今年年初，由杨超执导，秦昊、辛芷蕾主演的电影《长江图》在柏林获得杰出贡献艺术奖。“货船船长高淳沿江而行，不断与一名日渐年轻的女子相遇，在诗集和航线图中，他上溯至源头，终于发现了她的起源和长江的秘密。”《长江图》的叙事结构和视听呈现在华语电影中，都是一次全新的尝试。它更近乎是一部魔幻题材的影像史诗，在时空变幻中寻找自己的逻辑，让梦与诗与影像重合。

高中旷课去录像厅看香港商业片，退学考取电影学院导演系，毕业短片《待避》、首部长篇《旅程》获得戛纳电影节金摄影机奖，杨超导演一直以艺术电影为坚持，并不断进行新的视听尝试。

杨超导演说他有三重身份，导演、导演系导演创作课老师、超级影迷。而我恰好是他作为教师身份的学生。《长江图》在我大三的那年开拍，参与的都是本系师哥以及周围熟悉的人。眼看它从一个庞大复杂的剧本，经历补拍、几十次剪辑，终于在柏林获奖。《长江图》对我们来说，总有别样情感。

水域、诗歌、行走、爱情，80年代末船工诗人的日记中，又有怎样的故事呢？


【其实我今天特别紧张，觉得不太像是采访或者对谈，更像是来做论文答辩的。】
杨超：哈哈哈，但你现在是记者身份了，应该非常的专业。

【先问下，我之前看的柏林版本和8号的公映版有哪些区别？】
杨超：旁白去掉了三分之二。上映版本旁白在长江中游的一个城市跟着一个地理设置停止了。这叫做“海潮至此回”，就是说船工为了省油都愿意赶海潮逆流而行，这个海潮的影响到长江中游一个叫彭泽的地点的时候会停止，在这个点之后也是最后一段旁白。这是内容上最大的变化。

其它的变化还有颜色上的变化，柏林的2K版跟4K像两个电影，画质很奇怪。加上4K之后颜色变得更厚更扎实，颜色是长到画面里的，之前会感觉浮在表面上。声音的变化更大，柏林版本整个后期时间只有25天，声音等于没做，这次的声音有非常大的改变，声像、声场、内容本身，花了三个月左右做了很多改变。

【画面没有做调整？】
杨超：比较小，零星几处。

【旁白去掉那么多，会不会更闷。】
杨超：如果是从类型片的角度来说，对，会更闷。但如果以艺术片的角度来说——我非常不愿意这么说——但它是挑观众的。可能它是在商业院线放映的华语电影中，难度最大的一部，比《路边野餐》难度还要大。因为《野餐》比较小，比较清新可爱，《长江图》很压抑沉重。

但我们不担心这个闷度是因为，对于类型片观众来说即使全加上旁白他照样会觉得闷，它不属于他们的观影类型。

【我知道电影中本身是没有旁白和诗的，尽管诗也是从剧中人物自己出发，但更多是为了弥补叙事，让观众理解在影像上交代得不清楚的地方，尤其是段落之间的连接。对你来说这是否是个妥协，还是觉得它能让电影更完整。】
杨超：首先旁白和诗歌这两者完全不同，旁白是某种程度上的全知视角，是外在于叙事的，也就是说增加了一个叙事的维度。诗歌是在叙事里边的。诗歌的内容稍有小调整，但是保留了你看到的2K版的数量，还是10首左右。诗歌是没法改变的，除非你改变整个叙事。

【我看《长江图》和《路边野餐》的时间很相近，差不多都是在去年年末，难免会拿这两部作品作对比。毕赣说《路边野餐》中的诗是完全独立的作品，只是与影片氛围相同才放进去。那么《长江图》的诗是什么。首先它肯定是为了剧本去创作的。】
杨超：毕赣对自己的看法很清晰很准确，《长江图》和《野餐》里面的诗是完全不同的两种用法。《野餐》的诗就是文学作品，跟影像形成一种混搭。《长江图》里面的诗完全是影片的主人公高淳在80年代末的时候写的，这个诗也是在故事中他与女主角相遇的契机，所以它不是外在于故事，而是故事的一部分。

其实我比较不同意观众在第一遍看完的时候觉得它是部诗电影，或者影像诗，或者说影片有很强的文学性，这完全是需要再看一遍的。跟《野餐》的文学性或者散文式不同，《长江图》是个完整的故事，如果说它有点文学性或者诗意，这其实是来自我写了这么一个当年的文青的人物。因为他的身份，使影片带有一定文学性，并不是说电影的质感或者本身的结构有文学性，完全不是这样。

【就我作为观众的感受来说，《野餐》里的诗是非常有灵性的，轻易就能被我抓到，但《长江图》里的诗我不知道该怎么去评断它，不知道应该用什么词去总结这种风格。】
杨超：当你试图去评价《长江图》里面诗的时候，你不由自主还是在把它当做文学作品。它是80年代末一个跟着父亲跑船的文学青年在沿长江游历的过程中，经常停泊一些奇怪的码头和港口，他有感而发用钢笔在稿纸上写成的一本诗集。是他所处的长江这个空间，80年代末的时代氛围，还有这个人的文青身份，三者共同作用出来了这种文字。所以文字的味道和气质跟2016年的当代诗歌是完全两回事，他应该更属于北岛那个时代，是断言式的，宣告式的，彻底否定式的，有很大精神硬度的东西。和这个时代某种更清新的，更个人化的诗歌是两个时代的。那是一个个人对历史发言的时代。今天的文青说，我要去旅行，我要去经历这个世界。那个时代的文青说，我要改变这个世界。它带有疯狂的否定现实的意图。

【可以理解为就是主人公高淳发的微博或者朋友圈。】
杨超：对，可以这样理解。

【这个故事为什么是从冬天开始？除了当时我们放寒假你有时间拍摄这个原因外==】
杨超：哈哈哈哈，暑假时间更长啊~在前几次采风的时候，我经历过一个寒冷的冬天。那时我，其中一个制片人，还有一个叫麦子的流浪诗人歌手三个人一块儿在上海搭船想要做一次采风。马上要过年了，船都停航不愿再走，制片就说咱们回家吧，我说不行必须得搭船看看长江什么样子。制片被逼无奈就沿着长江的一条支流（因为支流才能停很多小码头）一个船一个船的问，跑了一整天，居然就有一艘是安徽铜陵的货船，兄弟俩船长要回家，就带着我们搭了这艘船。从上海到铜陵经历了四天的航程，冷到要命。岸上都是万家灯火和鞭炮声，江上只有一条孤船。船上只有一个床，一床被子，船工把床和被子让给我们，三个男人每天就抢一床被子，把所有衣服都穿在身上。货船不防风，带着水气的寒风渗透到每一个角落。

那一次我对冷有了一个特别深的印象，也拍到了后来的短片《信史四章》里的主要场景。它给了我对冬天长江的深刻的印象，我觉得它更接近于我想象中的长江，或者说老长江。（到夏天长江会变得更明亮更暖色调，有很多嫩绿色暖黄色会出现）。经历了那次航行之后我就喜欢上了寒江的调子，最后就选择了拍寒江。跟宾哥（李屏宾）商量过后，他也觉得是这样。寒江的长江更多的保留了我们脑海中唐诗宋词的长江的气质。

