30岁的你现在在做什么呢？是做着一份一眼就能望到头的无聊工作？还是谈着一场不咸不淡不冷不热的恋爱？抑或，已经结婚生子，被生活消磨掉所有激情，徒留一地鸡毛？

下了班，和他匆匆赶去看《杜拉拉追婚记》。没有看过整套《杜拉拉》原著，也不想跟风去追这套职场圣经，只是很想单纯的去看看“程又青”和“李大仁”的再度合作。这次她不是那个面对初老焦虑惶恐的程又青，而是事业有成平步青云的杜拉拉；这次他也不是温暖贴心的李大仁，而是历经奋斗做得人生赢家的陈丰，仅仅是友情客串一下她的感情生活，最后她还是会回到王伟的身边。

或者每个人都会对自己的人生有一份执念。会很贪心，想要圆满的婚姻和事业，也想要潇洒的去追求自己一直想要的梦想。所以，当杜拉拉蹲在满脸是伤的王伟身边告诉他，能够勇敢推翻拥有的一切重新追求自己的梦想，这份勇气不是谁都有，他已经成功了。那时候，我牵着他的手，眼泪还是不能节制的滑落。面对梦想，内心有个声音在呐喊。虽然，我清楚的知道，那个梦想那么遥远，遥远到无法触及。但我还是在很努力的想要伸手去触碰它。哪怕，只是近距离接触，也是好的。

也许，我们都曾有过人生失衡的一瞬间。我们会迷失在这个大大的网络社交里，我们会迷失在很多虚幻的光环下，我们也会迷失在对事业追求到麻木的时光里。那时，我们会不会有一瞬间的后悔，后悔我们曾经错失岁月，曾经错过的人？

明年，我就三十岁了。和很多即将迈入三十岁的姑娘一样，曾经惶恐过，曾经焦虑过，甚至曾经有过轻生的念头。因为感觉眼前一片黑暗，望不到头。

而如今，一切都安定下来。有一个贴心又细致的男友，虽然他不够完美，更多时候会任性，会孩子气，但他最难得的也是他骨子里的那份童真。没有成熟老练，反而会让人感觉温暖踏实。

有一个未完成的梦想，埋在心里，弩着劲儿想要实现它。所以会好好制定明年的计划，会认认真真去落实自己想要够到的梦想。

我不知道，等待我的30岁会是什么样子，会不会满身的油烟味活得像个中年大妈？还是依旧保持内心那颗不安分的心，保持对世界的好奇，继续去探索？我只清楚的知道，面对这个岔路口，我会忠于自己的内心，做回最真实的自己。

今天介绍一部美国爽片《夏福特2》。 片名Shaft / Shaft 2 / Son of Shaft (2019)，别名辣手刑警2：勉强父子档(港) / 新杀戮战警(台) / 杀戮战警2 / 铁杆神探2 / 夏福特之子。 这“夏福特”也算是一个美国IP。 1971年第一部《夏福特》问世后，票房和口碑都不错。时隔多年后，华...  (展开)

                                 《夜半歌声》的改编之旅
                                         原载于《大众电影》第840期第40—42页（2012.18）

    被法国人尊称为“永恒的记者”的加斯通?勒鲁，创作的侦探惊悚小说《歌声魅影》，在世界上被多次改编成电影搬上银幕。原著讲述了一段凄美哀婉的三角恋爱故事，即作者如何进行追踪调查，最后终于证实歌院幽灵并非子虚乌有的经过。1925年，美国导演罗伯特?约里安改编此小说拍摄了《歌剧院的幽灵》，引起了巨大的轰动。1937年，马徐维邦从该小说中汲取灵感，摒弃了原著和美国电影版的主题，执导了《夜半歌声》。从此，《夜半歌声》相继在1937（1941）、1962、1985、1995年，经过改编，四次搬上银屏。可是《夜半歌声》这一趟趟改编之旅，却历经艰辛。

（一）如何逃过审查
    1937年2月20日，马徐维邦的《夜半歌声》在上海金城大戏院上映。不久后，抗日战争爆发，上海被卷入了汹涌澎湃的反帝的革命浪潮中。一面是人心惶惶的日本帝国主义战争；而另一面则是恐怖惊悚的《夜半歌声》。《夜半歌声》在这微妙的时间节点上，无意识地填补了观众的心理缺失：对战争的恐惧、对安稳的追求、对斗志的激发。
    然而，要将这一部恐怖大片搬上银屏，对马徐维邦来说绝非易事。其中一个重要原因是当时国民党政府的电影审查机构对此类涉及恐怖、神怪的作品控制得非常严格。有些片目上呈中央后，都是“通令全国，一律禁映”。这让《夜半歌声》的创作，进入了一个艰难的时期。如何在讲述故事的同时，又契合观众的需求，同时具有中国内涵，让电影又能通过审查？马徐维邦开始进行了艰辛的探索。
    首先最为重要的一关，便是故事。早在1925年，这本小说就被好莱坞改编成电影，搬上银幕。为了与美国影片有所不同，马徐维邦必须在故事内容上做出一些改变。1925年的《歌剧院的幽灵》讲述了一个被硫酸毁容形同骷髅般的歌剧演员，躲进歌剧院地下室，每晚在剧院中游荡。为了让自己所爱慕的女演员成名，干出了许多不寻常的事。马徐维邦决定将故事背景搬到中国，以辛亥革命后陷于内战苦难的中国为背景，塑造了一个革命怪人宋丹萍：遭军阀追捕，改名当了一名话剧演员。在他成名后，吸引了地主女儿李晓霞的注意，两人坠入爱河。后来由于地主父亲的阻扰，恶霸汤俊的破坏，这对恋人最终被迫分离。故事以“革命者”与“封建地主”，以及“恶霸”，呈现了中国当时的社会面貌。而这样一个的故事与传统的故事并无太大区别，基本无新意可言。马徐维邦也充分认识到了这一点。于是他将故事进行了第二次创作：一座破废剧院，每当月圆夜，楼上便有暗影怪人引吭高歌，而对面楼头一痴呆散发小姐则听到入迷。有一天，文明戏团安琪儿剧团准备在此演出，剧团里年轻有为的演员孙小鸥在练习演唱时遭遇瓶颈，忽闻楼上有靓绝人声唱着相同曲调反复调教之，遂发现楼上怪客，原来乃是十年前传闻已死的名演员宋丹萍。最后宋丹萍与恶人汤俊搏斗，汤俊失足摔死。
    马徐维邦采用漆黑的寒冷、暗无天日的布景、以及黑暗阴森荒废了的剧院，描述了面貌怪异狰狞的看门老头、幽灵一般苍白病态的女子等身处社会底层、遭受压迫的人民，结合了德国表现主义的视觉传达方式，以革命抗击的意识形态贯穿全片，表达“我只要一息尚存，誓和那封建的魔王抗争”的斗争欲望。而这种思想的由来，与马徐维邦个人经历不可割分。马徐维邦短小精悍，削弱的脸庞、软弱乏身的瞳孔、加上辛劳带来的皱纹，完全是忠厚勤奋的相态。再加上他严肃的私生活，不嫖不赌、不跳舞不喝酒，这些生活习惯和作风，使他能用冷峻的眼光、独立的思考能力，来解读社会。1935年，洗星海回国后，在上海积极参加抗日救亡运动，并先后创作了《救国军歌》《战歌》等大量抗日救亡歌曲。在《夜半歌声》（1937年）的创作过程中，洗星海总是和马徐维邦、金山从电影公司走回家，在路途中探讨着电影的音乐风格、主题思想。因此电影中的插曲《夜半歌声》《黄河之恋》和《热血》，都只是他音乐事业的热身。
    最后，《夜半歌声》通过了国民党电影机构的审查，在金城大戏院上映，迎来了国产影片的最高票房记录。

