整个电影气氛非常压抑，几乎贯穿全文的阴间BGM，台词好像采用了话剧式的对白，镜头上穿插了大量的闪回和人物特写。能理解这些处理方法都是为了强调压抑感，但是反而使得影片从整体上显得很平淡，包括中间人物情绪上的爆发点和后面真相揭开，都不够有冲击力，没有什么高潮起伏。

从故事本身来说，这是根据真实案件改编的，虽然犯人到现在还没抓到，有很大一部分都是导演和编剧自己写的，但是从访谈环节就能看出来其实导演对案件了解的还不够，包括对微表情在刑侦技术上的应用也是基本没有什么概念，所以最终呈现出的故事逻辑不通，很多地方都没有交待清楚，给人感觉很敷衍，像是在应付作业。好像大家都觉得案件本身很单薄没有什么好拍的，但其实这个故事要讲好并不容易，能感觉到导演和演员都尽力了，所以这部电影就有一种又努力又敷衍的矛盾感，很奇怪。

甚至是比PTU更偏爱的一部，因为它的镜头、音乐还有简单的对白，不仅如此，它让我感觉这个大嘛成像是不曾存在于这个电影里，尤其是漆马大厦他家外面的那条走廊，到底他有没有来过，那条路也许经常是空的，靠外的围墙上还摆着一盆粉色的花，外面的铁丝上挂着日用的杂物，上面还有靴子，当然，如果银发不是从那靴子里面拿出一包货来，你会感觉它只是一双既合理又稀松平常的生活物品罢了，日常生活里的各种杂音以及无人楼道中的那种独有的安静，让人觉得似乎这个状态从来没有变过，似乎没有任何人在那上面走过，他的银发就像金属的反光一样，而他既准确又迅速的一系列活动，以及经常消失在电影里，经常消失在我们的目光下的这个线索人物，将整个剧情串联，像是一根似有似无的银线，好多沉甸甸的黑压压的角色构成的现实感，被这条隐藏的透明线贯穿起来，让每一种道德排列其间，每一个角色生动有活力，每一种秩序互相交错，每一个人的内心活动和微妙的表情相映成趣，我不是要把这部电影归功于谁，只是表达一下我的感受。这个银发下面是一张生动丑陋凶恶的面容，而那头银发不仅没有让这张脸变得高调，反而让人记住了银色的头发，忽略了那张暗示不祥的脸，而银发又像是一种隐喻，一种迷惑人的把戏，一种抽象的东西，把此人残忍狡猾的本质隐藏起来，这都是我的错觉，或者说幻想。但是在多次沉浸于影片之后，总觉得银发像一种谜一样的金属反光，把金属般冷静残酷的现实感变得轻飘飘的。

先说结论：这是唯一一部我看完全片想骂人的电影

我是一个很肤浅的人，一个所有变形金刚都在电影院看完大呼过瘾的人，一个木星上行看完都在朋友圈安利的人，一个看过三部澳门风云的人…

请原谅我的语言：导演和编剧，F*ck you??

你们把中国观众当傻子吗？你以为找一个中国演员，并且给了他将近一半的戏份我们就会给你“侏罗纪世界”一般漂亮的票房吗？你以为把“青岛话”当作密码一样的东西我们就会闪着??说“哇，你好有创意啊，好棒啊，赞一个”；你以为你在北美烂的不能再烂的口碑来了中国我们就傻到不知道了吗？

太天真了??

我们中国观众善良，宽容，有教养。不代表我们人傻，钱多，没主见。一位拍摄手法靠把镜头怼到演员脸上的摄像，一位一定要给所有青年男演员（除了黄教主和他表弟）都装上胡子的造型师，一位反转完全让人看不出原因和结局挖的坑是因为填不上的编剧。我兴趣小组的作业都比你们的本职工作强??

你们都对不起那位把你的“escape plan”翻译成金蝉脱壳的翻译老师

至于对比前作，拜托??

除了大部分时间活跃在旁白里的史泰龙和研究出来一个十多年前“霹雳娇娃”里就用过的臼齿麦克风（些许不同，换汤不换药）的黑人程序员大哥，童年嘻哈音乐启蒙老师之一50 cent（完全没认出来）还提醒着你，“老子的前作是部大片儿好片儿”，什么都没有??

之前就有评论“哎呀有黄教主，有奚梦瑶，肯定是烂片儿啊” ，说句公道话：

奚梦瑶不好说，本来就不喜欢她。作为模特，本职工作都做不好，就不要提演戏这种靠天赋灵性再加上练习体验的事情。

黄教主，首先要表扬英语发音的进步！比早年间的“闹太套”好太多，甚至比合伙人那个时候都有进步，不能否认。但是，他不是没有演技，而是需要好的本子好的导演来调，他不是能拯救剧本的演员，抱歉，普通观众欣赏不来你的技巧。

或许有剧透，但是我懒得点那上面的那个按钮了。因为如果你看完我的影评还会因为被剧透而懊恼的话，那我只能说：

你是一个善良的人……

刚看了两集，情节比较紧凑笑点也有的。就觉得前些年国内影视剧还没有那么浮躁，现在很多剧因为某些原因一件事一拖好几集。这剧思路比较奇特，也能反映一部分现实矛盾，有讨论度又有代入感，婆婆妈妈小媳妇单身狗什么的都可以看的甜蜜轻喜剧。

马天宇和刘涛这对cp也是比较奇特，男主比较嫩，看之前看到许多人说马天宇和刘涛搭戏演情侣都不敢想象，看了之后觉得还挺自然贴这个角色的，演技真的可以弥补年龄差呀，女主的都市女白领也是驾轻就熟了，比较新颖的组合

