九十年代网络刚掀起热潮时，第六代导演的代表之一金琛便执导了一部描写当时年轻人的爱情生活的《网络时代的爱情》，也成为九十年代末的爱情片代表作之一；如今手机、电脑等已经成为了日常生活的重要一部分，如何与时俱进的谈谈情说说爱，则成为了一些影视作品探讨的题材元素，如前两年的话题之作《她》，便讲述一个寂寞的中年男子与网络系统的女性声音谈情说爱的故事，而85后青年导演邓科的这部《星语心愿之再爱》，同样是描述了一段在互联网技术高度发展时的非传统爱情。
作为北京橙天嘉禾影视公司的新作，《星语心愿之再爱》明显是源自于九十年代末的嘉禾作品《星愿》，后者不仅是推动了张柏芝成为新一代的清纯女星的代表，也留下了脍炙人口的主题曲《星语心愿》。挥师北上、改组后的橙天嘉禾，面对昔日嘉禾的一系列经典作品或话题作品，如何进行重新演绎也就成为了摆在面前的现实问题，而影片《星语心愿之再爱》聪明的选择了以软科幻片的类型包装，讲述为了解决异地恋带来的分离的痛苦与担忧，学霸男王鹏鹏研发了网络系统虚拟城市，意图使得在现实生活里分别两地的恋人可以在网络上生活在一起，王鹏鹏也以自己对女友林亦男的爱情作为范本研发系统，但在系统上线前夕王鹏鹏突然遭遇了意外，他会如何的延续这段对林亦男的未了的情感心愿呢……
还记得在《星愿》中影片借鉴了《人鬼情未了》等经典好莱坞爱情片，《星语心愿之再爱》则更与时俱进的将科技手段为工具谈情说爱，也借鉴了美剧《疑犯追踪》等。如王鹏鹏努力帮助林亦男躲开小流氓们的追逐的戏，便借鉴了《疑犯追踪》里哈罗德·芬奇的常见手法之一，而女主角林亦男凝视街头摄像头的场景，则再现了约翰·里斯不时通过摄像头寻求帮忙的一幕……当《疑犯追踪》已经通过科幻片的类型手法包装较传统的动作片，也当《她》等作品已经用科幻元素包装爱情片，《星语心愿之再爱》自然不敢落于人后的选择了类似的包装手法，呈现一段跨越了时间、空间的爱情。
而爱情自然才是影片的焦点。影片在开场不久时便着重于刻画王鹏鹏与林亦男这对情侣的异地恋的困境，而林亦男的室友的话更是强化了矛盾的张力，但两人依然选择两地的奔波也折射出情深，为王鹏鹏的设置网络系统的“最高指令”埋下了伏笔；当高潮戏时林亦男发现了事情的真相，王鹏鹏也发现了自己在无意中为系统所设置的“最高指令”时，无不让人动容。
影片《星语心愿之再爱》尽管是一部“旧瓶装新酒”的作品，在保留了经典主题曲作为贯穿在始终的音乐元素下，与时俱进的用软科幻片的类型作为包装，细腻的刻画了一段跨越时空的传奇爱情。

春去春又回,最痴情的莫过于沈孟生的大少爷,作苦力还要买礼物讨欢心,自从意识到真爱所在后对于其他的女人视若无睹.可是现实中的男人就算身边有真命天子却依然会逢场作戏,口口声声为了繁荣的大局.所以女生们就在电视开始的时候天上人间,电视结束的时候凡尘俗世.

    阿宝和阿雄，诗咏和国邦，两对毫无交集的夫妻，两种不同的生活，但是他们所经历的夫妻生活中的问题确是那么相似。这也是大多数夫妻在生活中所经历过，或正在经历着的——夫妻生活不和谐+出轨。
    以前作为一个小女生，我从来都不相信，生活中真的会有出轨这种事情。然后在生活中经历的多了，才发现，原来出轨是件很轻易的事情。这种轻易性被影片表现的淋漓尽致，可能是小三的引诱，可能是婚姻生活的不和谐，可能是本来的花心。。。。。总之世界那么多的诱惑，爱情那么的脆弱。
    对于影片中的两位女主，一方面我还是比较欣赏的。在面对丈夫出轨时，能够不哭不闹，不像很多不理智的妻子那样大闹一场或捉奸在场，撕裂本就不再和谐的夫妻关系。他们都清楚，婚姻关系不像男女朋友关系那么简单，说散就能散，不会造成多大的伤害。他们很清楚，老公是自己的，婚姻关系需要自己的忍耐与维系。所以他们都选择了原谅与忍耐，能够适度的揭开出轨的面纱，适度的利用丈夫的内疚与同样的不舍，从而更好地去维系这段关系。
    另一方面，如果是我，我确是不会选择阿宝和诗咏这样的忍气吞声的。虽然是婚姻关系，虽然有那本本子，虽然离婚对双方都会造成不可磨灭的伤害。然而忍耐后的婚姻依旧存在裂痕，怀疑与伤疤。影片的最后，阿宝怀疑阿雄是否再出轨，阿雄怀疑阿宝的孩子是不是自己的，诗咏会预防着国邦的花心，国邦呢，能停止他的花心吗？也许从新开始的生活不见得会遇到对的人，从新开始的爱情也不见得会有好的结局，然而生活不是迁就。人的一生很短暂，要敢于面对既成的结局，要敢于开始新的一切。被伤害之后不应该试图去掩盖伤疤，而是应该直面，敢于开始新的人生。
    对于作为第三者的叮阿仪，我并没有像很多第三者那样讨厌她。其实我觉得她就像一个迷失了路途的小孩。或许是在爱情里被伤过，或许是被外界的渲染侵蚀过。所以她不相信爱情，她总想着玩玩而已。然而每个人并不是总能那么容易地控制自己的心的。在玩玩的过程中，心会不自觉地沦陷。最后她爱上了那个从未把她当回事儿的阿雄，竟连她的名字都不知道。这或许是她应得的报应，然而我依旧同情她，因为她实际上是善良的，因为她从未想过去破坏阿雄的家庭。知道自己爱上阿雄之后，她能够离开，能够成全。就凭这一点，或许就值得被原谅。
    人生的际遇不同，每个人都会有不同的选择，影片只是起到提示作用。总而言之，是一部还不错的影片。
     