（二）如何摆脱恩师
     1937年后，《夜半歌声》给马徐维邦带来的成就超越其他的影片，他甚至在1941年拍摄了其续集，但是续集在艺术成就和影响力都不及前部。十几年过去，马徐维邦考虑到当时的制片和技术等缺陷，计划和邵氏重拍该片。1961年，马徐维邦像往常一样走过一个街头，却听到一阵莫名其妙的声音，此时他迟疑了片刻，忽见一辆电车呼啸而来。可怜一代恐怖电影大导，就此撒手人寰。这让计划重拍《夜半歌声》的邵氏公司陷入了困境，同时也让马徐维邦的徒弟袁秋枫十分痛苦。袁秋枫是马徐导演拍《厦门语》电影时的副导演。马徐维邦因车祸逝世，邵氏决定用袁秋枫来接替其恩师执行导演任务。袁秋枫曾替邵氏在台湾拍过《山歌姻缘》，《黑森林》等片，但是面对恩师当年的成功之作，如今交由自己干，内心自然百感交集。
      袁秋枫一直难忘师傅对自己的影响。因此，当他加入邵氏后，当有机会独立执掌导筒，便是重拍师傅在上海的《夜半歌声》。袁秋枫的版本相当忠实于恩师的原作，影片也同样分成上下两集。据黄爱玲回忆，袁秋枫十分尊重原作，甚至有照抄师傅的剧本之嫌。然而，袁秋枫也知道，重拍并不等于重映，决不能落入原来的窠臼而成为复制品；但又不能完全摆脱原片的束缚，天马行空。怎样才能拍好《夜半歌声》，既不脱离恩师的初衷，却又要有自己的创意和内涵，这是摆在徐秋枫面前一个最大的难题。
为此，徐秋枫将《夜半歌声》（1962年）归类为爱情文艺恐怖悲剧，影片以爱情“冲锋陷阵”。爱情是人类最圣洁、最崇高的感情之一，而一旦这种美好崇高受到酷烈的打击，便容易引起人们心中一种共同的怜惜，对美好的追求。徐秋枫正是利用这一点来吸引观众，而这也是1937年和1962年中《夜半歌声》的不同之处。在一次工作会议举行完毕后，袁秋枫曾打趣地问乐蒂，“乐蒂啊，你怕流泪吗？”乐蒂回答，“我怕什么流泪，有万万千千的观众陪我流泪，只是我见到赵雷那个怪样子就恐怖。”袁秋枫反问，“你怕赵雷丑怪吗，你不但要和他做对手戏，而且还要爱上他呢！”“我才不爱他呢”乐蒂嘴一撇就走了。《夜半歌声》上集拍完后，有一天晚上，乐蒂对朋友说了这样的一番话，“只要是真心去爱他，不管他怎样丑恶，你都会觉得他是可爱的，连一个刀疤也有它可爱之处，而且面孔丑恶的人，他良心并不一定丑恶啊。”而当时的朋友并不知道她何出此言，事后才得知她所指的是《夜半歌声》中的一段情。
     进入60年代的香港电影，其生产环境已迥异于十几年前的上海，电影的制作步入了完善且条理化的正规系统。因此，徐秋枫拍摄《夜半歌声》面临了许多的挑战，不得不为此而做出一些改变。片中一大不同之处在于绿蝶的变化。原作中的绿蝶与孙小鸥是一对恋人，绿蝶本是个纯洁、勇敢、刚烈的姑娘。但是，徐秋枫版本中的绿蝶，是由娇柔妩媚的艳星范丽扮演，这自然让孙小鸥的人物形象也不得不相应地做出一些改变。而这些改变必须要符合人物既定的性格和命运。该片在色情展示上对观众交足功课，于是一名率性而为的好女子就变成了一个贪慕虚荣的轻浮戏子。这一角色的位移，徐秋枫自然是为了迎合邵氏时尚的娱乐至上的方针，或者说是受到片场制度的制约。从根本而言，则是为了生存。
     在1962年和1963年香港邵氏公司就先后翻拍的《夜半歌声》和《夜半歌声续集》，袁秋枫将编剧仍写着马徐维邦的名字。这是一种对恩师敬意，一次与恩师的合作，也是一场与恩师的较量。

（三）如何达成共识
       马徐维邦对于《夜半歌声》的重排想法，从四十年代就开始了。五十年代在香港，马徐维邦见到了一位来自上海的一名编剧，两人促膝长谈，马徐维邦就深切地谈到了自己重拍《夜半歌声》的心愿，但是当时条件不具备，然而那名编剧却一直这件事事情搁在心里。直到1985，他找到徐银华，一起写出了《夜半歌声》（1985）的剧本，他就是沈寂。
    80年代的中国是一次新思想的启蒙时期，电影的创作者大多以遵循时代的新思想为创作的轴心。而马徐维邦《夜半歌声》是以斗争抗日、反抗封建、争取自由为主题的电影。面对新的时代、新的环境，创作者对《夜半歌声》各有各的想法。编剧出身的演员李天济，此次在该片中扮演张老头。他认为这部影片应当定义为浪漫主义的作品，而非严正的现实主义。要求在时代背景的渲染上点到为止，宜虚不宜实，且要注重对人生哲理的探索。而自己所扮演的宋丹萍应当从爱情和苦难中解脱出来。而张老头更加的具体化和情感化，虽然张老头是一个配角，但此时已经不再是那个制造恐怖气氛的老头，而是一个具有人格、灵魂高度化的人物。
     而编剧们则认为，改编之后的《夜半歌声》（1985），艺术设想和追求都融化在剧本里，观众和读者应该在作品中去体会，如果还要作注解，则会显得多余。此外，关于“善良”，编剧给予新的内涵，认为善良是软弱。善良虽美好，但光靠善良改变不了落后的环境。《夜半歌声》成为了上海电影总公司生产计划中的重点产品，导演杨延晋不仅需要将编剧和演员们的想法列入考虑范围，同时还要有自己的独特构思。导演要求摆脱以往的艺术风格，让故事有情节、有悬念；讲究艺术性和可看性。它不是一部历史片，也不是一部非常现实主义的影片，需要加入想象的成分，增强感觉和意念，强调印象。导演坚定地要拍一部文艺片，而非娱乐片。新拍的《夜半歌声》要在《巴黎圣母院》的娱乐性加上《古堡幽灵》的神秘氛围；同时与《转折点》中对人物心理细腻刻画融合一起。总体风格，是与之前拍摄的《苦恼人的笑》和《小街》相统一，但却比它们更强烈。
      艺术是一个集体的创作过程，编剧、演员和导演，三组团队必须齐心协力，方能铸造“真金”。在1985年上映的《夜半歌声》中，编剧不仅改变了李晓霞的戏份，还以“李晓霞刺瞎双眼，与宋丹萍共同葬身火海”结尾。同时，背景取代了破败的祠堂，而是以整齐舒适、富丽堂皇的现代化迎春大戏院里。宋丹萍居住的地方不再是那地狱般黑暗、狭窄的角落。编剧的这种修改，不仅迎合了导演的艺术化追求，同时也满足了当时宽银幕彩色的电影院，呈现给观众一场视觉盛宴。而关于“善良”的表现，导演进行了另一番解释。宋丹萍与汤俊搏斗，当宋可以杀死汤时，突然手软心慈，颓然地垂下了手。这种处理方式将宋丹萍的人物性格立体化，人物处在一个矛盾的心理状态中，而这种状态或许正能够代表在八十年代那个思想泛滥、却不知何去何从的群体。
     最终，《夜半歌声》依旧充满着杨延晋式的“人们该如何忍受孤独和痛苦而生活”的思考，把原来的抗日背景适当淡化，丰富了争取民主自由、个性解放的内涵，使影片充满了对文革的反思。

