作为又一部采用了“三个女人一台戏”这种并不新鲜的人物设置的电视剧，《天使的城》其实并没有多么新的看点，这部剧讲述了三个不同背景不同阶层个性不同的都市女性之间温暖的友谊、无奈的婚姻和悲催的孕事，可以说在同样题材的电视剧中已经屡见不鲜了。不过胜在人物关系上设置有新意，在人物性格上塑造有看点的都市情感剧，如果不是几位男性角色偏弱的话，这部剧应该还可以更好一些。

这篇影评可能有剧透 这是第一篇影评，等我补了花道茶道相关上背景，等花战在国内上映，我再补图，再写一遍。 前言 真的幸运啊，能在这样的场合里看到这样的电影，简直天时地利人和都有了。 花战，我看完后简直有种三月不知肉味的感觉，出电影院只能顺着人潮浑浑噩噩，大脑完全放空。上次有这种感...  (展开)

纯粹因为男主长相有一丝眼熟看了几眼。

张凯丽一说话总是出戏，感觉她不适合演偶像剧，很适合演三姑六婆间动不动因鸡毛蒜皮吵架，撕扯头发相互拉扯骂街的那种草根剧。

至于剧情，到处是硬伤，这编剧是个没见过世面的中学生么？太缺乏生活常识了，让我想起最近很热的那篇极品玛丽苏文。

现在的电视剧还真的是没几个能符合观众智商的。

作为50周年上映的《天幕杀机》并没有太多的致敬，多数是小说的关联。而这次门德斯把没致的敬全都补了回来，实在是很讨死忠粉们的欢心啊~
一下是鄙人总结的一些点，肯定会有不全，欢迎大家补充挑错。死忠粉们可以来检验一下自己的粉丝程度，普通观众可以当个科普啊或者帮助对电影的理解
想看影评的请自行拉至分割线下方