【看过你前几天在武汉的一篇活动实录。有句话我特别喜欢，你说，尤其是夜晚、白天的光线消失的时候，我独自站在船头，轮船驶入旷野的时候，我感觉这是一条唐朝或者宋朝的长江。就像看完《聂隐娘》的时候有个朋友跟我说，好像看了一部唐朝的电影。对于河流水域和历史文化的关系你怎么看？】
杨超：巨大的河流是保留了传统中国信息最多的地方，其实陆地上保留的特别少。我听说《聂隐娘》是在奈良采景，因为大的唐代建筑在中国很少。陆地上的庙宇建筑保留的文化也已经很少，只有河流保留得最多。但是必须得到某些时刻，白天还不行，得到船走到城市之外的时候，等到光污染都消失，你站在船头，（因为船本身也是现代的造物，也有光污染），再看河流以及两边的江岸。旷野中没有什么人居住，前面是山或者云，这时候其实没有任何光你怎么能看到东西呢？人眼就是这么奇怪，就能看得到。看一会儿黑暗中的层次就会渐渐浮现出来。那时候你看到的就是天光，就是月光或者日光散射的一种光，自然光最暗低照度的感觉，特别漂亮，但是拍不下来。我们有宾哥在，有最好的感光胶片，但依然拍不下来，只有一片漆黑。造物主给了人类一个礼物，你的眼睛是任何器械和科技都做不到的。

【我觉得《长江图》是一部对观众要求非常高的电影，不仅仅是看懂剧情或者感受画面这么简单。它需要你去透过它解读其后的内容，甚至是与之完全不同的内容。还要有充分的想象力。比如刚才说到的黑暗中的层次，比如导演拍了江水，你要想象波纹的样子，拍了山路，你要想象夜间山路的味道。所谓“造物”，是有一半需要与观众共同完成的。这是否也是你所追求的？】
杨超：最好的电影都是这样。我们在看最好的电影的时候，就跟看世界一样的感到奇怪，好电影一定会留下你去参与的空间。类型片当然相反，类型片是让观众躺着靠着内容直接塞过来，你都不用伸手张嘴就能得到。这是一种电影。我做的电影更像是我们在看生活，用肉眼看世界。

比如你在公共场合旁观窥视他人的生活，你会发现你的脑补能力超强的。你看到一对情侣吵架，只要只言片语就能猜到他们生活的其它层面，巨大的生活就扩展了出来。甚至有的时候你在交通工具上看到不说话的一对情侣，都能看懂他们眼神之间的信息量。这说明我们每一个人对世界都具有解读能力。最好的电影是开拓而不是遮蔽这种能力。类型片其实没有能力开发观众的这种能力。我也看太多商业片，我也需要乐趣色情暴力动作，需要生理的愉快。

但一直以来都有另外一种电影，它试图去开拓观众解读世界、认知世界的能力，这类电影也不少。只不过中国观众只看到表面这些东西，忘了有其它的存在。并不是说大家都听流行音乐，古典音乐就不存在，它一直存在，也有很多人喜欢。并不是说那边十个人，这边一个人，十个人就更有立场更有道德优势。
我比较反对对于严肃和艺术的敌视，因为它是一种精神生活的享受。当然如果只有艺术片一种，也是暴力。但现在的问题确实是，商业片在中国当下的阶段里面，暂时过于强盛。

【反而观众得到了类型片很好的训练，一个特写，观众都知道这是重要交代，是之后剧情的线索或者道具。已经很擅长这种抛球一样的训练。】
杨超：观众就是在类型片一次次的训练，达到饱和之后，才一定会喜欢艺术电影。我举一个特别明确的例子，恐怖片。恐怖片想吓唬人太难了，像去年的《他在身后》，虽然也不是特别好，但它被称为神片，原因就是这种类型化的模式已经吓不住人，观众已经会有免疫力。艺术电影就是在为类型片开拓新的观众没有免疫力的影响手段和打击能力。它们应该是互补存在的价值。

【所以院线观众看《长江图》的时候会很失望，因为他看了几十分钟后会觉得导演没有抛东西给我，没有能让我准确接到手里的东西。】
杨超：说实话我是非常担心这一点的。这是一个无奈，其实《长江图》这样的电影是不应该在商业院线里发行的，这种发行本身对观众也是种伤害。观众没想到会看到这样的东西。他的精力、预期、接收的广告，让很多观众进电影院都会有惊异和错愕。侯导这么大的声誉，《聂隐娘》还带有武侠的类型，很多观众仍然觉得自己被骗了。这个错位不是我的责任，这没办法，我没有艺术院线放映。这是对这类电影的巨大伤害。观众很郁闷，电影口碑也一定会下跌。导演和观众都解决不了这个问题，只能看这个市场能不能繁荣到某种程度之后会出现市场的细分，那时才能正常健康起来。

【但《路边野餐》得到了一致的好评，在普通观众中的口碑也很好。】
杨超：《野餐》首先完成度很高，它有很多可爱的东西，是属于这个时代你们这个年纪的人比较容易接受的东西。它很清新，它的文学很有灵性，容易从个人角度打动人，它格局很小，在大家理解起来不会有太大困难。毕赣是在自己完全可以掌控的范围内，做了一个本身非常精巧玲珑的东西。毕赣也是这些年来新导演里面做视听语言最好的。

《长江图》有更重的负担，它做了一件疯狂的事情，不管是在文化意义上、影像意义上，还是在承担的叙事结构的突破上，都提出了甚至是我本人和那个时代的中国电影都很难支撑的要求，它是一个比较疯狂沉重的作品。这种作品观众肯定需要一段时间来体会它。

【《长江图》剧本过于庞大了，超过了电影的承载量，我会觉得无论怎样用影像处理，都是很片面的。】
杨超：是这样。

【那你觉得喜欢《野餐》的人会喜欢《长江图》吗？】
杨超：很大一部分都会。但是《长江图》里面有关于历史文化，有80年代历史反思，它对观众提出的这种要求有时候可能会冒犯观众。它有复合的主题群在里面，你甚至很难说哪个主题是最主要的。观众需要整合的信息量特别多。我只能说很有期待，但是不敢抱太多期望。

【我在已经很熟悉的剧本的情况下，第一次看完片还在想，如果对剧本陌生的观众，肯定看不懂。】
杨超：是的，第一遍对观众要求很高。但也不一定，在柏林放完后我在豆瓣上就看到了一篇影评，已经把两个时空的地图都画出来了，可能记错了一些名字，但依然很厉害。有这样的观众，虽然是极少数。