这是一场怀旧梦。斯人已逝，滚滚车轮亦将时代推向前进。又有谁人可以驻留原地？一场怀旧梦，让我们从颓败中起身，记起初心，更有动力向前走。郭导把年代感拍得淋漓尽致：Leslie的歌贯穿全篇，无论影片整体色调，主角的妆束，场景的布置方方面面，都为我们完美打造了这个穿越的梦。除此之外，最令人惊喜的就是“特别出演”的黎明。放下天王的偶像包袱，黎明演绎了一个心中有梦却被现实打趴下的中年人。从天桥底下破败的流浪屋到迪斯科舞厅一曲《Thriller》，再到兑现承诺在旧机场为Monica办专属的演唱会。他把一个失意的中年人从落魄颓败到重新振作的心路用表演的方式更夸张地展现了出来。从“不要叫醒我”的摆烂，到“心中有梦眼里是伤”的纠结，再到“让我来圆梦”时坚定的眼神。看似张伟杰是一路被母女俩推着向前，但这动力又何尝不是他心中的那份被尘封的爱和热爱。

茫茫人海，滚滚凡尘，挫折打击和世事的多变常会让我们感到迷茫，不知自己身处何方，不明前方哪里是岸。是那份深深扎入生命的热爱将我们从谷底捞起，为我们的前行再注动力。

【详细】

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非常喜欢这部电影，没有离奇曲折的剧情，没有高谈阔论的说教，只有娓娓道来的故事，还有发自内心的呐喊，正因为如此，让人觉得特别真实，像发生在你身边的生活一样。电影翻拍自2010年的一部同名阿根廷电影，表面讲述一个家庭主妇出轨的故事，负面理解就是玩物丧志，正面理解则是她内心对于自我价值和追求真爱的省思，拼图只是个工具，通过这个工具她突破了家庭生活的束缚、完成了自我的救赎。在烂番茄网上，专业评审和观众票选达成了惊人的一致，都是85%，苏格兰女演员凯莉·麦克唐纳细腻而内敛的表演给电影加分很多，她眉宇之间的一颦一笑都能牵动观众的内心，微妙的表情让人很轻易地读懂她要表达的情绪，当然印度国宝级男演员伊尔凡·可汗同样对角色毫无表演痕迹的诠释也让电影增色不少。

下面是剧透，没看电影的可以忽略：

电影开场是人到中年的蓝领家庭主妇Agnes在客厅用吸尘器洗地毯，这是一个普通家庭主妇的经典场景，也是Agnes的日常。然而这一天不仅仅是Agnes的日常打扫，竟然是为了她自己的生日做所有的准备工作，她清洁了整个房间，烤了生日蛋糕，挂上了庆祝条幅，这一切完全由她一个人完成。作为一个虔诚的天主教徒，Agnes每天的生活都是围着家庭和教会，尽管儿子送了她最新的智能手机作为生日礼物，但是Agnes笑笑说她根本用不到。生日party中，Agnes不小心打碎一个盘子，她认真地捡起了所有碎片试图粘起来，但是唯独少一片，当她在沙发底下仔细寻找的时候，她的丈夫把她扶了起来，告诉她以后再说，今天是她的生日，要好好享受。Agnes的丈夫Louie是个在社区修车厂工作的蓝领，他们的大儿子Ziggy跟爸爸一起工作，但是他一点都不开心，因为他真正的志愿是当一名厨师。他们的小儿子Ronnie上大学，有一个信佛教的女朋友。Agnes的丈夫尽管是个高大魁梧的修车工，但是他粗中有细，非常爱他的妻子，在郊区的树林里买了一栋靠湖边的小木屋，作为他跟妻子和儿子们度假的地方，Agnes甚至开玩笑说他们从此再也不需要去别的地方度假了。

众多生日礼物中，一个千片拼图引起了Agnes的注意，她用很短的时间就把这个拼图完成了，看着桌子上的作品，她非常满意，然而她只顾拼图，竟然忘了要给家人做晚饭。接下来的几天，很多东西在她眼里都变成了拼图，包括教堂的彩色玻璃窗还有家里破碎的盘子。Agnes打电话给送礼物的朋友问他在哪里买的这个拼图，拿到地址之后，她鼓起勇气坐上了开往纽约的火车，要知道，她已经好久没有走出她居住的小镇了。在朋友描述的拼图店她看见了琳琅满目的拼图，还有一些热爱拼图的人，她在挑选了两个拼图准备结账的时候，看见了店里张贴的一张广告“冠军诚寻拼图搭档“。而广告中的冠军是一个名叫Robert的富人投资商，住在曼哈顿的连栋别墅里。Agnes找到了他，跟他展示了自己在拼图上的天赋，Robert一眼看出了她的潜力，邀请她搭档参加全国拼图比赛以及接下来的全世界拼图大赛。Agnes愉快地答应了，约定要每周固定来他家里跟他一起练习，但是她打算跟她的家人保守这个秘密，并且回绝了Robert对她个人生活的好奇心。

Agnes谎称要照顾把腿摔断的独居姑妈，每周要抽出几天时间不在家，这让丈夫着急了，因为一家人的生活全靠Agnes照顾，别说几天就是一天都很麻烦。贤惠的Agnes首先听从了丈夫的反对，但是还是放不下对拼图的浓烈兴趣，常常玩着玩着就忘了家务，最后还是偷偷地跑到纽约跟Robert练习，希望能在家庭生活和兴趣之间找到平衡。然而事与愿违，Agnes的变化引起了儿子和丈夫的注意，Agnes只好跟丈夫摊牌，说自己要参加拼图比赛，但是没有提到搭档的事情，丈夫非常不理解，认为拼图是小孩子玩的东西，夫妻之间和谐的感情开始产生裂痕，Agnes因此也变得不像以前一样温顺，故意不买丈夫最喜欢的奶酪，处处跟丈夫对着干。感情细腻的大儿子最先发现了母亲的秘密，并且很支持母亲的爱好，Agnes通过跟大儿子的畅谈之后发现了他每天在修车厂工作的痛苦和真正的兴趣，跟丈夫提议让他参加烹饪学校，而观念传统的丈夫认为做饭是女人的事情，男人干起来太不像话。大儿子受到母亲的鼓励，时常在妈妈来不及赶回家的时候给全家人做饭，并且厨艺得到家人的认可。