【1 魔鬼党（幽灵党）】
在小说里，魔鬼党可以算是邦德的宿敌，最初的几部电影也都是围绕着“魔鬼党”这一反派组织进行的，直到《霹雳弹》所引起的版权问题。最终版权并没有判给EON，“魔鬼党”这三个字便再也没有出现在007系列中，《最高机密》的开头尽管又出现了布洛菲尔德，但影片并未指明，只能说是靠观众的意会。至于得到版权的那家公司后来拍摄了《巡弋飞弹》，并由曾经坚决表示“不再出演邦德”的肖恩康纳利主演007。该片与第13部007电影《八爪女》同年公映，票房和口碑基本都算被完爆了……
魔鬼党的版权也是近期才归还，门德斯趁热打铁就以“魔鬼党”定为该片的片名与主线。但要说明的是，布洛菲尔德与滑雪教练的关系应该是门德斯的创新，原著并未提及
至于是该叫“魔鬼党”还是“幽灵党”？只能说翻译老邦片的各大字幕组一水翻译成“魔鬼党”，至于广电为何不沿用就不得而知了，毕竟这些喜欢“大破xxx”模式的人口味都比较独特
【2 枪管终于回归开头！】
克雷格之前，片头的枪管镜头是雷打不动的；克雷格之后，枪管镜头被放过开头序曲后、结尾，就是没放到最开头。期待了这么久，终于回归了~
【3 墨西哥亡灵节大游行】
首先亡灵节这一创意应该是致敬《生死关头》（门德斯最喜欢的邦片）。克雷德的那身“骷髅服”也像极了《生死关头》结尾巫师身上的彩绘。而在游行队伍中追踪对手这一情节在《霹雳弹》《太空城》等片中均有出现
【4 飞机的花样翻飞】
有人说这个是致敬《金枪人》中汽车空中翻转过断桥的情节，但我觉得最后的一下拉升更像《黄金眼》开头救飞机
【5 Bond，James Bond】
不用多说了，影史上最著名的自我介绍之一，跟着念了的同志们请举爪~
【6 一辆堵路的老爷车】
还是《生死关头》：当邦德和反派开着游艇欢快的玩耍之时，警察决定包抄堵住这几位闹事者，而一辆拖拉机慢腾腾地开在他们前面。警察一怒之下超了过去，没想到又与另一路警车相撞，而拖拉机则慢慢地开过事故现场。不得不说还是邦德的处理方法更直接：强行推走
【7 配备齐全的阿斯顿马丁】
鉴于天幕基本没什么高科技，门德斯也是按耐不住了吧……喷火、防弹、弹射座椅这些也都是老梗了
【8 杀人执照+00组特工】
这两个概念还是小说中提的多，在此扫盲：杀人执照是00组特工最特别的地方，有了它意味着拥有了先斩后奏的权利，所以C认为它只是放纵特工滥杀无辜。在《霹雳弹》里唯一一次召集了所有00组特工开会（当然只是意思一下，并没有做任何展开），除此之外便都是单个零星的出现在不同邦片中。本片提及的009在《八爪女》《黑日危机》中均有提及，目前戏份最多的00组特工是006——《黄金眼》的大反派
【9 邦德的家】
这次又有幸一窥大特工的家，上次可还是几十年前的《生死关头》里。只是夜晚光线太暗看不清内设。如果以后还进邦德家的话，跪求出现小说中的管家梅
【10 身材强壮的反派杀手】
选角之初门德斯便已明确表示：这是一个致敬大钢牙的角色。大钢牙最初出现在《海底城》中，后来观众反响强烈，导演便决定继续让这个角色出现在《太空城》里，最后还改邪归正抱得小萝莉，可见观众对其真的是爱得深沉……只可惜在《幽灵党》拍摄过程中大钢牙的扮演者理查德基尔便已去世，没能看到这个致敬自己的角色
【11 滑雪教练】
滑雪教练与布洛菲尔德的关系是创新，但滑雪教练早就在小说《自取灭亡》中出现过。还没有读过所以不敢胡说，在此提供小说地址：http://tieba.baidu.com/p/3454743118
【12 雪山上的诊所】
《女王密使》中布洛菲尔德的基地就建在雪山上，隐藏身份就是一家治疗心理疾病的诊所。《盗梦空间》中的雪山堡垒的灵感也来源于此。目前这里已被重新修建为一座小型的007博物馆（其实只是《女王密使》博物馆……）在瑞士的雪朗峰（去年去法意瑞上去看了，应该是常规景点之一）
【13 亡妻与亡亲】
邦德的痛苦有两个来源：幼年父母双亡和婚礼刚过妻子被害。前者间接决定了邦德的的未来，后者造成了邦德与魔鬼党的不共戴天之仇。每次提及“亡妻”这件事，邦德都是一脸冷相。“亡亲”直到《天幕杀机》才有所提及，之前主要在小说中涉及。前几年的续写小说《自由裁决》中作者就开了个脑洞：邦德的父母可能都为特工，雪山丧命也是被人陷害。至于之后电影想不想用这个脑洞就不得而知了
在本片中，门德斯多次强调维斯帕，有可能是想硬性重启让维斯帕取代亡妻在邦德心中的地位，这点我在致敬总结后会细说，在此先不做赘述
【14 出外勤的Q】
在戴斯蒙德的老Q时代里，Q出外勤基本就是给邦德送点高科技装备，这次小Q终于不光送装备，还顺便展示了一下逃脱能力与跑路能力，也算不枉为一位MI6的职员（不过确实不能要求老人家跑个路啊之类的）而且这次M、玛尼佩妮和坦纳都出了外勤，实在是史上第一桩
【15 飞机成这样了还能开？！】
看的时候旁边同学一脸惊讶：这样都行？！想到《雷霆杀机》里那辆封闭变敞篷、三厢变两厢还照开不误的出租车的我笑而不语（冲破木屋那里颇有《黎明生机》汽车穿木屋的意味）
【16 有关开枪的玩笑】
在邦德教玛德琳用枪的过程中玛德琳问“如果误伤了怎么办？”邦德微微一笑：又不是第一次了。很明显在指《天幕杀机》开头被玛尼佩妮误伤嘛
【17 红花最配白西装】
这个梗预告海报一出大家就解释的差不多了，在此不多说了。克雷格是目前第三位穿过白西装的邦德，前两位分别是肖恩和摩尔
【18 “伏特加马丁尼，要摇的，不要搅拌的”】
在本片中这句台词出现了两次，第一次在诊所时邦德特地说明“要摇不要搅拌”，而第二次火车上只说了“伏特加马丁尼”，不知是台词疏忽还是另有用意
【19 乘火车也不得安宁】
一般来讲邦德的交通工具都没什么好下场，凭什么火车就可以幸免呢……在《来自俄罗斯的爱情》和《生死关头》里邦德都和反派杀手打了一架，还都是那种很大力的杀手。要说克雷格这次的创新之处就在于从餐车打到了货厢
【20 劳斯莱斯幻影】
就是沙漠里接邦德和玛德琳的那辆车。之前有人在预告片里就认出了这辆车，它曾经是《金手指》里大反派金手指的座驾
【21 戈壁沙漠里的秘密基地】
老邦片里反派都喜欢把基地建在各种神奇的地方：《雷霆谷》里的山顶基地、《海底城》里的海底基地、《黄金眼》里的丛林大坝基地、甚至《太空城》里的太空基地……总之哪儿都可以建基地，就看脑洞有多大
Ps.感觉这段展开的不够，刚开始派车来接应该是想表达布洛菲尔德想像《金手指》里那样把007软禁起来。而按照传统套路在这里应该是全片的高潮，但本片显然处理的太简单了。更多的应该是时长的影响导致此处匆匆略过
【22 邦德受刑】
反派们总是能想出一些稀奇古怪的行刑手段，什么激光喂鲨鱼之类的。到克雷格时期手段就比较简单干脆不那么花里胡哨了。这次的行刑工具基本是《黑日危机》里那个古代行刑椅的即视感
【23 爆炸的欧米伽手表】
这个也不多说了，不过《天幕杀机》里小Q还在强调“我们不再做爆炸钢笔了”，看来还是摆脱不了高科技装备啊
【24 大白猫+伤疤脸=布洛菲尔德】
早期预告片剧照曝光的时候大家都觉得瓦叔的角色应该就是布洛菲尔德（当时他的角色名还是滑雪教练儿子的名字），但唯一不敢确定的原因就在于他没抱大白猫。布洛菲尔德第一次亮相时就是百叶窗遮挡着他的上半身，只能看到他一直在抚摸怀中的白猫（波斯猫）。门德斯把这个梗完全隐在了电影中（猫的镜头也是转瞬即逝），实在是给死忠粉们的一个大惊喜。而爆炸后布洛菲尔德唯有脸部留下一道大疤也是在暗示布洛菲尔德一直都是一个人而非一个代号。要说少点什么，瓦叔应该再剃个秃头
【25 各种黑色幽默】
这个就不具体说了，比如开头掉到沙发上之类的。总有人说克雷格太严肃，这次就给你们幽默一下（感觉这种点还是要自己get的，而且只可意会不可言传）
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      接下来说说鄙人对这部电影的看法（部分受到了007吧吧主@诅咒假面的微笑的启发）
      首先来讲，如果想要继续007与魔鬼党的故事，迟早会有这样一部邦片出现：文戏多、武戏少（当然有的地方武戏是有点不足，比如前面提到的反派基地那里）
      就问观众这样一个问题吧：在你没有看任何有关《幽灵党》的预告解析、剧情解析、人物解析前，你是否知道邦德与魔鬼党有何关系？或者说当你第一次听说第24部007定名叫《幽灵党》的时候，你是否明白这个片名的含义和用意？
      中国确实有对邦片小说充分研究的人，也有不少看完007全集的人，但总体来讲这个比例还是小，大部分年轻人可能都是从克雷格开始了解007，至多从布鲁斯南开始。对于几十年前邦片的主要反派魔鬼党，大部分人是相当不熟悉的。放眼世界，不熟悉的人数当然更多。
如果门德斯上来不管不顾，就着几十年前邦德和魔鬼党的关系编剧本，大部分人估计是要崩溃的：邦德还有妻子？邦德和布洛菲尔德怎么跟老相识似的？他们什么怨什么仇啊？之前电影也没提过啊？……当然如果你是来看打打打杀杀杀的话，估计没什么影响
      所以门德斯必须要拍这么一部邦片，把这些关联都讲清楚、讲明白，之后再想重启或是继续搞前传就都好说了。但同时有这么个问题：若要解释邦德和魔鬼党的仇怨，按老邦片的设定就必须提及亡妻。但一部2015年的电影来一张1969年的剧照或是片段闪回作解释？好像也挺别扭的啊。而《皇家赌场》一直作为“邦德前传”来宣传，但后来克雷格的几部时间线都挺乱的，干脆直接重启得了：让维斯帕取代亡妻的位子，前三部反派取代老邦片里诺博士他们的地位，普通观众好理解，死忠粉用“重启”也解释得通。
       于是《幽灵党》就有了两条线：明线是剧情，直接给普通观众科普魔鬼党是什么以及恩怨的由来；另一条暗线就是各种致敬和暗示，死忠粉也不会觉得你的改编无依无据。其实这样看起来挺完美的，但门德斯在剧情上选择了传统邦片的套路，而且在克雷格时代，这个套路显然不太适合他：毕竟年轻观众已经看惯了克雷格拳拳到肉打打杀杀，一下子回归到罗杰摩尔“基本不见血”的模式，确实难以接受（更何况很多现代观众根本就不喜欢老邦片的套路）。至于尺度方面，呃……只能说丝毫没有美感可言，还有点限制级的意思……
      结果大家纷纷评论：“剧情好拖沓”“文戏太多，打戏不够”……当然从另一个角度看，老邦片本身走的就不是《碟中谍》不停打不停杀的套路，只是后来现实主义大放光芒，谍战片改走了动作为主的路。而今年作为谍战片的井喷年，大家其实都是老式与新式的结合：又要穿西装又要打得过瘾。只能说门德斯确实完全致敬了老邦片，但却忘记了改良。更要命的是前有《王牌特工》这部完美结合体作对比，缺点一下子显露无疑。
      如果从致敬方面来说，门德斯玩到了极致；但从电影本身来说，要改进的地方确实很多。这应该也是未来007系列所要注意的：如何在保持自己的经典元素的同时迎合新时代的口味？有待未来导演和编剧们努力