【你说在武汉上学的时候走廊尽头能看到长江水，对长江的理解也是从那个时候开始。在《长江图》里，或者是某段中，是否有还原那种体验？】
杨超：整个事情的出发点是来自于我对长江的这种个人感受，到现在每次我看到长江的时候还是会忍不住看。这个事情可能只有我做最合适，你们都不会是。因为你们的信息量很大，会关注的东西很多，我在年轻的时候没什么好玩的，自然界对我来说最神奇的事物就是长江了。这对我来说是很个人化的依恋。所以我拍它的时候其实认为最好的东西并不是我拍到的，不是用胶片拍到，也不是用DV拍到，而是我自己眼睛看到的，那些瞬间根本无法重现。尤其当你带着一个剧组在一定时间拍摄，那时候长江给你呈现的瞬间就没法选择了。如果是我一个人，就可以选择我看什么不看什么。拍摄的时候，最好的长江已经不是我看到的长江。

【从模糊有要拍长江的想法到现在已经有十年，剧本创作花了三年。你说只有最杰出的大师在最黄金的时刻，他们才知道怎么拍，剩下的大部分时间对导演来说都是苦役。对你来说，《长江图》中哪些是灵光哪些是苦役？】
杨超：导演的工作你也做过你当然知道，它太琐碎了，大部分时候都是苦役。你会被一个声音靠前一秒或者靠后几帧这个事情耽误十几分钟，如果整个片子的构成都需要这么去做的话，你会发现太累太繁琐。你感到很辉煌的时候，其实是那种你正确分解了这个时空的时候，就是你觉得你抓住了这段时空的气质且抓得很准，景别选的对，此刻镜头和人的运转都对，甚至老天也很配合。这个时候你才会感到一点成就感。

每一段镜头里面都既有灵光又有苦役，苦役是充斥在每一时刻的。好的时刻是我们拍到了满意的东西，比如雪、黑暗江河那段灯光打亮石壁的镜头、河边隔河对望的镜头，还有中间的船、两岸的关系，完全按照我分镜头的逻辑拍下来。

【我最喜欢的一个镜头就是船上的灯光打到夜间的山路上。】
杨超：那个镜头气质很好，但并不是最理想的状态，最理想状态是能够更复杂的拍。你们看到的是有点分解开的镜头。

我最初设想的是，在一个镜头之内，让秦昊在镜头前有一个小的入画出画的动作，镜头在船上的一个轨道和吊臂上，然后多年前的那条广德从左侧驶过去，而右侧山上是那个女孩的脸，中间被一条光柱连着。这样的话我们就能先看到光柱，再看到秦昊的脸，再顺着光看到女孩，当女孩继续走的时候我们再顺着她返回来，看到光柱略过整个船。光本身把秦昊的身影打量再刷过去，中间光的两端连着新广德和女孩，刷过旧广德，一个镜头全拍下来。

【其实是在用魔幻的方式拍一部电影。】
杨超：我要的是一种现实的魔幻，要拍出来时空本身的魔幻。我从来不想做出一条龙出来让大家觉得特技有多好。这个镜头我太想拍到了，但是我的资源做不到，要在小三峡里面有更大的操作平台才行，需要另外更大的一条船作为平台在江上固定住，要能站得住脚，但我们的船不停在晃，就没法实现。

【还有说到沉灯的一场戏也没有拍成。】
杨超：那场戏是影片中段的一场。他们开着广德路过了长江的一条小支流，并不是很宽。船拐过一个弯，秦昊站在船头引航，忽然发现两岸各站了数百人，都是当地的村民。他第一反应就是，这是江匪吧，船就减慢了速度。再看，不像，有小孩有妇女。船继续向前开，忽然间两岸的人发一声喊，向两边跑去。才发现他们拖着一条巨大的粗绳子在跑，随着他们向两边跑，一条巨大的缆绳像条蟒蛇一样被他们从水里拉起来越升越高，中间部分出现了一盏青铜制的大灯。灯越过船头，被拉到很高很高的位置，秦昊眼看着船从灯下面过去。灯滴着水，滴到秦昊的脚边。船越走越远，秦昊回头看，不知道发生了什么。当船再走远，他们看到灯里面亮起一团火。

这是我第一次用语言表述沉灯这场戏，也是剧本中相当重要的一场戏。

【这段是一个景观还是对叙事也有影响的？】
杨超：长江图的叙事不是传统的叙事，它是用整个山河大地一起来叙事。所以当你觉得它是景观的时候，其实是，当沉灯这场戏开始之后，后面他们开始在长江相遇，魔幻的事情就发生了，这是对这个故事的某种暗示。观众会被这个景观所镇住，觉得很神奇。我们试着拍了一次，但是失败了。我们把灯都做出来了，花了将近一万块钱。但是当这个灯被拉起来的时候，胶片已经开始转，绳子断了，所有人眼看着灯掉到水里。我们可以把灯捞起来，但是绳子只有一条。那是条钢缆，如果钢缆直径多一倍的话也不会断，制片为了省钱选择了较细的。我们大家都疯掉了，准备了一整天，就放弃了这场戏。

【从一开始定位的魔幻现实题材，还有要做独特的时空结构，到现在的独立女性定位，是怎样发生这个变化的。】
杨超：是因为宣传方觉得魔幻现实这件事是一部影片的逻辑，并不是观众理解的那种魔幻现实。《长江图》的魔幻是在时空结构的魔幻上，这其实是更内在的魔幻，如果你把它作为一个宣传点，观众可能想看到那种奇特的东西了。（蜉蝣：比如看到一条龙~）船行驶在女性身体里面不光是爱情或者情色的意味，其实也带有某种女人和长江可以互通和类比的概念在里面。

【前几天发布的女体海报，你说“逝者如斯，必有人重写爱情”。怎样看待华语作品中这些所谓文艺独立的女性形象？安陆的身上是否有余虹的影子。】
杨超：安陆这个形象在中国电影史上没有出现过。你要说她是一种进化也可以。余虹这个角色也很独特，但她是某一类我们依稀能感觉到的女性的一个典型，我们周围或多或少有点余虹的东西在。但是安陆在生活中和电影中都几乎没有，她是一个疯狂的做终极追求的女人，就是男人去写诗，用诗歌言说真理，而女人却把那个真理当做完全用自己身心去体会的事儿。相比较之下男人显得很弱，而女人显得很强大。有种“你们当做拿出来说说的东西，而我是会问到心里去的，并且看我自己能不能做得到”的感觉。

【所以它的内核跟《旅程》是非常像的。】
杨超：没错，她可能是《旅程》那个女孩的延续，她不是像余虹那样在爱和爱的某种细节中纠缠的人。你能说安陆在追求爱情吗？根本就不是。她可能在整个逆流航行中的一两处我们感觉到她有女人在爱中纠结的特征，但更多时候她根本就不是一个在追爱的女人。你可以说她是在爱和修行中纠结，但最根本的逻辑还是说，“我应该怎么活着才能不给这个世界增加负担。”这曾经是剧本中的台词但是被删掉了。她这样问高淳，但是高淳的回答是，没有可能性，只要活着，就必然跟别人争取生存的资源，所以她又去去问和尚。这句话曾经给安陆造成巨大的精神困扰，最后她觉得算了我就不活着了。所以她的自杀有种寻求解脱，想不通这种问题的状态，她是把这种问题会当真的人。我们也会思考人生思考终极问题，但我们考虑一会儿就会拿现实中的一些东西来回避它，我们就会寻求温情、温暖、忠贞、爱情来逃避这个问题。我写了这样一个电影中的女性，她是永远不回避这种问题，她要问到底。

