1.故事结构整个剧情由男女主成长线、男女主情感线、竞技体育线、教练群像线、大学生群像线、运动员群像线组成。分配比例大约是3:2:2:1:1:1。和之前该类型的做剧思路——把男女主的CP线开到最大，其余角色和剧情潦草处理——完全不一样，是先做故事，再做人物，最后再做人物之间的关系线，也就是CP线。群像戏处理得很好，因为群像戏很多，交代此类情节时并不是两个角色大特写来回正反打，而是能处理好多人在同一画内的同画关系，如体育馆内教练、助教、运动员的群像戏，教练讨论的群像戏，运动员扎堆休息的群像戏。群像做得好，所以观众能迅速沉浸在剧集设定的世界里，能感受到剧集扑面而来的夏天、竞技场、大学生生活等元素。四集看下来，6条叙事线是平行展开的，所以整个故事很饱满，没有此类剧之前的感情线太多剧情太少的通病。2.艺术真实因为我也离开大学很多年了，也不知道现在的大学生活到底是什么样，只能从最近的文艺作品和社交媒体了解。了解到的是，由于互联网带给社会的变化以及新的年轻人价值观的变化，新的反应大学生生活的文艺作品很少聚焦集体生活，对群体中的某一类型的突出个体——天才编程青年、青年互联网大佬、创业奇才——表述较多，对整个大学生群像关注过少，教师、课堂、学校不再是学生们获取知识与经验的主要途径，互联网和个人项目推进才是。《炽道》塑造的艺术真实，是建立在集体生活对个体很重要的情况下：运动员必须到训练场，必须出现在线下；运动员必须以师徒身份与教练们产生各种类型的人际关系；互联网对运动员行业的影响很小，所以手机不影响剧情发展。这些可能都是看上去无关紧要的情节元素，但能观众看着剧中2015年左右的剧情，想起2000年前后，那时另无数人向往的大学生活，以及对领奖台的向往——因为那时，对某一种生活的向往还足以支撑人的精神世界，梦想还不全完是个戏谑的词。所以剧情中塑造的群体生活的快乐、温馨、可靠、安全感，可信，令人也想拥有那样的集体生活。3.男女主成长线原小说因为以文本形式呈现，所以在女主罗娜的很多价值观表述上，可以直接用文字表示，比如罗娜对生活无欲则刚但力求尽心尽力的即松弛也进取的生活状态。但是这种人格在影视化的过程中特别不好落地，把罗娜的身份改成研究生，除了大家都猜的原因外，确实也把女主的成长线加深了：段宇成对罗娜来说，不止是一份人际，也是一份事业：段宇成的成绩，是罗娜第一次作为教练的事业证明。这样男女主的关系就从小说里的，女主在背后支撑着男主成长，变成了双线成长，第二集两人因为王主任的否定，在深夜昏暗的走廊里一同失落一同走出失落的处理就是这种双线成长。4.三条平行线成人世界，罗娜段宇成的世界，大学生世界。罗娜作为刚步入成人世界的助教，段宇成作为大学生但马上要踏入专业运动员的世界。所以剧情里就会出现三重视角，用成年人的视角看少年人的可爱，用少年人的视角看成年人的担当，用正在交融两种身份的人的视角看世界的两极。所以群像戏是特别饱满的。5.镜头语言男女主升格镜头节奏有点慢，柔光加得有点多，但是好看啊哈哈哈。比起同类题材，男女主大特写的篇幅占得不多，多了很多远景、全景：男女主作为两个点出现在远景、全景里时，视觉语言表达的情绪比怼脸镜头要表达得更浓烈，也更文艺。因为是竞技体育素材，为了快速交代很多训练过程，无论是运镜还是剪辑手法，都非常华丽，像全运会文化宣传片。在竞技场、训练场一类的镜头处理上，把建筑物和器材拍得又美又有感情。6.多角恋爱关系处理得很好很久没看到，在处理多角恋爱关系时，不闹腾，但挠你心挠得痒痒的甜宠剧了。7.男主还原度小说中有很多描写男主竞技动作的桥段，看小说的时候有想象，但被男演员演出来算是惊喜，尤其是前四集出现的过杆的部分和起跑部分。8.女主还原度台词处理方式，情绪处理方式都很难看到之前金晨演出的痕迹，为了表演好罗娜的一切，找到了最贴合罗娜这个人格的表达方式。罗娜那种，先是作为运动员对段宇成的欣赏、然后作为教练对段宇成的重视与栽培，再到最后发现自己对段宇成有了别的感情的渐进式的感情发展，演员对这种情感线处理得很好。能让人感觉到感情在女主内心慢慢发芽的过程。然后就是有些镜头，她本人太像体育生了。9.这是一部让你可以短暂活在过去某一时期、大学梦田径梦还是个很好的梦境的剧，会让你想起你在大学校园的朝阳与夕阳下做过的浪漫的事的剧，会让你想起，你曾拥有那么奢侈的四年的剧。