Agnes和Robert之间的关系因为朝夕相处也产生了微妙的变化。Robert的前妻本来是他的拼图搭档，但是有一天突然离开了他，Rober把前妻的爱转嫁到了Agnes身上，而Agnes虽然感受到了这一切，但是不愿越雷池一步，但是最终把持不住爱上了Robert。Agnes的丈夫发现了这一切，Agnes也跟他坦诚了，说跟Robert上了床，感觉不是特别好也不是特别坏。

Agnes最终和Robert在全国拼图大赛拿了冠军，开心之余Agnes决定回归家庭，面对Robert关于世界大赛的邀请，还有她对Robert的爱，最终还是选择了放弃家庭，是的没错，她最终还是放弃了家庭。

剧透结束。

电影说白了就是一个中年妇女出轨的故事，只是用拼图做载体把这件事情合理化。就像Robert说的一样，拼图迷人的地方就在于世界永远是混乱的，在拼图的世界可以把混乱变成有序。这跟物理学中的墒不增加原理一样，宇宙永远是从有序到无序最终灭亡。拼图玩家一定都是强迫症，希望在自己的世界最大限度地掌控秩序从而获得快感。想象我上次玩拼图还是小时候，拼中国地图和世界地图，现在回想起来当初那种快乐还回味无穷，因而我很能理解Agnes和Robert的感受。

但是回到出轨的层面，还是不得不批判一下电影反映的价值观。的确，男女平等的今天，男的可以出轨，女的当然也可以出轨，但是二者付出的代价是截然不同的。男的出轨往往出于生理层面，逢场作戏，最终他们会选择回归家庭，因此通常男的出轨婚姻关系还能继续维持；然而女的出轨通常是处于精神层面，多是付出感情，所以女的一旦出轨很难回头。社会对男女出轨的态度也天差地别，男人出轨往往可以获得原谅，他们可以恬不知耻地说“我只不过是犯了天底下男人都会犯的错”；女人一旦出轨就很难受到谅解，社会批判的力度会更大，这也迫使她们死心塌地，一条路走到黑。但是，不论男女，只要出轨就是对婚姻的背叛，都应该受到指责，比如王宝强马蓉、白百何陈羽凡事件出来的时候，有些女的突然跳出来大声说：女的出轨怎么了，你们男的不也常出轨，各玩各的罢了。这种人要么脑子有病，要么为自己将来出轨铺路，讲的都是一些似是而非的道理，稍微一推敲就不攻自破，对她们来说应该相互比烂就对了。回到电影，女主的确没什么前科，丈夫也非常爱她，但她还是选择出轨，从小人的角度看，Robert家财万贯，跟她志趣相投，的确是更好的归宿，相信他们俩应该是真爱，因为跟Robert上过床的Agnes说感觉不好也不坏，看来她不是奔着肉欲去的，两人是精神上的知己。但是从普世价值理解，她毕竟是背叛了婚姻，应该受到批判。电影似乎非但没有批判，反而歌颂女主的做法， 我觉得大可不必。西方社会跟我们东方还是不一样，女人对于离婚或者出轨没有那么大的羞耻心，毕竟离了谁过不了啊！现在生活好了，国人的想法也在改变，离婚率也越来越高，不过用这种方式体现女性自觉还是有点怪怪的。

1.这种电影怎么拍出来的？

2.这么突兀的情节，每个人的反应和台词不尴尬吗？

3.这种电影怎么在6套播出的？

4.导演有关系？

这3个男的无缘无故为什么非要一起，怎么就成兄弟了，这女的为什么非要留这3个男的一起吃住？这现实吗，导演你在哪？哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈

关注老年人，爱心你我他，说我文字少，看看爹和妈。随着中国进入老龄化社会，养老压力大、养老难等问题成为社会关注的焦点，“养老问题”更成为现实题材影视热点，备受亲睐。将于今年内开拍的《幸福院词条》便是这样一部养老题材剧。该剧对养老题材大胆创新，有望成为反映当下中国老年人真实生活与养老现状的代表力作。