前面三十多分钟看起来就是一个0分的烂剧，到处都是漏洞，还好后面反转说这就是一个骗局。名字叫7天爱上你，可是整个剧两次7天旅行，都不太涉及情感的波动与变化（好吧，第一次有男主的情感变化，但是太突然了；第二次旅行最后有女主的情感变化，但也没有任何铺垫。。。）。之所以看了整个电影给的是2分而不是0分，纯粹是因为我愿意相信这种神奇狗血但又美好的故事存在啊；另外结局男主残疾了我喜欢，再次说明no zuo no die啊！
PS：查了下这个剧的导演张坚庭居然就是“白叔叔”。。。
PPS：感觉这个主题应该是可以从感情一点点变化拍出来比较好的电影吧

一直坚持着玩着手机里的蓝精灵游戏，所以对铺垫很久的新出现的角色也不陌生。不过真的看了，发现出彩的是人类的角色。个人并不喜欢其他的人类角色，但这次那只鸭子真心可爱。

这次主讲蓝妹妹，以她的出身是被设置成一个有邪恶本性的人，后来她被蓝爸爸还有精灵村的其他小伙伴感化了，这次回归又挖掘出了本性所引发的天人交战。虽然结局总归是邪不胜正，不过我最近看了好几部片子都在问一个两难的问题：你是谁和你想成为谁到底哪个更重要？

然后很喜欢这次的音乐，都是时下流行的歌手的曲子，轻松而愉快。

最后不喜欢在这么洋气的片子里植入中国元素。很，不，搭！

黄昏里一盏明灯:他们在岛屿写作
文 / 蒋斐然

“是谁传下这诗人的行业，黄昏里挂起一盏灯”。

在这文学阅读日益衰退的年代，《他们在岛屿写作》挂起了黄昏里的明灯。

我们不禁感叹，台湾啊台湾，台湾啊台湾。看似被政治力搅和得乌烟瘴气的台湾，看似民风日下乐娱表浅的台湾，却从不叫人真正失望，因为在这个岛屿的某个角落，某个时刻，总是不期涌现这样那样充满力量的的影音创作与文学记忆，无法被乱流冲走，无法被历史埋汰，让人重新坚信美好的存在。这个市井与纷争的小岛，像极了春秋战国时期的中国，乱力之下有自由，自由之下放百花。

他们在岛屿写作。他们是谁？“他们”指向的是一个漂浮游移却隐然成形的时代群体，既有历史时间的距离，又有美学感性上的回眸。“岛屿”作为一种历史地理的指称，潜藏了在地思考的逃逸路径，跳脱省级，无关统独，抛却了僵硬的国族符号，抛却泛政治化的情感动员。而“在岛屿写作”则形构出一种当下此刻的书写进行式，贯穿过去与未来，以写作的创造性能量，标记岛屿之浮光掠影，“岛屿写作”，让岛屿不先于写作而存在，让“写作”无法离开岛屿而成立。

六位文学大家，来自四面八方，出生地殊异，成长地殊异，但都在岛屿写作，都在书写岛屿，都在以文学书写作为逃逸陈规范式的路径。值得思考的是，其中的几位作家都是从大陆过去台湾的。余光中曾这样描述他所经历的地方：大陆是母亲，台湾是妻子。何以母地的生子都绽放在他乡的爱情里，而后又缱绻于怀乡的诗情里。不论时事，搁浅政治，但省两地的人文落差，便叫人戚戚。

《他们在岛屿写作：文学大师系列电影》创造了文学纪录片的一个奇迹，成为去年台湾一个重要的文化事件，让人唏嘘之余感到欣慰——还好，文学还在；还好，读者还在。这套影片的奇迹在于，它以非凡的诚意打动了六位文豪的联袂出镜，以纪录片的预算制作出了电影规格的影像，以文学电影的姿态站上了公映院线，以低调的妆容赢得了高调的票房和口碑。虽非商业片，却敢于挑战观众的口味，不得不敬佩，作为发行方和制作方的目宿媒体确实具有过人的胆识和先天下之忧而忧的人文情怀。但谁也没有想到，在这样速食消费的年代，悠长缓慢的诗歌又唤起了人们心底对文学的柔软记忆，真诚朴质的影像挖掘了字里行间的乐趣，拉近了观众与诗人的距离，抵抗了阅读衰退的忧虑，这表明不管时代怎么变，人性最初的那份纯洁与美好是不会消褪的。

你看到诗人的生活，看到他们作为一个人是如何存在，然后你突然就读懂了他们的诗。比如，我看《化城再来人》时非常惊讶，或许之前听说过在武昌街摆书摊的周梦蝶，但并不知悉他原来人如其诗，早已老僧入定，生活作诗仿如修行。再如余光中先生的诗应该为大陆观众所耳熟能详，但在纪录片《逍遥游》中，我才完全地尝到了乡愁的滋味，也才明白之前脑海里的余光中并不是真正的他，他的诗我也并非真的懂。这不就是纪录片的意义所在吗，带领观众进入和理解一个未知的世界。

《他们在岛屿写作》成功了，在台湾，第一次有这样的纪录片能够在院线联映五周之久，怀揣着所谓的传说中的“纪录”与“文学”两大票房毒药，却眼睁睁地火爆了市场，成为一种奇特的现象。不论是文艺界还是非文艺界，都不断有仁人志士站出来鼎力相荐。张艾嘉为首映站台，马英九看后将预告片投上FACEBOOK大力夸赞，又有多少民众一看完片子，就涌起一股满满的冲动，奔向书店购买诗集。也就是说，人们又开始读诗了。这难道不是最大的奇迹吗？