写在前面：这是我本科通识课堂上用英文写的一篇影评。因为我并没有受过电影学或者性别研究相关的写作训练，难免有些词用得不够恰当。原文里也许还有语法错误或者表达不当的地方，也请谅解。

Although based on an ungendered perspective, the 1987 film Human, Woman, Demon by Huang Shuqin depicts the development of a woman's selfhood that can be interpreted through her "desire for and denial of the female identity" (172; 219). The protagonist, Qiuyun, has fully devoted herself to her theatrical career as the male lead to get away with the traumatizing experiences from childhood, which contributed to her adolescent disorientation in gender identity and career goals. Being a respected mid-aged woman, her mind is continually being torn apart by the binary gender roles that socio-ideologically enforced on her, as she maintains as a masqueraded model of manliness/masculinity on stage and a wife-mother figure in unfulfilling family life (219). The film's ending embodies her reconciliation with her inner struggles as she finds peace and her female subjectivity in communion with her ghost persona on stage.

In a seamless, panning transition of the camera, the scene edited before Qiuyun's final reconciliation with the opera ghost depicts the very beginning of her life through the narrative of an elderly midwife. The midwife recalls the day of Qiuyun's birth (94:27-94:35) and how she turned out to be a girl to her father's surprise, as he had presumed her to be a boy until the midwife examined her body, "When I took a look at you, I didn't see the manhood. You are really a girl! /等我一看啊，少了那个玩意儿…是个小姑娘家!（笑）." In addition to her conversation with her father after the village banquet, I think that Qiuyun's reunion with the midwife foreshadows the emancipation of her repressed female identity. Appearing as a new character in the next-to-last scene, my understanding is that the midwife serves symbolic purposes as an incarnation of the proper womanhood and Qiuyun's guide out of the identity dilemma.

Based on the few lines, it is not difficult to observe that the midwife is an attentive, keen person and the only female character that has ever shown benignancy to Qiuyun throughout the film. Even that colleague who babysits her younger child is indifferent to her complaints about her husband (74:01), not to mention the town girls who left her helpless in public ostracism (40:43) and the other students in the opera troupe. The midwife is also an antithesis to Qiuyun's mother, for the former welcomes her female body into the world, while the latter makes her deny the female identity. According to Cui, the screen space can be seen as "a psychological world suggesting the characters' potential thoughts and feelings" (236). The amber color palette in this scene creates a heart-warming atmosphere, making the midwife a maternal figure, moreover, a model of morality that the heroine never had.

Not only does their brief reencounter (93:27-94:35) recognize her female identity as inevitable and naturally given, it also amends the pains the protagonist has endured for the pursuit of the female identity. Caught up in the gossip of a sexual scandal with teacher Zhang, one of the male figures that evoke her desire to secure a female identity, the young Qiuyun is voiceless and frantically spreads her face with a hideous masquerade of red and black paints (70:15). She has smeared down the colors with both hands and caressed her cheeks before she has the meltdown (69:56-70:12). It is then she realizes that she has no one to seek guardian from. In the post banquet scene, which supposedly happens many years after the scandal, another pair of hands fondles along her cheeks. The midwife touches Qiuyun as gentle as possible when she expresses her joy in finding out Qiuyun's female identity (94:35). Both scenes have the visual of the heroine centered within the frame in a close-up shot and the same motion of hands. They are filmed with low-key lighting in dark background in the same camera angle as well. Qiuyun, in both timelines, is the subject of the screen space and her psychological world. Apart from the costume and make-up, the two scenes are parallel to each other yet convey distinctive messages based on each scene's mood. The teenager Qiuyun is under anxiety and imbalanced by her choice of gender, and she goes into self-destruction as the hands fall and carry her cheeks; The mid-aged Qiuyun is happy to see her old acquaintance, and then she reveals a genuine grin—a sign of self-salvation.

【详细】

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好久没看女超强男很温柔的剧了 里面有很多台词还挺有现实意义 有很多时候都会让我眼前一亮 这竟然是泰剧里传达的观念 毕竟大台泰剧各种封建糟糠 还有其他关于家庭关系、女性职场和育儿观念的台词 都写得挺不错的

女主性子超级强硬觉得别人不理解自己也无所谓 什么事都喜欢自己解决 她和男主第一次相遇就是车坏了想自己修 男主帮他修的时候她也主动要求自己学以后就可以自己修了 大概就是这么个女强人性格

男主的性格超级好与人为善 虽然岁数差二十多岁 但是男主教会了女主很多为人处事柔和的方法 也让女主知道被人需要被人温柔以待的感觉 完全不介意给女主做饭带孩子做家务 女主自己都惊讶男生可以洗碗洗衣服 可见以前家里钱是女主赚得比前夫多的前提下家务还是女主做 一直守护着女主 女主伤心彷徨时永远是她最安全可靠的港湾 而且这种守护不是动动嘴皮子 他一直是个很好的聆听者 并且认真用实际行动在帮女主分析解决问题 完全有别于霸总男主的“小男人”形象