我的前半生剧已经快播完了，看了很多剧评，忍不住自己也想写点什么。梳理一下贺涵的感情线吧。最初贺涵和罗子君还是一见面就互怼的状态。第一集在唐晶家的楼道里子君喊贺涵时的声音，一下子就把我打动了，娇娇弱弱的很好听。那个时候的罗子君虽然做作但是娇滴滴的样子真的很可爱，如果就这样过一生不也很好，可惜故事要开始了。贺涵评价罗子君是乏味无趣不求上进，可就是这样一个罗子君也并没有把精英贺涵看在眼里，她对贺涵的评价，倒是一针见血说贺涵做作，装模作样，作秀的低级环保节俭。在他们的互怼过程中，总有种贺先生吃瘪的感觉，从故事的最初，这两个人都是见到了对方最不好的样貌，为以后的一点一点转变留下了空间。此时的贺先生正和唐晶在谈恋爱，之前觉得贺先生和唐晶在一起不够放松，从头再看一遍，其实他们两位的相处还是很自然的，尤其是贺先生说唐晶怎么会和罗子君做朋友时的语气，简直是萌萌哒的。只是两个人正在进行的是一场工作是工作，感情是感情的实验性恋爱，此后的矛盾也是由此而来。罗子君的离婚大戏开场，贺涵在唐晶的要求下勉强答应帮助罗子君。在这个过程中双方改善了彼此的印象。唐晶真是个好闺蜜，那句陈俊生能养你，我也能养你，太给力了。首先，在罗子君的嚎啕大哭中，贺涵听懂了她的话，正视了家庭就是她的工作，对家人的照顾就是她不求回报的爱的这个立场。同时也开始思考爱到底是什么。这里他用了一个词“取悦”，同一时期唐晶也对罗子君用了这个词，这可能是他们两个爱情观中相同的地方，在爱情中仍要保持自我的独立，不存在不求回报完全的付出。也是在这场嚎啕大哭中罗子君依然怼了贺先生，说他根本没有真正的爱过一个人，脑子中有个计算机，计算进出平衡，是情感缺乏症。贺先生败走。其次，在罗子君决定离婚后的颓废期。贺涵把她带出家门，了解了陈俊生的工作一面，又让她见识到凌玲的优点，又帮她找了律师，当然此时人生导师已开始上线，金句频出。但罗子君表面并没有领情，还屡次说贺涵疑似出轨，一夜情等，实在是狗咬吕洞宾。直到罗子君误服安眠药入院，贺先生说起自己母亲的去世对年幼的他是毁灭性的打击，罗子君道歉。而后才开始振作起来争夺孩子的抚养权。最后，在争夺抚养权的过程中，罗子君开始工作，成为一个自食其力的人。贺先生提供了一条龙服务，不但帮忙找工作，还主动做面试前培训，在庭审的时候提供了关键证据，并且给了罗子君莫大的鼓励和信心。此后旁白中表明子君对贺涵动心。同时，贺涵和唐晶因卡曼的案子产生分歧，贺涵的绯闻对象薇薇安回归，贺涵不安，连夜向唐晶求婚但仍然隐瞒已知薇薇安回来的事，唐晶答应，相约在庭审结束后订婚并庆祝。然而，庭审胜诉获得孩子的抚养权，唐晶却爽约。到这里罗子君离婚案全部完结。开始新生活。有人觉得唐晶太较真，太作。但是，唐晶就是会为了一个疑似的不诚实而纠结痛苦，继而无法跟爱的人订婚的人。原因有三，其一，唐晶的性格所致，唐晶是一个原则性强，是非分明，事业上拼命三郎，感情上也容不得一点沙子的人。其二，唐晶原生家庭的影响，父母貌合神离的婚姻让她对婚姻产生恐惧，对婚姻的预期不美好。其三，唐晶对贺涵的了解。在她眼中贺涵是一个做事不择手段，没有底线的人，由事业推及感情，她认为贺涵并不可信任，这在贺涵邀请她同居和求婚都能看出来，贺涵说一个理由唐晶是不相信的，总会追问是否还另有原因，直到找到自己满意的答案为止。贺涵是知道唐晶这点的，但仍没有给她足够的安全感，在明知道唐晶介意薇薇安的情况下，仍同她吃饭，显然这是他们爱情观中不同的部分。唐晶爽约后，贺涵采取了补救措施，把稳拿的卡曼的案子放手给了唐晶，以此来证明唐晶在他心中的重要程度是超过工作，超过他自己的位置的。同时这也是一个考验，考验唐晶对他的爱有多深，唐晶如果接了卡曼的案子则说明爱得还不够，不接则说明通过了考验。这也可见贺涵对人和事的计算和冷静。唐晶没有通过考验，这其中也可能有前夜被离间的影响，也有可能时间太紧考虑不足。贺涵给唐晶办出师宴，像求婚没有发生一样，贺涵退回到亦师亦友的位置，比恋人的位置要靠后，因为求婚前贺涵曾说过，不结婚就成朋友，而唐晶则还在原地。证据事件有二，其一，出师宴第二天唐晶约贺涵午餐，贺涵到场说了几句话，就拿走打包外带，没有跟她一起吃饭。其二，唐晶高烧仍坚持工作，唐晶问贺涵是否不管她了，贺涵答还是会像朋友那样劝她，但听不听管不了。唐晶则想突破这种关系，她当面宣布他们的关系翻篇，要开始接受其他人的追求，贺涵有点生气，也有无奈，只说了句你的十年也是我的十年，于是唐晶决定远走香港。贺涵对于唐晶的走感觉很复杂。一方面，是难过，他反复说他早知道会有这么一天，但无论是哪一天都会觉得很突然，难过的是这恐怕是他们之间的完结；另一方面，从理智的角度考虑这是对唐晶事业上更上一层楼的好事，他尊重唐晶的选择。这里贺涵自诉了对唐晶的感情。唐晶就像他最得意的作品，希望她更好，更完美，他舍不得以爱的名义折断她的翅膀。这是贺涵对唐晶的爱，包括唐晶都说他不够爱她，但贺涵给她的是更深层的理解与支持，像精神上的爱，更升华的爱，却也是理智的爱。这和唐晶的期待不同，唐晶更希望的是全心全意，纯粹的，更热烈的和冲动的爱情。这也是因为唐晶并没有认识到贺涵对她的爱是这样的，如果认识到是不是可以更信任他，改变他们的爱情故事？而贺涵为什么不能提供更热烈冲动的爱呢？是因为不能，还是因为对唐晶不能？另一边，贺涵开始和罗子君展开了世俗的爱。贺涵更多的参与到罗子君有烟火的生活中。从最初想让罗子君自立自强而拒绝她搭顺风车，到后来的大包大揽，贺涵愉快的投入其中。贺涵对罗子君的感情看起来像是情不知所起，一往而深。我觉得贺涵撞到老金表白那段是一个重要契机。在表白的一段话中贺涵变化了诸多情绪，从听到我喜欢你时的烦躁，到审视老金，到听子君说谢谢老金看得起她时，明显不认同的表情，都能表明此时贺涵的内心是起了变化的，也许是别人的出现让他认识到罗子君还是一个女人，甚至在别人眼中是一个有魅力的女人。于是在深夜聊天时有了片刻暧昧的尴尬，就是在说时间不早了，我该走了，语气停顿的一瞬间有了暧昧的意味。之后对罗子君说的那段话，不是你生活的更好了，而是你更坚强更勇敢了，语气中充满了怜惜，此后开始了不同对待她方式，不提让她自强自立了，而是让我来帮你吧，甚至越俎代庖了。贺涵主动出面为罗子君调到企划部工作时，已经开始有了领地意识。也许他本意并没有想直接和老金碰上，让老金没面子，但也绝对不会把这个人情给老金做。门口老金怒对贺涵，说你的女朋友是唐晶，贺涵接的很妙，说子君也是我的朋友，也字是并列关系，但女朋友和朋友是不同的两种关系，可以直接说罗子君是我的朋友，用也字别有意味。被老金说他喜欢罗子君时，他头转向一边，好像老金说了什么无稽之谈，但我觉得这是一个躲避的动作，因为被说中了，有些心虚。然后贺先生就傲娇了，直接刻薄的说自己确实有这个能力，老金有需要也可以找他。然后直接帮罗子君绝了老金的念想，用了搂肩杀这个大招，此时贺涵的语气太过宠溺了，他自己都没发现吧。之后就是霸道总裁上线，帮忙改简历，找工作，深夜送鱼吃鱼喝酒，高调现身维护罗子君。大雨中接子君回沪，即使在情绪激动的情况下仍不忘把她护在路内侧。那么此时他意识到自己的感情了吗？他是意识到的，贺先生对人性的认识是很通透的，他当然知道这意味这什么，只是还不急于去定性，只是按着自己的心意行事。所以在香港的时候他虽然在薇薇安面前维护了唐晶，但是在第二天的唐晶道歉的见面中，并没有说出求婚的话。而且对唐晶隐瞒了他和罗子君的通话，同样对罗子君也隐瞒了与唐晶的见面。在陈俊生问起还有另一个女人是他的修行时，无言以对。在老卓调侃他对罗子君比对唐晶温柔，并警告他唐晶和罗子君是闺蜜时，没有反驳。如果不是唐晶提前回来，贺先生一定会按照自己的节奏展开这段感情。然后就是贺先生不忍平儿的哀求护送罗子君的母亲和儿子去杭州而耽误与离职顾问的谈判，工作中产生重大失误。也成为贺涵人设崩的讨论焦点。我觉得人设也是崩的。贺涵这件事有几个原因，首先罗子君的事在贺涵这里优先级比较高，其次贺涵对平儿的疼惜是有弥补自己童年遗憾的，最后工作在贺涵的眼中并没有那么重要。虽然编剧需要一个事件来表明罗子君在贺涵心中的重要性，但是这个事情的级别好像不太够，会显得贺涵太过于随意和缺乏职业素养。不过这件事还是让贺涵正视了罗子君的重要性。唐晶的求婚。这段两人的表现都很出色。刚开始贺涵真的是蒙了，表情严肃，声音变哑，搓手，勉强应对，然后开口拒绝了唐晶，但看到唐晶遭受打击的表情，又心软，改口称应由他来隆重的求婚。在唐晶的期待的表情和十年的情谊下，贺涵能在第一时间拒绝已经是很有魄力的了。不过贺涵说我不接受时的表情似乎也不是真的拒绝的表情，所以这是个先抑后扬的套路？求婚后贺涵与罗子君的见面。一次是罗子君家里的事，两人在酒店大堂见面，罗子君极力拒绝贺涵的帮助，贺涵心疼的表情看起来要哭了，声音温柔的要滴出水来，说自己会尽自己的责任，对工作对唐晶，但此时只想帮个小忙，不想她再受苦了，这里看来，爱果然是深深的怜惜。后来在唐晶家晚餐后，单独找罗子君，坦诚都是他自己单方面的责任，而且强调如果发现罗子君力不从心，必会帮忙，不管唐晶和罗子君的看法，这是把罗放到了他的保护伞下，而且不因他是否结婚而改变。此时此刻，他应该是想遵守承诺跟唐晶结婚的，但是对罗子君的保护也不会放下。只是如果他以那么强硬的保护者姿态出现，唐晶很快就会发现，自然也就结不成婚，何谈遵守承诺，所以此时的贺涵并没有发挥他善计算的优势，完全是凭本能行事。于是很快唐晶真的发现了，贺涵表白罗子君并对唐晶坦白，其间的惨烈不忍赘述。只是贺涵承诺罗子君永远等她，不会再娶，真的是情不知所起，一往而深，没想到在不知不觉间，贺先生已经中毒至深，唯有祝福。贺涵其人。贺涵国外长大，传统家庭出身，家教端正，但他幼年丧母，14岁离家出国，对人性通透，能直指问题的核心，但在唐晶的眼中为取得成功不择手段，毫无底线，陈俊生觉得他重情重义。两次为了感情而弃工作而不顾，一次是为了唐晶放弃卡曼的案子，第二次是为罗子君放弃与属下谈判，可见他不是工作机器，工作不是他的追求，只是给他提供良好的物质生活的基础，是能让看不起他的人闭嘴的工具。他更尊重自己内心的感受，随性洒脱，这点很像令狐冲，这在他解决问题的终极法宝中也有体现，那就是随他去吧，以至于最后他选择做一个渔夫也是跟随了自己的内心。其实他不应该心软的。一次是不该心软听唐晶的话帮助罗子君，结果坠入爱河，二次时不应该心软向唐晶求婚，结果陷入左右为难的境地。贺涵在罗子君家躲避唐晶一幕真的不忍多看，在罗子君面前那么可怜的站着，不敢靠近的一幕也不忍多看。还是喜欢看贺先生像孔雀开屏一样装装装啊。此处有图----开屏的孔小姐写了这么多，以此来纪念久违的追剧时光，估计没几个人能看到最后。衷心感谢您的阅读。我打5星了，多出来的都是给我喜爱的中生代演员们，表演的太精彩了，每个角色都很立体。

