下笔之前，我在想，现在写剧评会不会太早了呢？毕竟才播到第四集。不过还是趁着现在刚看完有感觉，先记录一些东西。 这部剧16年7月就已经拍毕，原本安排17年5月播出，接档当时大热剧集《不懂撒娇的女人》，结果播出前一个月被抽，安排播放一部06年的老剧《兰花劫》，实在是令...  (展开)

       首先个人非常期待周星驰这部《美人鱼》，不管怎样，星爷他都是目前国内最良心最负责最天马行空的具有巨大影响力的电影人前三位之一。在这个国产烂片盛行的如今，偶尔一部精良是不够的，中国需要更多像周星驰，徐克，陈可辛等这类对商业电影质量有高标准要求或像贾樟柯，娄烨，许安华等这类对文艺片有独道眼光的电影人。
       再回到周星驰的电影，他个人的作品更是经过了数次转型，这也是他在华语影坛保有无限市场号召力的重要原因之一。 从他最初年轻时闯入市场的“插科打诨”“咸湿屎尿屁笑话”满目的式的喜剧开始（如《师兄撞鬼》《赌圣系列》《情圣》《鹿鼎记系列》等等），再从他有一定影响力，可以对电影剧本或制作进行一些干预(如《如唐伯虎点秋香》《国产淋淋漆》《大话西游》《食神》）等等，就在他“喜剧之王”在一步一步稳定的时候，他俨然慢慢将自己打造成了"悲剧之王"。
       1999年《喜剧之王》的人生经典，2001年《少林足球》的励志人生，再到2004年《功夫》的黑暗童话。他似乎总是走在了时代前沿，票房一步升天，当然也会有一些“质疑”，而这部分“质疑”的人显然太不了解他了，显然内心太空虚了，根本没有跟着周星驰一起成长，他们只是习惯和喜欢屎尿屁式笑话。而星爷他已经到了不惑之年，他的内心即使“童贞”，即使“幼稚”，可他哪能那般”糟蹋“自己的专业，他现在已经是一个可以掌控整个电影流程的家伙了，不再用看那些爱财如命的“老板”脸色了，他要拍真正的电影，真正有人生的电影，当然他还是保留了他一些擅长的幽默搞笑，更为了打开国际世界，打破语言幽默的圈，用动作幽默代替了很多语言文化幽默，如《少林足球》《功夫》。
       接着2008年他主演了自己导演的最后一部电影《长江七号》，这部电影却被很多观众说，怎么这么“幼稚”，没那么好笑了。可他将这部充满父爱的电影拍成了儿童电影，并作为了自己大银幕前的最后谢幕，是有他的用意的。也许这和周星驰他个人的童年或成长有关吧，那年他47岁。
       再就是2013年他彻底“躲"在幕后所导演的《西游降魔篇》，这是一部有史以来和原著描述最为贴近的影视作品。既血腥，又暴戾，但也充满了哲学意味的大爱和小爱，大概这就是一个51岁的孩子王的内心童话。这部电影充满了佛教韵味，但又那么的让人乐，惊，怕，伤，泪，望，周星驰就是这样一个不断挑战自我的电影人。
       而即将上映的这部《美人鱼》，据说是一部贴上了爱情喜剧科幻环保等标签的周星驰电影，没错，他又一定的走在了时代前沿，只因为他是周星驰，为电影付出了一生的周星驰，对得起观众票价的周星驰。感谢您，星爷，只有您既让我们笑过，又让我们哭过，而又始终没有从我们生活中真正离开过。

我错了！

这剧是不仅不切实际，而且细节还烂的可以，这老爸怎么奇葩了？这剧有50%体现老爸是奇葩吗？！

不！！！我觉得他的儿子女儿倒是挺奇葩的，要不然为啥这剧大部分时间都放在了他儿子和女儿的身上？！！！

他的儿子谈恋爱，他的那个所谓的女朋友跟他一块上复读班，美名其曰为了找回失去的青春，我呸！能再恶心点吗？

他的女儿当明星，上大学各种高傲，各种冷艳，各种作死，各种她与风流导演的二三事，各种的请假，各种的休学，我的天，这是高分弱智吗？

然后，剧情落入了俗套的伦理剧，他的儿子创业，莫名的多了一个亲生父亲老总，他的女儿被“甩”，莫名的要跳楼自杀，shit！真是够了！

这剧不切实际就算了，细节还烂到爆表，我不说别的，我就说我印象最深的女主去捉奸，拿了保洁阿姨的房卡，那时候保洁阿姨还叫着还我房卡，等女主开门进去，保洁阿姨好像是掉入了异次元空间里再也没出来过，啧啧！

最后他的儿子坐到了大办公室里，电话的对面各种老总的叫着，还高大上的安排神马行程，那叫一个神气，你TM以为你是王健林啊！然后那个所谓的奇葩老爸还义正言辞的说什么高考鸡汤，说什么高考未必就是独木桥神马的。

其实我想说老爸你当时是不是在脑补那些上了大学的人给你没上大学的儿子老总当小弟的画面？！呵呵，如果没有那个亲生父亲老总帮衬着，死前还给他安排好了，你儿子算个JB？！

PS：现在的编剧真好当，小学文凭就行了！这一星只给韩童生老表演艺术家！另外片尾曲不觉得难听吗？自唱自high似的，不知道的还以为是某党的庆功联欢晚会呢

       剧情简介：宿醉党the wolfpack一伙自驾送Alan (Zach Galifianakis饰)去治疗他的精神问题。岂知他们在路上遭到黑帮袭击，伙伴Doug (Justin Bartha饰)被绑架。Alan必须同Phil (Bradley Cooper饰)和Stu (Ed Helms饰)一起尽快找到他们的黑道“故友”Chow (Ken Jeong饰)，以安全换回Doug ……

       Hangover《宿醉》无疑是近年来好莱坞R级喜剧的代名词。在全世界沸腾的首集和口碑失望多票房依旧红的续集后，这个借着酒精和迷药失忆混乱、行差搭错的系列终于迎来了最终篇。无论口碑如何，现场的齐齐笑声说明很多观众还是需要出格的恶趣味甚至重口味的笑料来欢乐一下的，尤其是在影院众乐乐。
       前两部的相似度奠定了该系列的套路：婚礼前夜，the wolfpack的伴郎兄弟们和新郎一起狂欢告别单身。谁知醒来才发现翻天覆地的变化，尤其是决定婚礼成败的一位人物失踪。余党开始回忆前夜以寻人挽救局面。他们的具体分工是，奇葩Alan制造祸端，老实Stu迷幻后最疯狂也最惨，帅哥Phil组织收拾烂摊子，乖乖Doug主打酱油。
       显然，大龄儿童Alan是关键先生，他的好心办坏事和非寻常思维都主宰了宿醉事件的起源和余波。但是，另有一位抢戏的狂野配角Chow，从第一部起也逐渐影响大局。在本部中，Chow开始担当主角并成为主线，他是the wolfpack焦急找寻的人物。更大的变化是，老套路中的婚礼、宿醉和失忆元素居然都消失了。不过，在黑帮的枪口下限时完成任务，一直头脑清醒的他们麻烦一点没少反而更头大。
       尽管导演一改设定，但相信大部分铁杆粉丝还是会满意这部终结篇的。场景上，既有拉斯维加斯回归首部的起点，又有墨西哥对应第二部中的异国风情。情节上，开篇的支线情节已能笑得满堂彩，主线中狡诈无下限的Chow从之前的基友转成对手显然更令人头疼。内涵上，the wolfpack的友情持续升华，过了这么多年，最不靠谱的人也有了成熟的迹象。是的，没有宿醉的《宿醉》会有遗憾。那么请留意字幕后的彩蛋，估计你很可能顺口冒出几句口头禅，同时怀疑这一切真的结束了吗。

相信你也会喜欢这些影片：Hangover 《宿醉》系列 / Due Date (2011) 《预产期》 / 21 & Over (2013) 《年满二十一》

(文/一一，英国商报)

激动啊终于看到了首映
但是和预想的还是有很大差距的
葛优一出来就有笑场
这个我预先就有心理准备
但当范伟演的丁仪出场的时候我实在hold不住了
看着他和赵本山演的常伟思用铁岭话讨论严肃的物理问题
我笑得快趴到椅子下面去了

WG的情节也删了不少
主要是武斗戏
红岸的背景语焉不详
最高指示也没说
但是那个大天线一出现还是感动了
另外批斗叶哲泰一段有个头上冒血的镜头颜色貌似调暗了
某局威武

ETO的戏份多了不少，可能是考虑动作场面太少一般观众不爱看吧

另外吐个槽，三体游戏被删到不能再删了
个人觉得是第一部的精华啊
当然了，古筝行动的视觉效果赞极了，IMAX必须的

当然，电影里最无节操的还得说是植入广告：
常伟思他们开会一水儿lenovo电脑
三体游戏界面直接就打腾讯logo，占了大半个屏幕怕人看不见么！
大史敲开汪淼家门的时候不是抽烟而是在喝舒化奶！！
最后叶文洁登上雷达峰说：这是人类的落日，但我腰好腿脚好，多亏了盖中盖，一片顶两片！！！
逻辑从冬眠中醒来，护士第一句话说：我们家还在用AO史密斯。。。