（四）如何颠覆经典
    《夜半歌声》（1995年）的导演于仁泰自小患有小儿麻痹症，一直心存自卑。后来碰到了他坚强的太太，视他为正常人，给予了他难以形容的爱。而这种爱却改变了他对生命、对人生价值以及男女关系的看法。曾一度着迷于莎士比亚的爱情悲剧，燃起了他决定重拍《夜半歌声》这一不平凡的爱情故事。他以“爱”为宗旨，让这对有情人在遭遇了非人性的摧残后，凭借对爱的信念，共筑人生。。该片以1328万（$）票房，赢得了1995年香港电影年度总票房十五名的好成绩，仅次当年获奖无数的《女人四十》（排名十三），造就了“颠覆经典”的传说。
      “颠覆男主角”。宋丹平这样一个角色，牵涉到许多内心斗争，不温不火、恰到好处地表现以个人的内心风暴，对任何演员来说都是一个挑战。第一人男主角金山，是民国时期的话剧皇帝，同时也是一名共产党员。由于本身的生活体验和精神感受，宋丹萍的革命个性和斗志，在片中无处不在。第二任赵雷是以拍武侠片出名，他所演绎的宋丹萍，远比金山多了一份刚烈和雄武。第三任翟乃社是第一波北京电影学院毕业的表演系学生，经历了文革的翟乃社少了一份书卷味，性格棱角分明，这个“宋丹萍”似乎更像一位来自生活底层、追求民族使命的“秀才”。张国荣是一位歌影双栖的明星，不仅在歌坛独霸一方，在影坛也是名声大噪。因此，第四次演绎“宋丹萍”的张国荣，此刻对宋丹萍有了不同的认识：“一个很骄傲的人，突然连面对爱情的勇气都没有”。张国荣决定摆脱以往宋丹萍“程式化”“高大全”的形象，想要表现得更真实，更有血有肉，也更能引起共鸣。张国荣说：“我希望观众看时能有痛的感觉，看一个最初要风得风、要雨得雨、自信却又天才横溢的人，如何演变成后来那个把自己藏在阁楼中的人 ，他不敢见人，就连一段珍贵的爱情也不敢面对。” 因此，此时的宋丹萍不仅多了一份儒雅和忧郁，更浑身散发着一股诡异和浪漫。宋丹萍埋在云嫣怀里哭泣，细语轻声地表达着自己的内疚，“我对不起你”，云嫣紧紧地把他拥在怀里，在马车上迎接属于他们的晨曦和浪漫。
     “颠覆歌声”。此刻的《夜半歌声》已不同于1937年时的时代情景，社会的主流思想不再以鼓励革命斗志为中心了，因此，电影中《夜半歌声》的插曲的主题和风格也应当完全摆脱洗星海的曲风。张国荣说：“宋丹平有点像我，我们都一样喜欢作曲和唱歌。”而戏中的宋丹萍是个很前卫的音乐家，正因为如此，张国荣觉得自己与宋丹萍是如此的接近。于是张国荣除了担任《夜半歌声》（1995）的主演和监制之外，还为该片创作了三首电影插曲。然而，要颠覆传统的音乐曲风却得费点心血。首先，张国荣几经努力，才说服导演于仁泰和黄百鸣用国语现场录音。此外，张国荣根据宋丹萍是音乐家的身份，完全摒弃了中国曲调的歌曲，大胆地尝试借鉴外国歌剧唱腔，去掉敲击部分，以剧情来展示主人公的心路历程。这三首歌受到了影音界的一致肯定，主题曲《夜半歌声》第三十二届金马奖和第十五届金像奖上都获得了最佳原创歌曲的提名。
     事实上，《夜半歌声》真正做到的不是颠覆，而是一种转变。从表达人与环境的对抗转变表达人与自我的抗衡。这种转变也正是是1937版与1995版最大的差别；成为了近现代电影与当代电影在精神意旨上的分水岭。

08年，在《海角七号》，《囧男孩》，《九降风》等佳作集体发力之后，台湾电影终于有了那么点复苏的迹象。虽然不清楚这股暖湿气流能持续多久，影响多大，但由它们的出色表现看来，至少发出一个可喜的讯号，文艺片绝不只是亢长乏味的闷片同义词。它在艺术上获得认可的同时，仍然有着广阔的市场前景，它一样可以拍的很好看。

 

尤其是《海角》，它的奇迹不止是超过5亿台币的票房和良好的口碑，而是相信以后若干年它都将以一个商业和艺术取得平衡的文艺片标杆出现而备受推崇。因为它与传统文艺片相比，一点也算不上另类，甚至不少地方不自觉地让人想起以往的台湾电影，比如说“五月”，老少两代人，以两条线索展开的情节，抹不开的陈年伤怀心事，如同历史重演般的离情别绪与两难的抉择。连镜头下流露出的那抹温情的底色都是相似的。然而两者境遇却迥异。

 

这可能是突然兴起重温五月的动力，说实话，很久没看了，特别是毕业以后，那些青春，飞扬，的字眼越来越遥远，所以原先看得兴致勃勃的东西却好像变了味，美丽但不真实。但也许因此可以真正平心静气的审视这部电影，而不是被美女迷的五迷三道。

 