若说以上是电影之于文学的奇迹，是电影为文学的普世化和复兴作出了贡献，那么反过来，其实文学也同样滋养了电影。《化城再来人》和《如雾起时》的导演陈传兴说，文学总能给电影注入大量新鲜的内容。文学电影的类型在亚洲尚未流行，在世界范围内，其实BBC早已拍摄过很多系列的作家纪录片，美国的大学也设有文学电影的课程。但在整个大中华地区，《他们在岛屿写作》是第一个做这件事的人，若这一波电影的佳绩能兴起整个文学电影类型在亚洲的发展和崛起，那就丰富了我们的电影市场和电影创作，不论对影人还是对观众，都是打开了一个多元化的出口。从纪录片的意义上说，也是对纪录电影创作现状提供了一种激活的可能性。当然这需要所有人的协助和推广，而我们，正是在做这样一件事。

在宝岛，有人在努力的保留纯文学的火种。而中国大陆，也曾像这个岛屿一样，经受过动乱对文学的摧残，如今却少有人以主动的姿态践行对文学的热爱。但我相信，这里同样潜藏着一大批坚定的文学青年，而台湾文学正是他们成长路上的重要养分，只是在这样的时代背景和社会风气下，他们选择了隐藏这份欲说还休的炽热。此番在HAFF能够一瞥这些文学大师在银幕上巨大的身影，必定会振奋这群长久遭边缘化的文青的心。而那些许久未拾书卷的人，或也会在看完这一系列的电影之后，重新回归读者的身份。另一方面，也是给大陆电影单一乏味的商业趋同提供一种反思，为食之无味的观影市场注入一剂新鲜的青草味。这里的观众已坐在黑暗的影厅里等候许久，等待着在大荧幕上看到不一样的电影，等待着在从电影里找回久违的感动，等待着恢复封存多年的文艺味蕾。

《两地》分属的风景

《他们在岛屿写作》展现出的是影像威力下的时代感性。

六部电影有叙事结构上的繁复，有影音调度上的别出心裁，更有美学与伦理上的巧妙幽微。有别于传统“作家身影”的拍法，六部纪录片的每一部片都有两个创作心灵的呼应与頡抗，一个是使用文字的作者，一个是使用影像的导演，彼此之间的微妙张力，让影像不再是文字的二次表述，让文字跳脱怀旧氛围，重新展现当代感性。

《两地》，台北和北京，台湾和大陆。此片在构思上颇有深意的地方在于，导演杨力州在片中彻头彻尾地将“两”的概念诠释到底。他将林海音的女儿去北京探寻母亲旧地的过程拍下来，与早前林先生自己去北京寻访的影像并置，两次的镜位和路线都很相似，甚至女儿和母亲都问了一些一样的话，由此两两相望的感觉就浮现了，暗示着代代相传，也暗示着两地纽带不断。配乐师柯智豪为了呼应“两”的概念，将俄系与欧陆两大乐种的旋律和节奏调配在一起，但其实所有场景的主旋律又都暗藏着《送别》的音符，因为它是此片音乐的主轴。剪辑上也频繁地展现出两两对立的撞击。比如说，叙事说到了林海音先生因为刊登了风迟的文章而被免职时，画面首先是当年“文学须服务于政治”的宣导片最后会场鼓掌的一幕，紧接上的就是严肃沉重的字幕，告知观众，在这个掌声底下，林海音被免职，在这个掌声底下，风迟被判三年六个月的徒刑。像这样的例子比比皆是。另值一提的是，《两地》中有大量的动画。动画部分并不疏离出戏，它是精致温馨的，因为原画取自于林海音最喜欢的关维兴水彩大师的插画《城南旧事》，而京剧的实现方式又让人感受到这个在老北京发生的故事。我看完动画的感觉是，跟林先生的世界又近了一步。《两地》也采用了不少稍显矫情的特效渲染手法，比如翻页的老报纸配上动态的新闻报道，这些是刻意、煽情而炽热的，而纪录是淡然、诚实而冷静的。导演也意识到了这一点，所以有意时不时地曝露一些“穿帮”镜头，或是让摄像机入镜，或是保留一些晃动不已的画面，为的是将观众从故事中推出去，回归纪录的客观姿态。

《化城再来人》的一天

《化城再来人》时长163分钟，六部中最长的一部，以我浅见，也是最有深度的一部，也可以说是最靠近电影的。它的叙事定点有如《尤利西斯》，一整部纪录片讲述的是周梦蝶的一天的回忆，但叙事线条并不单一，其中叠合了回忆的多重时间点，显示出周公本身性格的复杂性。第一次看这部纪录片的时候，令人印象最深的是周公的声音，他一直在不紧不慢却又用力地嚼着他的诗和尺牍，仿佛诵读也是一种修行。

周公的诗中呈现的是一种不纯粹的语言，旧诗，禅诗或偈语，全部糅杂在一起，而《化城再来人》将这些不纯粹凝结在一起的纽带就是周公的声音，包括它的质感，快慢，节奏等等。而声音就是时间的另一个指标。我们听着周公的念白，就真真切切地体会了他那句“只有时间嚼着时间的反刍的微响”。导演陈传兴说，“周公平常说话经常陷入一种独白的境况，即便与人对话，对面的人于他而言也只是回声墙。而念诗的时候却大不一样，念诗的时候是他与他的诗对话，你观察他特写的脸，感觉声音在他好似山脉的一起一伏的肌肤上流动。”这本身就是一种梵文的心境，这种诵读是一种非人间的与神对话。除了周公的声音之外，潜伏在影片始终的另一个重要的声音就是水流的声音，当然是隐喻时间的纵向宽度，对于周公这样一日如一生的文人来讲，这水流声又添无限禅意。

完整看过此片的人绝不会忘记开头和结尾呼应的江面，那过去的江面要去向哪里，谁都无解，就像时间要流向怎样的未来，我们都无从知道。为了反应周公这样的犹疑而不确定的生活在在台北城里的“悉达多”，导演甚至将周梦蝶的淡水河比作印度的恒河，拍摄了两地的画面混剪在一起，有意让人分不清到底是淡水还是恒河。