【我可以说安陆是一直在淡化个人形象的这样一个人物设置吗？】
杨超：是这样的。曾经有一个人问说，安陆追求宗教信仰和修行是不是因为生活太苦太残酷了。我说你完全看反了，安陆从来没有觉得生活苦，而是她怕自己给这个世界增加麻烦，她是反过来觉得自己欠了世界的。我们看到她是一袋土豆就可以交付身体的人。她最初跟高淳的激情戏也是完全付出的状态，像妻子一样的温柔。她已经有了那样的认知之后，其实是一种告别。她之后也说出来那句话，只不过我觉得观众不会明白。高淳问她说，“一定有很多人爱你”，安陆回答， “我也爱很多人”。高淳在那个时候完全不明白这句话是什么意思，观众也绝对不明白。但这句话是她修行的结果。

这个电影给出了所有的答案，只不过大家可能实在没有耐心看。奇特就奇特在，最后的结果我是在最开始观众不知道的时候就已经偷偷塞给他们。我们来看看这个捉迷藏会捉到什么时候为止吧。

【在豆瓣看到了一条短评是：毕竟导演自己说“如果你们觉得那条鱼是女主，那真是太没水平了”。这句出现在哪里？】
杨超：哈哈哈哈哈。好像是柏林的时候。把女孩直接理解为鱼，或者长江的化身，也都是艺术电影看太少了。刚才跟王红卫老师，前几天跟方励老师都聊到这个事儿，他们俩都非常强调的说，我们应该区分这三种电影，类型片，文艺片，艺术片。大部分观众是只看类型片的，甚至只看类型片中快消品那个级别。中国观众甚至连好莱坞的好类型片都没有完全接受。这个情况下他们不会去区分后面两种是什么意思。

中国的专业影迷，就是你们各位代表的，我觉得也要补上这一课。《长江图》是文艺片吗？当然不是。有个媒体问郑洞天老师艺术电影是什么情况，他说中国每年生产的艺术电影不超过十部。红卫老师说，都说电影学院精英教育培养大师，拍点大家都看不懂的艺术电影好像电影学院有这个原罪似的，但电影学院在培养艺术电影导演这方面其实做得太不够了，艺术电影太少而不是太多。大部分、甚至专业影迷都把文艺片当成艺术片，这个是方励非常痛苦的一点。

《百鸟朝凤》明明是一部文艺片，却被很多媒体形容为一个小众的艺术电影，这影响别人的接受度啊。人家的电影是一个大部分人都能明白的一部特别传统，特别经典扎实的故事，这个故事是普通商业片观众一定能接受的，你说《百鸟朝凤》是小众电影，这不是害人家么，人家不应该接受这个损失。

所以这三个概念区分开，对每一种类型、每一类导演都有好处。比如说对最极端的艺术电影来说，如果每年中国只生产不到十部艺术电影，这类电影的稀缺性和价值也会凸显出来。

这三者的区分可能对观众来说不重要，观众现在还处于类型片还没吃饱的状态。但是对媒体，对专业影迷，区分这三者是对建设我们的环境特别有帮助的，也能让很多电影准确的抵达观众。

【我一直都没有机会看到《信史四章》，它就是《长江图》的采风素材吗？这种用影像而非文字组织电影的颇为耗时的初期创作方式是更接近于自己的梳理吗？】
杨超：就是在已经有了念头拍摄的时候，还没有写出来剧本，因为我的习惯是先有空间和在这个空间里对时间的感受，再去产生你们说的故事，那种情节的东西。所以我在想拍长江，想拍一个爱情故事之后，就去采风了。

对，是耗时的，《长江图》正常来说确实不用那么长时间，如果按正常速度我们应该在2012年完成，06年有念头，08年写剧本，四年的周期拍一部这样的电影算是正常速度，后来又拖了四年其实是和这个电影的规模有点超出中国电影市场的支持有关系，我们需要的资源太大，也是我的毛病吧，总是提出野心极大的计划。在2012年拍摄的时候我们需要跨越长江流域，这么多的场景，并且在最初的剧本中每个场景都要有年代感，我们试图在每个码头都恢复每个码头的年代感，当然后来放弃了，这根本不是我们能做到的。我们拍完第一期就停机停了一年半，才拿到第二笔钱来拍摄。

【印象里你跟我说剪了六七十版。】
杨超：我觉得都不止。最初在剪接的时候有两个东西限制了剪接的正常进展，一个是原始剧本非常完整，文学魅力也很强，我和剪辑师都想恢复剧本，这是个很大的问题。因为拍的时候本身就已经做了删减，应该按素材来决定新的走向新的顺序，但是我们很久没有回过这个神儿来。

还有一个就是老想遵循从上海到宜宾的严格地理顺序，像你们看到的还基本是这样，但是有小的地方不符合这个顺序。想让大家觉得它看起来是魔幻的叙事，但是却和中国的地理现实一模一样。现在我们是在关键点做到，比如三峡大坝，它对于长江的作用就被我置换成了剧本中的一个巨大的叙事的因子，直接作用在叙事的时空结构上。

【最早我在知道《长江图》的摄影是宾哥的时候就特别兴奋。不仅仅是因为他与侯导的合作，还因为在长江拍摄，有很多突发和不可逆的状况，他是少数能在现场把握住这样唯一的创作时刻就拿出最好影像的人。包括《旅程》和《待避》，都是用了最好的摄影。但有一个问题是，摄影越好导演就会越弱，越有个人风格的影像，就越对导演有影响。作为导演你怎么平衡这些？】
杨超：摄影越强导演越弱这个事儿只存在坏导演身上，任何一个成熟的电影导演都不会有这种问题。新导演可能会面临摄影师在技术上的压力和挑战，我是在自己手持拍完《信史四章》之后觉得自己对影像有了一个非常完整的把握。宾哥也看过《旅程》，了解是什么样的结果。而且他是一个人品好到不行的人。他自己说，摄影师没有风格，摄影师的风格就是他如何能调动全部的工艺和专注度来配合导演的风格。比如你看《聂隐娘》或者宾哥给侯导之前拍的电影，是跟《长江图》有巨大不同的。这部电影崭新的架构，这种中西合璧的审美气质也激发出宾哥崭新的一面来，也得到了对他来说很重要的影像的承认。

【在配乐方面做了哪些要求？有点奇怪明明是很古韵的长江，但偶尔能感受到工业电子感。】
杨超：片子中用了十首曲子，有一首是安巍老师做的，是出三峡之后追寻的那段。另外的九首是找的版权音乐，片尾字幕分别列出了曲名和作曲者。因为时间关系，我对音乐又很挑剔，一直都没有找到合适的人来做，只能选择更保险的方法。现在的九首来自三位大师，美国的David Dalring，德国的哥特大师永恒沉睡，还有法国的新古典组合叫黑暗避难所。这三个人都在小众的暗黑系音乐中很厉害。我们挑了他们在音色和音质上特别贴合的东西来配合水的质感。