里面各种反套路也挺有意思 女二女三在抓头发互扇耳光打架的时候 女主翻了个白眼走掉了 我还想女主超级酷 下一秒她就回家买醉唱卡拉OK发疯了真是太好笑了哈哈哈哈哈哈哈 虽然后来她也扇耳光了因为女三欺负了她孩子 她说抢老公不要紧 不准动我儿子 好酷

还有女主和前夫离婚后 儿子幼儿园要过父亲节感恩父亲 儿子一直很难过因为知道自己爸爸不会来 最后女主女扮男装出现在幼儿园 说在这个家里我能做好母亲和父亲的角色 这段真的很不错

虽然还是有无聊的泰式商战 但是吉拉宇真的好好看好甜好奶好可爱 女二梨妹长得好洋气像菜菜绪 难得一见泰剧里有这种可爱的坏女人 虽然一直在使绊子但是性格就是可爱的大小姐 儿子长得太可爱太机灵了长大肯定是个大帅哥

总之还蛮好看的 腾讯买了 叫爱的幸福闪耀 可以一看

一口气看完了全集，带着忐忑、激动和期许，以至于我是开播后半天才开始看，只为了静下心来，有一个庄严的仪式感。

是的，我爱《毛骗》，爱剧中的每一个角色。那些“追逐”毛骗（因为它总是因为钱的原因拖延拍摄进度）的岁月中，总是真真切切的跟着它笑过、哭过——笑插科打诨，笑棋高一筹，笑恶人恶报；哭世事无常，哭爱而不得，哭曲终人散……

《毛骗》之所以为神，在于它永远让你意想不到的反转再反转，在于它永远精明的预判着观众的预判，在于它严丝合缝没有半点漏洞的逻辑细节，在于它以古今千年的视角缓缓展开的庞大的世界观。也，在于它其中每一个立体的人物——他们有着各自的前世今生，各自的悲欢离合，他们在茫茫人海中短暂的相逢，或是遭遇，因为各自的执着，书写着一段无可复制的传奇……

以上，是我对过去的《毛骗》简短的回忆和赞美。

那么，今时今日的毛骗又如何呢？我们常常会思考，面对番外、续集甚至翻拍，到底需不需要和以往的作品相比，有时理智告诉我们不比较，不拉踩，可是感性上却让我们无可避免的做比较，当然我不会一味地拿《城市的边缘》和封神之作终结篇相比，我更愿意将整个系列看作一个孩子，我们见证着它的成长和蜕变。

《毛骗》是李洪绸团队的孩子，却也好像我们每个陪它长大的观众的孩子，因而我们很高兴见到它成长了——愈加充足的经费、干净的画质、升级的道具，它终于不再是那个在泥坑里打滚的野孩子了。可是长大的后的它，是不是一如既往的迷人呢？总体感觉是，总是差了那么一点意思，就好像第一集中失去了团队的小宝——纵然依旧行骗，但波澜不惊。以至于整部剧让我心跳加速的时刻只有五人组的先后登场。

《城边》延续了单元小骗局+贯穿暗线大骗局的模式，这种模式很好，也被多次证实过，但看过之后却总觉得差点什么，那问题是出在哪里？首先是小骗局，可以看出“被剩下”的小宝，已经不再需要靠骗钱维持生计了，如今的他行骗只是为了行侠仗义，又或者说，骗，已经是他可在骨子里的习惯了，因而这些小打小闹基本没有什么难度，不知是不是老粉见过太多套路，多少觉得有些平淡——当然，剧情设置中这些对小宝来说也是没难度到无聊，看得出他行骗时眼中完全没有兴奋感。那么再说暗线，暗线依旧是“还愿”的故事，但已经有邵庄替仰度先生还愿在前，彼时的震撼感是前所未有的，也或许无法再超越的，故而小宝替父还愿的故事一来在情感上不够震撼，二来在前几集就有些端倪让人能猜到一二。这里必须表扬一下曾经的毛骗系列留下的神之伏笔——所谓最高境界，就是揭秘时你发现曾经处处是伏笔，而在当时又绝无法将它们与真相联系到一起，比如邵庄说自己是盗墓的、第二季里仰度先生和御世治人录的出场。反观《城市的边缘》，伏笔留的有些刻意，比方说那件消失的卡其色外套，虽然不能具体猜出是被装了摄像头，但还是一下就知道被小宝动了手脚。