最后再补充一句：我对豆瓣的评分是煞为不满的
分低没事，但一下成了系列最低还比那两部外传都低这就有问题了（个人观点，不喜勿喷）

这是90年左右的电影。结尾处广告公司的创意总监林子祥和新晋广告导演张曼玉在黑夜阳台上相对，收起之前暗藏的情愫，决定各自正本清源。张曼玉开玩笑问小胡子有没有喜欢过她，小胡子一本正经地说，我是homo。

那时说homo，同性恋的希腊语前缀，足够高雅和温和。以后同志和基烂大街，小胡子也去演了《基佬四十》，而不是什么homo佬四十。

全片好像是个巨大的广告片。临近春节的冬日阳光足够直白热烈，张曼玉偏要等到晚上才开拍舞狮广告，甚至还给出大商标“迪亚多纳”。跟嘟嘟姐吵架后的林子祥，独自在街头犹豫走过，双层巴士开过，通车身都是七星烟，倒也应景，毕竟是广告牌的底色是蓝色，就那样划过夜色，真抓来当广告都不难看。

电影里的张曼玉不过二十六七，烫着属于那个年代的齐肩短发，穿利落的西装，白衬衫，以及紧着脖根的白T，风范十足。我猜她的演技该是从这时就焕然一新了，演出的雅皮角色不输老林。而老林，竖着polo衫的领子，在健身房举重几下就气喘吁吁，还去鬼鬼祟祟问老友记自己帅不帅，都是日间听了张曼玉的夸扬，那么自信稳妥一人，底盘都虚掉了。

都忘说了郑裕玲。看过此系列影片基本就不要看她现在倍受整容摧残的容颜好了。不过这种伶俐的师奶啊表姐啊（甚至学校训导主任）也只有她能胜任愉快。至于说到中产处境，她还要过十来年才能演出一代名女miss mo，不过那得叫做后中产了。

最中产的段落自然是巴黎外景。广告拍摄团队在塞纳河边不出名的地方取景，团员说怎么不去凯旋门和铁塔，张曼玉和林子祥疑惑地对眼，大意是怎么把这种人带出来工作了，然后背过身去继续看景。他二人在旅馆里分享一副耳机趴在床上工作的段落也蛮吸引人。

我最喜欢的另一个段落，是开始时关秀媚的生日会，张曼玉弹了一曲，博得满堂彩。之前跟她作对的胡须佬有点懵，一曲作罢，攒动的人头里他就那样愣愣站着，张曼玉打人海中望过去，必定也看到了这只呆人。按照惯长的说法，这是二人情意首次相通的时刻。不过我觉得没那么繁琐，只不过是导演把“林子祥没想到会听到张曼玉有这么一手”的这个人物心理刻画得丰厚了一些。那种触动对老林来说，绝对不仅仅是看到美女导演如此有才的悸动。

