作者：汽水小七

也许我的这发安利来的太晚，但请你一定要收下！

一谈起台剧，我们似乎很快会回到当初那个每天守着电视，和一群朋友痴痴傻傻看着玛丽苏的剧情，“少女心”爆炸的时候。那些不能缺少的梗、那些再熟悉不过的演员、那些尽管千篇一律还是会让人“小鹿乱撞”的“放闪”时刻……但是从某个瞬间开始，台剧走向了自己所谓的“衰落期”，而我们这群看着台剧“长大”的人，也都不约而同地选择开启了别的“世界”。

或许，台剧编织的无数个“灰姑娘”的故事，只适合停留在我们都还年少的那个时候，也只能停留在我们都还单纯的时候。似乎只有那时，我们才会单纯地做梦、单纯地开心、单纯地享受着一部电视剧所带来的美好。

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抖音上超多 预告片，至少预告片还是 蛮吸引人的。

这一版的 主角 竟然是 徐少强演的 树妖姥姥，和 包租公元华演的 燕赤霞。

小倩和 宁采臣，已经 沦为 配角。抖音预告片，全是徐少华，元华两个 老戏骨飙戏。

新版 宁采臣，长得很像 广东夫妇 的大狼狗，乍一看，肤白貌美，仔细一看，唇红齿白。久看之后，深感非我菜也，颜值不如 王嘉尔。

虽然是叫人间情，但是爱情线，我完全没有被感动到。小倩被吸进转妖洞，我甚至想笑。

宁采臣，感觉只能算是 见色起意，馋她身子，鬼迷心窍而已，完全没有真爱的赶脚。小倩一近身就跑，是几个意思？想戒色？太害羞？

才认识多久啊，小倩第二次来，就主动献魂，小倩一被抓走，就寻死腻活，更是矫情。

同是改编自 蒲松龄的《聊斋志异》，

对比 王祖贤 和张国荣 版本的 小倩和 宁采臣，至少 新版小倩在颜值上是完败了。

开局小倩还是有点战力的，后期 和 宁采臣 一起 变 战5 渣。捡个 伏妖咒，就已经是极限了。武戏只能是全程围观。文戏 花瓶，武戏 围观，帮不上忙也就算了，甚至 连跑都跑不了。只剩 捡个 伏妖咒扔出去，刷刷 存在感。

我以为，小倩至少要 忍着 剧痛，拿着伏妖咒 飞进去吧，毕竟这是她唯一 一次有点用的机会啊，结果用力一扔就完事了。

宁采臣要是手快点，真没小倩什么事了。

总的来说，这一版，人间情，主打 特效 和 打架。远景特效 和 兰若寺 外观实景，画风像极了 西游伏妖篇。

引入了 新的 妖怪，天魔 二祖。提高武戏的 充实度。

特效上，王祖贤的 港版 老片好像没有 CG特效，但是 灯光使用得 比较优秀，气氛营造得很好。新版 主打CG 特效。两个版本，是有和 无的差别。

布景上，新版 实体布景感觉相对多一点。

（刘亦菲 和 古天乐 的版本，我也看过，但已经忘得一干二净了。找了 剧照之后，才回想起来，大概记得是部 狗血三角恋。）

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同是改编 倩女幽魂，除了王祖贤版，还有两部是我比较喜欢的：

聊斋之 极道天师，这是一部 恶搞 喜剧。

神探 蒲松龄，主打 纯爱，感情线 完爆人间情，血虐单身狗。

对于很多观众而言，追求沉浸感体验与感知影像所传递的微观情绪似乎是相悖的。其实早在《索尔之子》披荆斩棘戛纳之时，观众就对奈迈施的创作形式持以怀疑态度。时隔三年，奈迈施再次启用《索尔之子》中那套熟悉的视听系统，引发的不满有增无减，同样的嘘声从观众席上传来。为何？面对《日暮》以叙事谜团填充的冗赘文本、充满机械感与幽魂感的人物动作、碎片化的主观视角，观众体察到的却是银幕背后强硬的预设与导演操纵的双手，而非代入角色后真实情感的涌现。——这样的批评并不轻率，我们可以通过比较奈迈施前后二作创作体系上的变化，对《日暮》为何遭受贬低的原由进行解惑。

1.线条

毋庸置疑的是，《日暮》与《索尔之子》的根本驱动力都来自于奈迈施追求观看体验感的创作程式。这种创作程式分为两步：一是以视线与画框的局限完成环境建构，并借此形式匹配人物偏执的动机；二是人物的偏执动机带来其运动轨迹的既定，主角之外的人物被断然“抛弃”，只在需要调动时呼之即来。《日暮》中，我们可以轻易地跟随Irisz的目光，“扫荡”余晖之下的布达佩斯；《索尔之子》中，人物的囚犯身份使之不得已在有限空间中活动，朦胧晦暗的色调将背景环境进一步地压缩。

