操作平台才行，需要另外更大的一条船作为平台在江上固定住，要能站得住脚，但我们的船不停在晃，就没法实现。

【还有说到沉灯的一场戏也没有拍成。】
杨超：那场戏是影片中段的一场。他们开着广德路过了长江的一条小支流，并不是很宽。船拐过一个弯，秦昊站在船头引航，忽然发现两岸各站了数百人，都是当地的村民。他第一反应就是，这是江匪吧，船就减慢了速度。再看，不像，有小孩有妇女。船继续向前开，忽然间两岸的人发一声喊，向两边跑去。才发现他们拖着一条巨大的粗绳子在跑，随着他们向两边跑，一条巨大的缆绳像条蟒蛇一样被他们从水里拉起来越升越高，中间部分出现了一盏青铜制的大灯。灯越过船头，被拉到很高很高的位置，秦昊眼看着船从灯下面过去。灯滴着水，滴到秦昊的脚边。船越走越远，秦昊回头看，不知道发生了什么。当船再走远，他们看到灯里面亮起一团火。

这是我第一次用语言表述沉灯这场戏，也是剧本中相当重要的一场戏。

【这段是一个景观还是对叙事也有影响的？】
杨超：长江图的叙事不是传统的叙事，它是用整个山河大地一起来叙事。所以当你觉得它是景观的时候，其实是，当沉灯这场戏开始之后，后面他们开始在长江相遇，魔幻的事情就发生了，这是对这个故事的某种暗示。观众会被这个景观所镇住，觉得很神奇。我们试着拍了一次，但是失败了。我们把灯都做出来了，花了将近一万块钱。但是当这个灯被拉起来的时候，胶片已经开始转，绳子断了，所有人眼看着灯掉到水里。我们可以把灯捞起来，但是绳子只有一条。那是条钢缆，如果钢缆直径多一倍的话也不会断，制片为了省钱选择了较细的。我们大家都疯掉了，准备了一整天，就放弃了这场戏。

【从一开始定位的魔幻现实题材，还有要做独特的时空结构，到现在的独立女性定位，是怎样发生这个变化的。】
杨超：是因为宣传方觉得魔幻现实这件事是一部影片的逻辑，并不是观众理解的那种魔幻现实。《长江图》的魔幻是在时空结构的魔幻上，这其实是更内在的魔幻，如果你把它作为一个宣传点，观众可能想看到那种奇特的东西了。（蜉蝣：比如看到一条龙~）船行驶在女性身体里面不光是爱情或者情色的意味，其实也带有某种女人和长江可以互通和类比的概念在里面。

【前几天发布的女体海报，你说“逝者如斯，必有人重写爱情”。怎样看待华语作品中这些所谓文艺独立的女性形象？安陆的身上是否有余虹的影子。】
杨超：安陆这个形象在中国电影史上没有出现过。你要说她是一种进化也可以。余虹这个角色也很独特，但她是某一类我们依稀能感觉到的女性的一个典型，我们周围或多或少有点余虹的东西在。但是安陆在生活中和电影中都几乎没有，她是一个疯狂的做终极追求的女人，就是男人去写诗，用诗歌言说真理，而女人却把那个真理当做完全用自己身心去体会的事儿。相比较之下男人显得很弱，而女人显得很强大。有种“你们当做拿出来说说的东西，而我是会问到心里去的，并且看我自己能不能做得到”的感觉。

【所以它的内核跟《旅程》是非常像的。】
杨超：没错，她可能是《旅程》那个女孩的延续，她不是像余虹那样在爱和爱的某种细节中纠缠的人。你能说安陆在追求爱情吗？根本就不是。她可能在整个逆流航行中的一两处我们感觉到她有女人在爱中纠结的特征，但更多时候她根本就不是一个在追爱的女人。你可以说她是在爱和修行中纠结，但最根本的逻辑还是说，“我应该怎么活着才能不给这个世界增加负担。”这曾经是剧本中的台词但是被删掉了。她这样问高淳，但是高淳的回答是，没有可能性，只要活着，就必然跟别人争取生存的资源，所以她又去去问和尚。这句话曾经给安陆造成巨大的精神困扰，最后她觉得算了我就不活着了。所以她的自杀有种寻求解脱，想不通这种问题的状态，她是把这种问题会当真的人。我们也会思考人生思考终极问题，但我们考虑一会儿就会拿现实中的一些东西来回避它，我们就会寻求温情、温暖、忠贞、爱情来逃避这个问题。我写了这样一个电影中的女性，她是永远不回避这种问题，她要问到底。