全片的叙事非常从容，毫无夸张矫饰之处，但阅毕周公的印象已如烙印般深铭心中，那样的气质不只是“入定”或是“出世”可以简单形容，他可以随时对外界打开，也可以随时关闭。陈传兴将周公比作漏斗，外界的事物可以经过他的身体，然后完完全全地流过去，不留下一点残余。而《化城再来人》最出色的地方在于，他没有只顾着刻画周公这种外界既定的佛者文人形象，它呈现出了一个真实的人内心的矛盾，对男女情感的期待和纠葛，对宗教的坚定与不坚定，对人生取向的来回摆荡。比如周公谈三毛那段，我看到是觉得惊异又觉得真实。再如谈到周公去电影社看电影时，投影在斑驳墙上的影片是卡尔?德莱叶的《吸血鬼》（1932），那一幕讲述的正是一个男人救赎了女人，这样细腻的安排归功于导演对周公复杂性格准确而敏锐的捕捉。这其实是非常难的事情，因为周公不是剧本里被塑造出来的人物，而是创作团队在有限的时间里新认识的活生生的人。

此片的剪辑非常尊重时间上的连贯性，未有打动干戈，自然而有力，体现了纪录片剪辑最好的状态。尤其开头周公起床、吃面、上厕所、洗澡那一长段，几乎没有话语也没有配乐，非常漫长，但周公的生活状态和精神世界已赫然显现，因为时间在他身上本身就走得比较慢。同样周公所有讲话的速度和长时间的停顿也被充分地尊重，包括他偶尔瞬间入定而长久静白的沉默，动人深刻。

《逍遥游》是一出自由的纪录剧

《逍遥游》的特色在于有一个完整的剧本，陈怀恩导演是电影出身，拍摄的时候就有分镜了，因而系统性非常强，当然也有精心雕琢之感。片子定位在余光中四十岁左右“你不知道你是谁，你幻灭”的人生阶段的议题上，进而引出诗人一生不停地自我争论，与自我对话的主题。

由于是年轻余光中，所以有大量搬演的部分，用以再现余先生当年读书写诗的场景，是六部纪录片中编剧搬演最多的一部。除了搬演部分的编剧，他们也有让年轻的台大诗社成员热烈讨论余光中的诗这般的情景预设。所以这部纪录片其实采用的是比较剧情片的构思和制作方法，包括预设主题，到实现方式，都有许多企划的痕迹在里头，也就是说，是纪录内容在跟着主创走，而不是主创跟着纪录内容走。但这样的高控制力的企划对于观众来说还是有效的，观者能很好的进入故事，进入到导演预期的情绪里。旁白声音挑选和剪辑节奏都精心设计。比如《沙浮投海》这首诗是由万芳来朗读的，沙浮尸一个女诗人，这是一个女诗人投海自杀的故事，所以由一个悲伤的女低音来朗读就仿佛第一人称演绎了这首诗的故事。全片影像风格唯美写意，旁白的交错与视觉搭配，就已经奏出一曲漂亮的诗歌。

《如雾起时》是一曲哀歌

《如雾起时》拍郑愁予，同样出自陈传兴导演之手，但与《化城再来人》是完全不同的调性。我觉得《如雾起时》是一曲哀歌，它的气质是比较沉重的，是围绕着诗与历史展开的。比如他采用了大量客观性陈述的旁白，选取了一个低沉的女音代表一个第三人的角度，一个在故事之外的全知全能的角度，讲述一些关于诗人的事实。

全片的架构清晰可见，前半部分比较男人戏，有很多史料影像，回顾诗坛文坛的几次论争，而后郑愁予结婚成家，影像转到了非常有生活气息的家的空间里，转到了美国的宁静薄雾里，转到了郑先生夫人和其他几位女性知识分子的视角里。这种性别视角的转移与时间线性的发展相吻合，不知不觉中也就完成了影片气氛的转变。另外一个转变是相对于主人公的镜头机位的转变。开片访问郑愁予的一幕是在小河边的一个推轨镜头，镜头一直处在诗人的背后方，随着叙事的展开，机位慢慢地转到传主的正面，观众对郑愁予的认识也慢慢加深。

陈传兴对很多意象和动作都有非常主观而深层的解读，但全片的影像还是采取了一种比较遥远的观望姿态，并未作过多注脚。在《如雾起时》里，他更多的是在呈现一种诗的历史，所以前半段使用了大量史料报章，蓝星旧刊等过去的实物来目击历史。后半段是郑愁予在美国的工作和生活，于是出现了毕业证书，学位证书，荣誉证书等见证物。这些统统被端端正正地放大在镜头前，诉说诗与历史的关系，因为历史说到底是以一桩桩的事件来标记的。

影片前前后后充满了呼应和对照，比如美国1970年爆发的反越战学潮的新闻影片和保钓行动的影像都对照了台湾50年代八二三炮战前后肃杀和动荡以及六七十年代中国的文化大革命的激进。陈导有意识地在用各种方法加重片子的严肃气氛，呼应那个时代的沉重。比如全片处处有字幕（侧标），有的是史实，有的是观点，有的在黑幕时出现，有的甚至就打在人物脸上。而这些侧标字数多，速度快，观众根本来不及读完，而导演就是有意为之，有意让你负荷过重，从而体会那种硬质的沉重。但有时，你不得不承认，陈导因为将其丰厚的艺术电影的涵养都呈现在画面里，其中的深意和过多的隐喻并非一般观众能够消化领悟。