还有据说续集里要有维德程心云天明的三角恋狗血桥段
这个绝对要抵制。。。

这篇影评可能有剧透 铃木静香嘴上说着音乐剧很奇怪，一边却没办法压制住内心深处的那股劲。 催眠并不是让你成为一个面部全非的自己，而是打碎你内心的枷锁解放你的天性。 高楼大厦禁锢得住一个人，却锁不了一个有趣好动的灵魂，你灵活多变的舞步和忘我高歌的姿态令人着迷。 你记得很清楚，那天你带...  (展开)

这篇影评可能有剧透 史上最无节操学生会再次回归，继TV版，OVA，OAD后，《妄想学生会》系列终于推出了时长1小时的剧场版，干货丰满，段子连篇，笑料充足！ 剧场版动漫《劇場版 生徒会役員共》（b站在线看） 作品类型：搞笑动漫 影片监督：金泽洪充 故事概述：樱才学园学生会的搞笑日常 上映日期：2...  (展开)

平心而论，片子还是有西部片的味道。 导演手法虽然没有什么独到之处。但是本片却有一个亮点————他不描写英雄。 片子里没有十恶不赦的坏人，也没有根红苗正的大救星。 简简单单地表现一段西部纠纷。 坏人不坏，叙事到第三幕的时候甚至有点可怜中透点可爱。 好人不好，有哪个...  (展开)

陈子龙：兄弟，有人坐了。
大声发：我不是人吗？我到底是不是人啊？！！！咆哮，腮帮子都涨起来！
陈子龙：干嘛啊你？

大声发：人家问你有没有钱啊？！！！咆哮，腮帮子都涨起来！
陈子龙：你有病啊？

一个人出现，一大堆人疯狂地朝他涌过去，想吃他的肉。
这是欧美丧尸片里出现的情节。
据有的片子设定，丧尸这玩意是不知饥饿的，他们吃人是出于本能，一群人没事做，漫无目的地溜大街，吃人能打破这种无聊。你说他们看到跟自己不一样的人之后，能不疯狂，能不狂躁？

但丧尸的狂躁是有缘由的，而本片的狂躁却是毫无道理。
本片到处充斥着莫名其妙的狂躁。
狂躁之下，人的脑袋反应迟钝，会做出很多莫名其妙的事。
本片的剧情可以用一句话形容：一群人莫名其妙地狂躁了起来，之后做了一些莫名其妙的的事。
片中出现的大声发这个人就是个很好的说明。他的出现很莫名其妙，他的说话也很莫名其妙。
有意思的是，甄子丹饰演的陈子龙对这个人的回应是“你有病啊”，其实何止他一个人，整部片子出现的每个人都有病，有病得吃药啊，可能他们也确实吃了，只不过吃错了，把兴奋剂当镇定剂吃了。

我这样说绝非没有道理。
片子刚开始，四个人打麻将，三个人很狂躁。
麻将打完，三个人里面的一个，仗着自己有泰拳傍身，他的狂躁尚未冷却。结果很无语，他的泰拳被陈子龙以“滚地十八踢”的武功给破了。
剧情紧接着陈子龙的妈过生日，一帮人突然又嗨起来了，是不是狂躁？
（有这一帮手下，很容易让人认为陈子龙在黑社会混的不错，其实他什么也不是）
再接着剧情是患了痔疮的坤哥，因为手下放着大路不走偏偏走小路，搞的坤哥痔疮发作，把手下小弟打骂了一顿。是不是狂躁？
再接着陈子龙就到了“南海市”（其实是深圳）。刚到南海，陈子龙跟女主方静在路边调情，惹得一个路人破口大骂。连龙套都这么狂躁？！
再接着就是大声发的那段，就不说了。
再接着一帮人吃起火锅来了，sunny说喝酒，陈子龙说喝酒没意思，不如喝火锅汤，大声发说喝纯火锅汤没意思，于是往里面倒了两瓶国窖1573。
白酒加滚烫的火锅汤，这个创意是不是很狂躁？
但让人莫名其妙的是，陈子龙这个时候已经摆明要“我要打十个”了，但他还是把这个玩意喝了下去。还说了句：你知道我一向喜欢吃辣的。

伙计们，我写到这的时候，狂躁的剧情才只进行了三分之一哦！！
下面的三分之二我就不写了吧，浪费笔墨，看过电影的朋友自己回顾一下就可以了。

（我写的这些，有略微的剧透，剧透是个坑爹的事，但相信我，在这部片你不用怕别人剧透，因为这部片子的剧情可以用“山路曲折十八道弯”来形容。
换句话说：整部电影就像一场梦一样，等你醒了之后，抽根烟，你知道自己做了梦，但梦见的是什么，早就忘光了。
如果再刻薄一点，可以说：整部片子的剧情就是没剧情。）

我试着来分析一下为什么会出现这种狂躁的现象。

首先中国电影无论香港还是内地，整个市场都是比较狂热、浮躁的。这种狂热体现在以下几点。
1：好莱坞电影近几年对中国电影市场产生了很大的冲击，基本上任何一部稍微大一点制作的电影在中国都有非常不错的票房，这无疑刺激了中国的电影人。于是他们在自己技术尚未成熟的情况下，盲目地推出了一些类好莱坞的大制作。事实证明，这些不伦不类的电影基本上都不算成功，只有极少数骗的了一些狂热的观众。
2：香港电影市场自95年以后就开始萎缩，中间在0４年前后出现了小幅度的回暖，——这也是《无间道》、《杀破狼》这些电影有香港电影救市制作这个称谓的原因，虽然在这期间出现回暖，但整个市场难复当年之盛。现在的香港电影市场现状可以用六个字形容：死不了，活不成。这就导致了很多香港电影人北上淘金，到内地拍片。但是因为两地的文化差异再加上电影审查制度的不同，导致有些电影人一身武艺无处施展，但他们自知又不可能放弃内地这块市场，所以无疑他们得削足适履来适应这个环境，拍出来的片子稀奇古怪也自然是在情理之中，这需要一个时间来磨合。但是我猜他们大多数人都是抱着能捞钱就捞钱的心思来拍电影的，磨合个屁呀，等磨合好了，说不定自己都进到棺材里去了！
3：外地人来这捞钱无可厚非，但看看国内的电影人吧！我不知道什时候是国产电影的最好时期，但我知道，绝不是现在，如果中国电影照着现在的情况发展下去，那国产电影恐怕将彻底完蛋了！现在大多数人，甚至十之七八的电影人创作一部电影都只是想着怎么挣钱，不愿意花一丁点时间来想着如何把片子拍好，赚钱的想法如蛀虫一样在他们脑子里生存了下来，最后脑子里跟智商审美这些相关的任何东西都被虫子吃了！不可否认，创作这种东西是很主观的，但你的品味得差到哪里才会认为自己创作出来的东西是好东西啊！你敢不敢拍着胸脯说我创作出来的是好东西！你敢不敢拍点真实的东西！我想这无关品味，脸皮厚度才是关键！
送你们一句话，《三傻大闹宝莱坞》里面的，追求卓越，成功将紧随而至！你甘于寂寞创作了好东西出来，想不赚钱都难；你现在靠着小聪明愚弄了点观众，但没有人会傻到一直上当受骗的！
上面写的三点，其实第三点才是出现现在狂躁的电影市场的根本原因！