 

电影以萱萱——阿磊作为明线， 一次偶然的台湾之旅，两个年轻人之间产生了若有若无的情愫。那时正值五月，油桐花开的时节，如同鹅毛雪一般的油桐花翩然飘落，将两颗悸动的心系到一起。如果电影仅止于此，那么这只是一出电车男的青春简化版。讲述网络时代下，一个头发蓬松，自卑，有点二的少年如何获得靓丽可人的京剧小花旦垂青的故事。显然导演的野心并不只是构造一个梦幻童话，这也不符合文艺片一般规律。于是导演埋下了一支暗线，萱萱为何选择在书店碰面，为什么一个人跑到三义，为什么油桐花下的独自清唱却有着不符其年龄的凄楚悲怆，它都给以了解释和足够的动机。原来萱萱的爷爷退居台湾的国民党军人。全片一以贯之有着五月雪譬喻的油桐花正是他之于乡愁的寄托。

 

 

由角色的选取不难看出导演的良苦用心，一个是台湾最具人气的新生代，一个是内地迅速蹿红新晋女星，这对南北少年组合演绎的恋恋风尘，给人以新意，有助于其拉动内地市场的商业诉求，而旨在促进两岸情谊的主题也符合电影局老爷们的口味。

 

我们并不排斥主旋律，可是有时如果立意太过献媚，不但倒人胃口，也使电影失之造作，生硬。

在挖掘人物内心世界方面，其糟糕在于情绪铺垫不到位，感情爆发又过于刻意。

 

在回忆萱萱爷爷的部分，影片一直以一种含蓄而且克制的基调，回到哈尔滨，与亲人团聚，场面上虽然热闹，轻快，但仍存在着一道无形的屏障，冰冷无法逾越，这是长久分离，不同的地域，不同的文化，乃至不同的意识形态造成的隔阂，镜头这时大多运用远景和剪影表达人物的孤寂矛盾，不被理解的内心。萱萱的爷爷在五月天的签售会上一点小煽情也是到位的，一众处于半痴狂状态追星族当中白发苍苍的老人，阿信对他轻轻的点头以示敬意，大多数看到这里都忍不住落泪了吧。这手以静制动也堪称高明。煽情之难正在于必须恰到好处，过或不及都无法达到效果。片中人哭稀里哗啦，观众却没有共鸣显然不是导演的原意。然而在末尾处就犯了这个毛病，爷爷带着哭腔着说道，票早买了，我不是不想回去……为点题而点题，深沉内敛的情感被撕裂，只剩下浓重的政治宣讲， 导演过度的自我企图盖过电影本身，充满了说教意味。比之《海角七号》里，友子拿起信之后立即嘎然止，予以观众无限怅惘，伤感的余韵，实在是高下立见。

 

 

据说《海角七号》里面的七封情书全部由导演魏圣德亲自操刀，以其老辣的文学功底，创作这个关于伤逝爱情的典型性案例。对于男女主人公，它无异于一部反面教材。笔者的无奈，伤心，追悔，痛苦都感同身受。因为他们面临的同样的困境，也必需作出抉择。于是两线叙事有了交集，仿佛跨越六十年光阴爱情顿时有了种宿命般的美感。

 

双线叙事的好处在于二者可以作为互文式的映照，可惜的是，五月中的两条线索仍旧是割裂开来，虽然冶于一炉，却无法融为一体。

 

阿磊是个怎样的少年？做什么都只是三分钟热度，设计服装，练吉他，学画画都是如此。自己做的不够好，却喜欢对别人发牢骚，无论是帮哥哥的乐团处理一点杂事，还是发掘到了新人自己没能选上。队友把关键的一球交给他，他却狠狠将球抛向天空，他就像一个没有定型孩子，什么都随随便便，无所谓，对生活缺乏热情。通常所做的选择就是放弃，怯懦对于他或许是个比较适合的注脚。网友要求见面，他贸贸然就答应，还可以看出他冲动，不顾后果。随后到了碰面的地点，又退却了，暗暗的跟踪一个女生，怎么看，都觉的有点猥琐的气质，尾行可不是个光明磊落的举动。以一个成年人的标准，他不折不扣是个生活的loser。但是阿磊只有16，7岁，这样年纪的孩子，什么都容易被人原谅，因为青春总是有无穷的变数。这是青春片常有的套路，无非是要强调他不够坚持这一设定。可是他如何蜕变的成熟?实在看不出来，暗线的内容解释了萱萱台北之行中一连串的神秘行为的动机，这说得通。但是怎么在了解到老人思乡之苦后，他突然变得执着，有了抓住爱情的勇气。一个少年人的成长，或者说这青涩之恋，与老兵的怀乡情结有什么内在的必然联系？老人对故乡和亲人不能割舍又无法亲近矛盾心理，显然不是坚持不坚持的问题。而且两人所面对的困境也没有可以类比的性质。导演在这有点生拉硬凑的嫌疑，逻辑性思虑未够周全。如果感情戏还是点瑕疵的话，这则是个不算小的硬伤，故事没法相互交融，所以综观全片就少了一个实质性的升华与高潮。

 

 

记得05年从本片的预告片惊艳亮相，就整天巴望着电影上映。后来着实有点小失望。不过凭良心说，“五月”称的上中规中矩。因为它与常态中台湾电影一样，叙事上一贯拖沓亢长，影像与细节精致而且颇具匠心

 

台湾虽然与香港靠的不远，但电影丝毫没有沾染港片里那种骨子里散发出的草根气息，总是副文人腔调，故事讲的不温不火，没多少波折。即便偶尔想情节生动点，也很闷骚的样子，比如书店的约会，萱萱和阿磊都遇到个怪胎，阿磊的那个性向应该有点问题，仅仅也只轻笑置之，逗趣而已，乐而不淫，不要你大笑。

但摄影则值得赞美。哈尔滨的冰天雪地里，我们看到了壮阔的北国风光，火树银花，高高的白桦树伫立在中央大街，覆盖着雪的索菲亚大教堂上飞翔的白鸽，人在这白茫茫的一片中只是个不起眼的小黑点，那样渺小和无力，雪后万物萧条，更呈现出一种寂静辽远的成熟之美，宛若进入沉睡，等待迸发的时机。

而台北的三义仿佛青春的写照，空山中飘落的油桐花，配合计算机技术的后期制作，绚烂之极，缤纷热烈，隐现在群山绿树之间的废弃车道，混合青草味，落叶，泥土，枯枝，和铁锈气息的空气，错落在乡间具有民俗风味的村舍，一丛丛茶树，少年和女孩在其中穿梭腾挪，隐约传来他们的细语和肆意的笑，长发扬起，多柔软的风，抬起头，耀眼的光迷得睁不开眼。

 