《寻找背海的人》是现实主义的浪漫纪录

林靖杰导演的《寻找背海的人》是极具现代性和艺术性的一部纪录片。王文兴本身是现代主义风格的作家，因此影片呼应这种形式上的对接是非常恰当的。

《寻找背海的人》有非常细密的线索和严密的架构，也有很多创举和巧思，属于比较非传统的纪录片。因为王文兴是小说家，为了将小说的故事诉诸视觉，林导干脆将《家变》改编成了一个十足现代性的舞台剧呈现在片中。另一个构思是“牢房”，王文兴将其每日写作的那间房比作牢房，林靖杰就拍摄了他在牢房里的真实写作过程。这对于作家本身来说是不易的，要做到放松地在摄影机的监视下工作。对于导演来说也是不易的，因为其间需要大量的磨合和沟通。最后呈现出来的那种真实的状态是令人动容的，当你看到作家握着笔竿不断地敲打着桌面和稿纸的时候，你也能感受到他正在敲打自己的灵魂。再如此片的动画，明显区别于其他几部片中的动画，实验性很强，像《草原底盛夏》有着超现实的调性，《背海的人》和《星雨楼随想》则有着十分先锋的气质，单独拿出来看，都已经是很棒的作品，所以整个片子的完成度也就显得非常高。配乐非常吻合王文兴的文学气质，有苦涩沉闷的味道在里头，尤其是动画的配合，充盈着机械主义的幽默和残酷在里头。

这六部电影虽然出自不同的导演之手，风格各异，但在整体上竟然也呈现出了巧妙的统一性。影像画质都很相近于5D Mark II的风格，都采用了读诗和念白的手法，也都围绕着作家本身展开叙事，配乐几乎一致地采用了无调性的现代弦乐，非常贴合诗文的气质。这一套非常高质素的文学纪录电影，值得每一位电影观众和文学读者细细咀嚼和珍藏。

《朝向一首诗的完成》是个未完成的朝向

《朝向一首诗的完成》取名于杨牧《一首诗的完成》，但杨牧认为，从泛义来讲，写诗并没有完成，何不加上“朝向”二字，于是有了“朝向一首诗的完成”。此片是温知仪导演的，是六部片中唯一一部由女性执导的片子，十足的女性色彩，手法比较阴柔。这当然也是女性导演的一个特色和优点。

影像部分印象比较深的是介绍反越战的《十二星象练习曲》这首诗时搭配了现代舞和越战资料重叠的画面，非常柔美和实验，我觉得这是男性导演绝对不会采用的手法。影片有加入搬演的部分，由一个小孩子来演绎杨牧小时候在花莲的时光，也有像《两地》一样，采用动画来诠释杨牧的诗歌，也做了很多跟杨牧先生有关的人的访谈，这些都是纪录片常用的实现方式。诵诗部分请来了很多其他诗人和学生分别念诗，寓意杨老师的诗影响了世世代代的人，但影片是以杨牧先生自己朗诵自己的诗作为影片的开篇和结尾，听来叫人非常感动。这部片子跟其他五部片子一样，很好的一点在于，他们把重心放在诗人本身上，而并非单单在他的诗作上，于是整个片子就很贴近诗人本身的气质。

A Beacon in the Dusk: The Inspired Island

Jiang Feiran

“Who left the profession of writing poetry, hanging up a beacon in the dusk”.

This generation witnesses a gradual decline in reading literature, The Inspired Island hangs up a beacon in the dusk.

We cannot help sighing with emotion: Taiwan, oh Taiwan; Taiwan, oh Taiwan. Taiwan, which seems to have been polluted with a foul atmosphere by political power and filled with a decaying folk custom and a superficial entertainment circle, never truly disappoints people, for at a certain moment from a certain corner of this island, there would always unexpectedly spring up some powerful video or audio creations and literary memories never washed away by turbulence or weeded out by history, bring back people’s belief in the existence of beauty. This island, with its marketplace culture and disputes, resembles the old China during the Spring and Autumn Period, showing in the turbulence freedom, under which bloomed all flowers.

They are writing in the Island. Who are they? “They” refers to drifting but invisibly formed generation group, which boasts not only a historical distance, but also an aesthetic and emotional back-glance. “Island”, a historical and geographical nominatum, conceals an escaping path of thoughts regardless of provincial class, unification or independence and discards the rigid national symbol and politicalized emotion movements. And “writing in the Island” forms a current proceeding of writing what connects the past and the future, skimming over the surface of the Island with the creative energy of writing. “Island & writing” makes “Island” exist not prior to “writing” and “writing” unable to exist without “Island”.

Six literary giants, coming from various backgrounds with different birthplaces and places where they grew up, are all writing in the Island, writing the Island, and escaping from the stereotyped forms by writing. What is worth thinking about is that some of them all came to Taiwan from China’s mainland. Yu Kwang-chung, one of the six, once described the places where he experienced his life: China’s mainland is the mother, while Taiwan is the wife. How come that children born in the mother’s land are blooming in the love of a place away from home, and then deeply attached to the nostalgic poetry? Regardless of the current events and the politics, only the cultural divergence between the two places could already make people sorrowful.

The Inspired Island: Series of Eminent Writers from Taiwan is a miracle of literary documentaries, making itself an important cultural event last year in Taiwan and bringing delight to sighing people—it is well enough that literature and readers are still here. This miraculous documentary aroused the feelings of six literary giants with extraordinary sincerity, made the image with the form of films by using the budget of a documentary, released to the public with a literary attitude and won a high box-office and a great reputation with a plain appearance. Though not a commercial film, it delivered the courage to challenge audience’s taste, which irresistibly generates our admiration for Fisfisa Media, the issuer and the producer, for its super courage and selfless humanistic feelings. However, it is out of all people’s expectation that it this age of fast food consumption, long and slow poetry has re-aroused people’s tender memories for literature, and sincere and simple images have excavated the interest among the words and between the lines, shortened the distance between the audience and poets, and resisted the worry of reading decline. This indicates that in whatever way the times changes, the original purity and beauty of human nature would remain unfading.