其实我还是更爱正牌男女主角这一对的。颂扬中产不如安慰中产，林子祥还是更需要加班深夜回到家那杯参茶，我们也相信一锅鸡汤远比一个讨人微笑的吻更妥帖。更何况到了两年后下一部三人世界系列电影，中产开始溃退，还要多得师奶超人相救。导演在第三部果断安排了中产的美梦不再，衣冠楚楚的雅皮生活破灭，成为在家无所事事擦皮鞋的失业生，虽然最后是个喜剧团圆收场，但看个剧情介绍都让人心酸时移事易。结果打那以后我们干脆连这样情调的中产电影都看不到了，固然张曼玉还延续着不老神话。

文/梦里诗书


五段各自独立的爱情故事，从布拉格到上海、从巴黎到北海道、再到佛罗伦萨，诚然这些故事的呈现在新人导演之手有着参差不齐，但在那些城市邂逅的爱情，《恋爱中的城市》皆将爱与城合二为一，爱情与城市犹如一颗糖果，在口中更多的是甜蜜。


电影用每隔二十余分钟时长的单元故事串联起架构，无疑是明智的，这使每一位青年导演都能浓缩式的去讲一个故事，而不会因剧情线太长露出稚嫩的马脚，而《恋爱中的城市》更仿若是一个万花筒，随着剧情的推进，城市风景的变化，爱情的多样性被一一呈现，保持住足够新鲜感的同时，紧扣住了爱与城这两个核心字间的关联，演变出了绚丽多姿的爱情众生相，但导演的不一和局部故事的缺陷，使得电影虽能有以足够的精彩，却无法如一支完美的变奏曲，给人以行云流水的享受。


每个人都可以按命题作文写出一纸答卷，但想将五位新人导演执导功底保持在同一水平，契合于一拍成一部电影，却是异常困难的，显然《恋爱中的城市》亦也无法做到这一点，它不同于《真爱至上》有着理查德·柯蒂斯这样大师级的执导，在这五个故事中有着岩井俊二监制后隶属他风格在那巴黎的梦幻邂逅，有着在北海道旅行夫妻的矛盾与温情，这是堪为上乘佳作的故事，也有着佛罗伦萨平平难有感触的爱情，更还有着在布拉格和上海过于做作弄人的拙作，这无疑让人很难去评判电影整体上的好坏得失，得出的仅只能是五者均摊的平均分。


参差不齐的呈现虽使电影在整体观感上不进人如意，但至少这是一部有以诚意的作品，它不属于滥竽充数无剧本无逻辑无核心的三无渣作，一座城一个故事，电影对于浪漫主义的渲染是足够充足的，而在这些看似走着国际范的故事,并非全然是一味矫揉造作，这背后总是会为人有着或多或少的共鸣，爱情形成了一座城的魅力，而一座城又形成了这座城里爱的基色，爱情不专属于那些看似浪漫的地名，而是属于每一座城里相信爱情的人，爱上一个人，你就会恋上一座城。


《恋爱中的城市》的爱情虽并不深刻却能感受到爱的意味，如果你苛求的并不是一杯香醇的蓝山，而只是一杯美式速溶，那么这个爱与城的情话还是能满足这一需求。

看着Daredevil向Foggy出柜，两人梳理青春历史，DD有点无奈的回答着他“看”见的Fuck，颇淡然的承认他知道Foggy所有的谎话却全当不知情，我在荧幕前怦然心动。哎哟喂，内心如此丰富，外在如此内敛，好喜欢。

看完第一季，DD和护士姐姐保持着距离，和小助理保持着更远的距离，于是我虽听说其撩妹技能很是不错，还是没想到他算是漫威花花公子界的一号人物。直到第二季见人爱人人人爱特质展现，我心里默默说，咋感觉比铁人老爹还能耐（没看过漫画，就看过隔壁特工卡特展现的霍华德）。
说真的DD跟谁都不违和。

和Foggy，一开始就I swear。而Foggy呢，DA设陷阱引罚叔那场，刚教育完小助理不要乱跑外边危险，自己知道DD在外边转眼就冲了出去。拆伙那里，一句“我们从头来过？”，在两人嘴边翻来覆去，谁知道DD到底感受到了Foggy的什么。情侣分手也不过如此嘛。和平分手。

和罚叔，DD倒没有太露骨，只是译成“小红”是谁的主意， 罚叔叫一次，我就酥一次，罚叔你要跟小红干嘛？除了楼顶的嘴炮，船上罚叔对DD关于越过杀人线就会变质的教育，结尾狙击掉碍事的默默看DD打掉剩下的那陪伴，罚叔你好贴心。

和护士姐姐，DD就知道给护士姐姐找麻烦事，护士姐姐依然全盘接受。当护士姐姐教训完毕，问DD受伤了？DD回答的语调都变了，一副撒娇的样子，谁受得了呀，护士姐姐最后说DD“永远都不会无聊” 真是又爱又恨的。

和小助理。嘿，还以为DD会顾忌点自己的双重身份，台球桌上听到小助理扑通乱跳的心，会主动保持点距离呢，哪知道不是主动保持距离而是主动去撩人家，还展现高超撩妹技能拒绝上楼的邀请，真是太坏了。

和前女友。这个，知道大家对最后那段浪迹天涯的告白有意见，还可能认为只是不杀她解决这一切的一个出路。我却是只感受到了自然而来的爱意，真情告白哦。CP我站这一对。

站好队后， 我竟然思考起更深层次的东西。凭什么如此坚定前女友是真爱？
前女友生死未卜时，DD是慌了神都有些失控了，不过那一刀也算是因为DD才挨，DD这个滥好人，能从这里看出真爱？护士姐姐被打下楼，DD毫不犹豫的跟着跳了下去，为什么这里就是责任？救出那些人质后，还要忍不住捧起小助理的脸，为什么这里是关心是愧疚不是爱？要知道结尾还主动向小助理出柜了呢。
我想，感情总是复杂的东西。护士姐姐让DD心安，小助理让DD有普通的小快乐，前女友呢，就如DD的告白，让他感觉到了free。也许站的那一对CP，就是最想要的那份感情。
=======以上深层思考请勿认真。