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初看影片，不由感慨，李小龙仅仅过世40多年，当事人都还健在，故事就让人歪曲到了这种程度，只能理解成此电影是以李小龙为符号的童话或者漫画故事，来宣传中国的文化。

黄在片中不再是现实世界中狭隘的民族主义者，而是处处禅机的高僧，最后成功的点化了李小龙，升华了李的精神境界。而现实中，李从未受到黄的点化，相反对他影响最大的是西方文化。

黄在片中的武功高强，比李小龙也有过之而无不及。打斗的动作设计还是不错的。作为爆米花电影值得一看。这部影片，如果从1960年代改成1860年代为背景，以李小龙的爷爷为主角，我想效果会好不少。至少不会荒谬到：在三反五反的革命期间，还敢公然聚众比武。比完了居然还能坐船回少林寺去。藐视观众的基本常识。

小白在一具尸体上醒来，被“灵魂寄宿管理者”告知要在一百天内查出尸体的死亡原因。迷迷糊糊的他开始适应着本属于这肉体的家人，环境和情感世界，在这过程中他经历了猜疑，背叛，冷漠和孤独悲哀，最终才发现凶手竟是自己。

题材很新颖，寓意够深刻

想要什么就说出来，想得到什么就去追求。困惑总能从一次次交流中得到解惑，而不是在自闭中。不仅如此，更要珍惜当下，因为你永远都不知道意外和明天哪个会先到。

最近看了两部香港喜剧，一部是吴镇宇主演，陈咏燊导演的《逆流大叔》，另一部就是这部彭浩翔导演的《恭喜八婆》。

《逆流大叔》反映了香港精神，亦得到了香港电影发展基金的支持。故事谈不上太有新意，但编剧功底相当扎实，演员演技也在线。毕竟陈咏燊曾是马伟豪的御用编剧，21世纪初的香港喜剧有他们的一份功劳（《新扎师妹》，《河东狮吼》）。

只是不得不承认，马伟豪，陈咏燊，吴镇宇依然代表的是上一代人的香港。《逆流大叔》里的主人公设置也是四五十岁中年人，调侃的是香港中年男人生活的无奈。曾在《新扎师妹》的粉嫩少女杨千嬅如今也开始饰演承担更多社会责任的中年女性。十几年已经过去了。

如今在香港，能再拍出属于香港年轻人的喜剧的导演不多。随着香港黄金一代导演和演员的集体老去，故事的表达方式和关注题材，都很难再走出以前的桎梏。更加可惜的是，这么些年香港年轻人也发生了巨大变化，这些变化将由谁来记述？老导演们也许是有心无力，年轻导演尚未长成。这重任只好由已经四十五岁的彭浩翔承担。

彭浩翔一直是最潮的。从18年前的《买凶拍人》开始，彭浩翔走得路线，思考的东西就一直能抓住时代神经，时代的“神经病”，也就是那些最潮的东西。

看看这部《恭喜八婆》里的元素和梗吧：

Wifi名叫“Fuck you like a friend”

小朋友在新西兰云养羊。一次不交租就发发香喷喷的羊肉煲给他们看。

在Facebook上靠身材吸引宅男的女作家

在Ins上即兴弹唱的文青

开授捆绑课程的男同情侣

幼儿园里伸手要五百块钱用来攒钱买房的小妹妹

商场里的彩虹旗

彩虹母乳协会

。。。

这些梗一部分是接了香港的地气。喜剧的背后一定要有浅在的悲剧支撑，这样的喜剧才有厚度。不知多少年轻观众看到小妹妹伸手要五百块用来攒钱买房那一段会苦笑。

另一部分梗其实是顺应了世界的潮流。这种梗在大陆也许有人能拍，但没人敢拍。彩虹旗，男同，直播，这些元素在欧洲电影现在已经快被玩儿烂了。也许并非必要，但这些元素可以体现电影所处的时代印记。

如同彭浩翔所说，他拍这部电影只是想让香港观众“笑一笑”。在香港难立足，年轻人尤其是如此。与“逆流大叔”们靠拼搏对抗时代压力不同，香港年轻人们靠的是友情，与可以对抗一切现实荒诞的年轻。