大家都知道，小宝在几年中快速成长，除了天赋之外，更重要的是他能够“遇强则强”，从几百块到几千万，我们对耿晓晖恨之入骨的时候，也不得不承认耿晓晖在某种意义上“成就”了小宝，也就是说，主角能发挥出几分的功力，要看反派的本事有多大。很显然，《城边》中的反派在智商和狠辣程度上都与狐狸有着天壤之别，其中的猫哥更是憨得像一只hello Kitty，这就直接导致了在正邪双方的对战中，烧脑程度、惊险程度、紧张程度都大大降低了，以至于我从头到尾都没有为小宝担心过。

另外，再看一下小宝的新战友们，大牛和兔兔——在大家都以为这两个人物的出场必有极大用处，要么隐藏着不得了的身世、要么有着不得了的本事时，他们却告诉我们，他们只是宝哥在脱离了血雨腥风后遇到的普通人，或许他们就是促使宝哥更向往平凡人生活的催化剂。我们当然能够理解，就像小宝的父亲说的，下半辈子，总该要经历别人经历过的吧，但可能是曾经的合作伙伴都太耀眼了，这两个新伙伴实在没太多亮点。

最后，无论如何，五人组总算是重聚了，虽然我不太明白为什么这部剧其他人只是客串（感觉其他演员也不是没档期的样子），但是五人坐在桌前共同举杯的时候，谁看了不说一句爷青回！

所有人都在长大，剧中人在长大，演员在长大，观众也在长大。长大究竟是意味更好或是什么，在没有发生前谁也说不清，但就现在这个长大了的孩子交出的答卷来看，在专业上它有些生疏了——毛骗系列的核心还应该是谋篇布局、诡计设置。我依然爱它，我也希望接下来的番外篇能看到它专业的回归，我们不是一定要它超过终结篇——那很难，在现在的审核机制下几乎是不可能的，我只是希望它能发挥出它最大的潜力，因为我相信，毛骗的能量，永远会给我们惊喜！

我觉得结尾一点都不烂尾啊，很多弹幕说结局太惨了，如果在15集happy ending就好了，但是，怎么可能呢？电视剧怎么可能宣扬犯罪还能皆大欢喜的价值观呢？犯了错，最终肯定会受到惩罚。

结局Sam的一句台词应该是这部剧最想表达的东西：认错是一秒，但内疚是一辈子的。

我觉得编剧是想通过这部剧说，千万不要犯错，但如果犯了错，就要勇敢去认错，去承担自己该负的责任。为了逃避一个错误而去犯下更多的错误，最终只会让自己步入无法回头的绝境。

泰国剧情很混乱、很狗血，男二号开始是女一号的男友，女二号为了恶心女一号把男二号抢过来然后又找人打男二号，要和男二号分手。

男二号不甘心，就在宾馆拍下和女二号做运动的画面，发到网上逼女二号和自己结婚。中间还家暴囚禁女二号，虽然女二号不是好东西。

可最后结局是男二号替女二号挡枪，还在警察那里说自己枪伤和女二号无关。就死了。

我混乱了他到底爱不爱男二号呢

我唔系FANS，有听MR，但也有些TOUCH

1 夹BAND 揾唔到钱，点算？---唔好玩啦，揾食先，系咩大多数人都咁谂架？但DASH就坚持下去，不过如果MR最终也都未成功，就如HARDPACK（一队地下PUNK BAND）？

2 走出校园，就该现实啲？---总之生存下去先，如果都冇法养活自己，点样报答父母，万一有个女友，再考虑下买房生仔？

3.激情？有几多激情？---女友在身边，未考虑多挣啲钱买礼物，瞓前都在讲音乐，确实，几多自己话爱音乐嘅人一旦面对现实，当初有几多激情以加就有几多冷静，其实都唔系假装，其实也都爱过，不过现实之下确实要谂清楚，即使做咗MR，也要考虑下，尤其到咗30，如果你仲希望有个稳定嘅家，又拒绝食青春饭。。。。好多后生时台前嘅人最后都回到幕后，确实系考虑到年龄，考虑到中年之后嘅结局，也许好多人青春时未必考虑年老嘅境况

所以大家爱做梦，不爱变梦成现实，星空很美，不必飞出地球。。。写《富士山下》嗰个系埋讲过一句差唔多嘅话？

现实中嘅MR，主音抢富家女，其他人分崩离析，大概现实永远好强大

1983年，黄百鸣编剧的台湾电影《搭错车》在台湾引发观影热潮，这对擅长喜剧的黄百鸣来说，这是意想不到的成功。

是的，当年整个港台电影界可能都没有想到，一部“社会悲剧”可以如此大卖。

《搭错车》的成功，是“悲剧”的成功，也让很多电影人看到了“尽皆过火，尽皆癫狂”（美国学者大卫·波德维尔语）之外的香港电影也是有市场的。

于是，关于香港社会边缘人物的香港电影，走进了观众的视野。

1985年，黄百鸣与郑则仕、郑忠泰联手编剧的《何必有我》上映。影片取得了票房、口碑、社会影响的“三赢局面”。

《何必有我》是一部为郑则仕量身定做的影片，郑则仕本人不仅是编剧，还是导演和第一主演。

在香港影坛，郑则仕是一个独特的存在。他的外形如此“独特”，却往往能够在影片中担任非常重要的角色，而且成就斐然，曾两度获得香港电影金像奖的最佳男主角。除了是出色的演员，郑则仕在编剧、导演、制片等岗位上也有出色的表现。