20160415, s02e12, follow~~~~~~~~~~~~~~~

如果望文生义，《到阜阳六百里》很容易让人联想到乡愁。要知道，中国的城市化是如此迅猛，它像一台庞大的、突然冒出的压路机，从许多人身上碾压而过，人们甚至没有时间蹦出乡愁一词，便浸泡在了趋同的麻木生活当中，喘不过气。或者，当人和物一起改变，现实的东方土壤已经不适合出产乡愁，更不会有西方的《尤利西斯》。华语电影里最近一次乡愁的现象，那已经是近三十年前的台湾新电影。

开头归开头，《到阜阳六百里》要说的并不是乡愁。相比把乡愁实物具体化的《金城小子》，再不然是抽象的、指向过去的《钢的琴》，秦海璐饰演的女主人公曹俐，她早已经忘记了家乡的模样，拒绝回家。换句话说，她的身份已经不是传统的进城农民工。她好像适应了钟摆一样的城市生活，但有时候又会跟不上摆幅。曹俐不同于谢琴的女儿，对方一头扎进了城市的物欲洪流当中，她是一种暧昧的身份存在。外表可以跟都市人无异，内心深处却无法接受。她置身城市的浅水区，却又不想上岸回家。

然而，《到阜阳六百里》又在说归家，这种归家愿望是源自内心深处的精神信号，它更像中国人传统生活的某种残留，历次清洗破坏都无法消除。比之直面春运的纪录片《归途列车》，《到阜阳六百里》虽有写实主义的指引，然而由于邓勇星的台湾人身份，他始终跟现实和真正的回家路保持距离，空间和镜头都隔开了一层。电影把大量篇幅放在了曹俐、老乡以及谢琴身上，它制造了一个扇形的故事结构，先铺陈展开，然后突然收起。曹俐以外的电影人物，他们都有了某种命运转变，惟独曹俐还留在城中，电影什么都没有多说。

记得那回映后交流，有观众提问，为什么最后突然就没了，将归途上发生的事代之以字幕，是否因为拍摄有难度。导演说不知道，大意是觉得这样没了也挺好。从这处理解分歧可以看出，《到阜阳六百里》好像不追求戏剧性——即便谢琴撞见女儿表现得很戏剧性，但是放在春运这样一个题材，多数内地观众便会觉得：你表现农民工这样一个题材，又是老大难春运，年复一年，不说电视新闻的影像，很多人都已经积累了丰富的记忆素材，那是何等惨烈，每个人却内心决绝。

与之相比，跟电影的配乐一样，《到阜阳六百里》显得太轻描淡写了，它甚至刻意营造出普世价值的人文关怀，类似于“大家都可以很好”。我突然想起朋友评价戴立忍的《不能没有你》，台湾人民太小打小闹了，如果要体验真正的生不如死，来内地一趟便知道了。很显然，《到阜阳六百里》也有相似问题的存在，当电影映照现实，并不是说蜻蜓点水的处理方式不好，毕竟有时候，想要做到点水而不是溺水，那是需要相当程度的功力。可是春运这种宏大主题，一旦电影难以深入，反倒是发表不痛不痒的批评意见，那么，观众心有怀疑就是很正常的事了。

也有说，《到阜阳六百里》是在讲小处，小人物，小故事，它并不需要去制造场面，满足观众的期待。的确，《到阜阳六百里》肯定不能做成《人在囧途》，一边抄袭，一边普及人心向善，电影确实在讲底层，住的破败小屋，连哑巴都放了进来。这还不是弱势群体，那就稀奇了。只是一见到这类特地设置的哑巴角色，包括其依依呀呀的演绎方式，我总会想到台湾电影的一贯通病，包括张作骥《当爱来的时候》，灌满了一股苦情的味道。跟曹俐一样，电影始终没有往深水区走。回想他们改装破大巴一段，电影的调子就定下了，有点不现实，有点嬉戏。这种不现实的评价是因为，我们对现实其实更加熟悉。【北京青年报】

喜欢的是布鲁斯的深深的忧郁和回味悠长的自伤。
看这部电影已经是几年之前了，还在大学里的时候，一个人，坐在书桌前，在电脑上看完了它，不知道为什么，竟然有几滴眼泪悬在眼中，喜欢那个头发花白的老布鲁斯，同样喜欢这个有激情，也有梦想的小尤金，一把吉他，简单的效果器，随着梦想的脚步前进，年轻也许就是他最大的资本，也是最大的财富。电影带给我的那种沉重的美国乡村氛围让我几乎沉醉，年久的阁楼，破败的村庄却有形容生动的村民以及声音嘈杂气氛热烈的酒吧，喜欢那种短短的蓝调口琴吹出的感情丰富的音色，简单而悠远。
那是个感情热烈的年代
在那个雨夜，凌晨，年轻的女孩独自登上一辆陌生的驶向陌生的远方的汽车，尤金满脸的失落，是那种布鲁斯人最典型的忧伤，失去的是心存幻想的爱情，收获的是令人心碎的琴声，正像老人所说，那是他听过的最好听的音乐，他是最有才华的Bluesman。听着透满忧伤的琴声，尤金的眼泪像窗外的雨水般滑落，白净的脸上满是对爱情的向往和对昨夜缠绵的回味，那种忧伤让人无法自持。
当遭遇到老人的债主，尤金已经是个真正的Bluesman了，琴声一起，有种惊艳的快感。站在十字路口等人的那段琴我听了无数遍，从那时起我被那种原始的布鲁斯音乐深深的俘虏，多么想，我也能弹出那种穿透灵魂的音乐来。
之后的比赛有点像《海上钢琴师》里1900跟所谓的爵士鼻祖的较量，但更精彩，对琴技的渲染使人忽略了对音乐的欣赏，那正是吉他迷们所喜欢和期待的，当那一纸灵魂契约回到老人手中时，他也许从来没有像那一天那么激动，也许从来没想过自己还能在有生之年重获自由。
一个为梦想前行的故事，情节老套，但旧瓶装旧酒同样也可以醇香醉人。