You would suddenly understand their poems by observing poets’ life and their ways of existence as a human. For instance, I felt rather surprised when watching The Coming of Tulku. Perhaps I had already heard about Chou Meng-tieh who had a bookstall at Wuchang Street, but I did not know that he was just like his poems, regarding life and versifying as cultivating himself, very calm and without worldly passions. Also, the poems of Yu Kwang-chung must be very familiar to readers in China’s mainland, while it was in The Untrammeled Traveler that I came to fully sense the nostalgic feeling and came to realize that the Yu Kwang-chung existing in my mind before was not the real him and that I never truly understood his poems. And this is where the significance of documentaries—leading people into and then to understand an unknown world— can be found.

The Inspired Island was a great success. In Taiwan, it was the first time for this kind of documentaries to be shown in cinemas for five continuing weeks. With so-called two poisons for box-office, “documentary” and “literature”, it became surprisingly hot in the market, marking a miraculous phenomenon. People with lofty ideals showed their great recommendation in succession, no matter from the literary and art circles or not. Sylvia Chang, an actress, showed her support by attending the first run; Ma Ying-jeou, the Taiwan Leader, posted the prevue onto the FACEBOOK after watching it and revealed great appreciation; many other people, after watching it, all flooded to bookstores for collections of poems with enormous passion. In other words, people begin to read poems again. Isn’t that the biggest miracle?

If the aforementioned is the miracle brought to literature by films or the contributions made to literature’s popularization and rejuvenation by films, the following could be regarded as the nourishment that literature has in turn provided for films. Chen Chuanxing, the director of The Coming of Tulku and Port of Mists, said that literature could always inject abundant fresh content into films. Viewing worldwide, we may see that BBC has produced many series of documentaries for writers, and there are also courses on literature films in American universities, but literature films are still not popular in Asia. In the whole Great China, The Inspired Island was the initiator of that. If this achievement can generate the development and expenditure of literature films in Asia, it would enrich our film market and film creation, opening a diversified exit for both filmmakers and the audience. Viewing from the significance of documentaries, it would also be stimulus for the current creation of documentary films. That surely needs all people’s support and promotion, and this is what we are exactly doing.

In Taiwan, some people are striving to keep the kindling of pure literature, while in China’s mainland, where literature once experienced similar damages due to turbulences, there are few people initiatively practicing love for literature. But I believe that there also incubate a multitude of literary youths, and Taiwan literature is the very nutrition during their growth. It is just that under this background and social morality, they choose to conceal the fervor of keeping what they are eager to express. This time, a glance of the greatness of these literary giants on the screen during the HAFF would surely inspire those literary youths who have long been undergoing marginalization. Also, those who have not read for long would probably win back their identity of being a reader after seeing this series of films. On the other hand, it also provides an introspection for the dull, stuffy and commercialized films from China’s mainland, bringing the tasteless film-seeing market fresh energy. The audience here have long been waiting in the dark video halls for showing up of “different” films on the screens, for the long-awaited touching affection from films, and for the recovery of artistic taste that has been sealed up for years.

The Separated Sceneries of Home in Two Cities

What The Inspired Island reveals is the emotion of times under the power of images.

The six films boast complexity in narrative structures, uniqueness in video or audio adjustments and wit and profoundness in aesthetics and ethnics. Unlike traditional filmmaking of “writer’s silhouette”, each of the six films has two creation souls echoing and clashing with each other. One is the author who uses words, and the other is the director who uses images, both of whom show subtle tension between each other, making images not just the second expression of words and words jump out of the nostalgic atmosphere and display the modern emotions.

Home in Two Cities refers to Taipei and Beijing, and Taiwan and China’s mainland. This film delivers profound meaning in its meditation that Yang Li-chou, its director, made a complete interpretation of the concept of “two” throughout the film. He photographed the process of Lin Haiyin’s daughter’s visiting her mother’s former site in Beijing and then co-arranged the image of the earlier visit of Ms. Lin herself. The two shoots were quite similar in both camera locations and routes, even the daughter and the mother both asked some same questions, as a result of which the feeling of the two shoots’ echoing emerged, suggesting the transmission from generation to generation and the strong connection between the two places. In order to echo with the concept of “two”, Ke Zhihao, the background music controller, mixed the melodies and rhythms of Russian and continental music, while the themes of all scenes conceal the note of Seeing Off, which is the principal axis of the music of this film. Also, collisions are frequently seen in the editing of the film. For example, when it came to the narration that Lin Haiyin was deposed for publishing Fengchi’s article, the frame was at first the applauding scene in the meeting place of the guiding video of “literature should serve the politics” in those days. What followed was solemn and serious subtitles informing people that it was behind these applauds that Lin Haiyin got deposed, and it was behind these applauds that Fengchi was sentenced to three and a half years. Examples like this can be found everywhere. Another point worth mentioning is that Home in Two Cities possesses many animations, which are exquisite and comfortable and not isolated from the film, for the original painting was taken from My Memories of Old Beijing, Lin Haiyin’s favorite illustration by watercolor master Guan Weixing, while at the same time, the realizing approach of Peking Opera can make people truly feel this story that happened in old Beijing. I felt I was closer to Ms. Lin’s world after watching the animations. Besides, Home in Two Cities has adopted quite a few such slightly affected depicting approaches with special effects as matching dynamic news report to the page turning of old newspapers. This is deliberate, sensational and fiery, while documentaries are indifferent, honest and calm. Having realized this, the director deliberately revealed some “goof” scenes now and then, either showing the camera in the scene or keeping some shaking scenes, the purpose of which is to push the audience out of the story and back to the objective attitude of the documentary.





The Man behind the Book is a romantic record of realism

The Man behind the Book directed by Lin Jingjie is a documentary with both modernity and artistry. Because Wang Wenxing is a writer of modernism, so the film is very appropriate to echo this form.