郑则仕出身贫寒，外形又如此“独特”，他从影之初，一直在龙套角色中摸爬滚打，过程的辛酸、苦涩，是很多少年得志的明星或演员所难以体会的。当然，反过来说，郑则仕也因此成为了香港影坛最励志的人物之一。

《何必有我》讲述的是社工Koko（郑文雅 饰）努力帮助弱智青年肥猫（郑则仕 饰）适应社会、自力更生但最终却逃不过悲剧结局的故事。

郑则仕演肥猫，憨傻呆萌，乃不二人选。他因此获得金像奖影帝，实至名归。

在某种程度上，《何必有我》仍然带有香港电影的“过火”与“癫狂”，故事的戏剧性削弱了影片的写实性。但也唯其如此，它才能够引发社会热议，并吸引广大普通市民走进电影院观看影片。

从另一方面看，影片中的“情节”和“细节”也许没有那么真实，但智障人士的社会处境，在影片中还是得到了比较真实的反映。现实中，肥猫也许不会被警察枪击，但他的社会处境也难以有所改善。

也许正是因为《何必有我》所带有的社会属性，使得它在1986年的第五届香港电影金像奖上获得了一个非常特别的奖项——评选团大奖。如果我没有记错的话，这应该是香港电影金像奖历史上唯一的一个“评选团大奖”。

1988年，郑则仕与曹建南联手导演了《何必有我》的续集《肥猫流浪记》，影片延续了《何必有我》的“社工视角”，但社工的饰演者换成了张曼玉。

《肥猫流浪记》虽然没有取得《何必有我》那样的成功，但仍然算得上是及格水准的作品。而“肥猫”这个角色也成了郑则仕的“专利”。

1997年，郑则仕主演了电视剧《肥猫正传》。

2000年，郑则仕又主演了《肥猫正传》的续集《肥猫寻亲记》。斯琴高娃、郝蕾等内地演员参与了该剧的演出。而该剧在内地播出后，更让许多内地观众记住了郑则仕这位外形“独特”的香港演员。

从电影续集到电视剧及其续集，“肥猫”系列与社会现实与社会话题已经渐行渐远，它们变成了一个成功的电影“IP”的再度开发。

1986年，香港影坛出现了两部重量级的关于社会边缘人的电影作品：《癫佬正传》和《听不到的说话》。

有趣的是，这两部作品的导演竟然是一对亲兄弟：尔冬升和姜大卫。在《癫佬正传》中，表演最为出色的是秦沛，而秦沛是尔冬升和姜大卫的亲大哥！秦沛更因其出色的表演，同时获得金马奖和金像奖的最佳男配角。

可以说，在1986年，秦沛、姜大卫、尔冬升三兄弟撑起了香港电影关注社会现实的整个天空。

也许有影迷会疑惑，秦沛、姜大卫、尔冬升三个人连姓都不同，何以是亲兄弟？秦沛和姜大卫都是“艺名”，他们是同父同母的亲兄弟，生于电影世家，但他们的父亲早逝，他们的母亲——知名演员红薇——便改嫁制片人尔光，生了尔冬升这个弟弟。

“癫佬”，广东话，指精神病患者。

《癫佬正传》是尔冬升的导演处女作。很难想象，武侠明星出身的尔冬升的第一部导演作品（他同时也是编剧）竟然是一部“社会问题片”。

而留意一下尔冬升的导演履历，我们会发现他其实一直是一位非常文艺范并富有人文关怀的导演。

《癫佬正传》还有很厉害的一点是，它能够让周润发、梁朝伟等当时香港影坛的巨星出演“癫佬”，而且是配角。

《癫佬正传》和《何必有我》很相似的地方在于，它们都是“社工视角”的“社会问题片”。我们也由此可见，上世纪八十年代，“社工”在香港社会中已经非常普及，而“社工”也是数十年来香港调和社会问题并维持社会稳定的重要力量。

《何必有我》聚焦弱智人士，以“肥猫”为例，而《癫佬正传》刻画的是“癫佬”群体，主要有三个“案例”，算是群戏。

除了“社工视角”，《癫佬正传》还是以记者切入叙事的，使得影片又多了一层“现实报道”的外衣。事实上，《癫佬正传》较之《何必有我》，确实更为写实，也更具公益色彩——诸多明星的加盟，可能也与影片的公益性有关。