都说83版的最经典，不过很遗憾，我从小最开始看的还是94版的，
94版的对我来说才是最经典的，83版的一看就觉得老掉牙了，看下去只会让人恶心，最起码对我来是说这样
94版的则显然不同了，张智霖看上去确实很傻，很笨，朱茵演的黄蓉颇有几分姿色，几分灵气和机敏，看了真的让人过目不忘，久久都将两人放在心中琢磨，而后的李亚鹏和周迅更别提了，只有用垃圾来形容，在说今年版的射雕，看了两三集就没兴趣了，把原著改得乱七八糟的，看了就生厌，一句话：94版在我心中是永恒的经典

    念高中时就打过一次架，在体育课上，跟一个隔壁班的黑小子也不知怎么就起了龃龉，那时我还踢球，连续做上几十个俯卧撑都不怎么喘，不像现在这样成天坐着，上下趟楼梯就眼冒金星，换句话说，那时我身手还过得去。也就两三拳的事情吧，招式记不清了，估计用的是王八拳，舞得眼花缭乱密不透风那种，黑小子就叫我打趴下了，软趴趴地摊成一团，被拉开前记得我还骑到他身上，挥拳相问，服不服？还牛不牛匕了？

    当然这事只有我记得，这种小架每个学校每年大概能发生上千次，跟值日差不多，真正令人印象深刻的是我们班的王胖子，身高丈二，一身圆滚滚的腱子肉，像顿顿吃化肥猛催出来的，刚上高一那阵也不知怎么惹上了高三的几个流氓，他们中午就在食堂找他麻烦，我们还没来得及弄明白怎么回事，就见那几个流氓连滚带爬钻桌子底下了，王胖子威风凛凛，一手端着饭盘，边呼喝边向桌下追踢，直看得我们血脉绷张，齐刷刷站起来助威，揍，揍死高三的！

    前几天同学聚会，刚巧王胖子在座，当了警察，穿身绿皮牛匕闪闪。几杯酒下肚大家就说起高中时的江湖，谈到武力榜，我们都恭维王胖子应排在第一。王胖子摆摆手，一副受之有愧的倒霉模样，说前些年他也认为老子天下第一，自从见过隔壁班的黑小子，这第一就要拱手相让了。众人不解，尤其是我，悄然想起高中的唯一一次胜仗，心说这王胖子肥到秀逗了。王胖子说你们知道什么，黑小子今非昔比了，如今练起了武术，拜了位老而弥坚的神秘师傅，据说是收破烂的，成天系条黑带走街串巷。王胖子说开始我也不信，不服就跟黑小子试了几招，没想到完全不是对手。王胖子讲得兴起，站起来蹲了个马步，撑得裤子后面吱嘎乱响，叫大家上去全力推他，他强壮如牛，自然是推不动的。王胖子不慌不忙地坐下，估计裤子已经开裆了，他说黑小子就用了一下，他示范了一下，轻描淡写的一掌，王胖子说你们猜怎么着？大家不理他的关子，自顾自地喝酒，就听王胖子怪叫一声，做出一副中了机枪的倒霉模样，浑身抽搐后一坨肉靠在椅背上，王胖子说，我被他打飞了。

    故事到此为止，实话实说，我惊出了一身冷汗，因为王胖子是从来不替别人吹牛匕的，他从来只替他爸吹，既然他说黑小子牛匕了，那就一定是牛匕了，他也一定曾经怪叫着飞了出去，像头迎风招展的猪。我想假如有一天我遇上了黑小子，他不说话也不笑，就站在我面前斜着眼睛盯着我，那么我只好说，对不起，你认错人了。可他要是不放过我怎么办，他会说你个傻匕化成灰我都认得，然后就那么轻描淡写的一掌，我飞得累了，他就一屁股骑在我身上，问我服不服还牛不牛匕了，那么我只好说，我服，我再也不牛匕了。

    言归正传，看《叶问》的过程中，我听到放映厅里起码响起了四五次的掌声，尽管这掌声都是我身后一位大哥发出的，他的本意我明白，想把他的掌声造成传染病，引起整群观众雷鸣般的掌声，可惜他失败了，尽管有几个片刻我真的很想鼓掌应和他，可我的手正捧着一桶爆米花，用嘴模拟出鼓掌的声音又实在很有难度，只好放弃，于是我听到身后一次又一次响起势单力薄的掌声，稀稀拉拉的，转瞬既逝，时而热情洋溢，时而又索然无味，直到那位大哥的老婆喝止他，瞎鼓什么啊，傻不傻啊？

    《叶问》就是这样一部令人激动的电影，使人情不自禁就想鼓掌，鼓两下又冷静下来，又不是领导讲话，就个电影，都是假的，至于么？我想说的是，尽管我始终没有听到全场的掌声雷动，可这一年头一部想叫人鼓掌，或者说鼓两下又觉得傻的电影已经很难得了，因为这种掌声不是为了捧场也不是上级安排，纯粹发自内心的激动，就像你恰巧受了警察的冤气又正好读到了上海刀客的壮举，就像你一直看不惯纨绔子弟的恶行又目击了哈六警的威风，更别说全国人民都对日本人同仇敌忾，恰好这又是一部痛击日寇的片子，那雨点般的拳头，如瓢泼大雨落到了人心里，虎虎生风，拳拳到肉，简直是想叫人不鼓掌都不成。