没重温之前只记得凝香一身白衣灵动飘逸现在感觉应该是分三次拍摄的 剧情之间都有点冲突第一部分 雨珊把戒指吞下去那里真的好震撼我 她真的好可怜 最后就那样死了还有第三部分 喜鹊带着炸药去找郑宽同归于尽双眼泪目的样子 是她的戏份里最吸引我的地方了

比起男女主角的感情 这两个地方反而让我印象深刻

其实以现在的眼光来看 有些剧情有点三观不正 比如梅妃比如玉凤 有些台词也尬尬的

本来不打算写影评 没这习惯 只是个人感受，但来看了一眼 分这么低 我还是有必要把自己的想法分享一下吧。我觉得这剧很好。有兴趣的看下文吧 不专业 只是个人感受。

我可真是个文艺女青年，昨晚出去吃饭错过了大结局，早上四点醒来在网上把结局看了，于是泪如泉涌文思如泉涌感慨如泉涌。我们搞理论研究的就喜欢纸上谈兵。

「美好生活」结局了。我还是十分喜欢这个剧的，有时候开着弹幕，发现很多人好像不是很喜欢，我就放心了，符合我一贯的拧巴审美。嗯，我是十分喜欢。换心这个梗，其实早就烂俗了，但通常属于没谱的韩剧和青春文学，一群中年人能演出啥来呢。然鹅，剧情虽然是青春文学的狗血，但感情竟如此真实如此坦诚如此动人。除了演什么我都喜欢的张嘉译大爷，还很喜欢兰芝阿姨和小朵姑娘。