所以即便故事不那么吸引人，但不能否认它有种炫目的美。萱萱在春风中行走，花树下清唱，谁也不会否认那是美的，因而不管是不是因为刘亦菲看这部电影，只要认真看完，都无法不被她的美所打动。就像东京日和里的中山美穗，逆着风走在街上，那种美，都脱俗出世，似乎只是不经意的给影像抓住云裳丽影。所以宁愿相信那次跟踪，只是出于耽美的小情怀，只是善意的希望美多停留一刻，不被打扰而已。谁也不能否认坐在街角嘲弄阿磊，嘴角掩不住笑意的萱萱很美，就是撅撅嘴，就是咯咯的笑，青春本不需要太多雕饰，不要多少演技，本真就够了。

那一年，她16岁，这样的年纪出演这样的电影可谓正当时。那一年，还是青春期的我们又在想些什么，也许只是和女友躲在街角啃棒棒糖吧，呃，大概是这样

这篇剧评可能有剧透 整部戏到28集，就剩下女二的人设是符合历史潮流了～～女一生为官宦之家的掌上明珠，简直“很傻很天真”到无力吐槽：完全没有大局意识没有正确的是非观没有基本的政治常识和世界观，还不如女二懂得隐忍负重。爹爹临死前的点话都未能开教她，只一门心思要为爹爹证明他是个大忠臣...  (展开)

【OA教】（又称“始祖教”）是一种能够通过教授名为“幻动”（movement）的身体行为来超脱人类的驱壳，流动于多维多重宇宙，以此帮助平凡人为目的的宗教。OA为本教唯一真神，OA在凡间的名字叫做“帕蕊·乔纳森”（曾用名“妮娜奇卡”）。本教教经为《OA教典》。本教教众必须侍奉OA，必须熟练五套“幻动”内容，必须遵从《OA教典》内容，当凡人有难必须救助凡人，在本教担任神职必须经历NDE（濒死经验）并获得OA认可。以下为《OA教典》内容。
《OA教典》
第一章 始祖诞生（the OA）
“你将知晓大爱，但你必经苦难，因我不忍让你目睹一切，所以我决定挖走你的双眼。”
人们一开始只是觉得OA的回归和复明是个奇迹，而后来又有人觉得OA疯了，也许在凡人眼中OA真的疯了，但在史蒂夫的狗，艾尔索眼中却不是，它，一个远不及人类文明的动物被OA折服。于此，OA有了4个信徒。
史蒂夫给OA带来了WIFI，而对OA来说那并不只是网络，而是“荷马”为真的证据。于是OA决定帮助史蒂夫走出困境。OA假扮成史蒂夫的继母遇见了史蒂夫的老师BBA。
“也许你只是忘记了你的初衷，去教导那些需要教导的人”BBA被OA感化，并成为了最开始的5教众之一。
OA在第一个午夜讲述她的降生。OA降生于莫斯科，曾用名“妮娜奇卡”，母亲难产而死，父亲是唯一依靠，年幼的OA已经能在梦中预见将未之事。OA梦见自己将溺于水下，而后竟成事实。OA第一次经历NDE，OA第一次遇见“卡敦”（khatun），OA选择回到凡间，尽管OA如愿，但卡敦却夺走了OA的双眼。







以上纯是第一集剧情梗概，我认为这部剧还是很不错的，不清楚为什么有很多人不喜欢，你们要搞清楚，这是一部宗教剧不是一个神棍剧。首先可以确定的是大家很关心的到底movement是不是真的，这个很显而易见是真的，因为第一集里面荷马是真的出现了，叫荷马·罗伯特，油管上有肯定就不能是OA瞎编，而且还有很多侧面能证明异世界的存在，总之期待第二季吧。
布里特·马灵真的敲漂酿啊！！！！我不管，反正作为OA教驻中华大祭司我要继续传教了！

《街舞狂潮》是去年金马奖的最佳纪录片获奖影片。在去年12月的“CNEX两岸三地主题纪录片影展”广州站，我终于看到了这部纪录片。去年CNEX影展的主题是：梦想与希望。其实这个主题是08年的时候CNEX作品提案征集的主题，《街舞狂潮》就是那时候入围那届的十大作品。金马奖的获奖让这部片子知名度更高。

成功到底是什么

《街舞狂潮》分两条主线，记录了32岁的台湾街舞斗士阿伦和国中生街舞团队“八个小孩”的故事。两条线交叉前进，推进叙述。而我想说的是阿伦的故事。阿伦跳了17年的街舞，在台湾街舞还没完全兴起的时候，他已经到了国外取经学习，回来台湾，一直继续教街舞。凭着对街舞狂热的热爱，一直跳一直跳。2007年，阿伦第一次参加法国巴黎的街舞世界大赛。结果失败了。在三十多岁的年龄关口，面对法国比赛的失利，面临人生转型的关口，他也开始思考“这样做到底对不对”的问题。看着法国世界大赛里的街舞界的“成功人士”，阿伦开始思考：“我也想和这些舞者一样，能够成功，但是这些舞者成功了吗，他们老了之后又都在做些什么呢？有时候，街舞让我疑惑，这样是不是对的？”到四十岁还可以跳吗？不跳之后又可以做什么。阿伦内心产生疑惑。

可以我行我素，可以做自己喜欢的事情，可以不管别人的看法，但是却不可以忽视内心深处那渐渐怀疑的东西。阿伦把街舞当作了他生命的全部，但是年纪大了，是不是还可以继续跳下去？还可以跳多久？这样的坚持有没有意义？在片中，阿伦在陷入了自我怀疑及面对现实种种困境的时候，一度想放弃街舞。他找到一份卖房子的工作。但是被告知一定要剪掉他那头撒亚人头发，才可以上班。导演这时很识趣地剪辑了一段快速运行的、在街上拍的各色中青年男路人，顶着平头，或西装革履或大腹便便的影像，这种影像的对比会让你觉得很搞笑。因为你很难想象在长达一小时的观影中，那个片中顶着一头金黄色撒亚人头发，帅帅地跳着街舞动作的阿伦，有一天会变得大腹便便西装革履的男路人形象。终于在阿伦放弃街舞之前，他接到了到上海交流授课的邀约。而在上海开班教学，该机构宣传单上对阿伦的介绍是“台湾舞林最老的街舞斗士”。这句宣传语你很难讲是恭维还是讽刺。你很难说阿伦他究竟想没想明白那个“这样做到底是不是对的”这个问题，我想，他只是追随自己的心，只要这条路还可以走，那就走走试试看，“34岁了，还是尬吧！尬到我赢为止。”

阿伦的那个问题让我想起了《头脑风暴》一期关于自由职业者的讨论。成功到底怎么衡量？是社会主流价值观下的有钱有权，还是其实可以不止一种的？那期节目里一个自由职业者嘉宾说：“我们从事这份职业肯定是因为我们热爱自己做的这份行业，无论做得成功与否，所以这个成功定义也是由我们内心来平衡。因为我们知道我们想要的是什么，所以只有我们自己可以定义我们是否成功。”一直以来衡量一个人成不成功都是由社会主流价值观来定义的。可是又有谁可以告诉我们，定义永远不只有一个，标准不只有一条。