【我可以说安陆是一直在淡化个人形象的这样一个人物设置吗？】
杨超：是这样的。曾经有一个人问说，安陆追求宗教信仰和修行是不是因为生活太苦太残酷了。我说你完全看反了，安陆从来没有觉得生活苦，而是她怕自己给这个世界增加麻烦，她是反过来觉得自己欠了世界的。我们看到她是一袋土豆就可以交付身体的人。她最初跟高淳的激情戏也是完全付出的状态，像妻子一样的温柔。她已经有了那样的认知之后，其实是一种告别。她之后也说出来那句话，只不过我觉得观众不会明白。高淳问她说，“一定有很多人爱你”，安陆回答， “我也爱很多人”。高淳在那个时候完全不明白这句话是什么意思，观众也绝对不明白。但这句话是她修行的结果。

这个电影给出了所有的答案，只不过大家可能实在没有耐心看。奇特就奇特在，最后的结果我是在最开始观众不知道的时候就已经偷偷塞给他们。我们来看看这个捉迷藏会捉到什么时候为止吧。

【在豆瓣看到了一条短评是：毕竟导演自己说“如果你们觉得那条鱼是女主，那真是太没水平了”。这句出现在哪里？】
杨超：哈哈哈哈哈。好像是柏林的时候。把女孩直接理解为鱼，或者长江的化身，也都是艺术电影看太少了。刚才跟王红卫老师，前几天跟方励老师都聊到这个事儿，他们俩都非常强调的说，我们应该区分这三种电影，类型片，文艺片，艺术片。大部分观众是只看类型片的，甚至只看类型片中快消品那个级别。中国观众甚至连好莱坞的好类型片都没有完全接受。这个情况下他们不会去区分后面两种是什么意思。

中国的专业影迷，就是你们各位代表的，我觉得也要补上这一课。《长江图》是文艺片吗？当然不是。有个媒体问郑洞天老师艺术电影是什么情况，他说中国每年生产的艺术电影不超过十部。红卫老师说，都说电影学院精英教育培养大师，拍点大家都看不懂的艺术电影好像电影学院有这个原罪似的，但电影学院在培养艺术电影导演这方面其实做得太不够了，艺术电影太少而不是太多。大部分、甚至专业影迷都把文艺片当成艺术片，这个是方励非常痛苦的一点。

《百鸟朝凤》明明是一部文艺片，却被很多媒体形容为一个小众的艺术电影，这影响别人的接受度啊。人家的电影是一个大部分人都能明白的一部特别传统，特别经典扎实的故事，这个故事是普通商业片观众一定能接受的，你说《百鸟朝凤》是小众电影，这不是害人家么，人家不应该接受这个损失。

所以这三个概念区分开，对每一种类型、每一类导演都有好处。比如说对最极端的艺术电影来说，如果每年中国只生产不到十部艺术电影，这类电影的稀缺性和价值也会凸显出来。

这三者的区分可能对观众来说不重要，观众现在还处于类型片还没吃饱的状态。但是对媒体，对专业影迷，区分这三者是对建设我们的环境特别有帮助的，也能让很多电影准确的抵达观众。

【我一直都没有机会看到《信史四章》，它就是《长江图》的采风素材吗？这种用影像而非文字组织电影的颇为耗时的初期创作方式是更接近于自己的梳理吗？】
杨超：就是在已经有了念头拍摄的时候，还没有写出来剧本，因为我的习惯是先有空间和在这个空间里对时间的感受，再去产生你们说的故事，那种情节的东西。所以我在想拍长江，想拍一个爱情故事之后，就去采风了。

对，是耗时的，《长江图》正常来说确实不用那么长时间，如果按正常速度我们应该在2012年完成，06年有念头，08年写剧本，四年的周期拍一部这样的电影算是正常速度，后来又拖了四年其实是和这个电影的规模有点超出中国电影市场的支持有关系，我们需要的资源太大，也是我的毛病吧，总是提出野心极大的计划。在2012年拍摄的时候我们需要跨越长江流域，这么多的场景，并且在最初的剧本中每个场景都要有年代感，我们试图在每个码头都恢复每个码头的年代感，当然后来放弃了，这根本不是我们能做到的。我们拍完第一期就停机停了一年半，才拿到第二笔钱来拍摄。

【印象里你跟我说剪了六七十版。】
杨超：我觉得都不止。最初在剪接的时候有两个东西限制了剪接的正常进展，一个是原始剧本非常完整，文学魅力也很强，我和剪辑师都想恢复剧本，这是个很大的问题。因为拍的时候本身就已经做了删减，应该按素材来决定新的走向新的顺序，但是我们很久没有回过这个神儿来。

还有一个就是老想遵循从上海到宜宾的严格地理顺序，像你们看到的还基本是这样，但是有小的地方不符合这个顺序。想让大家觉得它看起来是魔幻的叙事，但是却和中国的地理现实一模一样。现在我们是在关键点做到，比如三峡大坝，它对于长江的作用就被我置换成了剧本中的一个巨大的叙事的因子，直接作用在叙事的时空结构上。