其实很早就没办法被硬悲剧打动了，就特惨有病生离死别之类的。超级不喜欢谁唱的时间都去哪儿了这首歌，回家还总会被迫洗脑。这种硬悲伤就像一坨??摆在面前，除了臭还能说什么呢。而且就好像生活不够惨，非要告诉告诉你到底有多惨一样。

但我这么自虐的人，肯定还是觉得悲剧最美，软悲剧最美。

我对软悲伤的定义就是不需要大灾大难 大风大浪 大起大落，只是一种真实而折磨人心的情感，我胖了我难过不行吗，爱而不得我哭一会儿不行吗，今天下雨了我很悲伤不行吗。

我喜欢虐心的剧 早有萌芽。但那个时候年纪还小 看不懂太高深的，就爱上了杀父仇人的女儿这种剧情就可以满足我了。现在大了，这种有点唬不住我了。

看过的有限的韩剧里 很喜欢「想你」.19年后，秀妍一半喜欢一半怨恨一半好奇一半报复的走近韩正宇，那种纠结拧巴的心情，看得我很满足。非黑即白的喜欢讨厌令人艳羡，那是小孩子独有的纯粹，而我们这些成年人都是爱恨交加混着来吧。但最后还是给了个好的结局。

看「美好生活」前半段的时候，出于对张嘉译大爷喜欢的私心，还挺希望和晓慧能有个结局的。但是到后来，我都觉得没法儿在一起了。

现在回想一下，一遍看下来，印象深刻的几个情节是，晓慧和徐天第一次约会，那个深情的拥抱；小白在医院真的准备跟徐天告别时，两个人坐在一张椅子上说的那些话，尤其大爷说“人和人的关系不止夫妻这一种吧”；徐天和小朵吃面，给他讲“人生就是遇到再遇到然后再一个一个的忘掉，上了岁数再一个一个使劲想”；小朵在机场停车场睡了一晚 等徐天去美国；徐天累了一天，在浴室地上睡着了，点着蜡烛，他妈晓慧小朵都在给他打电话；还有，就是最后写邮件的桥段。我从千山暮雪开始着迷写邮件，写邮件简直是我认为最浪漫的表达爱意的方式！

这些情节打动我，我想最重要的就是在那些个时刻，感受到了真真实实的情感流露。情感和责任感是一对非常微妙的关系。可能很多人都把一段严肃的关系看作是情感的最高境界，看作是情感的归宿。也会有人把有责任感看作是至高无上的优点甚至是找对象的条件之一。然鹅，在我看来，责任感这回事恰恰是因为人管不住自己的心，才需要套上个责任感来约束自己。这是大多数道德标杆存在的意义。怎么没人规定 走路要两条腿走不许爬，饿了要吃饭不许看书呢，因为这些不需要被规定啊。

严肃关系或者负责任能给人一种心理安慰，但如果爱情天生就能天长地久 那还需要这么诚惶诚恐么。爱情 或者各种复杂真实的人类情感，妙就妙在，他不因任何外界力量 道德约束 责任限制 严肃关系 而有所变化。你可以管住自己 不去找他不跟他在一起 但你管不住自己就是喜欢他。

很多时候 感觉大家不会把这事分的这么清，开心就好。也挺好的 保持开心也不容易。

不过 像这个剧这么强烈的情感冲击，我还是挺喜欢的。我看到了很多很多 钻进我心里的感受。那种一往无前的爱情恐怕只属于少年。大人们 的感情 真的也许没那么简单。晓慧说 她只爱胡小光，是实话，纯粹真挚不顾一切的爱情 恐怕太耗内力 一辈子也就那一回吧，得到的人并非多么特殊 只是幸运啊。但不耽误她还是可以爱上别人 和别人在一起。小朵一听徐天为晓慧不顾生死，就马上眼圈红了，但也不耽误她还是嘻嘻哈哈看似没心没肺的陪在他身边；小白也爱徐天 但也不耽误她出轨 更不耽误她出轨之后还是什么都想着徐天，小白其实很可爱，在医院告别那段 那么疯癫可爱的人忽然真的要放弃要告别 还是挺打动我的；兰芝阿姨，一辈子活在自己的爱情世界里，也喜欢她有趣的口音；

最后隆重表扬的张嘉译大爷在这个剧里简直达到了我心中的100分形象。虽然大爷演啥我都觉得好，但这个徐天尤其特殊。表面上插科打诨 一句真话没有，真话都在自己心里。能和失去的感情以及得不到的感情还有深爱自己但自己并不能承受的感情好好相处，是三件极其艰难的事，大爷就处的很好。这就是活的明白了吧。然后还善良 诚心诚意为别人。这不算是什么优点，只是人到了某些境界，有些事 知道了就不能装不知道了。

喜欢蜗居 跟喜欢美好生活一样。因为真实，真实不需要被评价，因为它就是这样的。美好生活，用一颗换来的心脏做挡箭牌，也让这种说不清成为所有人的台阶。

不过 据我常年累月看剧的经验总结，每个剧 不管演的啥事，只要是说爱情的 肯定有一个万能的巨有钱的人 帮大家解决各种实际困难于无形。因为 爱情本来就属于上层建筑吧。我等穷人 凡人 俗人 还是先好好学习 赚钱买包吧。