《癫佬正传》已经成为香港电影中的经典之作，而《听不到的说话》则是一部比较小众的作品，如今看过的人并不多。

《听不到的说话》还是刘青云主演的第一部影片，年仅22岁的刘青云还是非常青涩的。

所谓“听不到的说话”，是指聋哑人群体，在影片则指聋哑扒手小团体。

聋哑人群体本身就是社会的边缘人，更何况他们在影片中还是扒手，身处社会的黑暗漩涡，他们的结局也难免是悲剧性的。

和《癫佬正传》相比，《听不到的说话》的公益色彩不那么明显，但它对聋哑人群体的关注，同样直指香港的社会之痛。

姜大卫在邵氏时已经开始担任导演，他导演的第一部影片是《吸毒者》（1974），该片正是一部关注吸毒问题的“社会问题片”。以导演的身份对社会问题的进行关注，姜大卫和他的弟弟尔冬升在这一点上可谓殊途同“起”。

时隔十二年，姜大卫用《听不到的说话》再一次体现他作为一名艺人的“社会责任感”。

《何必有我》、《癫佬正传》和《听不到的说话》是八十年代中期香港电影中难得的三部关注香港社会边缘人的佳作，它们让我们看到了香港电影介入现实的鲜为人知的一面。



What makes a good place for women to work?

PR部的女主管看不起Rebekah，Rebekah靠出卖姐姐的隐私来摆平危机。Rebekah多少在姐姐的阴影下，嫉妒又想超越姐姐，但又靠姐姐来解决问题。

Rebekah这个角色在真实生活中真的太普遍了。有理想的白甜富家女。也是影视作品里的新女性角色。她spiritual，她关心动物，关心一个更大的world，她确实相信empower everybody empower the world. 但她选择相信未来仍然没有选择相信现在，没有看到WeWork is a shitty place to work for women.

看到这里的时候我也很气。公司里几个能管事的员工只有那个PR部的是女的，女主管看不起Rebekah这个老板太太，看不起Adam背后这个频频说错话的女人。上个十年，我不敢确定什么原因，确实有working woman的优越吧（我们现在知道不管是做家庭主妇还是职场女性都是值得被尊重的，至少这个理念正在慢慢传播）。但Rebekah同时又用自己方式解决了问题。女主管是公司里唯一一个高层的女性，自然会对标Rebekah，有什么需要和Rebekah沟通的相关事宜也一直是她在出面沟通，甚至被Rebekah当成保姆来搬包。女员工有自己的骄傲，也屡屡尝试以一种高情商+无奈+有点轻蔑的方式来显示在Rebekah面前的优越感，屡次尝试告诉Rebekah“你话又说错了”、“这个其实不是我的职责”。

作为观察这个事件的人，我为Rebekah叫好。外面的人是以为她是养尊处优的阔太太。作为看剧观众我们当然知道了她的付出，但真实生活中那个女员工对她的态度确实subtle而shitty。女员工还是忘了自己的身份，既然讲求上下级平等，那你也最好别觉得你比你老板优越。世界上的任何地方哪里又不是靠朋友，靠人脉打声招呼呢。你解决不了的东西，Rebekah只靠讲讲姐姐的八卦+offer记者公司股票就摆平了。做人可以骄傲，但是一定得看清自己的位置。虽然我这么写出来也觉得自己很搞笑。如果这么大一个事情真的只能靠老板娘道歉，也确实是公关团队的无用。

作为观察她们的关系，还是觉得悲哀。女员工的遭遇让我想起了美剧《白莲花》里小人物的遭遇。酒店服务员可以拒绝为有钱人服务，敷衍，甚至可与在有钱客人的箱子里拉shi，但是，你除了恶心一下有钱人还能怎么样。最后底层人物都是一尸两命，而有钱客人还是开开心心度假回去。女员工可以展现对老板太太的优越感，但展现的后果就是，老板太太解决了你解决不了的，下一秒就让你离职走人。

所有公关和法律团队的男员工都在让老板娘发表声明道歉。凭什么，没有Rebekah就没有Adam的发迹，他们远危成，女成男危，他们两个算是找到了让双方世俗价值最大+感情最稳的方式，他们两个的感情就是应该这么谈。凭什么，女人就该为自己说过的话道歉，所有人都在corner Rebekah让她签道歉声明。就像Rebekah和爸爸说话时讽刺“The lawyers”。律师在美国是象征可以保护有钱人的，知道所有秘密但因为有client confidentiality一个字也不能泄漏是suppose来保护你的。Pam and Tommy里也曾讽刺过律师。

律师不能保护你。你的尊严/利益只能靠自己来保护。

Rebekah确实没有承担对WeWork女性员工的责任，但她还是承担了对Adam的责任吧。如她自己剧里说的she had a privileged life，家人给她提供了她一切她想要的。所以在她身上更多的是个人主义，不是女性抱团的小圈子，也没承担过女性集体的痛苦。她像一个公主，公主顶上可能有长姐带来荣耀，但公主身边是没有其他大群姐妹淘的，公主只有高高在上，天真烂漫，纯真美好一人，接下来便是遇见邻国王子然后生下大群儿女。所以她面对其他女性的痛苦她会错愕，她会同情，但她其实无法理解。