这个影像如果配上古筝的话就成央视的专题片了。从一开始我就知道这种东方的意境是绝对不能配民乐或者传统乐器。我需要有厚度的音乐，而不是聪明的音乐。最理想的当然不是选曲而是找人来做，我希望这个人有哥特音乐、工业噪声、电子乐的修养，又有古典的素质，这样就能用长江上的元素，水纹、水声、远景近景的波浪，钢铁的呻吟声，木板和钢的摩擦声，发动机的噪声，用所有这些构成类似噪声的乐曲，有时候你能听出旋律，但更多时候像是背景。这个是最理想状况。但是所需要的时间和资金不是我能做到的，这也是没有完成的理想。

【想谈一下演员，男主角秦昊是文艺片出身这个不用说，但之前我有采访过他，感觉他本人并不是一个文艺青年，而且也表示一直想往商业片这个方向靠近。对他的表演你怎么评价？女演员方面是怎么选到这个对大家来说还比较陌生的新人？】
杨超：你采访他是在今年，正好是秦昊转型的阶段。他坚持了很多年文艺片，始终是只在最好的电影中出现的演员。对导演来说这种坚持是很可贵的。他是不是有文艺气质，是不是文青，是不是阅读者，我觉得对演员来说不是关键的，演员只需要能在现场非常自然精准的对时空做出反应，这是好的电影对演员的最基本需求。如果演员能带出个人魅力个人强度当然更好，但并不是说我们需要他本人具备更多自己的东西。而高淳这个角色是有点难度的，会给演员提出除了基本之外的要求。

女演员是在当时的档期和条件下我们所能得到最好的，试过很多人的戏，都不太满意。辛芷蕾对自己的表演也不太满足，觉得自己演的不好，但是这个不好，可能换任何演员都是一样的。像我之前说的，这个角色是之前从来没有出现过的形象，她又给演员提出了很多前情的要求，又是逆着讲故事，你很难从一个正常逻辑中找到心理线索，去抓住这个人。对《长江图》这部电影来说演员的表演并不是影片的关键因素，我一直相信最好的电影是心向，演员如果能和时空联合在一块儿，在时空中不违和，像山川、湖泊、江水、空气，都会帮助他去表演，共同传达给观众这种气质。

【电影中没有刻意的设置方言。】
杨超：这不是一个具体在某个地方的电影，它不是涉及到关于宜宾的或者关于武汉的，这是纵贯全流域的电影，它几乎是中国全部的腹地。所以你具体到一种方言也很奇怪。另外这两个人物是那个时代的文青，不管来自于哪儿文青都会说普通话，要说方言反而会刻意。方言在某种程度上会遮丑，因为方言电影会带信息量。但《长江图》不需要这么遮，我也不太在意和依靠现实质感。

【有没有一些电影中埋的点是大家很难发觉但是你又不想让他们错过的。】
杨超：有太多，我可以问你一些，比如高淳为什么把诗集撕掉呢。如果你能回答这个问题，这个故事就完成了闭合。在柏林放的时候有个影评人第一次看说很赞，但第二次看他立刻就发表信息说这不是诗电影，而是完整的闭合的故事。这个影评人是我特欣赏的，我没有提示他，他自己看第二遍明白过来了故事的逻辑。

这个故事的闭环需要你理解片中几个关键点，比如诗集是谁写的，最后坟墓边上的老头是谁，在源头回头看的目光跨过一段纪录片的影像到女孩身上，到底是什么意思，这些都get到才能知道它讲的是什么故事，不然你会以为它是导演像散文诗一样的自由书写，但其实它是故事。

【电影可理解的维度很多，比如人与自然、两个人的爱情、历史的角度。观众在看的时候，哪个维度的理解是最能让你惊喜的？】
杨超：我会欣喜于观众的任何维度，只要这个维度是他感受来的，而不是他在看电影的时候试图被我告知的。《长江图》避免的就是告知观众，它想呈现给观众一个世界，让观众去撷取。

【我记得大一的时候老师给我们放了阿彼察邦的《祝福》和贝拉·塔尔，当时看得特别难受，完全不能理解。是最近的几年才开始觉得能懂他们的作品。近几年你最喜欢的作品是什么？】
杨超：艺术电影里一直都喜欢贝拉·塔尔比较多，阿彼察邦更多是欣赏。也很喜欢锡兰，他特别聪明，《小亚细亚往事》很棒。商业电影喜欢的蛮多，我觉得罗宏镇很厉害。

【但是《哭声》的镜头好土，几乎没有做视听语言。】
杨超：所以我说《哭声》是个反类型的类型片，你要说《哭声》镜头土的话，我觉得《黄海》和《追击者》更土。看起来很炫，但就类型片来说，那才是真的土。就艺术电影来说他确实没有什么视听的开拓，但就商业片来说敢这么拍就已经太厉害了，他已经证明过自己能拍《黄海》那么炫，现在不想做炫了，就录下来给你们看。它是特别好的文艺片典型，也是最好的商业电影。上一部这么好的商业片是《杀人回忆》。

///2000-2016年杨超导演的个人十佳片单///
《都灵之马》，《哭声》，《杀人回忆》，《牛皮》，《黑客帝国》，《祝福》，《玉熙的电影》，《疯狂的麦克斯：狂暴之路》，《恋曲》，《女导演》

【毕业之后最想念学校的地方大概就是能有人一起很深度的讨论电影，甚至拉片。而现在所谓的电影人交流，也只是停留在你喜欢某个导演，我也喜欢，这样的层面。而且非常少有人能从美学风格、镜头，这样偏专业的方向去解读一部作品。对于想更多了解一部电影，或者说在这种无法讨论的状态下，你比较建议大家怎样去“自学”电影？】
杨超：这确实是个问题，讨论的环境非常重要。好像只有上学时候才有这样的环境，但你们那时候好像还没觉悟过来好电影是什么。你们可以自己去组织一下，特别有价值。

我是跟一个朋友一起看的《哭声》，看完之后两个人面面相觑，觉得只懂了20%。两个人立刻开始查影评，再聊一小时，算是明白了80%，过几天再重看，才算知道导演在想什么。这是很享受的一个过程。

【到现在还记得那时候你跟我们说，这个世界上只有一个职业比导演更酷，就是革命者。在带过的这几届学生身上，你是否在某个人的作品，看到了真正以导演的能力在制造光影的瞬间？】
杨超：有，在很多他不自知的时候都拍到了，但是这些瞬间能不能被他保存下来，这个基本都不能。导演能力只能在一次次的拍摄中得到训练。

继《Land of the Dead》对集权统治浅薄而失败的探索之后（那部片子实在是一部不折不扣的烂片），Romero在这部片子里将注意力回归到了比较现实的一些问题。影片浮光掠影的提到了很多方面的问题，诸如人类本性的探索、宗教意识、信任危机、人类一些比较真诚的感情等等。但是最有意思的部分则是关于媒体，那些信息传播的媒介。