The film has the detailed clues and rigorous framework, and of course, there are a lot of initiative and ingenuity, making the film a non-traditional documentary. In order to transform the novel into a visual story, the director simply adapted 《Festen》into a modern drama presented in the film because Wang Wenxing is a novelist. Another idea is a "cell", Wang Wenxing compared the room where he writes everyday to the cell, and Lin Jingjie shot the writing process of him in the cell. To be honest, being relaxed in front of the camera is quite hard for the writer. And it’s same for the director, since it needs a lot of communication. The scene of writing presented finally is touching, when we see the writer holding the pen beat the desktop and the manuscript, we can feel that he is beating his own soul. As to the animation in this film, it is significantly different from several other film animation, It is experimental. 《The summer at the foot of the grassland》is realistic,《Find the man back to the sea》 and 《Capriccio at Star Rain House》 just like a pioneer. Take them apart, they are all great work, so the whole film is of high quility. The soundtrack suits the literature temperament of Wang Wenxing, it has the sense of dreariment, with the animation, it impresses us with the humor and cruel of mechanical materialism.

Although this six films are directed by the six different directors, vary from style, they have something common on the whole. First, Image quality is similar to the style of 5D Mark II. Then, they all read poets or narration, they all tell a story about writers. Besides, they all use modern string music as the soundtrack, fitting the temperament of poem. These high quality literature documentary films deserve every movie audiences and literature readers experience.

Towards the Completion of a Poem is not a completed toward.

It is named from the work《The finish of poem》by Yang Mu. In his opinion, in terms of pan-righteous, writing the poem has no end, in other words, never completed, so why not add" towards "to the title, so we see this name. This film is directed by the WEN Zhiyi, the only woman in the six directors of these films, the film is relatively feminine. This, of course, is the feature and advantage of the female director.

What impressed me most is the introduction to the poem 《twelve astrological Etude》 about anti-Vietnam War. The introduction mixs the modern dance with the picture of Vietnam War ,it’s full of soft and experimental, I think this is the approach what male directors will never adopted. The film has the scene of performance, a child interpretated the childhood of Yang Mu in Hualien. The film also use the animation to explain the poem by Yang mu like the film Home in Two Cities, and lots of interview of the people related to the Yang mu as well, these are the common approaches of documentaries. A plenty of poets and students read the poems in the film, meaning that Yang's poems affect generations of people, but the director let Yang Mu read his own poems as the opening and the end of the movie, making us moved. The film focus on the poets rather than the poems they write, just like the other five movies, and that’s good. Thus the whole film is close to the poet's own temperament.

看完前两集，槽点有以下：
五毛特效无解，然而人物的服饰到场景的搭建以及取景什么的都还行。（但是人物造型，尤其是化妆，那也真的醉。）

整个花千骨给人一种《武媚娘传奇》即视感，也就是说，观众能感觉出你片方是砸了很多钱进去，但再好的阵容也掩饰不了浓浓的烂片气质。

霍建华对白子画的诠释很类似金秀贤对于都教授的诠释，仁者见仁智者见智。如果非要讨论霍建华的演技水平，最近可以参考一下《战长沙》《镖门》两部电视剧。

赵丽颖，我承认她的颜还是比较天然比较漂亮，但是演技，如果说在剧本上写应该清纯的地方，就各种包子脸、天真无辜瞪大眼，剧本上写该苦情的地方，就做深沉悲伤状并配上凄美的眼泪，”，不好意思这叫做表情不叫演技。多说一句，赵丽颖演的角色我只看过杉杉和花千骨，however，一个套路。我对这个姑娘的过去如何人品如何不了解也不轻易评价，但是我个人认为有关于“清纯”“可爱”之类的气质她没有而且也演不出来，相反，我曾经看过一部关于宫的电影的宣传片，里面有个情欲镜头（我记得她还在浴桶里）她把握得很好。（这句话只就演技作讨论，不要开脑洞联想）或许同档次小花横向比较之后赵丽颖比下有余，然而这并不是作为观众我们必须拉低自己审美情趣和标准的理由。

这部小说本身就太玛丽苏所以电视剧拍出来并不指望不玛丽苏，然而"紫熏说她要杀尽天下负心汉“这到底是什么鬼？台词随意得让人分分钟跳戏穿越。

人的生命中有劫数，这种说法其实现在很多宗教也是信仰的，然而你凭TM一块石头就找到你的劫数了然后化解劫数的办法更是简单粗暴，像杀猪一样杀掉就OK了。当然男主角是不会这样做的，女主角再BUG也是不能杀掉的，毕竟是要留着以后谈恋爱用的。

师徒恋什么得真的不值得苏，尤其千万不要把雏鸟情节带到现实生活中，实践证明大多数的师徒恋师生恋都不得善终。

最后吐槽一下前两集出现的打斗场面，宝物是藏在衣服荷包里的，蜀山掌门说挂就挂了，蜀山说屠就屠了，小怪们也是很有情商地为男女主角制造一个二人世界初体验，最后小怪们快被男主角一个人抵一个团的战斗力团灭的时候小怪们的BOSS出来了，BOSS对下属轻易挑衅男主角这一行为很不满意，怒吼”你居然杀了清虚！？“（而且是两遍，当时我真觉得BOSS跟清虚关系绝对不简单），BOSS顺白子画的毛的办法更简单粗暴了就是大！义！灭！亲！，最后男主角终于忍无可忍的了，你特么别把你手下杀完了我后面谈恋爱还要他们助攻呢！

最后的最后，建议小朋友们别看这部剧，应该是说这些玛丽苏的都别看，年纪小的朋友容易被误导后果还是很严重的。年迈如我的又吃饱了撑的闲得慌的时候其实可以看看，毕竟没有这些槽哪来这么多传世的段子呢？