【最早我在知道《长江图》的摄影是宾哥的时候就特别兴奋。不仅仅是因为他与侯导的合作，还因为在长江拍摄，有很多突发和不可逆的状况，他是少数能在现场把握住这样唯一的创作时刻就拿出最好影像的人。包括《旅程》和《待避》，都是用了最好的摄影。但有一个问题是，摄影越好导演就会越弱，越有个人风格的影像，就越对导演有影响。作为导演你怎么平衡这些？】
杨超：摄影越强导演越弱这个事儿只存在坏导演身上，任何一个成熟的电影导演都不会有这种问题。新导演可能会面临摄影师在技术上的压力和挑战，我是在自己手持拍完《信史四章》之后觉得自己对影像有了一个非常完整的把握。宾哥也看过《旅程》，了解是什么样的结果。而且他是一个人品好到不行的人。他自己说，摄影师没有风格，摄影师的风格就是他如何能调动全部的工艺和专注度来配合导演的风格。比如你看《聂隐娘》或者宾哥给侯导之前拍的电影，是跟《长江图》有巨大不同的。这部电影崭新的架构，这种中西合璧的审美气质也激发出宾哥崭新的一面来，也得到了对他来说很重要的影像的承认。

【在配乐方面做了哪些要求？有点奇怪明明是很古韵的长江，但偶尔能感受到工业电子感。】
杨超：片子中用了十首曲子，有一首是安巍老师做的，是出三峡之后追寻的那段。另外的九首是找的版权音乐，片尾字幕分别列出了曲名和作曲者。因为时间关系，我对音乐又很挑剔，一直都没有找到合适的人来做，只能选择更保险的方法。现在的九首来自三位大师，美国的David Dalring，德国的哥特大师永恒沉睡，还有法国的新古典组合叫黑暗避难所。这三个人都在小众的暗黑系音乐中很厉害。我们挑了他们在音色和音质上特别贴合的东西来配合水的质感。

这个影像如果配上古筝的话就成央视的专题片了。从一开始我就知道这种东方的意境是绝对不能配民乐或者传统乐器。我需要有厚度的音乐，而不是聪明的音乐。最理想的当然不是选曲而是找人来做，我希望这个人有哥特音乐、工业噪声、电子乐的修养，又有古典的素质，这样就能用长江上的元素，水纹、水声、远景近景的波浪，钢铁的呻吟声，木板和钢的摩擦声，发动机的噪声，用所有这些构成类似噪声的乐曲，有时候你能听出旋律，但更多时候像是背景。这个是最理想状况。但是所需要的时间和资金不是我能做到的，这也是没有完成的理想。

【想谈一下演员，男主角秦昊是文艺片出身这个不用说，但之前我有采访过他，感觉他本人并不是一个文艺青年，而且也表示一直想往商业片这个方向靠近。对他的表演你怎么评价？女演员方面是怎么选到这个对大家来说还比较陌生的新人？】
杨超：你采访他是在今年，正好是秦昊转型的阶段。他坚持了很多年文艺片，始终是只在最好的电影中出现的演员。对导演来说这种坚持是很可贵的。他是不是有文艺气质，是不是文青，是不是阅读者，我觉得对演员来说不是关键的，演员只需要能在现场非常自然精准的对时空做出反应，这是好的电影对演员的最基本需求。如果演员能带出个人魅力个人强度当然更好，但并不是说我们需要他本人具备更多自己的东西。而高淳这个角色是有点难度的，会给演员提出除了基本之外的要求。

女演员是在当时的档期和条件下我们所能得到最好的，试过很多人的戏，都不太满意。辛芷蕾对自己的表演也不太满足，觉得自己演的不好，但是这个不好，可能换任何演员都是一样的。像我之前说的，这个角色是之前从来没有出现过的形象，她又给演员提出了很多前情的要求，又是逆着讲故事，你很难从一个正常逻辑中找到心理线索，去抓住这个人。对《长江图》这部电影来说演员的表演并不是影片的关键因素，我一直相信最好的电影是心向，演员如果能和时空联合在一块儿，在时空中不违和，像山川、湖泊、江水、空气，都会帮助他去表演，共同传达给观众这种气质。

【电影中没有刻意的设置方言。】
杨超：这不是一个具体在某个地方的电影，它不是涉及到关于宜宾的或者关于武汉的，这是纵贯全流域的电影，它几乎是中国全部的腹地。所以你具体到一种方言也很奇怪。另外这两个人物是那个时代的文青，不管来自于哪儿文青都会说普通话，要说方言反而会刻意。方言在某种程度上会遮丑，因为方言电影会带信息量。但《长江图》不需要这么遮，我也不太在意和依靠现实质感。