再来分析本片的狂躁。
俗话有云：店大欺客，客大欺店。电影界也是如此，演员腕大的话欺负导演，导演厉害的话折磨演员。举个例子言之。恰巧前几天刚刚看了本斯蒂勒拍的《热带惊雷》，戏中戏的片子，小罗伯特唐尼饰演的是个好莱坞的大腕，有个导演找他拍“热带惊雷”的戏，本子是根据小说改编的，他没有看过小说，也不看剧本，他想怎么演就可以怎么演，导演得听他的，这是演员欺负导演的情况。斯坦利库布里克是电影界公认的大师级导演，每人都想跟他合作，但跟他合作的人都是找罪受，他在怕电影时是个绝对的暴君，不管你腕大腕小，你都得听我的。这是导演折磨演员的情况！
根据片子在未上映时候的种种新闻，我们有理由相信在拍《特殊身份》这个片子的时候，导演跟主演处的环境是演员欺负导演这种情况。
相信我，每个人都是有一定的掌控欲望的，更何况，甄子丹是当过导演的。让我们来回顾甄子丹的演艺之路。这个很有必要得回顾，这对了解甄子丹这个人很有帮助。
甄出道极早，早在１９８４年的时候，袁和平袁八爷就为他量身定做了《笑太极》。据说是因为甄母亲麦宝蝉跟袁八爷的老婆是老相识，而甄又想进演艺，所以袁八爷提携一下，也是情理当然的事。再顺带提一下，成龙的出名袁八爷也出了大力，他的成名作《蛇形刁手》、《醉拳》都是袁八爷指导的，李连杰现在有今日成就离不开徐克、元奎，但他也得感谢袁八爷，而袁自己好像也说过，李连杰是最有大师范并且合作起来最默契的人）《笑太极》开启了甄的演艺之路，但可能甄确实是霉运当头，也可能甄自己局限太大，导致甄的演艺之路非常不顺，一直到０５年叶伟信导演的《杀破狼》的出现，甄才开始渐步星途，０８年的《叶问》才让甄步入香港顶级巨星的行列。
想想吧，伙计，８４年到０５年，接近２０年的时间，甄是怎么过来的！到０８年的时候，成龙李连杰已经从好莱坞转了一大圈了，大家同时代的的人，而甄这个时候才达到前面两位在十多年前已经达到的成就。你说这事搁你身上你郁闷不郁闷？
当然，如果你能摆正自己的姿态，找准你自己的定位，你现在未必就会感到郁闷，但在０５年以前，甄是绝对郁闷的，我敢打包票，赌上前两天我刚买的那件衫！
一个人在一个行业里头混了二十年，还是不温不火，看不到出头之路，而自己又不甘心这样下去，这样的生活绝对会让人感到郁闷！这期间，我想他还考虑过转行，但演艺圈也是个很体制化的行业，你过惯了聚光灯下人们拥着的生活，再过那种默默无闻柴米油盐的生活，你是绝对习惯不了的，——大多数人都这样，能伸不能屈。转行是不行的，那换位当导演吧，于是在９８年左右甄自己开电影公司拍出了《战狼传说》、《杀杀人跳跳舞》、《新唐山大兄》、《黑色城市》这样的电影，有必要一提的是，他拍片的钱还是从高利贷那里借来的！小伙伴们，这等于赌博啊，人生不到万不得已，谁会愿意走这一步！这些片子，毫无疑问，并不成功，很多人对于片名可能还是第一次听，好像《杀杀人跳跳舞》参加日本一个电影节的展览，还获奖了，甄没去现场，得到获奖的消息是主办方打电话给他的，乍得消息，甄当场落泪，这是很容易理解的，辛苦搞的创作，终于得到了一些人的认可，自己的努力并非无价值的，并没有白费，再加上自己这些年的郁闷，这个时候想不激动都难。
但获奖也没给甄带来好运，电影公司还是破产了。这个时候甄的心态一定还是郁闷的，但可能没有之前那么强烈，可能他会由此心甘情愿地给人配戏，不再抱怨自己做不了主角，不再抱怨自己红不了，静静地蓄养自己的锋芒，等待有机会的时候亮剑天下！——人生的路很长，一时的失败可能真的不是什么坏事，至少可以让人清醒冷静下来，只有在清醒的状态之下，人才会思考，才会想明白自己想要什么，自己能得到什么。相信我，我的小伙伴们，这是好事，很多人现在似乎很成功，但终他一生，他可能都不知道自己想要什么！
或许是甄的霉运确实到头了，毫无征兆地，《杀破狼》、《导火线》、《叶问》这三部片，一下子把甄推到了巨星的高度，看看他接演那一系列《关云长》、《精武风云陈真》、《画皮》、《锦衣卫》、《武侠》、《十月围城》、《叶问2》，这哪一部不是大制作？——虽然这些片子都不怎么成功，可甄到底有多红，你应该可以看出来了吧！不红谁找你啊！
人的经历越多，人的心态就转变的越快！毫无疑问，这个时候甄的心态较之前几年已经发生了天壤之别！当初的晦气，郁闷，现在一扫而空，终于轮到俺上场了！那么此时甄的心态是什么样子的？
郁闷是肯定没有的了！名头来的不易，那就享受它！太容易得到的东西，人们往往不会珍惜，反之亦然。所以，此时，他心态是享受并且维护。但如果你再往下分析，你会发现一条很关键的因素，这一点很可能是导致甄现在出现这个局面的原因！
甄自己也知道，自己的名头来的不容易，因为这固然是靠他实打实的努力，但这里面还有说不清道不明的因素在帮助他，这种因素可以用四个字说出：老天保佑！我猜甄一定也意识到自己的成功有取巧的成分，并且他更知道帮助自己的那些因素自己是控制不了的！我猜他在夜深梦中醒来的时候会有悸动：我现在所得到的这些，就跟梦里的一样！我猜他甚至会神经质地担心，担心他拥有的东西一下子就全部失去了！因为，他自己都知道怀疑，自己得到的这些是否是真实的！
所以我可以简单概括出此时甄的心态：享受并维护，同时又很害怕！
你要是认同我所写的这些，你就绝对不会再讨厌甄了，因为他实在是个被命运玩弄着的可怜的人！
你要是认同我所写的这些，你就会理解甄这些年的行为了！
你看成龙跟李连杰这些年，接片都很慢，一年也未必拍一部电影出来，李连杰甚至还接演了一部纯文艺片《海洋天堂》，这说明了什么问题呢？李是明白自己动作明星的生涯没有多久了，如果自己不转型，那么以后的电影界自己将再无立足之地，自己以后以什么身份混在电影界呢！而成龙呢，成跟李完全不一样，首先成对功夫片有着深深的热爱，不甘心就此搁弃，再者一个很重要的原因就是成内心深处有着极其强烈的冒险精神！除了成，世界上没有任何一个人对自己去在荧幕上创造惊心动魄的冒险场面有这么深的迷恋。有些人只在乎结果，不论过程怎么样；有些人只享受过程，而不在乎结果。毫无疑问，成是后者，成很清楚自己在拍戏时自己会承受什么样的风险，这风险可能会让他丢失性命，但他还是愿意去做！我的小伙伴们，请再相信我，他是很享受做这些刺激的！可以说，成是真正能享受工作，享受生活的人！
而甄这两年疯狂地接片，看似风光一时无俩，其实他心里有着难以名状的苦水！
甄自知自己也打不了多少年了（所以他也有意无意地接一些需要点演技或者说能训练自己演技的片子），刚刚累积起来的名望，自己还没有享受爽呢，眼看着就要失去它了，你说甄会不会苦恼！
另外，一个人一旦被定型之后，他的路子便变得非常窄了，看看史蒂芬金，看看金凯瑞吧，——这俩人心里都很抑郁的，除了外部的压力，他自己内心也会非常茫然而苦恼，不知以后自己将如何发展，而又不甘心自己现在的处境！
种种这些因素纠缠在甄的心中，导致了甄此时的狂躁！
此次《特殊身份》这部片，最大的话是人就是甄，所以他的狂躁将会无可避免地带入进片子里面！

狂躁这种情绪便如无色无味无形的毒气，在不知不觉间你就会被感染了！
看看这个片子打一星的人数吧！
我猜有的小伙伴们，在电影院电影看片时，片子还才看到一半，他已经在手机豆瓣上打出这个一分了！
小伙伴们，你敢说你在打分的时候没有情绪在作怪？！
当然，你打几分都由你自己高兴，我也无权责怪你，我也不会这么做，我想说的是：
——你现在已经处在狂躁的状态之中了！
所以，我的小伙伴们，当你决计要做一件事之前，你可以坐下来抽支烟，或者只是抬头望向远处，做两个深呼吸，这些事做完之后，再考虑之前那件事是否要做，是否要那样做！这对你将有很大的益处！
淡定点吧！