阿伦选择了继续走下去，至少暂时是。没有人可以告诉你在这条路上走下去可以到达哪里。可是也从来没有人可以告诉你哪条路一定可以去到哪里。区别只是有些路多人走一点，路向清晰一些，有些路少人走一点，模糊一些而已。

阿伦后来第二次参加法国巴黎世界大赛，这次，他赢了。

我会很羡慕那种我行我素的人。他们会纯粹很多。在大多数人被世俗同化得思维一致的时候，他们的坚持显得那么的不合时宜。你可以说这种人“不识趣”“不会想”“很傻”。但是每个人实现自我的方式都不一样。在这样一条坚持自我的道路上，就是他们实现自我的方式。

这不是一部励志片。导演的镜头记录了阿伦的失败、疑惑、和再出发。纪录片记录的是街舞的故事，但是我觉得这具有更普遍的意义。无论是阿伦的故事，还是“八个小孩”那个夏天艰苦练舞最后获得比赛第一名，以及后来各自的发展的故事，梦想不应该只是一个励志的词，它更应该镶嵌在你的生命里。没有人可以知道你会去到哪里，可是，不管去到哪里，都是人生的风景。继续走就是了。

    豆瓣最近有个叫“哭的一塌糊涂的电影”（意思是这样啦）的活动，有人推《流星语》，我找来去年推朋友看《流》时写的有关“明仔”的种种，希望有人可以告诉我更多有关他的消息。
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       香港电影《流星语》，于1999年上映。导演张之亮（很有名的那部les片《自梳》的导演），联合张国荣、琦琦、狄龙等大牌明星共同拍摄。张国荣，是我很爱的演员，《流星语》更是看了三遍以上，跟《美丽人生》一样，属于每看必哭的那种，可是，在这里，我却不想说张国荣。一是因为，我觉得对于张国荣，别人再多说一句都是误解，我何德何能去为他解释些什么？二是因为，我发现，除了张国荣，影片中的“明仔”也很值得关注。

        我从不掩饰我对港片的喜爱，毫不夸张，喜爱程度远大于A片（American film），只不过，近几年的港片没有太多令我中意的罢了。于是，时不时的便翻过去的经典港片来看。最近，又看了一遍流星语，忽然对其中“明仔”的扮演者叶婧岚极感兴趣。我甚至在想，如果以后我有孩子，那让他有“明仔”一半懂事、可爱，我就很满意了。我希望他像叶叫“阿荣”那样叫我“文”；像个小大人一样跟周围的邻居打招呼；在离开我不久就疯狂的想念我，而我用三言两语就可以把他搞定......好吧，就当我yy过度了，可是，注意，我是说“如果”，所以，重点不是在以后我有没有孩子上，而是在“明仔”身上！

        影片中，张国荣扮演的李兆荣是一位富有的证券经纪人，买卖外汇赚钱，还是“最top的那一种”。结果，金融风暴，李破产，一夜之间成为负债累累的穷光蛋，当晚，又在一艘第二天便不属于自己的豪华游艇上，看到了一个被遗弃到“有钱人家”的婴儿......终于，他还是收养了这个小孩——明仔。他靠给人家送货、帮人家洗船换取微薄的收入，将明仔一直照顾到四岁。虽然生活艰辛，他却毅然放弃去英国格林威治天文台的机会，放弃重返金融界的机会，只为跟明仔生活在一起，照顾他，逗他开心。直到明仔的亲生母亲出现......

        用小孩子担当主演的此类“父子”温情片很多，近几年的就有郭富城的《父子》、周星驰的《长江七号》，will smith的《当幸福来敲门》。这些片子，感动自不必说，但要揪心到流泪就不至于了，可《流星语》却是每看必哭。想来，怀念“周游世界”的张是一方面，另一方面，定是因为表演出色的叶婧岚了！

        原本，扮演明仔的小孩子已经确定了，后来，张国荣和导演张之亮看了叶婧岚的表演，一致同意让年仅4岁的他来演明仔。一开始定下的小演员比叶大很多，最后只在影片中担当了一个小配角。叶婧岚，小小年纪，表演却是如此自然，无论开心抑或悲伤，拿捏的都是那样到位，多一分稍嫌造作，少一分略欠火候，根本就是自己的真情流露。当然，这其中，张之亮和张国荣定是花了不少心思。这个可爱程度绝不亚于“方枪枪”的明仔，今年也该有十五六岁了吧。

        他现在在做些什么？《流星语》之后，有拍其他电影吗？还有跟张国荣联系吗？对叶婧岚，我有太多的好奇，于是，去搜索了有关他的消息。

        原来，继《流星语》之后，张国荣和叶婧岚还有过一次合作，那便是2000年，张国荣自编自导自演的公益短片，以戒烟为主题的《烟飞烟灭》。只不过，在这部大牌云集(按出场顺序：梅艳芳、陈冠希、容祖儿、张国荣、王力宏、莫文蔚、粱咏琪等人）的36分钟短片中，叶婧岚并没有太多的镜头，台词就更没有几句了，黑黑的，呆呆的，人长高了不少，却不及《流星语》里的“明哥”来得印象深刻。是发展剧情的关键人物，却不是表演的关键人物。 观众的关注点大概都放在张国荣的演技或是短片的主题上了吧。

      《烟飞烟灭》虽然是部公益短片，说教味却没有那么浓，加上是张国荣自编自导自演，又是张之亮作的监制，恩，总之，对张国荣或是叶婧岚感兴趣的朋友可以找来一看。

在《饺子》里面骇人听闻地“吃人”之前，陈果已经在《香港有个好莱坞》中成功地肢解，碎尸。可见陈果不是一步变态到位，而是逐级修炼的。在他娴熟的解构技巧下，肢解，碎尸，人兽恋等极端元素都被黑色幽默的表现形式所稀释，比如大胖子和猪猪“娘娘”同床共枕的细节设计，尽管很悲凉，但出其不意的镜头切换还是令人忍俊不止，谁会想到那只纤细的小手竟会是幻想外的猪蹄呢。

大量的黑色幽默撑起了这部令人恶心的影片。每处令人恶心的桥段都被搞笑的方式所拯救，就拿碎尸那段来说，若非猪猪娘娘的憨态可鞠，博我一乐，我都要呕吐了。

又拿北姑，大陆医生，大陆佣人来说事，陈果的居心叵测。苍蝇一般盯着两地关系不放，我不知道陈果或是他祖上有过什么被体制所牵连的特殊经历。

《香港有个好莱坞》基本上是失败的，比起还算淳朴的《榴莲飘飘》，本片至少在情感的铺垫上输了一个等级，为了在小胖子身上保留一份纯真，陈果就差玩恋童癖了。他又回到了《去年烟花特别多》时的故作深沉。