当女性员工们在summer camp集体质问完她后她的第一反应不是公司原来对女性这么shitty而是问Adam “how could you let this happen to me!” Adam他懒得看到，反正女性的处境也不是他空手套白狼生活里的重心，unless it becomes a serious problem。于是女性的愤怒总在女性与女老板们之间消化着，女性总是在指责女性。

女性应该抱团，去challenge男性，比如自己的工位下有隔壁男同事的避孕套，比如到处都是人在啪啪啪，这种事情对女性很不好，但只要外面的人不知道，就对公司股价没有任何影响。没有影响Adam和高层管不管？Adam不管。但你抱团的结果是什么？你可能被开除。如果是我，我干什么？先以一种理智的方式address Rebekah和Adam，不管？八成估计不会管，人家两个人都在未来世界修仙呢。那不管我跳槽，辛苦就辛苦一点，有WeWork这个老东家去哪里不好跳。跳槽的时候把这些都抖给记者，也算是保全自己又帮了fellow女性的做法。但我现在是有上帝视角。Real life is shitty.

女性指责女性，这也是美国六七十年代女性运动逐渐走向衰落的一个原因。女员工们以一种泄愤、指责的方式指责Rebekah不知道她们工作的状况，Rebekah选择不看见这些情况并选择不处理此事，只是继续空口说大话”we are going to empower the world”。如她爸爸所说，Rebekah确实总是知道该说些什么。但她确实从来不是一个知道该做什么的人。那她和Adam也好，Adam去做事，Rebekah指路，夫妻共同利益最大化，双方都是对方的指引。

每一个进入藤校的人没有哪一个不想改变世界。Rebekah也想，她在Cornell荣誉毕业生，她想对标格温妮丝，她穿紫色的婚纱，她想做特别。

可以说《银湖之底》就是一部关于密码的创造、传播、转译、解码 的电影，也可以说它是一部关于流行符号和现代神秘主义的电影， 而有意思的是电影符号学又是一门广为传播的研究领域。《银湖之 底》中出现的许多令人困惑的、矛盾重重的难题，比如在追逐者/被 追逐者这一关系中的身份互换，对好莱坞黄金时代的符号的挪用与 讽刺，都是建立在这个基础之上：电影本身作为一种创造、传播符 号的媒介，它同时又在不断重复以往已经被建立了的符号。

我们这一代人其实对流行文化中传达的讯息非常敏感，也非常热衷 于去创造文化符号，同时去挖掘文化符号背后的含义（解码），就像游戏中的隐藏攻略一样。这一方面源于信息的爆发式增长让我们 对生活的精确度，或者说是精细化程度有了更高的要求，另一方面 也体现着碎片化信息摄入对自我认识的改变。解码是一个建立在已 有的知识体系之上的、独立地运用智力的过程，它的过程曲折，终 点有时候也很模糊，但一旦到达了终点，不管这个终点是人为引导 的结果还是自我开辟出来的，都能带给人满足感和成就感。这种满 足感建立在对自我的确立之上，能够使人陷入一种奇异的幻觉之中 ，好像我们重新夺回了对生活的掌控感。

但在《银湖》这部电影中，青年所找到的终点是如此地令人困惑甚 至不安，它打碎了我们对掌控感的幻想，再一次地强调自我意识的 虚幻。在青年走向音乐家的房子的路上，一幅遵循古典绘画透视法 的镜头揭示了这一点，音乐家的房子处于在画面的灭点之上，似乎 暗示着某种现代社会运行的宗教法则马上就会揭晓。

生活在娱乐业如此发达的当代社会，我们理所当然地将掌控我们情 绪的权力交给了流行音乐、商业电影、小说、戏剧，我们已经习惯 了由演员在舞台上代我们抱怨生活的不公，习惯了由小说里的主人 公来替我们剖析人性，习惯了被一首歌牵引出内心的回忆。在这种 控制-反应模式中，我们似乎无法分清自己的感情到底源于何处，从 而感到一种强烈的异化感和分裂感。

实在不太明白，都2021年，拍这种长篇的电视剧，拍的还是这么垃圾，这种题材我认为是很好的，也非常有戏剧性和故事性，好玩程度绝对比流水剧要好看的多，但是我不知道是拍的问题还是剪辑的问题，总之就是很烂，烂到还能上卫视台播出，知道不能用很多已经被验证了的规则来评论，但是呢，还是刷新了我的观点。

作者拍出来的感觉就跟要高潮射不出来一样，明明很好的题材，你就算拍的隐晦一点也没关系，涉及到一些你认为敏感的问题，不拍也没问题，但是不能有头无尾，你说你拍的有多少段是接不上的，说胡拼我都觉得侮辱这个词。