【有没有一些电影中埋的点是大家很难发觉但是你又不想让他们错过的。】
杨超：有太多，我可以问你一些，比如高淳为什么把诗集撕掉呢。如果你能回答这个问题，这个故事就完成了闭合。在柏林放的时候有个影评人第一次看说很赞，但第二次看他立刻就发表信息说这不是诗电影，而是完整的闭合的故事。这个影评人是我特欣赏的，我没有提示他，他自己看第二遍明白过来了故事的逻辑。

这个故事的闭环需要你理解片中几个关键点，比如诗集是谁写的，最后坟墓边上的老头是谁，在源头回头看的目光跨过一段纪录片的影像到女孩身上，到底是什么意思，这些都get到才能知道它讲的是什么故事，不然你会以为它是导演像散文诗一样的自由书写，但其实它是故事。

【电影可理解的维度很多，比如人与自然、两个人的爱情、历史的角度。观众在看的时候，哪个维度的理解是最能让你惊喜的？】
杨超：我会欣喜于观众的任何维度，只要这个维度是他感受来的，而不是他在看电影的时候试图被我告知的。《长江图》避免的就是告知观众，它想呈现给观众一个世界，让观众去撷取。

【我记得大一的时候老师给我们放了阿彼察邦的《祝福》和贝拉·塔尔，当时看得特别难受，完全不能理解。是最近的几年才开始觉得能懂他们的作品。近几年你最喜欢的作品是什么？】
杨超：艺术电影里一直都喜欢贝拉·塔尔比较多，阿彼察邦更多是欣赏。也很喜欢锡兰，他特别聪明，《小亚细亚往事》很棒。商业电影喜欢的蛮多，我觉得罗宏镇很厉害。

【但是《哭声》的镜头好土，几乎没有做视听语言。】
杨超：所以我说《哭声》是个反类型的类型片，你要说《哭声》镜头土的话，我觉得《黄海》和《追击者》更土。看起来很炫，但就类型片来说，那才是真的土。就艺术电影来说他确实没有什么视听的开拓，但就商业片来说敢这么拍就已经太厉害了，他已经证明过自己能拍《黄海》那么炫，现在不想做炫了，就录下来给你们看。它是特别好的文艺片典型，也是最好的商业电影。上一部这么好的商业片是《杀人回忆》。

///2000-2016年杨超导演的个人十佳片单///
《都灵之马》，《哭声》，《杀人回忆》，《牛皮》，《黑客帝国》，《祝福》，《玉熙的电影》，《疯狂的麦克斯：狂暴之路》，《恋曲》，《女导演》

【毕业之后最想念学校的地方大概就是能有人一起很深度的讨论电影，甚至拉片。而现在所谓的电影人交流，也只是停留在你喜欢某个导演，我也喜欢，这样的层面。而且非常少有人能从美学风格、镜头，这样偏专业的方向去解读一部作品。对于想更多了解一部电影，或者说在这种无法讨论的状态下，你比较建议大家怎样去“自学”电影？】
杨超：这确实是个问题，讨论的环境非常重要。好像只有上学时候才有这样的环境，但你们那时候好像还没觉悟过来好电影是什么。你们可以自己去组织一下，特别有价值。

我是跟一个朋友一起看的《哭声》，看完之后两个人面面相觑，觉得只懂了20%。两个人立刻开始查影评，再聊一小时，算是明白了80%，过几天再重看，才算知道导演在想什么。这是很享受的一个过程。

【到现在还记得那时候你跟我们说，这个世界上只有一个职业比导演更酷，就是革命者。在带过的这几届学生身上，你是否在某个人的作品，看到了真正以导演的能力在制造光影的瞬间？】
杨超：有，在很多他不自知的时候都拍到了，但是这些瞬间能不能被他保存下来，这个基本都不能。导演能力只能在一次次的拍摄中得到训练。

还记得会看《寻人大师》是在一个没课的下午，慵懒地打开第一集，然后就没有然后了。看网上的评论也是褒贬不一，但是我一直在看，不为别的，我只是想要看到剧中那几个核心人物的结局，我觉得这部剧看似是寻找生活中的各类东西、人、事物，但其实最终是一个寻找和发现自我的过程...  (展开)

  中国在日益物质和空虚的哈韩哈日中 忘记了心的疼痛，只记得没有名利没有官吏的疼和痛 虚荣和追捧日益统治中国土地民众之心的时候，没有梦想的中国人 疼痛的看到爱的光芒 刺痛心房。用爱拯救 是这部电影的主题，用爱洗涤日益寂寞，空虚，孤独，虚脱，弥乱的中国法律。当一切的国难发生，我们才想起大爱的岁月里，疼痛难忍告诉我们 真正的爱 是疼的 是不舍的 是迸发无奈中绝望的光明。