不是说他的态度不好。平民化的东西本应该很打动人的，可总觉得陈果的东西像过了期的豆腐乳，一眼看上去，还真辨别不出烂没烂。

先4。 之前的剧都看了两三遍了。 第1集，醉酒状态这个眼神也太清醒了吧，演技不可，配乐来凑，讲真，这个剧组比之前那个好多了 ( ?? ?? ??｀)我爱了。就喜欢这种酸酸的感觉 我重复看了三四遍，小说重温2遍，之前的短剧又看了一遍 是我这几天最爱 第3集，越看越能...  (展开)

说《石子和羽男》是减配版的《LEGAL HIGH》，未免也太小看《LEGAL HIGH》了，抛开演员不说，从剧情、台词、人物设定上来看，差的可是好几口气呢。 过目不忘/但缺乏机变/有突发状况马上凌乱/热衷于给自己立人设的律师，法律高材生/逻辑缜密表达能力强/坚称自己拜金主义实际是心...  (展开)

这篇影评可能有剧透 作为极度胆小患者+kame粉，在同担强烈保证下，终于为了kame坚持看下来了。 本片亮点之一是打大boss，让我一路战战兢兢的心终于没跳出嗓子眼（虽然马上被结尾江口姐姐的横死吓得三魂没了六魄）本片最可怕的地方：为了上电视，为了红，为了收视率，所以会各种挑战下限，去住鬼屋...  (展开)

《英雄祭》：悲壮厚重全民抗战 传奇英雄侠骨柔情
文/张建雄
    
由巍子自导自演，黄觉、巍子、马可等实力派演员联袂演绎的年度抗战大剧《英雄祭》近日完美收官，收视率与口碑齐。
   
《英雄祭》讲述了抗战乱世之际，中国铁血儿女的英雄江湖情怀，为国家抛头颅、洒热血的感人传奇。是一部故事真实、情节感人、演员表演精湛的抗战好剧，观众从剧中获得一种抗战历史艰难曲折、悲壮厚重，抗战英雄可歌可泣、令人崇敬、记忆难忘的内心感受。
 
年代戏明星黄觉在剧中饰演传奇英雄赵心久，卸甲归田后孝母度日。不料遭到地方恶势力打压，在无奈中开始了反抗，为民铲除了地方邪恶势力后逃离至上海。与老同学一起办报，做一个针砭时弊、以笔救国的编辑，不料老同学因为抨击揭发上海奸商而被暗杀。赵心久面对残酷的现实大为愤慨，发誓要伸张正义，向邪恶势力宣战，后来成长为上海滩家喻户晓的爱国义士第一刺客，铲奸除恶、抗日救国，最后为理想、为了民族大义献出生命。赵心久能文能武，充满激情和热血，他的这种为大义舍小情的铁血男儿真我本性，也勾起了观众们心中沉寂已久的“英雄情结”。剧中黄觉大秀演技，将人物刻画的十分传神。动作戏干净利落，动作快、枪法快，像古龙小说风格，见血封侯，非常意象化。内心戏内敛丰富，眼神时而坚颜、时刻深情，抓眼入心袭神，轻松带观众入戏。　　
　　
《英雄祭》感情戏细腻、生活化，深受观众喜欢。赵心久这样一位文武双全、侠肝义胆、玉树临风的英雄，身边自然少不了美女的陪伴。其中个性最鲜明当属刘芊含饰演的花菇，她个性直爽、敢爱也恨，剧中她本是泼辣质朴、不谙世事的乡下姑娘，在与赵心久相处的过程中逐渐成熟，后加入抗日救亡的刺杀阵营，花菇一步步蜕变成英勇的女狙击手。在全剧最后，为了深爱的赵心久、为了同伴、为了国家，花菇不惜与敌人同归于尽，捐躯在国家的战场上。如此起承转合的人生蜕变令观众唏嘘不已。花菇与赵心久的感情可谓一波三折，相见之初赵心久是不接受花菇的。但是花菇一路上都粘着赵心久，后来经过了很多磨合，两人之间培养出了默契和感情。最后男女主角双双为国捐躯，悲壮剧情惹观众飙泪。曾在《打狗棍》、《勇敢的心》、《义勇义勇》中有着不俗表现的刘芊含，凭借真诚、真心，以及扎实的演技，将花菇这一角色的蜕变成长经历演绎的入木三分，将角色的深度和起承转合间的自然变化，拿捏的尤为得当。
　　
《英雄祭》注重刻画全民抗战，正直内敛的热血青年马冰（马赫饰），他本来是赵心久在警卫团带的士兵，后与战友钱小虎（赵晓苏饰演）一起离开警卫团，再次投奔赵心久组成了兄弟杀手团，并跟随赵心久逐步走上了反黑恶势力、抗日救国的道路。历史属于过去，但同样可以昭示未来，全民抗战剧《英雄祭》探寻战场上的悲壮激烈，追溯胜利背后的家国情仇，缅怀战火燃点的人性光芒，珍视战争凝聚的中国力量。
   
《英雄祭》厚重的抗战题材承担社会教化和历史责任。为隆重纪念中国人民抗日战争暨世界反法西斯战争胜利70周年献礼，缅怀抗日英雄的丰功伟绩，弘扬伟大的民族精神，增强时代感和民族自豪感，为实现伟大复兴的中国梦凝聚力量。

这篇影评可能有剧透 韩国擅长的精英联盟及复仇扬善的结合体，过分常规地操作，没有亮点中规中矩，但缺点也不至于将其归为垃圾，叙事、镜头、结构都是司空见惯的老物件老技艺，就是以人物不断的增加作为故事篇章的递进还算是有那么一丢丢的新意，有时男主的刻意与女主的故意都是演技上的稍显油腻，...  (展开)

童年记忆这种事，一般是美好的，但有些东西，长大了就该想得更明白点，这也不奇怪——认为小孩子天然的具有“善良”“纯真”的品质是一种错误的想法，因为道德这种东西，乃是后天社会教化的产物，小孩子没有受到社会洗礼，其实是不具备道德观念的——譬如臭名昭著的连环杀手爱德华·盖恩，在跟社会正常接触之后，才变回了一位慈祥和蔼的老者。

《哆啦A梦：伴我同行》里的几位主人公还未成年，但是创作者已经成年了，而且这部影片明显是针对中国观众的童年记忆来贩卖的，到处宣传“哭成狗”的催泪效果，这显然不是小孩子们能明白的。

这样来看，《哆啦A梦：伴我同行》里的故事就不合适了，譬如这男主角大雄的基本动机，就是为了追求静香，在生活中几乎没有第二个人生目标，当然我们不能要求大雄口口声声成为“XX主义的接班人”这样虚伪，也可以把大雄对静香的举动在很多场合下理解为很傻很天真，但站在一个成年观众的角度来看，大雄的很多做法还是有点过分，譬如在《哆啦A梦：伴我同行》里，就有大雄用哆啦A梦的道具使得静香衣着暴露的桥段，还有静香赤裸沐浴的反应镜头，甚至有大雄主动掀动静香的裙子意图惹怒她的情节——虽然这个举动给大雄抹上了一层悲情的道德色彩，但大雄知道自己这样做可以惹怒静香并且真的惹怒了，那说明大雄和静香至少在这一点上达成了默契，二者都清楚地了解到了这个举动的含义——性骚扰。