附文。

1：片子导演是霍耀良。霍之前在香港也拍出过一些精品的电影，比如《急冻奇侠》、《越堕落越英雄》、《O记三合会档案》，这些都是小众的电影，他没拍出过哪些鼎鼎大名的片子。
所以可以说，他的导演水平处于中等水平。但这部片子一出，绝对会把自己的水平拉低不止一个档次。
2：香港众多电影导演中很少有徐克、许鞍华这些上过高等电影学院系统地专业地学过电影知识的人，基本上九成以上的导演都是野路子出身，我无意贬低他们，事实上，他们有着极强的实战经验，因为他们大多数人都是有师承的。有绝对的证据证明霍的师父是已经退隐了的电影大亨麦当雄。麦当雄的电影一向本子严谨扎实、风格写实，有极强的操控大场面的能力，但可惜这些方面霍一点都没学来。麦当雄早已经不问电影事，但我想他还是喜欢电影的人，自己当年的徒弟的电影他很有可能会跑到电影院去看的，不知道他看了之后，会哭还是会笑。
3：本片的编剧是司徒锦源。此仁兄曾经是银河映像的得力大将（现在好像不跟着杜琪峰他们混了），大家知道银河映像拍出了很多风格凌厉独树一帜的精品的小品电影，而此仁兄写出的《暗花》、《一个字头的诞生》、《杀破狼》都属于上上品，但现在写的是啥玩意啊，我们小区下面看大门的大叔写出来的本子都写的比他好。
4：本片的飞车指导是罗礼贤，此人可以说是亚洲第一飞车导演。但你飞车再精彩，也救不了这部片。这部片子的飞车场面虽然也挺刺激，但这东西成龙跟杨紫琼早在1992年的《jc故事3》里面救已经玩过了。另外，沃尔沃给了你多少钱，看看你把人家路虎给撞的！
5：摄影来头更大，鲍德熹。此人可是获得过奥斯卡最佳摄影的主啊！但本片的摄影我没看出有什么出彩之处。
6：还有音乐，刚开始的音乐，怎么听着这么熟悉咧？《碟中谍》表示他也很郁闷。
７：组成电影的无非四样元素，剧本、摄影、音乐、演员。其中个人认为剧本最重要，演员第二，音乐次之，摄影最下。但也有演员重要过剧本的。
８：金凯瑞的成名作《神探飞机头》的本子每个人都认为很烂，但正是因为金凯瑞的表演使得片子取得了巨大的成功。
９：第７、８、９这三条都是废话。
１０：片子的女主角据说毕业自北京电影学院，但我猜她是跟马栏破的娜姐学的表演。他丫的，简直是谢娜失散多年的妹妹，有木有？
１１：观众很郁闷，连我四岁的侄儿知道了邹兆龙是武打明星之后都知道片子中两人会打一场，但导演竟然没安排，并且邹的角色最后就没影了。
１２：我猜邹兆龙自己都很郁闷，但很高兴。打了这么多年，我终于可以不用打了，谢谢你找我并且只是让我演文戏。
１３：邹兆龙剪头发那段，他的造型很想《赌侠１９９９》里面刘德华。很帅！
１３：片子开头饰演泰拳高手那位是卢惠光，此人一直是成家班成员，《十二生肖》之后，不知道怎么就被成龙扫地出门了。
１４：我生活中也遇到过一些人在说话中有意无意夹杂三两个英语单词。我认为这样无非两点原因，第一点就是装比；第二点是有些时候你想说话却又不知道该怎么说或者你不想说而又不得不说的时候，那么说三两句英语吧，会很有趣。
１５：片中饰演ｓｕｎｎｙ的安志杰就喜欢莫名其妙地在说话时候夹杂几句英语，但他为什么这样，原因却不属于上面分析那两点。他是为什么，我也不知道。
１６：第１４条跟第１６条是废话。
１７：郑中基不管戴不戴眼镜，都一点也不像警察。我更喜欢他在《低俗喜剧》里饰演的那位暴龙哥。
１８：片子最后陈子龙跟ｓｕｎｎｙ那场打戏，很卖力，很熟悉，甄子丹在《导火线》里面已经跟邹兆龙来过一次。甄子丹的“沾衣十八跌”功夫又高了一层。
１９：快说完了。
２０：很多时候，一部片子里面如果没有自己认识的演员的话，是否看它，往往只是取决于片子的名字是否吸引人。
２１：片子的名字叫“特殊身份”。不得不说，这个名字唬住我了，让我以为这是一个精彩的故事，事实上，在我这道陈子龙是卧底之后我还以为他有另外一层身份，谁知道竟然只是卧底而已。特殊？特殊个屁呀！浪费了这么个好片名。
２２：最最重要的一点。任何电影界的人，我说的是任何人，无论导演还是演员还是制片，如果你们看到我这片文，而又恰好需要水军的话，请联系我。我敢保证，我的软文写的比你们以前找的那些人写的都好！
２３：已经写完，欢迎补充。谢谢看文！

文：赵猪

《爱你一生》是根据长篇小说《后悔录》改编而来，原作是广西作家东西2006年发表的一部小说，讲述大时代背景下，小人物随波逐流的飘零生活，坚守内心却又不断后悔的荒诞生活。当年在看的时候，每每被小说里种种极具时代特征的故事吸引，但是也深深地感觉，这是一部非常适合改编，但是又很难改编的小说。
适合改编是因为原作本身的故事性就很强，人物性格鲜明，时代特征明显，而且先天带有一种悲天悯人的人文关怀，以及生活和人性本身的荒诞特质。很难改编的原因也在于此，从文革后期一直到21世纪，中国几十年的历史活灵活现，时代的荒诞和黑色幽默特质，很难在伟光正的中国荧屏上一一呈现。《爱你一生》做出的最大改动就是把原作的男主角曾广贤改成了如今的曾向阳。
很明显，曾广贤和《增广贤文》之间一定有着某种不可告人的秘密关联，这个人物带有极其强烈的时代特性，不合时宜的坚持和对爱情的懵懂向往，以及生活磨砺之下，渐渐消极的人生态度，让他显得既卑微又可叹，所以才会出现在原作中，他每每在时代的拐点处，做出毫无意义的坚持，错过改变自己命运的好时机，却又往往柳暗花明。改作曾向阳之后，原作设定几乎完全变了个模样，消极、悲观和卑微的成分瞬间荡然无存，再配合上《爱你一生》这样浪漫主义的主题，整个故事即便有再多的磨难和苦痛，仿佛也能最终迎来阳光。
唐曾，一个生于1985年的青年演员。也就是说，当故事里的曾向阳已经饱受生活的磨难，仍然坚定不愿后悔时，他才刚刚出生。但是就是这样一个85后的演员，凭借自己的表演功底和理解，诠释出这个坚定的浪漫主义者，内心的坚定。话说，关注唐曾这个演员，是从《知青》开始的，之后《我们的生活比蜜甜》再次证明了他特别适合这种怀旧题材年代剧，大概是因为他波澜不惊的面孔上，还保有那个年代年轻人所特有的理想主义和浪漫主义的气质。所以即便是明知他的年纪，却依然相信，他就是曾向阳，一个无可救药的，坚定执着的浪漫主义者。
过去的时代无法回溯，所有的荒诞都显得格外真实，也正因为其真实，反而显得更加荒谬。人们总想抓住时代的脉搏，却往往在不断变换的风向里迷失了自己，然后又在时过境迁之后悔之晚矣，痛心疾首。从《后悔录》到《爱你一生》，东西小说里的悲悯和消极顺应电视媒体的风格，变得更加积极，更加深情、坚定，后悔永远不是人生的大方向，与其随波逐流，倒不如谨守本心，用坚定和向前看，充满希望的凝望、期待来改变哪怕早已注定无法改变的人生。
年轻的唐曾或许不是时下流行的小鲜肉，但是正如《爱你一生》里的曾向阳一样，他的执着和坚定，注定了他是一个出色的，可以一直演到八十岁的优秀演员！

在领略了这部电影古色古香，诗情画意，精雕细琢，美轮美奂，诡谲变幻、精巧兵器、精彩打斗的优点之余，要随时做好被憋出内伤的准备，因为那狗血的剧情，简直如晴天大霹雳，一不留神就炸得你两眼翻白。 一个好编剧能让一部电影起死回生，一个烂编剧则毁人不倦，我首先的反应是，...  (展开)

看之前已经知道了这是一部悬疑剧，反转在最后，所以一直惦记着最后的反转而错过了中间的细节。
那些我以为是bug的地方原来都不是bug而是梗。前面明明没有过铃木承诺给GF送戒指的桥段，怎么后来送戒指的时候GF会说你还记得约定啊？还有一开始胖子说的我是数学系，怎么铃木对美奈子父母说他读的是物理系？长成那样的胖子瘦下来真的会变成松田翔太嘛？虽说每个胖子都是潜力股，但这青蛙变王子的桥段已经不是减肥，而是整容了吧……
还有好些有玄妙的地方，其实已经给了你推敲的线索，如果认真对待没准真能破解，但思路还是顺着剧情开展了。
随着剧情的开展，本以为这是一个被女友改造成功变成大帅哥的渣男劈腿的故事，看着剧情里渣男在新欢旧爱之间的纠结，看着宅男劈腿旧爱未断新欢暗结尽享齐人之美，看着爱情慢慢败给了时间和距离，看着心里烦躁的铃木对着想要摆脱的女友莫名其妙的发脾气，看着铃木要求女友把孩子打掉，想着这样的爱情早该结束了吧，想着亦舒说的“当一个人不爱你的时候，哭闹是错，静默也是错，呼吸是错，死了也是错。”结果，果然结束了，再结果……再说就要剧透了。
这是一部需要至少看两遍的电影，一遍认真体味爱情的变质，一遍认真揣摩bug是怎么变成梗的。

看了几集大丈夫。忍不住吐几句槽。男的不帅女的弱智。哎编剧能不侮辱现代女性的脑子么。好好的杂志社副总编，大龄女青年，EQ低得简直惨不忍睹，吵架完全不经脑子，一个劲只会胡搅蛮缠；另一女主好歹也是硕士毕业，虽然没有工作，遇到事情完全不懂沟通，只会装鸵鸟。唯一的亮点，就是打酱油的佟大为。

AI题材现在也是非常应景，这种小成本的制作只能是软科幻了，与《我的机器人女友》不同的设定，居然男男有感情？太腐了，因吹斯汀(歪嘴笑)。我想说的是，1男程序猿我没见过这么帅的。2男程序猿都是猥琐直男，一般掰不弯的。哈哈哈。看了才发现，这电影有第一部，居然也搞基，还...  (展开)

《公牛历险记》的主角西班牙公牛费迪南德很轻松地就帮新伙伴高地牛安格斯解决了刘海太长看不见路的人生难题。这并不是因为费迪南德有无敌的智商，它会做发型完全是跟之前的小主人尼娜学的。 在现实生活中，很多时候我们觉得博学的人也只是因为先手优势而已。他们只是比我们提前...  (展开)