其实这是一部政治片，很有心机的政治片。而且这部片子必须由周迅来演，就算不用周迅，也一定要由一个操普通话得内地女子来演，因为这个角色是一个北姑，一只鸡。
片中，周迅分别对不同的人用了不同的化名：东东、小红、芳芳。这样的话不难看出导演的其中隐喻了吧。根本就是很有政治指喻的。
片中周迅饰演的妓女，来到香港一个小村落，给了这些饥渴的男人一点小甜头。其实，强哥、朱老板、阿细、阿细他哥哥、还有那个peter都分别代表着香港社会对大陆的一种态度，一种意识。
阿强反叛、不受约束；最后被砍断了手，接回来的是两只左手，“左手”这个不言而喻了。朱老板好色、软弱，自私，被勒索敲诈的时候也只能逆来顺受。阿细是愚昧天真的，直到最后一刻还对她的东东姐姐死死拥护，不错，大陆就是需要这种愚忠型人才，给你个荔枝，分你快烧肉，你什么也不用做，只需要在党中央看得到的地方树立自己的旗帜，迎合附和就够了。当然，如果能再立一下攻的话，那就更加能得到青睐了，后来东东寄来的明信片上就指定给阿细的，说“谢谢”。至于阿细的哥哥，可以理解为那类政治立场不坚定的人，最终抵不过妓女的诱惑，最后当然是叛变了呀，噢！不！是归顺。而peter则是那种有能力的实干家，又能干又听话，甚至应该说他们是一伙的。大家是“朋友”，受了“朋友”恩惠，当然也不得白受，朋友有难当然得两肋插刀咯，最后人家可是立了大功的。果然，在党的春风阳光下沐浴成长，心还是向着党的。
多少能理解导演的想表达的不满和压抑的愤恨，尽是讽刺的讥言。片名叫“香港有个荷里活”，可是Hollywood根本不是香港的，是美国的啊。这样一栋豪华的公寓坐落在平民区及眼的位置，未免显得太格格不入了，有点突兀，有点拗口，就像周迅操着撇脚的广东话一样，总是让人起鸡皮疙瘩，心里发笑。这样的“荷里活”不是豪华公寓，是一座强压的五指山。还是只有港人可以治港，其他地方生搬硬套过来的东西在这座寸金尺土的小岛都是无用的，越发显得突兀生疏罢了。
这部电影很讥讽，根本就是一部自嘲的玩笑把戏，虐己伤人。不明其中的大陆人看到诙谐肥腻的胖父子会大笑，看到丑陋的母猪会笑，其实他们不知道，他们的笑正是导演开的最大的玩笑。

    当下以女性为主角的影片多以撕逼大战为看点，但《美人邦》却另辟蹊径，以女性独立创业为故事主线，变幻莫测的女性友情为副线，让“摸胸女神”们远离爱情、亲情、家庭这些女性情感的避风“港湾”，踏进波澜跌宕的职场，咬紧牙关一鼓作气，轰轰烈烈的打了一场翻身仗。

    但这一点于中秋出场的时候并不知道，她慌慌张张的丢了工作，又极不凑巧的发现了男友出轨，双重打击让这个大眼窄脸儿的姑娘，陷入崩溃边缘，但被天性乐观的柳青青“搭救”，得到重入职场的机会，开始了踏足另一种生活。在这个过程中，于中秋不但遭遇了“情敌”的为难，也遭遇了后来与之携手的白马王子，只是被时间催促的她，让一切的发生，充满了尴尬。

    直到于中秋愤而跃进泳池。很少会在影视作品中见到这种歇斯底里或者叫置之死地般的态度表达——一个人该如何表达自己的决心？相信多数人的想法是以一而再的不懈坚持，但像于中秋般转头跃入水池，真是让人哭笑不得，有既爱又恨的无奈。好在付出总有回报，这一跃，实现了人生的飞跃。

    也让更多的人有机会介入到这场充满传奇色彩的创业大军中，和于中秋第一面便发生“意外”冲突的戴茜便是其一。这个崇尚奢侈品的姑娘虽然虚荣拜金，却也活的真实，而且有人生最为单纯直接的理想：钱！名车豪宅，都是她的最爱。而另一个闯入的人，则恰好与之相反，暴躁跋扈的董事长太太宋晓慈则因为“生活不幸福”，从奢华却毫无情感暖意的家庭走了出来，也加入到这个可以让女性寻找到自我的团队中，开始了在婚姻之外对人生的经营。

    坚韧却谨小慎微、性感而无厘头、虚荣傲娇却重情义、霸道却心存善意，四位个性迥异的美女“阵容”，却让故事呈现多视角的呈现，在充满竞争的环境中，一同抵御压力与对抗诱惑，从“摸胸”开始，一点点累积完成生活与物质的提升，终于让灰姑娘成为时尚的“公主”，完成了人生中一场充满传奇魅力的“重生”之旅。

    作为女性电影，《美人邦》人物、故事包括皆大欢喜的结局设置都以“小妞电影”为标本，却因为“醒目”的商业符号注入，显示出了非常清晰的商业意图，都市、时尚、爱情、喜剧等元素都比不过四个主角背后的商业符号，所以这部在结构、画面、音乐、甚至表演上都没什么问题的影片，未必能赢得共鸣，但应该会得到认同——这个世界太需要一种勇于去“拼”的精神。如果不认命，那就去拼命！

    如果说《美人邦》还有什么可以值得肯定，就是通过摸胸女神的励志传奇唤醒女性心底埋藏的那一点骄傲。

那些说影片不好的人，我就想问问你们，我们国家的导演能拍出这样有质量的影片吗？还不都是小儿科的，什么投名状、美人鱼、大话西游之大圣娶亲、嫌疑人x的献身、还有最近很火的人民的名义等等这些垃圾的影片真不知道他们哪里好？？？？？？？？倒是被你们捧的天花乱坠的，其实都是些没有质量的影片，然后就因为演员或者是营销宣传的好什么的，所以，口是心非的说是好的影片，能不能不要那么不要脸啊，你们这些观众，我们国家拍的那么弱智的影片，你们这些白痴竟然说很不错，难怪我们国家到现在都还是会被外人取笑，不单单是素质低、智商也低的可悲啊！！！！！！！！！！！！！！！！

“选择去大城市就业，还是回到家乡发展？”社会发展的浪潮让23岁的孔令娜抓住了去大城市西安发展的机遇。“这是我昨天摘的，开了98公里，跑到山里摘的猕猴桃。你说这个城市好不好？开车半小时进山，对吧？然后跑到任何一条沟里，那水都可以直接喝。”这是在与前来应聘的博士会...  (展开)

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