彭浩翔饰演梁咏琪前男友那一段真是惊鸿一瞥。我真想不到比彭导更适合演前男友的演员...看了令人印象深刻，却又知道肯定不是主角。

有人说彭浩翔北上后就不再关注香港，但我还真看不到除了他以外，还有那个有功力的导演在真正观察和讲述香港年轻人正在发生的一切。

当上一代电影人逐渐老去，祝愿新一代香港电影人可以在资金限制和合拍中突围，让香港电影年轻下去。

是把法律真正作为代表人民利益和意志的准则来遵从？还是把法律作为实现个人利益和目的的工具来利用？这是动机的天壤之别！任何法律开宗明义第一条就是立法宗旨！剧中教授往往是离开宗旨谈守法用法，凌驾于法律之上，认为法律只是他实现梦想的利器！这就免不了他会收罗诸多猪队友，用非法手段贿赂执法人员和官员，虽然他是法律教授，熟悉法律，但本质他是藐视法律的，所以才会利用法律攻击法律！

每一年，都有无数有种的人选择北漂，张元却告诉人们：无论多有种的年轻人，在那片北京森林，心中的火种也终将熄灭。有种不仅指北漂的勇气、年轻人面对困难时的价值观，也暗指张元自己对待电影的一如既往的偏执态度。

这是一个充满机遇与挑战的时代，人人都渴望打拼出自己的一番事业，无数心有火种的年轻人来到北京，他们要发光发热，可是时代从来不仁慈，它没有公平。没有根基的年轻人想要在这偌大城市站稳脚跟无异于登天，他们在接受生活潮水一波波冲击的同时还要承受时代下的暴风骤雨。越来越残酷的压力让即使有种的人们也看不到希望。渐渐使他们忘了自己是谁，终于在无情冰冷的现实坚冰面前，火种灭了。斯德哥尔摩综合症指被害者被伤害后，反而对加害者产生了感情，选择了原谅。灭了火种的斯德哥尔摩的病人们，终于心安理得地接受了现实给予他们的所有无情与伤痛，带着这些创口，换了一种姿态，重新融入了时代。

三宝是个有血性的人，能因为别人的无理取闹而大打出手，可年轻人的爱情在物质现实面前是那么脆弱不堪，女友跟了有钱人后，这个对待感情极重的男人好像就渐渐屈服了，在冰冷的现实面前他也逐渐变得冰冷，不再面对丑恶而仗义执言，不再见证潜规则而怒火中烧。最后他原谅了那个抢走他女友又抛弃他女友的男人，他更像是原谅了这个不给“无根”的人活路的时代。最讽刺的莫过于这个男人最终终于“有种”，只是这个“有种”却是为了心中仅存的对爱情的向往，原谅了时代对他所有不公，认下了这个不是自己的孩子。王铭和三宝其实是一类人，他们的成长轨迹相似，遭遇的悲哀也相似，他的存在其实是对主人公三宝的悲哀的一种补充与强调，三宝不愿说出来的对生活的控诉通过这个原本理性、精心打点生活的男人之口说出。没有办法摆脱这些一层又一层的枷锁，王铭最后在那个冷冬率先脱掉衣服，走向了冰凉的大海。他代表了那些在这个城市里战战兢兢生存的人们，可无论多么小心翼翼，也总会猝不及防被暗流冲倒。柚子与小诗付出了全部心血的艺术梦想在行业潜规则前仍然是那么不堪一击，他们代表了在这个饿死诗人的时代里，无数撞的头破血流的有梦青年，终于身上没有了钱，心里也没有了诗。

影片中还有许许多多的形形色色的人物，他们的喜怒悲欢也反映了这个时代的百般姿态。被心爱的男人当成交易筹码的苏莫，最后带上挣回的破碎的自尊选择了离开；桃子选择了直面自己一直逃避的家庭；方老板选择了守护那个来之不易的家。每个人在最后都习惯了时代强加给他们的枷锁与生活轨迹，就这样平平淡淡地生存了下去。

《有种》是张元没有过多炫技的一部电影，他就想用最朴实的方式来表现北漂族最真实、最质朴的情感。因此他选择了大量使用固定镜头进行摆拍。固定镜头能给人稳定、均衡、厚重感。使人感受到这座坚实的时代堡垒带来的厚重压力以及人物始终被限制在镜头中某一位置的不自由感。为了突显人物与时代的关系，导演又运用了大量远景，突显了人物的孤独感—在时代面前，所有人都没种。这部影片其实有些像是张元自己对时代的控诉，因此他选择用三宝的独白贯穿全片，是一种典型的作者电影。独白不仅抒发三宝的情绪，也表明了作者的态度。吉他带给人的是一种自由洒脱的感觉，而本片中屡次出现的几段重复的民谣吉他solo怎么听都有些悲凉。这座城市不属于北漂，导演极力想给他们信念与希望，尽管徒劳。

在现实主义原则指导下的张元，将视野扩展到北漂一族，通过他们与时代的抗争和妥协反应了时代的本质。封闭性与开放性结合也是本片的一大特色，尽管情节有头有尾，但有了“种”之后的三宝会选择如何继续生活仍然不得而知。这或许是柔和下来的张元力图留给北漂青年们的一些希望罢。