    功夫片，或者叫武侠片，我是说这一类主要靠武打吸引人眼球的片子，一向是国人最喜欢的类型片，也是中国在世界上最拿得出手的类型片，照张艺谋的说法，拍武侠片是他从儿时就有的一个梦，于是他接连做了好几个梦，简直快做成了全国人民的梦魇，几乎所有大导演都在拍武侠片的过程中栽了，照理说《叶问》更没有什么道理成功，论华丽赶不上《无极》，论写意比不上《夜宴》，论明星阵容比不上《英雄》，论爱国劲头也不一定完胜《霍元甲》，可《叶问》就是让人觉得好看，同它相比那几部大片都成了垃圾，道理何在呢？难道就因为甄子丹的拳头比别人的硬？就因为熊黛林的脸蛋比别人的漂亮？还是因为咏春就一定比那些南拳北腿王八拳更出彩？

    废话说得太多了，其实我要说的很简单，铺垫，就是铺垫，《叶问》之成功完全是因为铺垫，首先出场的是廖师傅，这是作为参照物的坐标一，自然而然地被叶问打败了，谁也不能说那段打斗不精彩，可谁也不会鼓掌，因为这只是很平常的打戏，简直属于一个功夫片的必备段子，人们从这段打斗获知的信息很少，可以说只有一个，就是叶问比廖师傅厉害，至于厉害多少，谁也没谱，假如廖师傅不过是个欺世盗名的假宗师，根本只会几下子三脚猫的功夫，那么叶问的胜利就毫无意义。这时候第二个坐标出现了，金山找一出场就轻易打败了各大武馆的馆主，几乎没挨着一下打击，而廖师傅做为能同之较量几下的选手，证明廖师傅的功夫在各大馆主之上，但却不如金山找，那么叶问击败金山找就比甄子丹一上来就大杀四方更具有说服力。这只是其中最简单的例子，其实遍数片中最牛匕的几个场景，之所以看得人心潮澎湃，完全是因为之前的准备功夫做得很足，像是一壶炉上的水，烧了很久，而叶问的出手时机恰好在水沸腾的一刹那，他打赢的恰恰是之前看起来不可战胜的那些人，那么点燃观众就成了水到渠成的事情。其实要想树立一个英雄，那么在之前反复强化甚至妖魔化他的对手才是重中之重，为什么中国的商业片总是感觉不如别人的好看，就是因为中国的导演总是喜欢于反复树立英雄本身的高大全形象，而对于英雄的对手，却习惯极力描绘其弱和渺小，自以为就衬托出英雄的伟岸，实际上却恰恰南辕北辙。

    中国武侠的本质，不在于什么侠义精神，更不在于什么不杀或和平，而恰恰是那些报仇雪恨突获奇遇的俗段子，主人公开始被欺负得毫无还手之力，鼻涕眼泪满天飞，终于有天老天开眼，掉进深谷，获得一本武功秘籍，或者得到某位神秘高人的指点，从而段位大增一日千里，终于血刃对手扬名天下，人人知道这情节俗，一提到武侠就对这样的情节避之不及，熬尽脑汁想出一些莫名其妙的情节，什么仁者无敌，什么以爱止战，其实观众想看的不过是打得痛快，只要这打斗要带着国恨家仇，别打得莫名其妙，只要主角打败的是位强敌而不是喇渣，那么观众就满足了，就鼓掌了，就觉得这票值了，说到底，中国武侠的情节就是一个先抑后扬的情节，中国武侠的过程就是一个蓄势的过程，中国武侠的精神就是一个人若犯我我必犯人的精神。

    最后表扬一下甄子丹同学,在李连杰成龙成了角成了腕成了神自以为靠自己的慈善可以拯救世人的时候,只有甄同学还在永不疲倦地在舞台上打斗,不求普渡众生,只为观众过瘾.影片散场时我悄悄鼓了两下掌,就当为甄子丹,为他那不算年轻却依然有力的拳头.

这部讲述一对纠结的母子关系的电影充满情感爆发力，是25岁的泽维尔-多兰迄今为止最成熟的作品。

　　从稚嫩演员到25岁的金棕榈竞争者，魁北克青年泽维尔-多兰在过去五年中经历了一次令人难以置信的身份飞跃，前四部电影中玩出的各种花样简直就是把“创作”当成“自high”。这位颇显自恋的少年天才在银幕上尽情地挥洒表现欲，炫技意图明显、极端风格化的作品，在引起关注的同时，得到的是来自评论界的两级评价。

      然而，作为多兰的第五部作品，再次讲述母子关系的《妈咪》向前跨了一大步，在形式和内容之间达到了个人迄今为止的最佳平衡，尽管姿态依然高调，但这部影片具备了导演以往所缺乏的——深度。

　　《妈咪》是多兰第四次亮相戛纳。两年前，他那部视觉华丽、风情万种的《双面劳伦斯》赢得了为同性恋题材作品专设的“酷儿棕榈奖”。据说他对那次落选主竞赛单元耿耿于怀，因此去年带着心理惊悚片《汤姆的农场旅行》转投威尼斯。

　　即使传言为实，现在看来，多兰和戛纳的“过节”也已经过去了。如果说《妈咪》能够冲破如今顶尖电影节“敬老”的做派，拿到金棕榈，那多兰将会成为史上最低龄的金棕榈导演——比1989年凭借《性、谎言和录像带》石破天惊的史蒂文-索德伯格还要小一岁。

　　就目前来看，这种可能性并不小。在主题上，《妈咪》与多兰五年前的处女作《我杀了我妈妈》一脉相承，当年他正是凭借该片登顶导演双周单元而一鸣惊人。两部影片中的母亲大人均由安妮-杜尔瓦勒出演，只是这一次，观众的同情都偏向了影片中这个长期遭受精神折磨的母亲。《妈咪》的情节不再带有浓烈的自传性，而这个情感更为真实、宽厚的故事，几乎可以看作是多兰为自己那部任性、刻薄、自我沉迷的处女作的一种愧意表达。