从开篇开始，你交代的背景就是回城，这片子直到我看有可能跟高考有关系的时候，我才能确定肯定是在哪个年代，你提到了高考，你拍出高考了，没有过程，没有结尾，江雪乱搞的男主，直接去国外了，这不是扯淡中的扯淡吗，个人在那个年怎么说，你就真的是权贵，你他妈还下乡啊。

大篇幅在修饰三角恋爱，感觉都是敢爱敢恨，扯淡吧，什么年代，大篇幅修饰的这个年代，就算了过了老三届，也做不到这么有思想，拍的就是对爱恨向往，生理需求一下没有，你觉得正常吗？片子里面的青年人都是没有性欲的，就知道瞎爱。

江梅的人物特性就是个二货，这种人设没问题，但是只要是大是大非面前马上就变成圣人了，这点就很匪夷所思，就算是他爸受到了WG的迫害（片中后来补发工资这段，以及开篇回城的状态，判断应该是没有遭受到），也不可能不帮助自己的大女儿的，这点太假了，但是关于陈向东开车的几个细节，江梅他爸，也是个没有原则的人，司机基本上可以是随便用，你想拍的隐晦，有很多种手法，你选择了一种最差的，这种拍发反而让人觉得太欠了。

江林的特性也没有什么塑造性，他爸作为出国学习过的人，竟然对学习不上心，至少拍出来的感觉是这样的，这点明显就不正常，喜欢这个欧阳红，前提是在李冰离开他们所在的城市后，基本上可以天天见的情况下，拿不下欧阳红，还跟个舔狗一样乐呵呵的，注意年代不正常，又是有头无尾。

欧阳红的人设是在不知道有什么必要设定，是规则了还是什么不能减少的必要，不得而知，没有推动剧情，人物的设定就跟傻子一样，拜师后，师傅教授了什么，京剧的什么，除了夜店走穴（灯光是那个年代的吗，你就是租用了人家的东西，省经费好吧，你好歹调调色这个总没问题吧，市场上4000块的“视觉设计师”都能干的很好，大不了套个模板都比这个好），记不住这个人设的目的，到欧艳红片尾的时候，大致年代应该在2000年之后左右，环境场景完全没有带入感，道具不是这个年代的东西。

李冰这个人物特性，除了被虐喜欢SM，不知道还有什么追求，他爸喝酒打他，这个没问题（当是没有家暴这个概念）可问题是，在愚民的环境，从小接触了，长大了还在感谢，感谢个毛啊（最后一集在大奔里面说在给他爸买辆车），不理解这种顺从的设定，是想告诉大家“被虐后的孝敬”也是我们的传统美德吗？而且最不可思议的一点就是，提到了深圳速度，这个没有错，错误的是，李冰这个人设，不会说话，不会来事的人，怎么单打独斗在一个陌生的城市中，快速的做到了经理，没有铺垫没有结尾。

其他的人物设定，出场的事件平均都没有太多，特点都有一个，就是都没有推动故事的发展，发展的推力就是导演，想怎么推就怎么推，比西游记还魔幻。

这种东西说真的还真不如看着穿着简单衣服的少男少女在电视前面蹦跶呢，至少心情是愉快的。

跟B站的《宫崎骏：十年一梦》一同观看的，在绍兴与宁波间的游荡看完的。宫崎骏先生的一生，是对匠人精神最好的诠释。

宫崎骏的电影，老少皆宜，不同的人会有不一样感触，年少时看懂了一些表面的故事，好人战胜了坏人，大家有一个美好的结局。长大之后，再细细品味，会觉得有的东西不太一样了，坏人没那么坏了，美好的东西自己更能感受到其中的美好了，真实世界时间过得很快，而在宫崎骏电影中，我能感受到时间在变慢。

有很多值得思考的观点，当时没有随手记录下来，事后却怎么想也想不起来了，就像是模模糊糊的梦~

我们所看到的每一部宫崎骏的电影，其背后的产生历程都不是那么地一帆风顺。组织、个人、权衡、取舍，一个人的能力是有极限的，组织是为了个人所不能完成的事情而存在的。而一个天才的人物，能够把一群优秀的人组织起来，共同完成电影的创作，这种能力其实也难得可贵。

刚刚坐下来回想，想起来的一幕是，一个小女孩对宫崎骏说，『爷爷，谢谢你画了哈尔的移动城堡』，能够给别人带来快乐与幸福，宫崎骏说，这是他的人生意义所在。

不计成本地付出，能够为一个四秒的镜头花费整个团队一年多的时间，这就是热爱吧，这就是感动神明的热爱。『工作现场有神灵』

超乎常人的坚持与热爱，对美好事物的不懈追求，永远追求完美。这是我所理解的宫崎骏的成功之所在！

希望老爷子能够活得更久些，能够带给我们更多的感动！