这部电影更像是一个有种的男人的成长史，成长的终点，也和普罗大众一样终于成为了一名斯德哥尔摩病人，每一个斯德哥尔摩病人都曾被时代伤害的体无完肤，这世上有多少条路就有多少走投无路。走投无路的他们最后终于深爱着这个世界，他们的世界观也趋于主流：内心的成长决定幸福的指数，即使脚下支离破碎、满目疮痍。

微信公众号：moviesss 首发于 MOViE木卫

《过昭关》没有落入“你不知道我会在第几分钟出片名”的青年导演怪圈魔咒，恰相反，它的结尾方式，却是出乎我的意料。

我说的，并不是“献给我的爷爷”，回忆儿时点点滴滴，乡土情。为数不少的导演，都会在第一部电影，拿家族经历和自传色彩下酒。

出完导演作品字幕，《过昭关》的结尾，加上了一段电话铃声响，惊醒一个生死未卜的悬念。霍猛在这里跟观众开了个玩笑：正如大雪纷飞的村子，大概是全片电影摄影感最强烈的时刻。高清电视电影的泛土黄，杂乱无章的村庄未完成建设，画面上就能感受到的三门峡空气污染，全部被白色的雪掩盖。那仿佛是在说，导演的真心话，乃至“蠢蠢欲动”，都在这条精心打造的尾巴。

这段收尾，说明了《过昭关》的情感核心，并不是祖孙情，而是昔日反右之痛——那一关，大过生死，不能忘。这也只是我个人的猜测，并不会影响多数人或宣传口径，把它联系及北野武的《菊次郎的夏天》之类。

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没有呈现检察官的日常，只有玛丽苏谈恋爱的日常，整部剧都在谈恋爱谈恋爱谈恋爱，这部剧没有了解过最基本的司法常识，司法考试只有通过和不通过，没有第一名，女主的第一名是编剧给的？还是金主给的？很烂很烂很烂很烂，女主参与的案件都有男主参与，突出的就是一个英雄救美，突出的就是一个工业糖精，没有加班社畜人只有酒吧聚会上等人，刑侦审问等工作都由检察官来做了，公安局是干什么的？没有女主的成长过程，没有没有没有没有！！！什么都没有，只有谈恋爱谈恋爱谈恋爱谈恋爱！！！！！恶心观众！！！！

21年上海电影节午夜惊奇栏目，翻译成互换身体，之前看过介绍，感觉最多算搞笑惊悚片，感叹组委会是找不出真恐怖片来放了。结果没想到意外得好看，虽然还是典型美恐突然跳出来吓人的套路，但结合了花式杀人和血腥元素还真有点恐怖片的味道。当然如果一路这么拍90分钟观众也会乏味，于是把柔弱小美女和巨人杀人狂的灵魂来了个互换，这样的反差萌就很有意思，两个人对自己身体的不适应和对新自我的发现都还蛮好笑的，高大杀人狂跳扭屁股的拉拉操，较弱小美人靠着自己人畜无害的外形拿起电锯大杀四方，最搞笑的一段莫过于小美女在杀人狂身体里对男生表白，全影院都在笑。另外合适得穿插一些亲情友情的元素，都自然不突兀。最后也给这部惊悚片一个比较完美的结局。没有想到这部我完全没报希望的非典型恐怖片完败了前几年电影节的正牌恐怖片小丑回魂，我们，昆池岩等。我个人给这部电影4分。

正义大boss是鸟人吧，附身在博士身上但并没有把博士杀死，没有对鸟类的牵挂最后也不会死了，利用别人的善心才是最大的邪恶，3.0的出现让我彻底觉得博士和机器人才是最邪恶的，最后的机器人去政府报道，更加显示博士的野心。电影前面铺垫太长，的确引发槽点，但不得不说印度人民的特效真的比中国强很多

補標昨日看完。可以說達到了歷史侷限性裡的最好水平。

港臺電視劇的拍攝水平、理念、方式在70年代和80年代中期各有一個坎。76以前的電視劇的脫胎於傳統戲劇未久，舞臺風很濃，即「三五人千軍萬馬，七八步走遍天下」，動作上點到即止，武打就會不精彩，76書劍恩仇錄就是如此。86以後的電視劇基本是我們心目中比較「正常」的電視劇，比如86倚天屠龍記，乃至於94射雕英雄傳、95神鵰俠侶、94倚天屠龍記，但是舊時功底尚在，境內也有類似的情況，像86西遊記就是典型，出身戲曲的人在動作、神態上的功夫要遠勝於今天的演員們，不論是一無是處的流量明星，還是用力過猛的出身話劇的演員。所以可以發現這部劇的「感覺」與79-84之間的劇差不多，而與86以後和76以前不同。

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