好看，雖然故事也是很簡單很普通，而且女性角色的選角和演出都很雞肋，但換個角度來看裏面的鏡頭和飛車場面的設計，還有劇本如何有效率地塑造角色性格與彼此間的張力，香港銀河映像的電影在技術上是很厲害的。

劇情走警匪類型的套路，年輕氣盛的主角必定會遭遇失敗挫折，即將退休的搭檔必定會遭遇不測，但情節的動力即來自片中正反三人的角色設計。電影開頭余文樂追逐超速跑車失敗，夜晚非得開自己的跑車來板回一城，點出其沉迷於飛車不服輸的性格，之後他遭遇黑道車手郭曉東的挑戰兩度失敗，第二次還賠上了搭檔黃秋生的命，這都積蓄了片尾高潮的張力。同樣地設計黃秋生的角色第一次指導主角追逐路線第二次指導狹巷轉彎的技巧，第三次終於忍不住親自開車相救。

這些都點出了車手放不下飛車追逐的宿命，余文樂白天是警察晚上變成飆車手，或是黃秋生久不開車等待退休，但看到像自己年輕時的後輩又忍不住又握起方向盤，他們追逐著郭曉東就像追逐自己的陰暗面。電影裏常有大量的人物表情和引擎的交叉剪接也表現出人車相互依賴的心結，而大量的開車追逐場面都是在陰暗的山路或小巷，速度的變化與人車合一的描寫也都很有味道。

最後余文樂單挑郭曉東，黃秋生的話語在余文樂腦海中響起好像是歐比旺叫路克使用原力一樣，余文樂終於不再追逐對手的車尾燈而是掌控自己的車跑自己的路(天知道那是什麼意思？)，最後終於擊敗對手。但余文樂下車後看到郭曉東仍然無意識地踩著油門但車已無法前進，就好像看到自已宿命的另一個可能頗為意味深長(當然可能有點過度解讀)。

至於片中三位女角，大S的角色算是個必要的花瓶，她見證了男主角角色變化的三個階段，雖然演出一位醫生似乎沒什麼說服力。何超儀演出警察隊的上司負責指揮追捕行動，大概是為了調濟警察的陽剛味，但她略顯風騷的打扮感覺怪異的很不合時宜。葉璇演出黃秋生的妻子算是比較有表現的，但三十出頭的年紀和黃秋生演對老夫老妻頗為奇怪。

      高喵是子墨导演的剧，不禁让我们联想到由子墨导演的另一部剧--《报告老板》。既然都是子墨导演的剧，自然可以看到很多相似之处。比如子墨对场景和道具的选取都很认真，看起来不会有临时抱佛脚用一些仅仅是过得去的道具，这也跟子墨是美术专业的有关，他个人对视觉上审美的要求比较高吧。类型都是搞笑短剧，但是内容的形式上，《报老》走的是间断的小短剧，集与集之间没有剧情上的连续性（这点跟《万万》是一样的），而高喵在从集与集之间的联系算是比较密切的，叙事性强一些。因此在要满足叙事的前提条件下，再将剧情和谐自然融入槽点就是这部剧与其他剧的不同，也应该是编剧的一个难点所在，没有一个可以直接吐槽的引子。个人认为，子墨可以加强在叙事方面的描述，用剧情去吸引观众，再让笑点穿插在剧中，让观众在剧情氛围影响下发笑，这点和子墨导演的《报老》是一样的原理。目前觉得不足之处在于剧情不够引人入胜，以你们的才智一定能做得更好，相信你们。
     说到这部新剧《高喵》，不禁会联想到叫兽导演的另一部脱口秀节目《学姐知道》。叫兽从单一的网络搞笑短片形式开始慢慢拓展新的路线，脱口秀，有剧情的连载短剧，到以后会是正规连续剧甚至电影，叫兽导演的功夫已经登堂入室了，就要向炉火纯青的程度发展，当然叫兽也不忘“培养”我们家可爱的小默默导演，我们小默默导演的剧也是很棒哒~