这是2015年少有的好剧。
很现实地描述了70后的人生成长，升华女主角的同时，没有过分地狗血。让我们看到这个世界，懦弱的大多数终究是可以被救赎的。人物性格拿捏准确，但点到为止。
早逝的夏父，明月的精神支柱。
多病的夏母，短视而懦弱。是影响子女教育，遮蔽明月的乌云。但终究被慢慢点亮。
蒋佳楠，叛逆任性强迫怯懦。他和他的父亲一样，永远不会相信感情，因为商业策略无法管理真情，始终没有长大。
丁云，尽管有过分黑化，但是小市民家庭驯养的孩子，恶毒是必修课。
许母，这样人生际遇的母亲，只能看护孩子到成人。否则，孩子会慢慢平庸。
小雪，贫穷对人的最大伤害，不是如明月痛失前程，而是以恐惧之心面对未来，伪善包裹自私和狭隘。
许冲，你要成就的，正如你的名。

每个人的名，就是他的命，做到便不枉活。
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PS. 没有办法接受许冲离开明月选择了丁云，所以希望蒋佳楠的成熟超越自己的父亲。

今年年初，由杨超执导，秦昊、辛芷蕾主演的电影《长江图》在柏林获得杰出贡献艺术奖。“货船船长高淳沿江而行，不断与一名日渐年轻的女子相遇，在诗集和航线图中，他上溯至源头，终于发现了她的起源和长江的秘密。”《长江图》的叙事结构和视听呈现在华语电影中，都是一次全新的尝试。它更近乎是一部魔幻题材的影像史诗，在时空变幻中寻找自己的逻辑，让梦与诗与影像重合。

高中旷课去录像厅看香港商业片，退学考取电影学院导演系，毕业短片《待避》、首部长篇《旅程》获得戛纳电影节金摄影机奖，杨超导演一直以艺术电影为坚持，并不断进行新的视听尝试。

杨超导演说他有三重身份，导演、导演系导演创作课老师、超级影迷。而我恰好是他作为教师身份的学生。《长江图》在我大三的那年开拍，参与的都是本系师哥以及周围熟悉的人。眼看它从一个庞大复杂的剧本，经历补拍、几十次剪辑，终于在柏林获奖。《长江图》对我们来说，总有别样情感。

水域、诗歌、行走、爱情，80年代末船工诗人的日记中，又有怎样的故事呢？


【其实我今天特别紧张，觉得不太像是采访或者对谈，更像是来做论文答辩的。】
杨超：哈哈哈，但你现在是记者身份了，应该非常的专业。

【先问下，我之前看的柏林版本和8号的公映版有哪些区别？】
杨超：旁白去掉了三分之二。上映版本旁白在长江中游的一个城市跟着一个地理设置停止了。这叫做“海潮至此回”，就是说船工为了省油都愿意赶海潮逆流而行，这个海潮的影响到长江中游一个叫彭泽的地点的时候会停止，在这个点之后也是最后一段旁白。这是内容上最大的变化。

其它的变化还有颜色上的变化，柏林的2K版跟4K像两个电影，画质很奇怪。加上4K之后颜色变得更厚更扎实，颜色是长到画面里的，之前会感觉浮在表面上。声音的变化更大，柏林版本整个后期时间只有25天，声音等于没做，这次的声音有非常大的改变，声像、声场、内容本身，花了三个月左右做了很多改变。

【画面没有做调整？】
杨超：比较小，零星几处。

【旁白去掉那么多，会不会更闷。】
杨超：如果是从类型片的角度来说，对，会更闷。但如果以艺术片的角度来说——我非常不愿意这么说——但它是挑观众的。可能它是在商业院线放映的华语电影中，难度最大的一部，比《路边野餐》难度还要大。因为《野餐》比较小，比较清新可爱，《长江图》很压抑沉重。

但我们不担心这个闷度是因为，对于类型片观众来说即使全加上旁白他照样会觉得闷，它不属于他们的观影类型。

【我知道电影中本身是没有旁白和诗的，尽管诗也是从剧中人物自己出发，但更多是为了弥补叙事，让观众理解在影像上交代得不清楚的地方，尤其是段落之间的连接。对你来说这是否是个妥协，还是觉得它能让电影更完整。】
杨超：首先旁白和诗歌这两者完全不同，旁白是某种程度上的全知视角，是外在于叙事的，也就是说增加了一个叙事的维度。诗歌是在叙事里边的。诗歌的内容稍有小调整，但是保留了你看到的2K版的数量，还是10首左右。诗歌是没法改变的，除非你改变整个叙事。

【我看《长江图》和《路边野餐》的时间很相近，差不多都是在去年年末，难免会拿这两部作品作对比。毕赣说《路边野餐》中的诗是完全独立的作品，只是与影片氛围相同才放进去。那么《长江图》的诗是什么。首先它肯定是为了剧本去创作的。】
杨超：毕赣对自己的看法很清晰很准确，《长江图》和《野餐》里面的诗是完全不同的两种用法。《野餐》的诗就是文学作品，跟影像形成一种混搭。《长江图》里面的诗完全是影片的主人公高淳在80年代末的时候写的，这个诗也是在故事中他与女主角相遇的契机，所以它不是外在于故事，而是故事的一部分。

其实我比较不同意观众在第一遍看完的时候觉得它是部诗电影，或者影像诗，或者说影片有很强的文学性，这完全是需要再看一遍的。跟《野餐》的文学性或者散文式不同，《长江图》是个完整的故事，如果说它有点文学性或者诗意，这其实是来自我写了这么一个当年的文青的人物。因为他的身份，使影片带有一定文学性，并不是说电影的质感或者本身的结构有文学性，完全不是这样。

【就我作为观众的感受来说，《野餐》里的诗是非常有灵性的，轻易就能被我抓到，但《长江图》里的诗我不知道该怎么去评断它，不知道应该用什么词去总结这种风格。】
杨超：当你试图去评价《长江图》里面诗的时候，你不由自主还是在把它当做文学作品。它是80年代末一个跟着父亲跑船的文学青年在沿长江游历的过程中，经常停泊一些奇怪的码头和港口，他有感而发用钢笔在稿纸上写成的一本诗集。是他所处的长江这个空间，80年代末的时代氛围，还有这个人的文青身份，三者共同作用出来了这种文字。所以文字的味道和气质跟2016年的当代诗歌是完全两回事，他应该更属于北岛那个时代，是断言式的，宣告式的，彻底否定式的，有很大精神硬度的东西。和这个时代某种更清新的，更个人化的诗歌是两个时代的。那是一个个人对历史发言的时代。今天的文青说，我要去旅行，我要去经历这个世界。那个时代的文青说，我要改变这个世界。它带有疯狂的否定现实的意图。

【可以理解为就是主人公高淳发的微博或者朋友圈。】
杨超：对，可以这样理解。

【这个故事为什么是从冬天开始？除了当时我们放寒假你有时间拍摄这个原因外==】
杨超：哈哈哈哈，暑假时间更长啊~在前几次采风的时候，我经历过一个寒冷的冬天。那时我，其中一个制片人，还有一个叫麦子的流浪诗人歌手三个人一块儿在上海搭船想要做一次采风。马上要过年了，船都停航不愿再走，制片就说咱们回家吧，我说不行必须得搭船看看长江什么样子。制片被逼无奈就沿着长江的一条支流（因为支流才能停很多小码头）一个船一个船的问，跑了一整天，居然就有一艘是安徽铜陵的货船，兄弟俩船长要回家，就带着我们搭了这艘船。从上海到铜陵经历了四天的航程，冷到要命。岸上都是万家灯火和鞭炮声，江上只有一条孤船。船上只有一个床，一床被子，船工把床和被子让给我们，三个男人每天就抢一床被子，把所有衣服都穿在身上。货船不防风，带着水气的寒风渗透到每一个角落。

那一次我对冷有了一个特别深的印象，也拍到了后来的短片《信史四章》里的主要场景。它给了我对冬天长江的深刻的印象，我觉得它更接近于我想象中的长江，或者说老长江。（到夏天长江会变得更明亮更暖色调，有很多嫩绿色暖黄色会出现）。经历了那次航行之后我就喜欢上了寒江的调子，最后就选择了拍寒江。跟宾哥（李屏宾）商量过后，他也觉得是这样。寒江的长江更多的保留了我们脑海中唐诗宋词的长江的气质。