幸运的是，《哆啦A梦：伴我同行》里静香沐浴的镜头没有过于暴露，跟动画片里相比，这版电影里的静香已经“淑女”得多了——据说有人统计过，静香在动画片里曾600多次被大雄看到裸体以及摸屁股——如果你在网上搜索关于静香的图片，甚至会发现大量猥琐龌龊的同人创作。

放到欧美，静香的这种设定肯定会涉嫌“儿童色情”而带来麻烦，但在日本，似乎这不是一个问题。在日本的大众文化产品里，儿童色情已经是一个屡见不鲜的主题，所谓“萝莉”“正太”这些说法，都是从日本过来的，这无疑反映了日本主流社会对于未成年男女的浓厚性趣——日本人的胆大妄为连美国人都受不了，美国国务院在2013年曾通过了一项决议，称日本为“儿童色情销售与生产轴心国”，在遭受国际压力之后，日本收紧了真人儿童色情产品的生产，但在儿童色情漫画的创作上不无所动，2014年，日本最终通过了一个决定，规定持有儿童情色电影是违法的，但是某些情况下关于恋童癖的漫画仍然合法（这在欧美可是弥天大罪）。

在一大堆H漫的包围下，《哆啦A梦》当然显得清纯无邪，那个软弱可怜的大雄，总是被以胖虎为代表的学校霸凌所欺侮，而且学业不佳，四肢瘦小，于是，这么个“心地善良”的小屌丝，有了未来机器人哆啦A梦的帮助，岂不是满足了每一个孩子的儿时梦想？

但是，一旦面对静香，大雄几乎就像换了一个嘴脸。在这部《哆啦A梦：伴我同行》中，除了上述性骚扰手段以外，大雄还曾强迫哆啦A梦给他搞了个爱情机器，把某人关进去十几分钟，出来后见到的第一个活物，某人就会疯狂的爱上。这个机器大雄也连蒙带骗的用在了静香的身上，当静香出来后，她立马面颊绯红双眼迷离的抱住了出木衫……

大雄对静香的这一举动显然是不道德的，这跟暗中给静香下强力春药有毛线区别？！按照大雄的逻辑，静香是没有独立人格的，她漂亮（特别是在胖妹的映衬下）、优秀，是自己的梦中情人，所以自己很渴望得到她，用什么手段无所谓，只要得到她就好——其实大雄每次失手都是因为自己太笨，要不是他智商是硬伤，静香早就被大雄玩得死去活来了。

但是静香似乎从来没有明确拒绝过大雄，哪怕是掀裙子被惹怒后给了大雄一拳，过后还是冰释前嫌，长此以往，甚至在网上开始有了“静香是个绿茶婊”的言论。

怎么就“绿茶婊”了？静香是无辜的，她所体现的，还是以大雄为代表的一群日式猥琐男的直接欲望投射。大雄的懦弱无能，乃是全方位的，如果说胖虎、小夫还是仗势、仗钱欺人的话，那出木衫呢？大雄无论在智商情商还是道德层面，都是不如人的，但就是这么一个窝囊废，爱上了“校花”般的静香，癞蛤蟆对于天鹅肉的觊觎，这便是大雄和静香间的基本人物关系。

癞蛤蟆一定要吃到天鹅肉，有了哆啦A梦这个超级帮手，还管静香开不开心？静香开心与否不重要，重要的是她必须被我大雄得到。于是乎，大雄的猥琐一面在“童真”的包裹下被肆无忌惮的彰显出来，静香完全沦为了猥琐男大雄的欲望客体，这甚至有点像日本爱情动作片的人设——在很多日制爱情动作片里，女主都性感惹火，男主则丑陋龌龊（特别是那些什么痴汉电影），这正是为了满足那些龌龊男性观众的观影心理，让他们有极强的带入感。

《哆啦A梦：伴我同行》没有AV那么露骨，但在心理状态上如出一辙：大雄从未成年开始就要得到静香，即使有意无意的若干次性骚扰了静香也在所不惜，而静香也满足了大雄（以及通过大雄产生的带入感的观众们）的最终欲望，她最终嫁给了大雄。而《哆啦A梦：伴我同行》里除了交代大雄对静香并不尊重的痴迷以及看起来稍微勇敢了一点的举动，就只是用虚泛的“善良”来填补大雄空洞的灵魂。

静香所代表的女性，在《哆啦A梦》里并没有独立的人格，这正是日本社会中男权思想的不自觉投射，甚至在今年的一部日剧《问题餐厅》里，剧中人也正是借静香来反思自己，说静香每次被这些小男生摸屁股之后还要迅速平复情绪，正是因为她要坚强的生活着，“要学会谅解、不在意、接受”。（ http://img3.douban.com/view/photo/raw/public/p2227564940.jpg ）这话听来搞笑，实则饱含女性的创伤。回想动画片里的静香，在未来社会里最终遂了大雄的愿，但是她自己究竟怎样看待这些男生？如果她遇到了樱桃小丸子，会怎样倾诉衷肠呢？

静香的可怜，是全体女性的可怜。作为静香的反义词，胖妹一直就是大雄的梦魇，哆啦A梦穿越时空而来，也正是为了警告大雄不要跟胖妹结婚，如果娶了胖妹，那就是对大雄最大的惩罚——在整部《哆啦A梦：伴我同行》里，胖妹从现在到未来都是一个丑角，作者不关心胖妹的心灵（即使拿“作者自嘲”也无法开脱此一人设的性别歧视意涵），因为你胖、你丑，你就对男主人公“没用”，应该被嘲笑被抛弃，而这种表达的心理基础则是：女人必须性感漂亮，充作男性的欲望客体，你达不到这个要求，就不是个合格的“女人”，至于男性的品质怎样，与女性无关，女人没资格挑男人，男人想得到你是看得起你，好好配合“享受”就是了（想想《怪物史莱克》，美国人的表达还是高级得多）。
《哆啦A梦：伴我同行》正是这样一部细思恐极的作品，这里面似乎有两个大雄，一个面对哆啦A梦诚挚真心，受尽欺负不改善良初衷的大雄；另一个，则是对静香垂涎欲滴，不择手段也不考虑静香感受，只想攫静香为己物的大雄。

如果我来写大雄，当他穿越到未来，一定会为自己当年的举动感到羞愧，并对静香和胖妹都道歉，然后告诉静香：我爱你，作为一个成年人爱你，我小时候说想给你幸福但并不懂事，现在我懂了，我会尽我的全力给你幸福，并且完全尊重你的感受，如果你选择了我，我会很开心，如果不，我也为你祝福。

另外，蓝胖子有时是助纣为虐了，但这不怪它。