    《家产》落幕了，四位手足姐弟，为了父亲留下的，一栋价值300万的房子，扯破了脸皮，上演了全武行的戏码。老大为了给儿子结婚、老二和老父同住，没有了房子，就没地住了、老三两口子工作最好、学历最高，不知道是不是知识学得太多了，以至于精明的过头了。杀死都不肯吃亏，有点便宜都要赚，死抓着房子也要分得一杯羹。大姐倒是什么都不要，可是弟弟们却都要大的来评理，没有办法避免的卷进这样无休止的争论。
    就在大人们在前面为了房子冲锋陷阵的时候，后院家里的孩子却频频出现问题。老二家的女儿失恋闹自杀、老三家的女儿遇人不淑，还怀孕了……当种种的事情发生之后，他们开始反思，之前的行为，房子是不是真的有他们想的那么重要？最后大哥的车祸，让全家人知道什么是血浓于水，最后家和万事兴的happy ending .
      电视剧照进现实的时候，这次是那么真切的、刻骨的、血淋淋的。这样的亲姐妹兄弟为了遗产打破头的事，到处都是。看着那些父辈们的人，做着这样事情的时候，身为独生子女的我们，是不是该想，还好父母只有我们一个，他们百年之后，没有人跟我们争的庆幸中。
争与不争，都是个人的想法的不同，从来都没有对与错之分。有的更多的是亲人之间的相互爱护、理解、体谅、体恤、包容。争与不争，让与不让，从来都不是所谓的道德的关系范畴，所以道德没有办法解决，谈不拢的，就只好上法庭。
    财产与亲情，现在社会难以两全，鱼与熊掌，只能要一样。要哪一个，还真的是个问题，反正怎么选答案就只能是选一个……..
      用铜当镜子，照仪容；用历史当镜子，照得失对错；用《家产》当做一面明镜，可以照出一个思考，金钱与亲情，你到底想要哪一个，在剧中人的虚假故事中，拷问自己现实的生活，真正在意的那一个，是什么？

失望一星。
第一季直到最后我一直看的津津有味，但最后余罪中枪的那个bug实在不能忍，凑合着也能打个4星。
第二季完全无力吐槽了，看到余罪和他老爸撞面那段我就直接跳到了最后一集，bug也太多了吧。大胸姐我看你颜值高的份上不骂你，但这种智商能进专案组也真是无语了。那么多破绽贩毒的都没看出来我也是醉了。最后老傅和余罪对白那段还挺精彩。
编剧，这个案子其实早就该结束了，硬生生拉这么长加这么多bug真的好吗？沈嘉文那边应该还没处理好，最后安安被绑架应该是这个的伏笔。但说实话，不想继续追了，如果编剧还像第二季这么脑残的话。
另外，楼主今天下午看了一下午的正版剧，脑残粉请不要纠结正版盗版的问题。
说了这么多，尴尬癌总算好了些。

一些影评人觉得华语影坛近来“惨淡”，有名有钱的都一心一愿要去美国打出一片天下，仿佛朝圣的一般，留下来的，或也有才华有理想，但总有点独力难撑的感觉。
 
《康熙来了》有一次采访蓝正龙，说到台湾的电影目下票房不佳，不擅言辞的蓝正龙愣愣地回答“但总要有人做啊”。尽管抢钱不力，但是台湾电影一向的人文关怀保持了一定的深度，《恋人》确实一部很有冲击力的片子。但是这种“入不敷出”的独立电影制作能够撑到几时就不得而知了，毕竟投资电影业的都是商人，不是慈善家。
 
相比之下，大陆的导演圈钱的功夫是越来越好了，走了张艺谋来了陈凯歌，剩下的也只是苦无那样的名气而已。李安用一部《卧虎藏龙》打开了通往好莱坞的大门，然后大家错看了这成功的原因，李安受器重的是他东方式的拍摄手法，绵延的平静的内敛的，他不善于处理太现代的题材，因此近几年也很少碰所谓的“大片”。旁人只道“武侠”是吸引外国人的法宝，一窝蜂地去做，即使蒙不了奥斯卡，至少可以在国人身上收回成本。
 
香港电影这两年在本土不受落，于是电影人把市场瞄准了大陆，全明星阵容，超震撼成本，最尖端技术，什么都有了，只缺了一样——心。这或许也可以理解，在香港电影始终只是一种“产业”，离“文化”还遥远得很。无论黑猫白猫，能够赚到钱的就是好猫，如果能够名利双收如王家卫这般的，那就是招财猫了。
 
黑帮片一向是港片的招牌，吴宇森的“暴力美学”一路杀进好莱坞，“古惑仔”系列拍了一部又一部，“无间道”甚至被美国人买去了翻拍，黑白两种社会制度能够合作得更加完美的大约只有摩纳哥了。难怪杜琪锋想拍一套“黑帮历史”，他有他的打算，作为香港代表之一的黑帮文化总是同历史进程紧密地联系在一起。黑帮电影也不例外。
 
杜琪锋的群像，“无间道”的冷酷，破空而出，刺透了“黑白两立”的“警匪片”格局，打那之后出的片子里再没有明显的黑白界线，黑社会老大变得越来越有人情味而警察则变得越来越不守“规矩”，卧底们越来越边缘，而如我这般的非香港观众则越来越不了解现实究竟是怎样。
 