【看过你前几天在武汉的一篇活动实录。有句话我特别喜欢，你说，尤其是夜晚、白天的光线消失的时候，我独自站在船头，轮船驶入旷野的时候，我感觉这是一条唐朝或者宋朝的长江。就像看完《聂隐娘》的时候有个朋友跟我说，好像看了一部唐朝的电影。对于河流水域和历史文化的关系你怎么看？】
杨超：巨大的河流是保留了传统中国信息最多的地方，其实陆地上保留的特别少。我听说《聂隐娘》是在奈良采景，因为大的唐代建筑在中国很少。陆地上的庙宇建筑保留的文化也已经很少，只有河流保留得最多。但是必须得到某些时刻，白天还不行，得到船走到城市之外的时候，等到光污染都消失，你站在船头，（因为船本身也是现代的造物，也有光污染），再看河流以及两边的江岸。旷野中没有什么人居住，前面是山或者云，这时候其实没有任何光你怎么能看到东西呢？人眼就是这么奇怪，就能看得到。看一会儿黑暗中的层次就会渐渐浮现出来。那时候你看到的就是天光，就是月光或者日光散射的一种光，自然光最暗低照度的感觉，特别漂亮，但是拍不下来。我们有宾哥在，有最好的感光胶片，但依然拍不下来，只有一片漆黑。造物主给了人类一个礼物，你的眼睛是任何器械和科技都做不到的。

【我觉得《长江图》是一部对观众要求非常高的电影，不仅仅是看懂剧情或者感受画面这么简单。它需要你去透过它解读其后的内容，甚至是与之完全不同的内容。还要有充分的想象力。比如刚才说到的黑暗中的层次，比如导演拍了江水，你要想象波纹的样子，拍了山路，你要想象夜间山路的味道。所谓“造物”，是有一半需要与观众共同完成的。这是否也是你所追求的？】
杨超：最好的电影都是这样。我们在看最好的电影的时候，就跟看世界一样的感到奇怪，好电影一定会留下你去参与的空间。类型片当然相反，类型片是让观众躺着靠着内容直接塞过来，你都不用伸手张嘴就能得到。这是一种电影。我做的电影更像是我们在看生活，用肉眼看世界。

比如你在公共场合旁观窥视他人的生活，你会发现你的脑补能力超强的。你看到一对情侣吵架，只要只言片语就能猜到他们生活的其它层面，巨大的生活就扩展了出来。甚至有的时候你在交通工具上看到不说话的一对情侣，都能看懂他们眼神之间的信息量。这说明我们每一个人对世界都具有解读能力。最好的电影是开拓而不是遮蔽这种能力。类型片其实没有能力开发观众的这种能力。我也看太多商业片，我也需要乐趣色情暴力动作，需要生理的愉快。

但一直以来都有另外一种电影，它试图去开拓观众解读世界、认知世界的能力，这类电影也不少。只不过中国观众只看到表面这些东西，忘了有其它的存在。并不是说大家都听流行音乐，古典音乐就不存在，它一直存在，也有很多人喜欢。并不是说那边十个人，这边一个人，十个人就更有立场更有道德优势。
我比较反对对于严肃和艺术的敌视，因为它是一种精神生活的享受。当然如果只有艺术片一种，也是暴力。但现在的问题确实是，商业片在中国当下的阶段里面，暂时过于强盛。

【反而观众得到了类型片很好的训练，一个特写，观众都知道这是重要交代，是之后剧情的线索或者道具。已经很擅长这种抛球一样的训练。】
杨超：观众就是在类型片一次次的训练，达到饱和之后，才一定会喜欢艺术电影。我举一个特别明确的例子，恐怖片。恐怖片想吓唬人太难了，像去年的《他在身后》，虽然也不是特别好，但它被称为神片，原因就是这种类型化的模式已经吓不住人，观众已经会有免疫力。艺术电影就是在为类型片开拓新的观众没有免疫力的影响手段和打击能力。它们应该是互补存在的价值。

【所以院线观众看《长江图》的时候会很失望，因为他看了几十分钟后会觉得导演没有抛东西给我，没有能让我准确接到手里的东西。】
杨超：说实话我是非常担心这一点的。这是一个无奈，其实《长江图》这样的电影是不应该在商业院线里发行的，这种发行本身对观众也是种伤害。观众没想到会看到这样的东西。他的精力、预期、接收的广告，让很多观众进电影院都会有惊异和错愕。侯导这么大的声誉，《聂隐娘》还带有武侠的类型，很多观众仍然觉得自己被骗了。这个错位不是我的责任，这没办法，我没有艺术院线放映。这是对这类电影的巨大伤害。观众很郁闷，电影口碑也一定会下跌。导演和观众都解决不了这个问题，只能看这个市场能不能繁荣到某种程度之后会出现市场的细分，那时才能正常健康起来。

【但《路边野餐》得到了一致的好评，在普通观众中的口碑也很好。】
杨超：《野餐》首先完成度很高，它有很多可爱的东西，是属于这个时代你们这个年纪的人比较容易接受的东西。它很清新，它的文学很有灵性，容易从个人角度打动人，它格局很小，在大家理解起来不会有太大困难。毕赣是在自己完全可以掌控的范围内，做了一个本身非常精巧玲珑的东西。毕赣也是这些年来新导演里面做视听语言最好的。

《长江图》有更重的负担，它做了一件疯狂的事情，不管是在文化意义上、影像意义上，还是在承担的叙事结构的突破上，都提出了甚至是我本人和那个时代的中国电影都很难支撑的要求，它是一个比较疯狂沉重的作品。这种作品观众肯定需要一段时间来体会它。

【《长江图》剧本过于庞大了，超过了电影的承载量，我会觉得无论怎样用影像处理，都是很片面的。】
杨超：是这样。

【那你觉得喜欢《野餐》的人会喜欢《长江图》吗？】
杨超：很大一部分都会。但是《长江图》里面有关于历史文化，有80年代历史反思，它对观众提出的这种要求有时候可能会冒犯观众。它有复合的主题群在里面，你甚至很难说哪个主题是最主要的。观众需要整合的信息量特别多。我只能说很有期待，但是不敢抱太多期望。

【我在已经很熟悉的剧本的情况下，第一次看完片还在想，如果对剧本陌生的观众，肯定看不懂。】
杨超：是的，第一遍对观众要求很高。但也不一定，在柏林放完后我在豆瓣上就看到了一篇影评，已经把两个时空的地图都画出来了，可能记错了一些名字，但依然很厉害。有这样的观众，虽然是极少数。

【你说在武汉上学的时候走廊尽头能看到长江水，对长江的理解也是从那个时候开始。在《长江图》里，或者是某段中，是否有还原那种体验？】
杨超：整个事情的出发点是来自于我对长江的这种个人感受，到现在每次我看到长江的时候还是会忍不住看。这个事情可能只有我做最合适，你们都不会是。因为你们的信息量很大，会关注的东西很多，我在年轻的时候没什么好玩的，自然界对我来说最神奇的事物就是长江了。这对我来说是很个人化的依恋。所以我拍它的时候其实认为最好的东西并不是我拍到的，不是用胶片拍到，也不是用DV拍到，而是我自己眼睛看到的，那些瞬间根本无法重现。尤其当你带着一个剧组在一定时间拍摄，那时候长江给你呈现的瞬间就没法选择了。如果是我一个人，就可以选择我看什么不看什么。拍摄的时候，最好的长江已经不是我看到的长江。

【从模糊有要拍长江的想法到现在已经有十年，剧本创作花了三年。你说只有最杰出的大师在最黄金的时刻，他们才知道怎么拍，剩下的大部分时间对导演来说都是苦役。对你来说，《长江图》中哪些是灵光哪些是苦役？】
杨超：导演的工作你也做过你当然知道，它太琐碎了，大部分时候都是苦役。你会被一个声音靠前一秒或者靠后几帧这个事情耽误十几分钟，如果整个片子的构成都需要这么去做的话，你会发现太累太繁琐。你感到很辉煌的时候，其实是那种你正确分解了这个时空的时候，就是你觉得你抓住了这段时空的气质且抓得很准，景别选的对，此刻镜头和人的运转都对，甚至老天也很配合。这个时候你才会感到一点成就感。

每一段镜头里面都既有灵光又有苦役，苦役是充斥在每一时刻的。好的时刻是我们拍到了满意的东西，比如雪、黑暗江河那段灯光打亮石壁的镜头、河边隔河对望的镜头，还有中间的船、两岸的关系，完全按照我分镜头的逻辑拍下来。

【我最喜欢的一个镜头就是船上的灯光打到夜间的山路上。】
杨超：那个镜头气质很好，但并不是最理想的状态，最理想状态是能够更复杂的拍。你们看到的是有点分解开的镜头。

我最初设想的是，在一个镜头之内，让秦昊在镜头前有一个小的入画出画的动作，镜头在船上的一个轨道和吊臂上，然后多年前的那条广德从左侧驶过去，而右侧山上是那个女孩的脸，中间被一条光柱连着。这样的话我们就能先看到光柱，再看到秦昊的脸，再顺着光看到女孩，当女孩继续走的时候我们再顺着她返回来，看到光柱略过整个船。光本身把秦昊的身影打量再刷过去，中间光的两端连着新广德和女孩，刷过旧广德，一个镜头全拍下来。

【其实是在用魔幻的方式拍一部电影。】
杨超：我要的是一种现实的魔幻，要拍出来时空本身的魔幻。我从来不想做出一条龙出来让大家觉得特技有多好。这个镜头我太想拍到了，但是我的资源做不到，要在小三峡里面有更大的操作平台才行，需要另外更大的一条船作为平台在江上固定住，要能站得住脚，但我们的船不停在晃，就没法实现。