　　《妈咪》的故事发生在加拿大不久的将来，政府颁布了一项新的法律：所有父母必须对有心理问题的孩子负责，或者把他们送进拘留中心。这一听来好像来自大卫-柯南伯格那些反乌托邦科幻惊悚片的开场白，其实是多兰为了这部家庭心理戏所设的略显笨拙的背景。

　　影片的主人公是中年寡妇迪安，和她患有注意缺陷障碍的儿子史蒂夫。杜尔瓦勒的表演充满爆发力，而年轻演员安托万-奥利维耶-皮隆也令人眼前一亮，他扮演的史蒂夫充满魅力、控制欲强烈、极不稳定，又无比脆弱。大家可以想象一下一个邪恶嫩娃版的麦考利-库尔金和风骚少年版的让-保罗-贝尔蒙多的结合体。

　　迪安和史蒂夫都有各自的性格缺陷，他们不是单纯的受害者或反面人物。他们的对话火药味十足，偶尔为升级为肢体接触，同时隐隐让人感觉到一种超越伦常的亲密，但剧本并未就这一点展开。影片的主人公不再是多兰以往作品中的中产阶级波西米亚嬉皮士，而是生活拮据的劳动阶层，不断挣扎却充满希望，人物身上同时爆发出的生命力和粗俗给予了影片一种自然的流露。

　　《妈咪》中出现的口语单词，可能比多兰前四部好玩文字游戏的作品加起来都要多。但是可贵的是，他并没有将人物庸俗化，也没有居高临下地看待这些贫困、边缘的人物。导演在发布会上是这么说的：“我觉得拍一部失败者的电影毫无意义。”

　　当一个害羞、口吃的邻居凯拉进入了母子俩的生活后，《妈咪》从二元平衡变成了一个奇特的三角世界。这三个人物组成了一个家庭单位，每个人都得以从自己的个人禁锢中有所释放，至少暂时如此。凯拉有一段神秘的过去，家里有个控制欲极强的丈夫，但这两点多兰都没有详细解释。虽然有点遗憾，但是不算硬伤。

　　像多兰所有的自己操刀剪辑的作品一样，片长超过两小时的《妈咪》再剪一点会更好。尽管如此，他还是让这个故事引人入胜、充满意外和情感冲击力。多兰另一个成熟的标志，是他将悲剧性的情节保留到了影片的最后几场戏：在史蒂夫做的自己在“另一个世界”获得成功人生的令人心碎的白日梦后（多兰聪明地找了另一个演员来扮演这个梦中的史蒂夫），观众紧接着坠入了痛苦、凄凉的现实世界。这个悲伤的结尾与整个故事的衔接并不十分流畅，但也并未给影片之前出色的表现减分。

　　多兰一向为人所称道的视觉呈现能力，在《妈咪》中也没有令人失望：从优雅的慢镜头、出彩的服装，到由鲜红色和暖金色包裹的室内布景。不过这一次，多兰和摄影师安德烈-杜尔班大胆地选择了1:1的正方形画面，刚开始这种狭隘的格局会让观众觉得完全没有必要，然而之后镜头呈现的特写和几何图案。会慢慢让观众发现这种独特的视觉语言的迷人之处。毫无征兆地，画面在影片中两场关于希望和乐观的戏上变宽，绝妙地隐喻了拓展有限视野的人物，这让现场掌声一片，而在戛纳，影片还未结束前得到掌声，这实属罕见。

　　多兰另一个标志性的特点是对歌曲的选择，《妈咪》延续了这一“金曲拼贴”的做法，影片中出现的所有歌曲均来自史蒂夫已故父亲的一张精选CD，Lana Del Rey、Dido和Beck这些当红音乐人的作品都被收入其中。而天后席琳-迪翁（Celine Dion）的“戏份”最重，影片中迪安大喊道：“她是我们的国民歌后！”

　　多兰也许读过加拿大音乐评论人卡尔-威尔逊的那本《让我们谈谈爱：品味终结之旅》，在这本书中，作者对迪翁遭到的“不够平民”的指责进行了辩护。如果他没读过这本书，那他应该拿来读读。因为《妈咪》和这本书有一个相同点：它们都是来自魁北克法语区劳动阶级的原始情感和文化内涵的一次欢呼。毫无疑问，这是多兰迄今为止最温暖、最贴近人性、自恋成分最少的一部作品。




来源/《好莱坞报道者》

闫妮和吴京是有多想拍电影啊，这种电影都接。
黄百鸣，恭喜你，凭此片终于成为继郑中基之后看到有你名字就可以直接忽视电影的第二人。
女主角的演技，哦不，那不叫演技，跟她谈演技太委屈他了，因为闫妮，古天乐那么一大帮老前辈在这里都毫无演技可言，你叫她还怎么发挥演技。

《憨夫成龙》的结局，是一个没有结局的结局。里面的阿旺，告诉了我一个重要的人生哲学：有时，选择，反而是一种执着，当面临两难的人生选择，我们可以先将其放下，不去选择，也是一种选择。复杂的不是事情，是人心，而爱情也一样。其实，人生，本来就没有所谓的结局。

“老婆仔开心，我开心”，“如果你真爱一个人，你会想他开心，他开心，你就会开心”，“如果不学会放下，又哪会懂得珍惜呢？”……爱情其实可以好简单，令爱情变得复杂的，是人的欲望和执着，欲望产生执着，执着为欲望提供行动力。不是拖着他不放，而是放开双手，让他快乐，也让自己自由。

“其实你一点都不傻，起码在你的世界里面，没猜疑，没计较，没争执，所有事都是由心出发，全心全意去爱你所爱的人，没占有、没怨恨，他们开心，你就开心”，这是最简单的爱，也是最真的爱。