还是一切只是一个吸引眼球的故事而已。
 
《杀破狼》的故事其实并不怎么吸引眼球，我用几句话就讲完了：任达华患了绝症，在退休之前一心要扳倒黑社会老大洪金宝，甚至不惜栽赃嫁祸。他的手下为了能够替他继续照顾他的养女，偷偷拿了洪金宝的钱，因此被洪金宝派出杀手吴京赶尽杀绝。到警队准备接任达华位子的甄子丹单挑洪金宝，自然故事要想上映的话，最后总不可能真的“邪气凛然，正气不侵”，洪金宝非死不可。
 
也许用“土”来形容剧情是不合适的，应该说“没有想像力”。不过简单的故事，也有人能把它拍得惊心动魄的，比如Kill Bill，所以除了编剧之外，导演的手段着实的也不怎样。整个故事的高潮只在一个晚上，从洪金宝出狱开始，到甄子丹救下任达华，本来应该是让人屏息的过程，但是——没有悬念，没有节奏，没有层层铺垫而后的爆发，看了前面就知道后面，我于是很用心于数字滤波器的实现方法，除了电脑里发出打斗之声时偶尔抬头。
 
《无间道》真的让黑帮片走入一个怪圈——闷骚。但是人家闷得有趣，有梁朝伟，有刘德华，有黄秋生，有曾志伟，有打磨了几年的剧本，人家骚得有底，这是第一部如此手法的黑帮片，“先声夺人”的才是天才。但是如《杀破狼》这样的电影不好好的在故事主体上下功夫，也要来讲点人性上的东西，于是东一棒子西一鎚地要来介绍“群像”，实际上呢，除了那几位警官的身家背景之外，我们还知道了什么？个性么，兴趣么，还是男人间的友情？对了，最后一点是杜琪锋的法宝，还记得《枪火》里几个男人在办公室里踢纸团玩的场景，那是神来之笔，因为气氛到了，感觉对了，一切尽在不言中。虽然廖启智和张耀扬也是老戏骨了，但是几大老爷们硬煽情是行不通的，这几位死得倒是凄惨，却不如《非常突然》最后的简单的一场枪战来得震撼。至于“正义”，别看也是在天台上，别看任达华和甄子丹之间的对话如斯之酷，实际上什么包袱也没抖出来，到底“好人”和“坏人”，“是”和“非”之间的区别在哪里，两个人达成了怎样的共识，雾水一头的我不得不认真地重新审视自己的智商。
 
《杀破狼》的应该谢谢洪金宝、吴京和甄子丹，这是几位的非凡身手挽救了这部本来沉闷的片子。洪金宝走的又是“爱家的黑社会老大”的路线，不过有点不痛不痒的，倒是他的身手跟他的体型一相对比，很是吓人的灵活。吴京GG长着一张千年不变的娃娃脸，习惯了在电视上看他和俞飞鸿JJ玩姐弟恋（这一对个人觉得还是非常匹配的），突然变身做了杀手，再怎么扮阴森，这个杀手还是不怎么冷，倒是一套白色的衣服衬得他身手潇洒，在“漂亮”这一层上，日后说不定真有赶上李连杰的可能。
 
前年在颁奖典礼上看到婚后有些发福的甄子丹GG，心里小声悲鸣了一下——帅哥又少了一个。想当年看《精武门》的时候，宁可忍过十几分钟的广告就是为了等中间过场那一下，甄GG赤着上半身出来耍三截棍，小小的心灵里从此记住了一个词——性感。他大约是第一个用肌肉打动我的男明星，此后有一段时间一直用“尤物”来形容年轻的甄GG，那副英气勃勃的相貌代替了梁小龙成为“陈真”的注解，后来再无人能破。甄GG的腿功是很出名的，私以为单打独斗的话，他应当是武打明星当中的最强者，但是因为种种缘故，总不及李连杰红得热烈，他似乎也很中意武指的工作，屏幕上并不勤快地露脸。
 
甄GG也许也要进攻好莱坞了，因此《杀破狼》里再看到时，又恢复了均称的身材，那张脸孔还是一如既往地英气勃勃，连同他隆起的胸肌，都有一种“健康向上”的感觉。甄GG的身手还是凌厉依旧，他不适合摆pose，同洪金宝这样的高手硬桥铁马地来很显功力，也省了剪辑很多功夫。甄GG的眼神很凌厉，其实是很会演戏的，或者说在几位打出名的明星中，他是唯一一个可以转行去拍文艺片的，可惜《杀破狼》里的情节太琐碎，他的身世，他的“是非观”，他同那个傻疑犯之间的感情，都被剧本糟蹋了，于是留在记忆里仍然只有他敏捷的腿脚。
 