    随着传播技术的进步，在灾难面前，媒体的功能变得越来越重要了。它以其快速的反应能力和强大的资料传播能力，不仅记录着事件的发生，而且还逐渐影响者事件地发展。著名的战地记者罗伯特.卡特说，如果你拍得不够好，那是因为你离战火不够近。直至今日，实力雄厚一些的媒体都能将触角伸到事件发展的最前线了。现在的对媒体来说，问题不是拍到了什么，而是传播了什么，或者说，选择性的拍摄到了什么。尤其在灾难中，这点更为重要。影片中几次出现了主流的媒体即电视。对这个媒体的描述政治意味比较浓。这一媒体本着政府平和稳定的原则进行报道。它们展示了事件的一部分，但随即又有戴着墨镜的警察（有意思的象征形象）出来解释，一切都在掌控之中市民不要恐慌。电视的这种策略是相比完全的隔离是有很大进步的，至少在说服力强了很多。因为网络的兴起是事件的发生不可能完全被掩盖，半真半假虚虚实实的方式更容易让普通人相信从而起到安抚大众情绪的作用。由于有着稳定大局的挡箭牌，这种策略往往为当政者所采用，以免造成社会恐慌使局势完全失控。但是显然这是一种目光短浅的策略，影片也做出了这种判断，即主流媒体的失语让网络透露出来片面信息和恐慌情绪以几何数量级传播，最终加剧了事件朝着不可控制的方向发展的速度。

    面对灾难，人们极易产生恐慌的情绪，而这种情绪又极易在群体中扩散蔓延，不加以引导势必造成完全的混乱。对真实事件的掩盖当然可以避免它可能引起的恐慌，但是信息真空状态之谣言往往趁虚而入兴风作浪。人面对灾难的脆弱心理，再加上谣言的推波助澜，造成的混乱会远远大于事件的本身。前些年非典疫情就出现了这样的情况：媒体反应过慢，而且报道的透明程度不够。3.14西藏事件，媒体的反应是比较快的，但是政府在一开始的几天采取了上述的错误策略，使得一开始的那几天，我们的媒体在宣传上大大的处于弱势；藏独分子的宣传以及西方倾向性报道在国际社会铺天盖地的展开几乎完全占领了宣传阵地——面对这种灾难，宣传就是一场战争。这几天宣传的弱势，给我国在国际社会带来了很大的压力，也使得很多不明真相的西方普通民众产生了被误导的印象。不要抱怨英国和法国藏独分子的猖狂，3.14后的几天，宣传的弱势就给圣火传递的困难埋下了种子。最近汶川的地震，我们的媒体就采取了相对透明的报道方式，比较及时真实的报道了灾区现状，在很大程度上保证了灾区的基本稳定。应该来说，他们的表现是很不错的，特别是lcc发表关于应正面报道为主的指示之前。

    我对于“负面报道”或者“负面消息”这样的称呼感到由衷的恶心。痛心疾首的说这个词批判媒体的人，散发着腐朽的官本位气息。灾难就是灾难，事实就是事实。对于事件的描述，只有“事实”和“谣言”。对于谣言，我们当然应该努力识别并予以唾弃；但是事实就是事实，不管是好是坏，它都真实的发生了，民众有权利知道，而有良知的媒体也应该把它传播出来。一个更加透明的报道更有利于我们认识事件，虽然会展示一些对于政府不好的消息，但同时也更能让民众睁开双眼，使谣言破灭。况且作为政府，本就应该接受媒体的监督，媒体有这个权利同样也有这样的义务。只要是人做事情，肯定都会有好有坏，对坏事的揭露只是会让相关官员有些不快甚至影响其仕途，但是却能促使政府改正并且避免将来同样的过错。对与所谓“负面消息”的报道并不会让民众揭竿而起扛着锄头闹革命，他只会让更多的人睁开睁开眼睛去监督。试问这样的报道，有什么“负面”可言呢？况且还能避免敌对分子恶意的煽动与攻击。

    影片中提到的另一个重要的媒体就是网络。电影的主人公也是用这一媒体实践自己展示真相的理念。这当中当然有导演理性化的成分在里面，特别是某帅哥义正词严的说，“面对这样的形势，我怎么能躲在暗示苟且偷生呢。不！我要记录下事件的真相，死后让后来的人知道发生了什么。”老实说，这句台词相当的煽情，体现了勇敢正义的美国人民，尤其是美国未来的新闻工作者大无畏的英雄主义情怀和正义感。可惜，这个情节实在是太理想化了，只能让少不更事的年轻人热血沸腾。倒是影片的一句旁白让我觉得很有道理，“（网络）上消息越来越多，每个人都通过各种方式发布着各种各样的消息。事件变得越来也扑朔迷离，不知道该相信谁的。当消息多到一定程度，传达的只是——噪音。”这段话道出了对媒体进行监督的必要性。没有监督的媒体必然走向混乱，因为所有人都认为自己掌握了真理代表了真相。这个结论很具有现实意义，因为至少在中国，网络媒体虽然是开放的，多数的人只是简单的从中获取消息，而且多数没有怎么去甄别消息的可靠性。这种情况下，如果缺少监督，误导这个开放媒体传达的消息就比较的简单，只需要几个人专门兴风作浪就可以了。虽然现实的网络是有监管的，但“网特”、“五毛”、“五分”等等砖头依然在网络上满世界乱飞。不管这样的人是否存在，却道出了在透明报道的基础上，对网络媒体监督的普遍希望。地震的灾难依然存在，灾后重建依然困难重重。这时候的网络也是谣言四起，且有越来越难以分辨的趋势（这也和心理学的研究吻合，人类撒谎的能力近乎完美而对于谎言的识别差不多停留在随机水平）。再次，对不辞辛劳传播一线消息的网友和识别拆穿谎言的网友表示深深的敬意。他们没有义务去做这样的工作，但良知和正义感让他们坚持了对事实和真理的追求。

    通过手提DV的方式拍摄此片，极大的降低了本片的制作成本，却没有削弱电影的表现力，这一点很值得肯定。当然电影依然有些流于表面不够深刻，但是作为一部以僵尸为噱头的商业片，做成这样不错了。

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曾经在具有中国特色社会主义的影视圈·特摄圈摸爬滚打了一段时间。恰巧遇到了2017这样一个特殊的年份
这是一个特摄剧重新回归视野的一年，
这是一个观众开始趋向理性化的一年，
这也是一个奥特曼被黑的最惨的一年。

开门见山的说，今年拿奥特曼开涮的作品有两部。
一部是业界毒瘤盒子开创的新IP【威比斯达】，试图以初代奥特曼的拍摄手段打造一个首部中国巨大化英雄。
腾讯独播的第N+1个的首部作品，于2017年8月18日采取会员付费观看，周更一集。但在第五集更新后，遭到了腾讯方面的下架。目前，出品方盒子与腾讯均未对此给予解释。
但凡特摄爱好者，见识过盒子（与奥飞）代表作【铠甲勇士】【巨神战击队】【舞法天女】，再看过【威比斯达】的成片效果后，应该不难想象该片被腰斩的原因。只是这个原因，与当初初代奥特曼被腰斩的原因相去甚远。
盒子【威比斯达】失败的原因，这里不多加赘述。只拿其失败证实了一个事实：