【还有说到沉灯的一场戏也没有拍成。】
杨超：那场戏是影片中段的一场。他们开着广德路过了长江的一条小支流，并不是很宽。船拐过一个弯，秦昊站在船头引航，忽然发现两岸各站了数百人，都是当地的村民。他第一反应就是，这是江匪吧，船就减慢了速度。再看，不像，有小孩有妇女。船继续向前开，忽然间两岸的人发一声喊，向两边跑去。才发现他们拖着一条巨大的粗绳子在跑，随着他们向两边跑，一条巨大的缆绳像条蟒蛇一样被他们从水里拉起来越升越高，中间部分出现了一盏青铜制的大灯。灯越过船头，被拉到很高很高的位置，秦昊眼看着船从灯下面过去。灯滴着水，滴到秦昊的脚边。船越走越远，秦昊回头看，不知道发生了什么。当船再走远，他们看到灯里面亮起一团火。

这是我第一次用语言表述沉灯这场戏，也是剧本中相当重要的一场戏。

【这段是一个景观还是对叙事也有影响的？】
杨超：长江图的叙事不是传统的叙事，它是用整个山河大地一起来叙事。所以当你觉得它是景观的时候，其实是，当沉灯这场戏开始之后，后面他们开始在长江相遇，魔幻的事情就发生了，这是对这个故事的某种暗示。观众会被这个景观所镇住，觉得很神奇。我们试着拍了一次，但是失败了。我们把灯都做出来了，花了将近一万块钱。但是当这个灯被拉起来的时候，胶片已经开始转，绳子断了，所有人眼看着灯掉到水里。我们可以把灯捞起来，但是绳子只有一条。那是条钢缆，如果钢缆直径多一倍的话也不会断，制片为了省钱选择了较细的。我们大家都疯掉了，准备了一整天，就放弃了这场戏。

【从一开始定位的魔幻现实题材，还有要做独特的时空结构，到现在的独立女性定位，是怎样发生这个变化的。】
杨超：是因为宣传方觉得魔幻现实这件事是一部影片的逻辑，并不是观众理解的那种魔幻现实。《长江图》的魔幻是在时空结构的魔幻上，这其实是更内在的魔幻，如果你把它作为一个宣传点，观众可能想看到那种奇特的东西了。（蜉蝣：比如看到一条龙~）船行驶在女性身体里面不光是爱情或者情色的意味，其实也带有某种女人和长江可以互通和类比的概念在里面。

【前几天发布的女体海报，你说“逝者如斯，必有人重写爱情”。怎样看待华语作品中这些所谓文艺独立的女性形象？安陆的身上是否有余虹的影子。】
杨超：安陆这个形象在中国电影史上没有出现过。你要说她是一种进化也可以。余虹这个角色也很独特，但她是某一类我们依稀能感觉到的女性的一个典型，我们周围或多或少有点余虹的东西在。但是安陆在生活中和电影中都几乎没有，她是一个疯狂的做终极追求的女人，就是男人去写诗，用诗歌言说真理，而女人却把那个真理当做完全用自己身心去体会的事儿。相比较之下男人显得很弱，而女人显得很强大。有种“你们当做拿出来说说的东西，而我是会问到心里去的，并且看我自己能不能做得到”的感觉。

【所以它的内核跟《旅程》是非常像的。】
杨超：没错，她可能是《旅程》那个女孩的延续，她不是像余虹那样在爱和爱的某种细节中纠缠的人。你能说安陆在追求爱情吗？根本就不是。她可能在整个逆流航行中的一两处我们感觉到她有女人在爱中纠结的特征，但更多时候她根本就不是一个在追爱的女人。你可以说她是在爱和修行中纠结，但最根本的逻辑还是说，“我应该怎么活着才能不给这个世界增加负担。”这曾经是剧本中的台词但是被删掉了。她这样问高淳，但是高淳的回答是，没有可能性，只要活着，就必然跟别人争取生存的资源，所以她又去去问和尚。这句话曾经给安陆造成巨大的精神困扰，最后她觉得算了我就不活着了。所以她的自杀有种寻求解脱，想不通这种问题的状态，她是把这种问题会当真的人。我们也会思考人生思考终极问题，但我们考虑一会儿就会拿现实中的一些东西来回避它，我们就会寻求温情、温暖、忠贞、爱情来逃避这个问题。我写了这样一个电影中的女性，她是永远不回避这种问题，她要问到底。

【我可以说安陆是一直在淡化个人形象的这样一个人物设置吗？】
杨超：是这样的。曾经有一个人问说，安陆追求宗教信仰和修行是不是因为生活太苦太残酷了。我说你完全看反了，安陆从来没有觉得生活苦，而是她怕自己给这个世界增加麻烦，她是反过来觉得自己欠了世界的。我们看到她是一袋土豆就可以交付身体的人。她最初跟高淳的激情戏也是完全付出的状态，像妻子一样的温柔。她已经有了那样的认知之后，其实是一种告别。她之后也说出来那句话，只不过我觉得观众不会明白。高淳问她说，“一定有很多人爱你”，安陆回答， “我也爱很多人”。高淳在那个时候完全不明白这句话是什么意思，观众也绝对不明白。但这句话是她修行的结果。

这个电影给出了所有的答案，只不过大家可能实在没有耐心看。奇特就奇特在，最后的结果我是在最开始观众不知道的时候就已经偷偷塞给他们。我们来看看这个捉迷藏会捉到什么时候为止吧。

【在豆瓣看到了一条短评是：毕竟导演自己说“如果你们觉得那条鱼是女主，那真是太没水平了”。这句出现在哪里？】
杨超：哈哈哈哈哈。好像是柏林的时候。把女孩直接理解为鱼，或者长江的化身，也都是艺术电影看太少了。刚才跟王红卫老师，前几天跟方励老师都聊到这个事儿，他们俩都非常强调的说，我们应该区分这三种电影，类型片，文艺片，艺术片。大部分观众是只看类型片的，甚至只看类型片中快消品那个级别。中国观众甚至连好莱坞的好类型片都没有完全接受。这个情况下他们不会去区分后面两种是什么意思。

中国的专业影迷，就是你们各位代表的，我觉得也要补上这一课。《长江图》是文艺片吗？当然不是。有个媒体问郑洞天老师艺术电影是什么情况，他说中国每年生产的艺术电影不超过十部。红卫老师说，都说电影学院精英教育培养大师，拍点大家都看不懂的艺术电影好像电影学院有这个原罪似的，但电影学院在培养艺术电影导演这方面其实做得太不够了，艺术电影太少而不是太多。大部分、甚至专业影迷都把文艺片当成艺术片，这个是方励非常痛苦的一点。

《百鸟朝凤》明明是一部文艺片，却被很多媒体形容为一个小众的艺术电影，这影响别人的接受度啊。人家的电影是一个大部分人都能明白的一部特别传统，特别经典扎实的故事，这个故事是普通商业片观众一定能接受的，你说《百鸟朝凤》是小众电影，这不是害人家么，人家不应该接受这个损失。

所以这三个概念区分开，对每一种类型、每一类导演都有好处。比如说对最极端的艺术电影来说，如果每年中国只生产不到十部艺术电影，这类电影的稀缺性和价值也会凸显出来。

这三者的区分可能对观众来说不重要，观众现在还处于类型片还没吃饱的状态。但是对媒体，对专业影迷，区分这三者是对建设我们的环境特别有帮助的，也能让很多电影准确的抵达观众。

【我一直都没有机会看到《信史四章》，它就是《长江图》的采风素材吗？这种用影像而非文字组织电影的颇为耗时的初期创作方式是更接近于自己的梳理吗？】
杨超：就是在已经有了念头拍摄的时候，还没有写出来剧本，因为我的习惯是先有空间和在这个空间里对时间的感受，再去产生你们说的故事，那种情节的东西。所以我在想拍长江，想拍一个爱情故事之后，就去采风了。

对，是耗时的，《长江图》正常来说确实不用那么长时间，如果按正常速度我们应该在2012年完成，06年有念头，08年写剧本，四年的周期拍一部这样的电影算是正常速度，后来又拖了四年其实是和这个电影的规模有点超出中国电影市场的支持有关系，我们需要的资源太大，也是我的毛病吧，总是提出野心极大的计划。在2012年拍摄的时候我们需要跨越长江流域，这么多的场景，并且在最初的剧本中每个场景都要有年代感，我们试图在每个码头都恢复每个码头的年代感，当然后来放弃了，这根本不是我们能做到的。我们拍完第一期就停机停了一年半，才拿到第二笔钱来拍摄。

【印象里你跟我说剪了六七十版。】
杨超：我觉得都不止。最初在剪接的时候有两个东西限制了剪接的正常进展，一个是原始剧本非常完整，文学魅力也很强，我和剪辑师都想恢复剧本，这是个很大的问题。因为拍的时候本身就已经做了删减，应该按素材来决定新的走向新的顺序，但是我们很久没有回过这个神儿来。