然而就是这部片子，已经赢了票房赢得了一片叫好之声，“惨淡”么——其实多拍几部这样的片子，哄得观众高兴了，投资方自然喜欢了，香港电影市场还是会繁荣的，场面上也不是太难看，只是心痛是医不了了，如果把记忆里曾经的辉煌岁月抹掉，也许会觉得好过些吧

厄尔，一个将自由主义贯彻地比较纯粹的人。家人抱怨其不管不顾亲情，从来不记得任何关于家人的任何纪念日，他依然种着花跳着舞撩着妹，尽管他已经90岁；毒贩抱怨其从不按指定路线和时间运毒，气的拿着枪指着他脑袋，他依然一路唱着歌半路吃汉堡，因为他是业绩最好的！正由于他...  (展开)

当初在影院看到电影海报，范儿爷的装束像极了著名游戏《巫师3》中的杰洛特。由于之前给游戏杂志做过关于游戏改编电影的专题，《巫师3》大热之时还给游戏网站做过专门的《巫师3》专栏，加上早就在游戏中拜倒在杰洛特的疤痕、长剑和皮裤之下，看到这样的名字和海报还是忍不住期待了一下。

作为自己独特的观影小洁癖，一般在观影之前不会去搜集太多关于电影的资料。除了面对某些电影铺天盖地的微博宣传或是微信软文推广，毕竟这是一个信息爆炸的时代，很多时候人们都被迫接受着无数的碎片信息。然而对比来看，《最后的巫师猎人》并没有采用铺天盖地的宣传方式，好在这样保住了我小心灵中的那一丢丢期待。否则这样的片子除了范儿爷能作为噱头来吸引票房，还是非常容易被错过的。

看完片子，我只想大呼一句万万没想到，万星人们看到这一定忍不住想跟着哼一句世界真奇妙吧。（哈哈，你中招了，奸笑脸。）不过说来电影也很奇妙。片中虽然与《巫师》游戏有诸多相似元素，比如装扮，比如女巫形象，比如片中不断提到以及男主使用的药粉之外，真是和游戏半点关系都没有。

整个片子贯穿了无数老梗，就像片中活了八百多年的男主一样老。

先说说男主活了八百多年这件事。早在《这个男人来自地球》中就用过了。如果说这个电影不算那么大众，当看到范儿爷这个中年大叔对着一个外表看起来比他大好多的老年人叫“kid”的时候，突然出现了都教授对着他的好友叫年轻人的既视感。除了和都敏俊西这个小鲜肉比，范儿爷俨然是个中年大叔，可是还是忍不住会串戏到《来自星星的你》。

串来串去就会开始YY这个电影中到底会不会出现像千颂伊这样的暴力女友。索性编剧还残存了一丝理智，毕竟像范儿爷这样的肌肉男，铁汉的形象已经深入人心，想要再找个暴力女友即使铁汉再柔情画风也是会有一些不符的。于是就出现了范儿爷在无数电影中所用的配搭那样的女孩子。虽然起初看起来有些小太妹，预想两人也不太可能在一起。然后范儿爷酷炫拽屌的说“我谁也不相信”。万万没想到，奇幻电影中也是有霸道总裁的身影啊。最后在妹子的死缠烂打和利用自己如精灵般的能力还是赢得了男神的心。话说感情戏真是少之又少，也没什么可八。

再说故事主线剧情，也是明明看着不是傻白甜的英雄主角却被周围所有人欺骗，最后因为最亲密的好友出状况发现真相，奋起反击的故事，最后当然是功成身就，从此脱离背叛自己的组织，带上男友，女友自由飞翔。片中反派的戏份实在是太少了，从头到尾都是俨然正气，导致矛盾冲突不够激烈。

也许是导演想从老套中找回一丝新意，或是在坚硬黑暗中找到一丝温暖小清新，片中反复出现梦境，而梦境的开始总是阳光下打着光晕的画面。如果是自己在家快进看片儿一不小心直接跳到这一幕，会不自觉地以为是某个小清新的美拍视频。还有一层一层的梦境，难道最近《盗梦空间》在圈儿里放出了要拍续集的消息？近期这样的梗真是反复被用，同档期的《神探夏洛克》与该片不谋而合，真的不想看两次让人头晕的场面。不过好在《最后的巫师猎人》整个故事架构要比夏洛克有逻辑也清晰许多。

片尾导演大概还是没有抵挡住范儿爷的《速7》魔法，补了一个飙车急转镜头，唉，又串戏了。

老归老，片子整个大杂烩在一起还算有些看头。打斗场面、惊险镜头力度不够十足却也可圈可点。最后说一句，范儿爷这样的肌肉猛男、中年大叔就安安静静的冷面就好，像傻白甜少年一样对着镜头傻笑还是算了吧，画面太美我不敢看。