奥特曼不是你想造就能造出来的，也不是你想刚正面就能五五开的。

另一部就是蓝狐动画公司引发巨大话题的【再见奥特曼】。
如果说盒子的抄袭还只是停留在中二少年脑洞大开以为自己能够对抗全世界。那么蓝狐的抄袭就是赤裸裸的文化侵占与亵渎。概括起来，就是韩国人才经常干的那种事情思密达。
与盒子选择刚正面不同，蓝狐巧妙的发扬其投机精神，选择放映周期较短，范围较小的剧场版进行所谓的创作。
而这其中的创作，除去拿来的，剩下的也只是洗了又洗用过再用的旧素材而已。
可以，蓝狐就是这样的。
蓝狐却忘了一件事：

奥特曼不是你想抄就能抄的，更不是你想擦边球就可以被原谅的。

笔者建议，要不要请些正级干部为你们的创作提提词，吟首诗啊。效果一定好啊

所谓国情，我们的成果或许颗粒无收。但假作为，创造不出足以铭记人心的成果。
所谓利益，我们的一生或许一贫如洗，但乱作为，留不下对后世影响深远的作品。
愿盒子，蓝狐，
好自为之。

看完网剧《端脑》点映，走出影厅的第一个念头是：

我们总算也开始玩了。

差不多2008年的时候，一款名为“密室逃脱——深红色房间”的小游戏在喜欢动脑解谜的人群中传播了开来，这款毫无动作场面也谈不上画面特效的游戏，却如病毒般蔓延迅速，并迅速推出了续作构成了系列。

自此以后，一大批以“密室逃脱”为主题的游戏开始涌现，在收获了一大群粉丝的同时，还成功地逆反了“从现实到虚拟”这一游戏发展的铁则，成为了罕见地从线上延伸到线下的游戏——近几年里，大大小小的真人密室逃脱馆在国内的大中城市里雨后春笋般地冒了出来，凑齐6-10人的队伍一起玩“逃脱”，成了学生族与青年白领的社交娱乐新宠。

《端脑》故事的第一个段落里，在校园日常里享受着爱情和友（GI）谊（QING）主人公，就跨入了一场类似密室逃脱的游戏。

但与一般的密室逃脱不同的是，这是一场发生在异世界，“不能输，输则死”的游戏。

表现此类题材的影视作品，在国外已经有着悠久的历史。

2010年．韩国SBS电视台制作了一档主打竞技的真人秀《Running Man》，2014年被引入中国，成为了红透大江南北的《奔跑吧兄弟》。而并非众所周知的是，“Running Man”这一名称和概念的源头，可以追溯到1987年——那一年施瓦星格主演了电影《The Running Man》，剧中主角和一大群异见分子一起被迫参加一场危险的电视真人秀，成功则可逃脱，失败则随时面临死亡。

也许是自那以后，“在奇异的环境里，开始一场关乎生死的游戏，选手被强制参加，不胜利则无法退出”的故事开始在影视领域里自成一派。

在概念鼻祖美国，1997年问世的《心慌方》（CUBE）系列，体现了“封闭环境玩解密游戏”题材在影视制作成本上的巨大优势。而2004年起始的《电锯惊魂》系列，则把这一题材以小博大的潜力发挥得淋漓尽致，十三年间一口气拍了八部。然而大火快炒的结果是原本的亮点“游戏”成分渐少，“恐怖”与“变态”成分则与日俱增。

红遍全球的《饥饿游戏》，从广义上来说也是此类作品的分支，它通过把比赛的胜负与一个反乌托邦世界的政治变革联系在一起，给题材本身注入新机，但游戏形式却回复到了单纯的“杀”与“逃”，难免显得新意不足。

而二次元王国日本，则给这类题材真正打开了新天地。

2000年，深作欣二在北野武的帮助下把田口雅之的漫画《生存游戏》搬上了银幕，完成了一时名作《大逃杀》，用一场发生在朝夕相处的同学之间的自相残杀，表达了人类在迎接新千年时的惶惑忧惧。片中残忍而不容置疑的“游戏规则”，把日常生活在人们之间搭建的信赖和温情轻易扯碎。如笔者一样在大学里观看此片的学生们，不可避免地会设想：如果有一天我被置身于这样一场游戏，我的表现又会如何？

从这时候开始，“密室”不再需要墙壁和门锁，游戏本身的规则已让玩家们难以脱离。而无限的可能性开始涌现出来。

1996年开始，灵魂画手福本伸行开始创作以赌徒为主角的《赌博默示录》系列和《赌博霸王传》系列。画人物比笔者还难看的福本老师，把这个连载做成了比《火影忍者》更长寿的作品，直到今天还在更新。而作品中的所谓“赌博”，其实包含了大量多人参与、规则苛刻而关乎生死的游戏。

2000年，科幻狂热爱好者奥浩哉开始连载《杀戮都市》，讲述被传送到奇怪房间的高中生二人组与来自各地的玩家一起，与潜伏于人群中的外星人作战，虽然场面血腥断肢乱飞，却是游戏感十足——玩家的奖励是点数，而装备、武器乃至其他玩家的复活都需要点数来换取。

2005年，推理中毒者甲斐谷忍开始连载《诈欺游戏》，讲述为了争夺金钱、免除债务，一群普通人以巨额金钱为注，被集中在封闭的空间里玩着规则复杂的斗智游戏，其中不少游戏设计，因其特别尔虞我诈适合暴露人性阴暗面的特征，成为了后来韩国电视节目《游戏的法则（The genius）》的蓝本。

就连拖稿成瘾的富坚义博也在名作《全职猎人（HUNTERXHUNTER）》中设计了一个名为“贪婪大陆”篇章，这个篇章的魅力……怎么说呢？其中最后的25话，从2006年拖到了2008年，每次任性地想休刊就休刊，没办法，读者想看。
在“生死游戏”的主题下，岛国漫画大神们还贡献了《噬谎者》、《弥留之国的爱丽丝》、《达尔文游戏》等一批各具特色的同类作品。

从来都把二次元当做原创推动力的日本，当然会动把这些优秀作品影视化的脑筋。2007年《诈欺游戏》拍摄了日剧；2011年，《杀戮都市》电影化；2009年和2011年，《赌博默示录》连拍了两部电影。

然而在每况愈下的制作成本制约下，成品的质量着实让粉丝失望。日本的影视制作人对漫改作品似乎始终没有找到合适的形式，担纲的导演和演员始终只有那么几个，篇幅上又因为预算关系频频修改，总是给原作粉丝留下了形形色色的遗憾，又难以让没读过原作的普通观众实现路转粉。