今天去亲戚家，刚好在放这剧就看了几集，真的被恶心到了。医学常识都没有就敢拍这种剧，救援过程也是各种拖沓，这tm是去谈情说爱还是去救援，等你谈完等待救援的人都挂了好么！！！居然要写140字才能发表，那就凑够字数吧，这种烂剧多写一个字都是浪费，为了让其他人不被恶心到，还是坚持写够吧，如果你真的不幸也看了，请你也来说说哪里恶心到你了吧

clit2014, jan 2, 晚交了20天，我再也不想上gender studies了我要吐了，写这篇paper不知道经历了多少mental breakdown

Women’s Experience Matters: Redefining Feminist Cinema through Claire’s Camera

As Laura Mulvey points out in “Visual Pleasure and Narrative Cinema”, traditional narrative cinema largely relies upon the practice of a gendered “gaze”, specifically, male’s unconscious objectification of female as erotic spectacle from which visual pleasure is derived. Her account draws attention to the prevailing feminist-unfriendly phenomena in contemporary cinema, one that resides in the language of patriarchy, privileging man’s experience while making woman the passive object deprived of autonomy. Many feminist filmmakers and theorists including Mulvey herself urge a radical strategy that dismantles patriarchal practice and frees woman from the state of being suppressed by the male-centered cinematic language.To conceptualize a mode of cinema that speakswoman’s language, or authentic feminist cinema, this essay interrogates the validity of Mulvey’s destruction approach in pursuing a feminist aesthetic. By making reference to Hong Sang-soo’s film, Claire’s Camera, I argue that feminist cinema needs to be redefined by neither the immediate rejection of gender hierarchy nor the postmodern notion of fluidity, but by perspectives that transcend the gendered metanarrative of subject vs. object, and that primarily represent and serve woman’s experience on both sides of the Camera.

Earlier waves of feminism strived to call attention to, if not, eliminate the unbalanced power relation between men and women in the society, namely the dichotomy between domination and submission, superiority and inferiority, and self and other (Lauretis 115). Feminists such as Mary Wollstonecraft and Simone de Beauvoir radically interrogated women’s rights in the political arena as well as women’s relative position to men in the society at large. However, the approaches of the earlier waves cannot prove themselves sufficient in pursuit of a female autonomy, owing to the fact that they are constantly caught in the power-oriented metalanguage which inherently privileges one over another. While it is argued that the objectification of the “second sex” is oppressive in nature, for example, the assertion already marks the subject-object dynamics between men and women by default. It fails to propose non-power based gender narratives, while obliquely acknowledging that the language spoken in this context is inevitably characterized by phallocentric symbols, ones that prioritize self over other, subject over object, male over female. In thisregard, rather than rendering a perspective that exposes and dismantles patriarchy, the outcome of earlier feminist approaches inclines towards “replicating male ideology” (Mackinnon 59), reifying the omnipresence of the patriarchal language and reproducing the effects of patriarchy.

A similar notion applies to defining feminist cinema. In terms of visual representation, feminist idealists encourage women to present their bodily spectacles, inviting interpretations free of erotic objectification. Despite the favorable receptions from the sex-positive side of the discourse, it is indiscernible as to whether these attempts truly free women from the dome of sex-negativism or reinforce the effect of the patriarchal language even more. This polarized debate, I believe, is due to the fact that the discourse is held captive by the language of patriarchy too powerful for one to extricate from, and that any rebellious gesture would appear to be an insufficient, passive rejection of the predominant ideology. To illustrate this point, Lauretis notes that Mulvey’s and other avant-garde filmmakers’ conceptualization of women’s cinema often associates with the prefix of “de-” with regards to “the destruction… of the very thing to be represented, …the deaestheticization of the female body, the desexualization of violence, the deoedipalization of narrative, and so forth” (175). The “de-” act does not necessarily configure a new set of attributes for feminist representation, but merely displays a negative reaction to a preexisting entity. It is important to be skeptical of its effectiveness in defining feminist cinema, as it implies certain extent of negotiation instead of spot-on confrontation with the previous value. A destructive feminist cinema can never provide a distinctive set of aesthetic attributes without having to seek to problematize and obscure the reality of a patriarchal cinema. In that regard, it is passive, dependent and depressed. More importantly, the question – how the destruction of visual and narrative pleasure immediately benefits women within the narrative and directly addresses female spectators – remains unanswered.

TakingClaire’s Cameraas an example, the film destructs the notion of a gendered visual pleasure by presenting the camera as a reinvented gazing apparatus, one that differs from the gendered gaze, and instead brings novel perception into being. Normally, when characters are being photographed, mainstream filmmakers tend to introduce a viewpoint in alignment with the photographer’s position, enabling spectator’s identification; that is, the shot usually shifts to a first-person perspective so that spectators identify with the photographer gazing at the object who is in front of the camera. Claire’s Camera, however, abandons this first-person perspective while generating new meanings of the gaze. Claire ambiguously explains to So and Yanghye the abstract idea that taking photographs of people changes the photographer’s perception of the photographed object, and that the object is not the same person before their photograph was taken. The spectacle, although objectifiable in nature, is not so passive as being the object constructed upon, but rather constructs new signification upon the subject. The notion of the gaze is therefore re-presented with alternative insights.

That being said, as I argued earlier, the destructive approach is not so sufficient an attempt at defining feminist cinema, because the way it functions nevertheless indulges feminist ideology in the role of passivity, deprived of autonomy and always a discourse dependent on and relative to the prepotency of patriarchy. In the conversation scene between So and Manhee, So, who is almost the age of Manhee’s father, criticizes her for wearing revealing shorts and heavy makeup. In a typically phallocentric manner, he insists that she has insulted her beautiful face and soul by self-sexualizing and turning into men’s erotic object. Despite the fact that the preceding scenes have no intention to eroticize the female body or sexualize her acts such that the visual pleasure is deliberately unfulfilled and almost completely excluded from the diegesis, So inevitably finds Manhee’s physical features provocative and without a second thought, naturally assumes that her bodily spectacle primarily serves man’s interest. This scene demonstrates that regardless of feminists’ radical destruction of visual pleasure, practitioners of patriarchal beliefs will not be affected at all; if any, the femininity enunciation only intensifies the social effects of patriarchy. The conversation between the two characters embodies the self-reflexive style of Hong Sang-soo’s filmmaking, in a sense that it fosters debates within the theoretical framework upon which it is constructed, and constantly counters itself in search of a deeper meaning, contemplating questions such as do we believe in what we practice, whether it is patriarchy or its opposite? And is anti-patriarchy feminism determined enough to prove itself a destructive force against patriarchy rather than a sub-deviant of a predominant ideology? The scene proves the drawback of a destructive strategy, that the way it operates nonetheless subscribes to a patriarchal manner, and that in order to escape the secondary position with respect to the phallocentric subject, more needs to be done other than problematizing the subject.