还有一个就是老想遵循从上海到宜宾的严格地理顺序，像你们看到的还基本是这样，但是有小的地方不符合这个顺序。想让大家觉得它看起来是魔幻的叙事，但是却和中国的地理现实一模一样。现在我们是在关键点做到，比如三峡大坝，它对于长江的作用就被我置换成了剧本中的一个巨大的叙事的因子，直接作用在叙事的时空结构上。

【最早我在知道《长江图》的摄影是宾哥的时候就特别兴奋。不仅仅是因为他与侯导的合作，还因为在长江拍摄，有很多突发和不可逆的状况，他是少数能在现场把握住这样唯一的创作时刻就拿出最好影像的人。包括《旅程》和《待避》，都是用了最好的摄影。但有一个问题是，摄影越好导演就会越弱，越有个人风格的影像，就越对导演有影响。作为导演你怎么平衡这些？】
杨超：摄影越强导演越弱这个事儿只存在坏导演身上，任何一个成熟的电影导演都不会有这种问题。新导演可能会面临摄影师在技术上的压力和挑战，我是在自己手持拍完《信史四章》之后觉得自己对影像有了一个非常完整的把握。宾哥也看过《旅程》，了解是什么样的结果。而且他是一个人品好到不行的人。他自己说，摄影师没有风格，摄影师的风格就是他如何能调动全部的工艺和专注度来配合导演的风格。比如你看《聂隐娘》或者宾哥给侯导之前拍的电影，是跟《长江图》有巨大不同的。这部电影崭新的架构，这种中西合璧的审美气质也激发出宾哥崭新的一面来，也得到了对他来说很重要的影像的承认。

【在配乐方面做了哪些要求？有点奇怪明明是很古韵的长江，但偶尔能感受到工业电子感。】
杨超：片子中用了十首曲子，有一首是安巍老师做的，是出三峡之后追寻的那段。另外的九首是找的版权音乐，片尾字幕分别列出了曲名和作曲者。因为时间关系，我对音乐又很挑剔，一直都没有找到合适的人来做，只能选择更保险的方法。现在的九首来自三位大师，美国的David Dalring，德国的哥特大师永恒沉睡，还有法国的新古典组合叫黑暗避难所。这三个人都在小众的暗黑系音乐中很厉害。我们挑了他们在音色和音质上特别贴合的东西来配合水的质感。

这个影像如果配上古筝的话就成央视的专题片了。从一开始我就知道这种东方的意境是绝对不能配民乐或者传统乐器。我需要有厚度的音乐，而不是聪明的音乐。最理想的当然不是选曲而是找人来做，我希望这个人有哥特音乐、工业噪声、电子乐的修养，又有古典的素质，这样就能用长江上的元素，水纹、水声、远景近景的波浪，钢铁的呻吟声，木板和钢的摩擦声，发动机的噪声，用所有这些构成类似噪声的乐曲，有时候你能听出旋律，但更多时候像是背景。这个是最理想状况。但是所需要的时间和资金不是我能做到的，这也是没有完成的理想。

【想谈一下演员，男主角秦昊是文艺片出身这个不用说，但之前我有采访过他，感觉他本人并不是一个文艺青年，而且也表示一直想往商业片这个方向靠近。对他的表演你怎么评价？女演员方面是怎么选到这个对大家来说还比较陌生的新人？】
杨超：你采访他是在今年，正好是秦昊转型的阶段。他坚持了很多年文艺片，始终是只在最好的电影中出现的演员。对导演来说这种坚持是很可贵的。他是不是有文艺气质，是不是文青，是不是阅读者，我觉得对演员来说不是关键的，演员只需要能在现场非常自然精准的对时空做出反应，这是好的电影对演员的最基本需求。如果演员能带出个人魅力个人强度当然更好，但并不是说我们需要他本人具备更多自己的东西。而高淳这个角色是有点难度的，会给演员提出除了基本之外的要求。

女演员是在当时的档期和条件下我们所能得到最好的，试过很多人的戏，都不太满意。辛芷蕾对自己的表演也不太满足，觉得自己演的不好，但是这个不好，可能换任何演员都是一样的。像我之前说的，这个角色是之前从来没有出现过的形象，她又给演员提出了很多前情的要求，又是逆着讲故事，你很难从一个正常逻辑中找到心理线索，去抓住这个人。对《长江图》这部电影来说演员的表演并不是影片的关键因素，我一直相信最好的电影是心向，演员如果能和时空联合在一块儿，在时空中不违和，像山川、湖泊、江水、空气，都会帮助他去表演，共同传达给观众这种气质。

【电影中没有刻意的设置方言。】
杨超：这不是一个具体在某个地方的电影，它不是涉及到关于宜宾的或者关于武汉的，这是纵贯全流域的电影，它几乎是中国全部的腹地。所以你具体到一种方言也很奇怪。另外这两个人物是那个时代的文青，不管来自于哪儿文青都会说普通话，要说方言反而会刻意。方言在某种程度上会遮丑，因为方言电影会带信息量。但《长江图》不需要这么遮，我也不太在意和依靠现实质感。

【有没有一些电影中埋的点是大家很难发觉但是你又不想让他们错过的。】
杨超：有太多，我可以问你一些，比如高淳为什么把诗集撕掉呢。如果你能回答这个问题，这个故事就完成了闭合。在柏林放的时候有个影评人第一次看说很赞，但第二次看他立刻就发表信息说这不是诗电影，而是完整的闭合的故事。这个影评人是我特欣赏的，我没有提示他，他自己看第二遍明白过来了故事的逻辑。

这个故事的闭环需要你理解片中几个关键点，比如诗集是谁写的，最后坟墓边上的老头是谁，在源头回头看的目光跨过一段纪录片的影像到女孩身上，到底是什么意思，这些都get到才能知道它讲的是什么故事，不然你会以为它是导演像散文诗一样的自由书写，但其实它是故事。

【电影可理解的维度很多，比如人与自然、两个人的爱情、历史的角度。观众在看的时候，哪个维度的理解是最能让你惊喜的？】
杨超：我会欣喜于观众的任何维度，只要这个维度是他感受来的，而不是他在看电影的时候试图被我告知的。《长江图》避免的就是告知观众，它想呈现给观众一个世界，让观众去撷取。

【我记得大一的时候老师给我们放了阿彼察邦的《祝福》和贝拉·塔尔，当时看得特别难受，完全不能理解。是最近的几年才开始觉得能懂他们的作品。近几年你最喜欢的作品是什么？】
杨超：艺术电影里一直都喜欢贝拉·塔尔比较多，阿彼察邦更多是欣赏。也很喜欢锡兰，他特别聪明，《小亚细亚往事》很棒。商业电影喜欢的蛮多，我觉得罗宏镇很厉害。

【但是《哭声》的镜头好土，几乎没有做视听语言。】
杨超：所以我说《哭声》是个反类型的类型片，你要说《哭声》镜头土的话，我觉得《黄海》和《追击者》更土。看起来很炫，但就类型片来说，那才是真的土。就艺术电影来说他确实没有什么视听的开拓，但就商业片来说敢这么拍就已经太厉害了，他已经证明过自己能拍《黄海》那么炫，现在不想做炫了，就录下来给你们看。它是特别好的文艺片典型，也是最好的商业电影。上一部这么好的商业片是《杀人回忆》。

///2000-2016年杨超导演的个人十佳片单///
《都灵之马》，《哭声》，《杀人回忆》，《牛皮》，《黑客帝国》，《祝福》，《玉熙的电影》，《疯狂的麦克斯：狂暴之路》，《恋曲》，《女导演》

【毕业之后最想念学校的地方大概就是能有人一起很深度的讨论电影，甚至拉片。而现在所谓的电影人交流，也只是停留在你喜欢某个导演，我也喜欢，这样的层面。而且非常少有人能从美学风格、镜头，这样偏专业的方向去解读一部作品。对于想更多了解一部电影，或者说在这种无法讨论的状态下，你比较建议大家怎样去“自学”电影？】
杨超：这确实是个问题，讨论的环境非常重要。好像只有上学时候才有这样的环境，但你们那时候好像还没觉悟过来好电影是什么。你们可以自己去组织一下，特别有价值。

我是跟一个朋友一起看的《哭声》，看完之后两个人面面相觑，觉得只懂了20%。两个人立刻开始查影评，再聊一小时，算是明白了80%，过几天再重看，才算知道导演在想什么。这是很享受的一个过程。

【到现在还记得那时候你跟我们说，这个世界上只有一个职业比导演更酷，就是革命者。在带过的这几届学生身上，你是否在某个人的作品，看到了真正以导演的能力在制造光影的瞬间？】
杨超：有，在很多他不自知的时候都拍到了，但是这些瞬间能不能被他保存下来，这个基本都不能。导演能力只能在一次次的拍摄中得到训练。

这篇影评可能有剧透 不想被剧透的真的不要看了，这一篇就是剧透…… 好吧这一句也不是剧透，如果感兴趣可以先去看看可汗之怒，然后在看这一部的时候就会常常会心一笑…… 电影开场就是Kirk和Bones奔跑在一个红色星球上，身后追着一群土著，然后在登陆船上Spock穿着一套防护服，Uhura在他身边，然后...  (展开)