从目前看到的《端脑》前几集来看，国内影视人不但终于开始涉及这一题材，而且一开始就有了不错的表现。
《端脑》网剧改编自有妖气上的原创漫画《端脑》，该作在国漫中可说名闻遐迩，尤其在爱好推理解谜的人群中拥有极高人气。而笔者本来为了避免与自己在写的类似题材作品《玩家2》撞车，有意识地回避了去读原作，于是无意中保留了直接从真人剧获知第一手剧情的惊喜。

本着不剧透的原则，剧情部分不做细节讨论。观感上，这部作品在整体风格上采取了“二次元改编项目最大限度地保留二次元感”的策略，个人认为是避免两头不讨好的明智之举。据读过漫画的朋友说，相当忠于原著。从开头几集看，有着类似《诈欺游戏》的斗智戏份，却更注重人物情感塑造；有着类似《杀戮都市》的悬疑感和《全职猎人》中浓厚的游戏色彩；有着类似《赌博默示录》的孤身犯险的个体紧张感，从之后的预告看，也会有《达尔文游戏》式的团队作战群戏。

演员阵容与作品贴合度较高，从点映后的交流来看，主角朱元冰拥有当下小鲜肉中的稀缺素质——IQ。制作上，导演对于“用心”的自夸目前看也没有打脸，有些细节让人想到去年的美剧神作《西部世界》，而连配乐也与上文提到的韩综《游戏的法则》一样尽职。

此外现在还只能管中窥豹，却尤其值得一提的是，作品中与游戏紧紧伴随的“被不断篡改的现实”这一大悬念。从简介来看，作品名中的“端脑”二字和作品中的游戏LOGO预示着存在着两个世界，两者之间如左右脑般的平衡是整个故事的主题——而这不能不让人联想到科幻大神阿西莫夫的名作《神们自己》。

如果在一部可看性十足的“生死游戏”作品中，真的又同时能够完成对“平行世界”的展现，结合游戏、悬疑和科幻，那也许真的可以在同类作品中开创新局了。

总而言之，这是一部为了玩着游戏成长起来的一代人度身定做的作品，看了之后让人忍不住想对朋友说：一起玩游戏吧。

每逢暑假都会陪女儿看看动画片，这也许是父亲和女儿之间最合适的娱乐项目。但尴尬的是，除了在家守着电视，电影院里适合小朋友看的电影少之又少，不过和前几年《喜羊羊》、《熊出没》等毫无营养的动画片相比，今年的暑假多了一部《大象林旺之一炮成名》，是带小朋友走进影院的不二之选。

《大象林旺之一炮成名》虽然是动画片，但和其他的作品相比非常特别，故事的背景放在二战时期，中国远征军从日本人手中解救了一头缅甸来的亚洲象，带着它参加了抗日战争，在这个过程中，林旺从一头小象成长为一头大象，也和陪伴它的小男孩旺仔结下了深厚的友情。

在媒体和资讯爆炸的当下，以动物为题材的动画片其实并不匮乏，荧幕上的动物或高度拟人化，或搞笑卖萌，几乎固化了孩子们的“动画观”，相比这些作品，《大象林旺之一炮成名》最显而易见的优点，在于它寓教于乐的剧情和正确的价值观输出。

影片中的大象林旺并没有高度拟人化，相应的，电影采用了双视角，一方面是抗日战争中人类的视角，身处和平年代，战争离我们远去，革命先烈们的忘我牺牲、浴血奋战应该被历史和后人铭记，让我们的下一代知晓并理解这段历史其实是很困难的，如果仅靠书本很难被他们接受，《大象林旺之一炮成名》通过动画片的形式，能够让小朋友们乐于回顾和接纳这段历史，意义非凡。女儿在看看电影的过程中就不时的问我，为什么要打仗？为什么他们不能回家？为什么现在不打仗了……
另外一个是大象林旺的视角，这一部分小朋友会看的兴味盎然，大象的视角看人类本身就很有趣，再加上一匹高冷的白马、一头幽默风趣的驴子，三个动物间有很多趣事和笑点，让这部电影成为了幽默又深刻的反战作品。

从最初的胆小恐惧，到最后的“一炮成名”，林旺从小象成长为一头合格的战象，贯穿影片始终的还有动画片中比较常见的成长元素，对于小朋友们来说，这部分也非常有教育意义。对于自己今年9月份就要上小学的女儿，学习知识可以交给学校，但如何让她明白长大的意义，教她学会做人，其实更多是父母的责任，但这部分也是很困难的。成长，意味着要勇敢，要有使命感、责任感，遇到需要自己挺身而出的时候不退缩、不逃避，这些都在林旺的成长过程中传递出来了，从开始的一无是处，到高潮部分的一炮成名，非常振奋人心，对于女儿来说，相当于上了宝贵的一课。而大象林旺从抗战英雄到迟暮之年的老骥伏枥，八十多年的生命历程铸就传奇，对于成年观众来说也有足够的吸引力。

最后想说的是，《大象林旺之一炮成名》称得上制作精良、细节考究。动画形象的设定、色彩的搭配，对自然风光的展现等都极具亲和力，主创团队显然从小朋友的审美出发，照顾了这一部分观影群体，虽是二战背景，但并没给影片压上沉重的包袱，画面上没有满目疮痍，反之，是充满喜感的形象设计和赏心悦目的色彩搭配。其实电影中关于象笛、米糕、竹楼等少数民族的文化，是我的知识空白区，为了给女儿解释，看过电影专门上网搜索了相关的资料，这时才发现影片在细节上非常考究，凸显了傣族的文化特色，这是电影出品方注重细节、尊重观众的体现。相信这部有内涵、有趣味、有诚意的作品会得到小朋友们的喜爱，也希望能得到应有的票房回报。

林濑穗是个以入学考技术测验第一名资格，进入知名设计学府宝成学院的新生，她在入学第一天新生致词时，就大胆向知名的服装设计师褚形下战书，并誓言要打败他，看来林濑穗与褚形之间有著不为人知的深仇大恨！她甚至在心底默许“在超越褚形之前，绝对不谈恋爱！”的誓言…只不过这段誓言很快就被一个同为设计学院高材生、金发帅气的男孩纪风亮所打破…
就在林濑穗与纪风亮感情日益加温时，穗又发现了一个巨大的打击—亮竟然是仇人褚形的儿子，不过亮为了穗，毅然决然放弃继承褚形的姓氏，并与穗联手抵抗褚形的威迫！只是褚形在设计界的势力无远弗届，次次都几乎将他们逼到无路可退的境地，但是穗展现出坚强无比的韧性与无人能及的设计长才，再加上亮在背后给予她的强大支持，使他们终能反败为胜…

教练说：不要输的太难看。 爸爸说：你不会输！ 教练说：至少要拿块奖牌。 爸爸说：你注定是冠军！ 教练说：你已经领先了，注意防守。 爸爸说：忘掉领先，保持进攻！ 教练说：有些人，注定不是打国际比赛的料。 爸爸说：你输掉的，是本该你赢的比赛。 教练说：现在你至少可以有...  (展开)