To supplement the insufficiency of destruction, postmodern feminists such as Judith Butler proposes theoretical alternative to approach the discourse. Butler argues that gender is performative and fluid instead of a set of essential attributes. The notion of performativity indeed precludes the social effects of essentialism by introducing the idea of an identity continuum into gender politics, in ways that empower the socially perceived non-normative. On top of that, Butler believes that the categorization of sex “maintain[s] reproductive sexuality as a compulsory order”, and that the category of woman is an exclusive and oppressive “material violence” (17). Acknowledging the harms that essentialist perception of gender and sexuality entails, Butler bluntly negates the very categorization of woman. This radical negation, however, evades the reality that our whole understanding of the human race is based on gender categories, despite the corresponding inequalities generated from the instinctual categorization. In fact, it is when women as a collective community have come to the realization that the female gender is socially suppressed, that they start to strive for equality through the apparatus of feminism. Butler’s rejection of the gender categorization withdraws the sense of collectivism in the feminist community, which is “an important source of unity” for the marginalized (Digeser 668). Moreover, it deprives the feminist cinema of the necessity of delineating an authentic female representation, because within the notion of performativity there is no such thing as a fixed set of female representations but only distinctive individuals that conform to gender fluidity. Since identifying with a certain form of representation means to live up to a socially perceived norm from which one deviates, a performative cinema does not encourage spectator’s identification. The failed identification will not only drastically shift the spectator’s self-understanding but also cause more identity crises. Therefore, performativity is too ideal a theoretical concept to have actual real-life applications.

Whether it is her body or her social function, woman has become the commodity of patriarchy. As Lauretis puts it, “she is the economic machine that reproduces the human species, and she is the Mother, an equivalent more universal than money, the most abstract measure ever invented by patriarchal ideology” (158). Woman’s experience has been portrayed in the cinematic realm nothing more than being the (m)other and the provocative body. Historical debates have proved that articulating the problematic tendencies within gender differences only results in skepticism rather than new solutions. Thus, in order to negotiate a feminist cinema, filmmakers need to abandon the patriarchal meta-language completely, and reconstruct new texts that represent and treasure woman’s experience more than just being the other, that “[address] its spectator as a woman, regardless of the gender of the viewers” (Lauretis 161).

Similarly, what needs to be done in feminist cinema is more than just interrogating the gender difference between woman and man, but interpreting such difference in unconventional ways that liberate women from being compared to men and invite them to possibilities of having narratives dedicated to themselves. One of the ways, Lauretis suggests, is to regard woman as the site of differences (168). This signifies that the cinema needs to stop generalizing woman’s role based on her universal functions; rather, it needs to articulate her unique features, what makes her herself but not other women, from the way she looks to the trivial details of her daily life. In Claire’s Camera, the function of the camera conveniently transcends the diegetic space. In the narrative, it demarcatesthe “site of differences”, that is, how someone changes right after their photograph is taken, as well as how Manhee is presented differently each of the three times being photographed. The camera also magnifies her experience as a woman for spectator’s identification, mundane as it could be. In the last scene, the camera smoothly tracks Manhee organizing her belongings, packing box after box, casually talking to a colleague passing by, and so forth. Long takes like this fulfill what Lauretis would call “the ‘pre-aesthetic’ [that] isaestheticrather than aestheticized” in feminist cinema (159). Without commodifying or fetishizing woman and her acts, the film authentically represents a woman’s vision, her perception, her routines, and all the insignificant daily events which female spectators can immediately relate to. When a film no longer solely portrays woman as the “economic machine” that labors, entices men, and commits to social roles, it has confidently overwritten the patriarchal narrative with a female language. It fully addresses its spectator as a woman, appreciating and celebrating the female sex, not for what she does as a woman but for what she experiences.

In conclusion, the essay first challenges the destructive approach in feminist cinema regarding its sufficiency in pursuit of woman’s autonomy and its indestructible destiny to fall back into patriarchy. The essay then argues that the rejection of gender categorization in performativity theory frustrates the mission of defining a female representation. Hong Sang-soo’s self-reflexive film, Claire’s Camera, offers an apparatus to delve into the drawbacks of destructive feminist cinema and simultaneously renders a new feminist code, abandoning the patriarchal metanarrative and constructing a new narrative that truly prioritizes woman’s experience.

Works Cited

Butler, Judith. “Contingent Foundations: Feminist and the Questions of ‘Postmodernism.’”Feminists Theorize the Political, edited by Judith Butler and Joan W. Scott, Routledge, 1992, pp. 3–21.

Digeser, Peter. “Performativity Trouble: Postmodern Feminism and Essential Subjects.” Political Research Quarterly, vol. 47, no. 3, 1994, pp. 655-673.

Lauretis, Teresa de. “Aesthetic and Feminist Theory: Rethinking Women's Cinema.”New German Critique, no. 34, 1985, pp. 154–175.

Lauretis, Teresa de. “Eccentric Subjects: Feminist Theory and Historical Consciousness.”Feminist Studies, vol. 16, no. 1, 1990, pp. 115–150.

Mackinnon, Catherine A. “Desire and Power.”Feminism Unmodified: Discourses on Life and Law, Harvard University Press, 1987, pp. 46–62.

Mulvey, Laura. “Visual Pleasure and Narrative Cinema.”The Norton Anthology and Theory and Criticism, edited by Vincent B Leitch, W. W. Norton, 2001, pp. 2181–2192.